Milano, 7 apr. (askanews) – Della clamorosa stagione della maturità di Philip Roth si è scritto molto: i romanzi pubblicati a cavallo tra gli anni Novanta e i Duemila sono la prova di una grandezza letteraria sconsiderata, andata forse perfino al di là delle aspettative dello stesso scrittore. Non è il caso di tornare su una questione ormai irrecuperabile (ma tuttora inspiegabile) come il mancato Nobel, ma è certo che Roth ha costruito soprattutto nella seconda parte della sua vita un corpus di opere difficilmente ripetibile e, lasciatecelo dire, anche difficilmente immaginabile. Ma quando inizia effettivamente questa età dell’oro di Roth? Ogni risposta, ovviamente, può essere contestata ed è opinabile, ma, dovendo provare a scegliere, il punto di svolta – dopo la sbornia di popolarità di “Portnoy” (1969) e alcuni piccoli capolavori come “Lo scrittore fantasma” (1979) – possiamo collocarlo nel 1986, quando un 53enne Philip Roth pubblica “La controvita”, romanzo con diversi intrecci delle stesse vite, nel quale la morte, la malattia, il desiderio e la politica si intrecciano in una veste imprevedibile, tra Shakespeare, Freud e le spy story. Ma il botto più clamoroso in questo filone è del 1993, quando esce “Operazione Shylock”, romanzo spericolato e inafferrabile sul tema dell’identità e del doppio, ma anche sulla politica di Israele e sull’Intifada, sul sesso e sulla morte, insomma sull’inestricabile e spesso grottesco caos del mondo e del nostro dire “io”. Oggi il libro è il secondo titolo di Roth che esce per Adelphi, dopo che la casa editrice fondata da Roberto Calasso ha acquistato i diritti sulle opere dello scrittore di Newark (che nel frattempo sono diventate difficili da reperire in Italia per via proprio di questa acquisizione e in attesa delle nuove edizioni, cosa che ha sollevato diverse polemiche nel mondo dell’editoria e tra i lettori).

Questa nuova versione di “Operazione Shylock” appare nella traduzione di Ottavio Fatica (che negli scorsi anni ha anche ritradotto “Moby Dick”) e con una prefazione – cosa apprezzabilissima, che andrebbe fatta di più e senza timidezze – di Emmanuel Carrère. E allora partiamo da lui per provare a spiegare chi è stato Philip Roth: “Niente, mai – scrive l’autore di “Limonov” – è riuscito a imbrigliare la sua libertà, la sua capacità di interpretare tutti i ruoli, di occupare a turno tutte le posizioni, di difenderle o demolirle con voluttuosa onestà”. Vale per gran parte della bibliografia di Roth – non mancano romanzi deboli, per fortuna (e non sono solo gli ultimi), ma circondati comunque da meraviglie – ma vale soprattutto per il Roth di Shylock che fisicamente affronta un altro Philip Roth, che con il suo stesso nome e la sua stessa faccia sostiene idee opposte a quelle dello scrittore (ma è davvero così? In fondo scopriremo di non saperlo) e si fa convinto portavoce del diasporismo, ossia il contrario del sionismo, teorizzando la necessità per gli ebrei di lasciare Israele e tornare nei Paesi europei da cui erano fuggiti. In una Gerusalemme febbrile, incendiata dalla prima Intifada, i due Roth del romanzo si muovono e si confrontano, attraversano confini fisici e morali e, alla fine, potremmo anche pensare che sia difficile distinguerli, ma le certezze, in un romanzo pieno di cose fino a scoppiare, quelle no, non ci sono.

“Che cosa è vero? Che cosa è falso?” si chiede Carrère aprendo il suo scritto. La risposta probabilmente, per entrambe le domande, è sia “niente” sia “tutto”. Troppo facile? Solo in apparenza, perché come ci ricorda Roth (lo scrittore, almeno in teoria), “la spettrale e demenziale apparenza era, di fatto, il marchio stesso della sua indiscutibile, vivida realtà e che, quando la vita meno somiglia a quanto dovrebbe somigliare, forse allora è più che mai simile a ciò che dovrebbe essere, qualunque cosa sia”. Viene in mente quello che diceva Kurt Vonnegut a proposito del suo personaggio Howard W. Campbell, la più grande spia della Seconda Guerra mondiale, talmente bene infiltrato dallo spionaggio americano nei gangli del potere nazista da finire condannato come vero nazista: “Noi siamo quello che facciamo finta di essere, quindi dobbiamo stare molto attenti a ciò che fingiamo di essere”. In “Operazione Shylock” Roth fa un passo ancora ulteriore in avanti, perché i suoi personaggi sanno di (non) stare fingendo e, nonostante questo, lo fanno con ancora maggiore intensità. Il mondo è un labirinto di specchi, nel quale si incontrano il Mossad e intellettuali palestinesi tristi che lanciano sassi contro l’occupazione, una seducente e caotica infermiera, il reale scrittore Aharon Appelfeld e un giovane militare israeliano che nel corso di una brutale perquisizione notturna riconosce Roth, essendo un suo lettore. Un labirinto di specchi che esplodono di continuo e il riflesso di tali esplosioni diventa questo romanzo, questa “confessione”, come recita il sottotitolo, che una nota finale dichiara, dopo 450 pagine vertiginose, essere “falsa”, e possiamo anche crederci (sebbene lo stesso Roth, diabolico e letterario fino in fondo, abbia poi negato la veridicità di questa falsità nelle interviste), ma il punto non cambia: tutto quanto il romanzo resta come un monumento alla letteratura ostinatamente libera di Philip Roth, alla sua grandezza radicale e precaria che, due anni dopo Shylock, prenderà la forma di un altro capolavoro totale come “Il teatro di Sabbath” e due anni dopo ancora quella di “Pastorale americana”, forse il suo libro oggi più popolare.

Roth è stato un gigante assoluto, probabilmente ancora non la abbiamo colta fino in fondo la sua grandezza, come spesso accade con gli autori che hanno segnato epoche in modo profondamente originale, pensate a Philip Dick oppure a Jerry Salinger, il primo nascosto dall’etichetta della fantascienza di serie B e il secondo dal disumano clamore che Holden gli ha riversato addosso, cancellando tutto dello scrittore e obbligandolo alla fuga. Roth non è fuggito in quel modo, né ha indossato la camicia del profeta, ma la lucidità acuminata delle sue (tante) pagine migliori lo ha reso inevitabilmente una forma di oracolo. Al quale lui per primo non ha mai creduto (era amico di Primo Levi, di Norman Manea e di Milan Kundera, come avrebbe potuto fare diversamente?) e oggi è divertente pensare che avrebbe potuto riferire anche a se stesso il pensiero che il Philip Roth di “Operazione Shylock” rivolge al suo doppio nel romanzo: “Era impossibile dire fino a che punto fosse davvero un ciarlatano”. Chissà che la “confessione” non sia proprio questa. (Leonardo Merlini)

Milano, 7 apr. (askanews) – Un’immersione duplice nel mondo di Samuel Beckett attraverso una delle sue opere più note, “L’ultimo nastro di Krapp” e una delle meno conosciute, “Quella volta”, che vanno in scena insieme al Teatro Elfo Puccini a Milano con la regia di Francesco Frongia e l’interpretazione di Ferdinando Bruni. Due testi diversi, due imprese attoriali diverse, unite dalla figura di Beckett, probabilmente il più importante scrittore del secondo Novecento, e dalla sua capacità di diventare autore assoluto, ma anche regista assolutamente preciso.

“Senti che Beckett ti sta parlando – ha detto Frongia ad askanews – Beckett non smette mai di dare indicazioni e cerca sempre di guidare. Si sente che ha uno sguardo non solo da scrittore, ma anche da artista, vero e quello che succede è che tu sei sempre accompagnato in quello che stai facendo. Ed è molto interessante perché hai come qualcuno che sta con te, di solito il regista è da solo, questo caso senti la presenza dell’autore, la senti molto forte ma anche molto vicina, è una presenza molto sensibile, le cose che dice non sono mai scontate, non sono mai banali e ti aprono veramente delle possibilità”.

Se Krapp è un’opera classica, sempre sospesa sopra l’impossibilità di trovare un senso al mondo, “Quella volta” è un testo più d’avanguardia, un intreccio di voci dello stesso protagonista, messo in scena per la prima volta nel 1976, e prevede più ascolto che recitazione.

“Il testo – ha aggiunto Bruni – è una specie di rappresentazione cubista di una vita, credo che allo spettatore arrivino una serie di immagini, di flash che piano piano costruiscono questa vita, ovviamente anche quella finita male, ma molto mosso in questo caso. L’ultimo nastro di Krapp è stato rinchiuso dentro una stanzetta, un cubo, qui invece è come se questo cubo esplodesse attraverso tutte queste immagini che raccontano una vita. E il mio compito, è un compito apparentemente semplice ma non è così fino in fondo, è stare per 18 minuti, che è il tempo in cui dura questo pezzo, di più non potrebbe durare penso, ad ascoltarlo sera dopo sera immobile con gli occhi chiusi”.

Entrambe le opere esplorano la sottrazione di Beckett, il suo togliere per ridurre sempre più all’osso l’idea stessa di teatro, sono drammatiche, ma sempre consapevoli del grottesco e dell’impossibilità di tirare le fila, soprattutto delle nostre stesse vite.

I due spettacoli vanno in scena all’Elfo Puccini dal’8 aprile al 17 maggio, con una sospensione dal 27 aprile al 4 maggio.

Milano, 7 apr. (askanews) – Sono stati circa 750 mila gli ingressi registrati nei musei, nei parchi archeologici e negli altri luoghi della cultura statali nel fine settimana di Pasqua e Pasquetta. Nei tre giorni di aperture si contano 57mila visitatori in più rispetto allo stesso periodo dello scorso anno, con un incremento complessivo di circa il 9%. Lo ha comunicato in una nota il ministero della Cultura, precisando che a questi numeri si aggiungono 31.714 visitatori delle Gallerie degli Uffizi – Giardino di Boboli e 24.092 ingressi del ViVe – Vittoriano e Palazzo Venezia.

Di seguito il ministero riporta i primi dati provvisori delle giornate del 4-5-6 aprile 2026 in ordine di affluenza per quanto riguarda i siti più frequentati: Parco archeologico del Colosseo – Colosseo. Anfiteatro Flavio 81.841; Parco archeologico del Colosseo – Foro Romano e Palatino 68.136; Parco archeologico di Pompei – Area archeologica di Pompei 52.812; Pantheon – Basilica di Santa Maria ad Martyres 49.393; Gallerie degli Uffizi – Gli Uffizi 33.953; Reggia di Caserta 27.221; Galleria dell’Accademia di Firenze 24.402; Musei Reali di Torino 21.892.

Roma, 8 apr. (askanews) – La Società delle Api, organizzazione non profit fondata e presieduta da Silvia Fiorucci, svela i suoi progetti per il 2026. La sede da poco inaugurata a Roma ospiterà dal 22 aprile al 23 settembre “Soglia / Common Acts” curata dall’artista Francis Offman, che presenterà una mostra collettiva a partire dalla collezione di Silvia Fiorucci, mentre negli stessi spazi di via Gregoriana, dal 9 ottobre a fine gennaio 2027, arriveranno le opere di Chiara Camoni, l’artista che rappresenterà l’Italia alla Biennale di Venezia, con una mostra curata da Alice Motard.

Il lavoro svolto dalla Società delle Api però va molto al di là dell’organizzazione delle mostre: è uno spazio di condivisione, dialogo, scambio, progettazione di cui fanno parte, artisti, designer, curatori, direttori di musei, studiosi. Silvia Fiorucci ha spiegato: “La Società delle Api nasce dal desiderio di costruire una comunità reale attorno agli artisti, offrendo loro non solo uno spazio, ma un contesto in cui poter sviluppare e condividere la propria ricerca. Il programma riflette questa idea: ogni progetto è un’occasione di incontro, un gesto di apertura, un modo per abitare insieme un luogo e trasformarlo”.

Nel 2026 le progettualità si radicano nella sede romana, cuore del progetto, si estendono a Venezia e Kastellorizo, e prevedono ospitalità e residenze artistiche. Se da metà aprile e per tutto il periodo della Biennale proprio Chiara Camoni e il suo team verranno ospitati a Palazzo Lezze Michiel a Venezia, a Roma ci sarà la residenza artistica di Pol Taburet, pittore francese che esporrà a Villa Medici dal 15 maggio prossimo. Dal 17 al 31 luglio e dal 31 agosto al 14 settembre sarà la volta della Residenza d’artista di Valentine Prissette, che si concentrerà sulla produzione di dipinti su tessuto a partire da materiali e oggetti trovati nel contesto urbano romano.

Terzo elemento della programmazione della Società delle Api a Roma sarà il “Public program”, che prevede tra maggio e luglio incontri dedicati alla poesia contemporanea a cura di Allison Grimaldi Donahue, e nei primi mesi del 2027 “Your Body, Your Habitat” curato da Bianca Felicori, riflessione sul rapporto tra corpo, abito e architettura, a partire dall’idea del vestito come prima forma di habitat.

Milano, 8 apr. (askanews) – Venerdì 10 aprile alle ore 18.00, presso Spazio 5, nel quartiere Prati a Roma, si terrà un incontro pubblico con il fotografo Luciano del Castillo, protagonista di una conversazione con il giornalista e inviato Alfredo Macchi. L’evento è organizzato da Maurizio Riccardi. Nel corso dell’incontro sarà presentata e proiettata una raccolta di immagini che attraversa oltre quarant’anni di lavoro (1980-2026), offrendo uno sguardo potente e coerente sulla storia contemporanea. Parallelamente alla proiezione e al dialogo, nella sala sarà allestita una selezione di fotografie di Luciano del Castillo, concepita come un percorso di memoria e consapevolezza. Un invito a riflettere sul valore narrativo delle immagini: non strumenti capaci di cambiare la realtà, ma capaci di interrogarla in profondità, spingendo chi guarda a prendere posizione e a trarne le proprie conseguenze. Del Castillo ripercorrerà alcune delle tappe più significative della sua attività, maturata tra la fine del Novecento e i primi anni del nuovo millennio: dalla cronaca di mafia a Palermo documentata per il quotidiano L’Ora, alla caduta della Cortina di ferro e alle trasformazioni dell’Europa dell’Est, da Tangentopoli e la fine della Prima Repubblica fino ai conflitti successivi all’11 settembre. Il racconto si estenderà alle aree di crisi internazionali per concludersi con uno sguardo sull’America Latina, con particolare attenzione a Cuba. Un percorso che, simbolicamente, si muove tra due isole: dalla fotografia “Compare Turiddu”, realizzata nei primi anni Ottanta nell’entroterra siciliano, fino a “Amo esta isla”, scattata nell’isola caraibica. Un viaggio per immagini e memoria che restituisce, attraverso uno sguardo diretto e partecipe, la complessità di un mondo che sembra ripercorrere ciclicamente le proprie contraddizioni. L’incontro rappresenta un’occasione per riflettere sul valore del fotogiornalismo come strumento di testimonianza, analisi e coscienza civile. La mostra “Nero su Bianco”, curata da Maurizio Riccardi, si inaugurerà il 10 aprile e sarà visitabile tutti i giorni (escluse domeniche e festivi) fino al 30. Ingresso libero fino a esaurimento posti.

Milano, 3 apr. (askanews) – Torna a Chieri dal 12 al 19 aprile il Nice Festival, rassegna internazionale dedicata al circo contemporaneo organizzata dal Centro nazionale di produzione blucinQue Nice, giunta alla quinta edizione.

Per otto giorni il Parco Robinson, dove sarà allestito uno chapiteau, e Piazza Cavour ospiteranno nove spettacoli tra indoor e outdoor, con oltre cinquanta artisti provenienti da Europa e America Latina. Il programma si rivolge a un pubblico ampio e intergenerazionale e affianca agli appuntamenti serali attività dedicate alle scuole, con l’obiettivo di rafforzare il legame tra creazione artistica, formazione e territorio.

“Il Nice Festival è oggi uno spazio di incontro tra artisti, giovani talenti e comunità, capace di valorizzare il circo contemporaneo come linguaggio vivo e accessibile”, sottolinea il direttore artistico Paolo Stratta.

Tra i titoli in cartellone ci sono “Magari ci fosse il sole” dell’Accademia Cirko Vertigo, Vertigine di Giulietta, “Why” della compagnia blucinQue, “Maelstrom” di ALUD Company, “This is not a love song” di Otra Vez Lunes e “Cabaret Sauvage” in Piazza Cavour.

Il festival è realizzato con il contributo della Città di Chieri e il sostegno del ministero della Cultura, della Regione Piemonte, della Fondazione CRT e della Fondazione Compagnia di San Paolo.

Bologna, 2 apr. (askanews) – Deposito di paglia, magazzino militare, autofficina, garage: l’Ex Chiesa di San Barbaziano a Bologna ha attraversato quattro secoli di trasformazioni prima di tornare alla città. Nel 2019 la Direzione Regionale Musei Emilia-Romagna ha affidato il restauro allo Studio Poggioli. Il progetto è oggi tra i quaranta migliori d’Europa selezionati agli EUmies IiuMIS Awards 2026. “La prima fase – spiega l’architetto Federico Poggioli – è stata una ricerca negli Archivi di Stato per ricostruire l’identità della chiesa attraverso le varie funzioni d’uso che l’hanno caratterizzata nel tempo”.

Caterina Poggioli, architetto dello Studio Poggioli, ricostruisce le trasformazioni dell’edificio: “E’ stata tutta una sorpresa. Dal momento in cui abbiamo avuto accesso agli archivi abbiamo scoperto la storia di questa chiesa, che ha tantissimo da raccontare: dalla sua fondazione, datata 432, per opera del vescovo Petronio, fino al 1480, quando passa all’ordine dei Girolamini di San Gerolamo dell’Osservanza. A loro vengono assegnate sia la chiesa che l’annesso convento. Verso la fine del Cinquecento i Girolamini sentono l’esigenza di ampliare l’edificio e chiedono all’amministrazione pubblica di poter occupare parte della pubblica via”.

Sei anni di lavoro per riportare alla luce l’identità dell’edificio seicentesco di Pietro Fiorini, senza cancellarne il vissuto. Corten sulle facciate, ottone brunito per i portali: materiali scelti per dialogare con laterizio e arenaria originali. “Ha vissuto diverse vite – prosegue Federico Poggioli – e bisognava cercare in qualche modo di preservare anche questa diversità di funzioni d’uso e riportarla ad oggi”.

Nei suoi 460 metri quadrati i segni del tempo restano visibili. Il sito è stato aperto con visite guidate gratuite, nell’ambito del programma europeo Out & About promosso dalla Fondazione Mies van der Rohe. Prima di accogliere al suo interno il Centro di Documentazione per le Arti Circensi e Performative. “La storia è stata storia – conclude Caterina Poggioli -, noi abbiamo voluto lasciare tutti i segni del passaggio di quello che è successo nel tempo. Evolve con le esigenze che ci sono ora, quelle di adibire lo spazio a questo centro culturale”.

Roma, 2 apr. (askanews) – Riparte da Roma, dall’Istituto Penale per i Minorenni di Casal del Marmo, la nuova edizione di “Libri Liberi”, la rassegna che porta i grandi capolavori della letteratura all’interno delle carceri, trasformando ogni incontro in un’esperienza di condivisione, riflessione e dialogo. Il primo appuntamento, in programma il 9 aprile, propone la proiezione di “Zvanì – Il romanzo famigliare di Giovanni Pascoli”, film diretto da Giuseppe Piccioni. A seguire, un momento di confronto aperto vedrà protagonista l’attrice Benedetta Porcaroli, interprete del film, in dialogo con la giornalista Laura Pertici. Un’occasione per intrecciare cinema e letteratura, memoria e attualità, in uno spazio in cui le storie diventano strumenti di crescita personale.

Il progetto “Libri Liberi” torna nelle carceri con un percorso articolato in sette tappe distribuite nell’arco dell’anno, attraversando diverse città italiane, tra cui Roma, Firenze, Napoli, Milano e l’Isola di Gorgona. In ciascun appuntamento, personalità del mondo della cultura e dello spettacolo accompagneranno i detenuti in un viaggio attraverso le opere letterarie, dando voce ai testi e stimolando un confronto diretto e partecipato. I titoli scelti spaziano dai grandi classici, come Cime tempestose di Emily Brontë, alla non fiction narrativa con La chiamata di Leila Guerriero. E ancora, a testimonianza della varietà e della ricchezza dei percorsi proposti, saranno al centro della discussione opere come Il Ventre di Napoli di Matilde Serao, Il Saltatempo di Stefano Benni, “Amatissima” di Toni Morrison, Fuoco Amico di Giuliana Sgrena e Il Nibbio, film del regista Alessandro Tonda.

Tra i protagonisti di questa edizione ci sono Paolo Briguglia e Lorenza Pieri, Claudio Santamaria e Giovanna Botteri, Claudio Bisio e Daria Bignardi, Claudia Gerini e Diego De Silva, Giorgio Pasotti e Veronica Raimo, Alessandro Preziosi e Chiara Francini: presenze che testimoniano il valore di un progetto capace di unire linguaggi artistici diversi nel segno della condivisione culturale.

Promossa dalla Fondazione De Sanctis, con il patrocinio del Ministero della Giustizia – Dipartimento dell’Amministrazione Penitenziaria (DAP) e Dipartimento per la giustizia minorile e di comunità (DGMC), della RAI e con il supporto di Poste Italiane e Fondazione Lottomatica -, la rassegna si propone di offrire ai detenuti l’opportunità di esplorare mondi narrativi alternativi e di confrontarsi con le grandi temi dell’esistenza attingendo dalla letteratura.

“Crediamo profondamente nelle potenzialità di questo progetto, che mette in dialogo il mondo della scrittura e quello del cinema per una missione sociale concreta: offrire strumenti e opportunità che favoriscano crescita, creatività e confronto. L’esperienza maturata nei precedenti incontri, caratterizzati da ampia partecipazione e sincero apprezzamento da parte dei destinatari, ci ha confermato il valore di questo percorso. È anche per questo che abbiamo scelto di proseguire e ampliare l’iniziativa, portandola in ulteriori istituti penitenziari con il coinvolgimento di altri ospiti”, ha dichiarato Francesco De Sanctis, Presidente Fondazione De Sanctis.

Gli incontri non si limitano alla fruizione passiva, ma diventano spazi vivi di partecipazione: letture ad alta voce, dialoghi e momenti di scambio trasformano il pubblico in protagonista, favorendo un coinvolgimento autentico e diretto. In questo contesto, il patrimonio letterario e cinematografico si fa esperienza condivisa, capace di generare empatia, consapevolezza e nuove prospettive.

“Libri Liberi” si inserisce così in un più ampio orizzonte di promozione della cultura come strumento di riscatto sociale e personale. Un progetto che riconosce nella parola scritta e raccontata una possibilità concreta di rinascita, offrendo ai partecipanti un’occasione preziosa per riscoprire se stessi e il proprio ruolo all’interno della comunità.

Milano, 2 apr. (askanews) – Era davanti a un supermercato, occhiali da sole, nessun séguito. È stato lui a fermarsi, sentendoci parlare italiano. Nesta Carter – 9″78 sui 100 metri a Rieti nel 2010, ancora oggi il tempo più veloce mai corso su una pista italiana, dodicesimo nella classifica mondiale di tutti i tempi – sorride e spiega: per oltre dieci anni la nazionale giamaicana ha usato Lignano Sabbiadoro come base di allenamento estivo. “L’Italia è diventata come una parte di noi”, dice. “Da lì ci muovevamo per gareggiare in Europa. Abbiamo un’altra famiglia anche lì”. Poi si allontana, senza fretta.In Giamaica capita così: l’isola che ha trasformato lo sprint in una questione nazionale ti viene incontro senza preavviso.

Carter è compagno di squadra di Usain Bolt e fa parte di una generazione – insieme a Yohan Blake e Asafa Powell – che ha trasformato un’isola di meno di tre milioni di abitanti nella capitale mondiale dei 100 metri. Il segreto, dice, comincia tra i banchi di scuola. I Boys and Girls Championships, la competizione nazionale tra licei, riempiono ogni anno lo stadio di Kingston con oltre trentamila spettatori. “Cominciamo con i campionati scolastici e prima ancora con le competizioni preparatorie. Poi ci sono le gare dei Caraibi e da lì si passa ai Mondiali junior. Questo grande inizio nell’atletica è davvero la base di come diventiamo bravi”. Alle superiori capita che ragazzi corrano i 100 metri sotto i 10″30 – tempi che in molti paesi europei basterebbero già per i campionati nazionali. Carter ha lasciato le piste, ma il suo 9″78 di Rieti è ancora nelle tabelle mondiali.

Quello che Carter ha portato in Europa per vent’anni – velocità, disciplina, un’identità riconoscibile ovunque – la Giamaica lo fa anche con il cibo. Il jerk è l’altro elemento che questa isola ha saputo imporre al mondo restando fedele a se stesso. La storia comincia nell’interno montuoso, tra i Maroons, gli schiavi africani fuggiti dalle piantagioni coloniali e rifugiatisi nelle montagne. Il cibo era sopravvivenza – carne speziata, fuoco controllato, fumo tenuto basso per non attirare le pattuglie. La carne veniva cotta in fosse scavate nel terreno e coperte di foglie. Da quella necessità è nata una cultura. A Kingston, il Jamaica Food and Drink Festival riunisce ogni anno cuochi, venditori e gente del posto – turisti pochi, quasi nessuno. Le griglie si accendono, il reggae arriva dal palco. Attorno ai sound system – gli impianti mobili di casse, mixer e dj che in Giamaica sono da decenni un pezzo centrale della cultura popolare – si ritrova gente di ogni età. In occasioni come questa si balla il reggae a tutte le ore e in tutte le sue varianti e si ascolta ancora Bob Marley, che qui resta un patrimonio nazionale.

L’odore del jerk si riconosce prima ancora di vederlo: pimento, carne arrostita lentamente, peperoncino scotch bonnet che punge la gola già nell’aria. Poi arrivano i gesti: il coperchio che si solleva, la nuvola di fumo, il coltello che batte sul tagliere. Quello servito negli hotel è spesso una versione educata, ammorbidita per i palati in vacanza. Quello degli stand conserva qualcosa di più diretto: meno elegante, più vicino all’originale.

Per chi arriva dall’Italia, la porta d’ingresso più semplice è Montego Bay, raggiungibile da Milano Malpensa con volo diretto Neos. Da lì l’isola comincia a srotolarsi lungo la costa nord. Ocho Rios è uno dei centri turistici più frequentati. Il Sandals Ochi – il più grande resort della catena, adults-only, con diciassette ristoranti e un campo da golf affacciato sul mare – è una delle strutture di riferimento della zona. Accanto ai grandi resort la vita scorre in modo diverso: guesthouse familiari, ristoranti locali, mercati improvvisati.

Proseguendo verso ovest si arriva a Negril. La Seven Mile Beach è una lunga distesa di sabbia chiara e mare basso – il nome promette sette miglia, in realtà sono circa 6,5 chilometri, ma verso sera, quando la luce diventa arancione sull’acqua, nessuno si mette a fare misurazioni. Fino agli anni Sessanta Negril era un villaggio di pescatori raggiungibile con fatica dal resto dell’isola. Poi arrivò la strada asfaltata da Montego Bay e, quasi insieme, i primi backpacker americani ed europei: dormivano in capanne di legno sulla sabbia, pagavano pochi dollari, restavano settimane. Poi arrivarono gli hotel. Una norma locale limita però l’altezza delle costruzioni lungo la costa all’altezza delle palme, e il profilo della spiaggia è rimasto sorprendentemente intatto.

Al mattino presto Negril appartiene ancora ai pescatori: le barche leggere rientrano, qualcuno corre lungo la battigia prima che arrivi la gente. Poi la spiaggia si riempie. Arrivano i lettini, la musica reggae, i catamarani sull’acqua limpida. Camminando si passa dai resort ai piccoli bar locali, dall’odore del jerk che sale dai grill ai venditori di frutta. A un certo punto, tra gli ombrelloni, qualcuno si avvicina: “Ganja?”. La proposta arriva sottovoce e scompare subito se manca interesse. In Giamaica la cannabis ha un significato culturale e religioso nella tradizione rastafariana: dal 2015 il possesso di piccole quantità è stato depenalizzato.

Negril ha però due lati. Da una parte la spiaggia. Dall’altra il West End, dove la costa diventa rocciosa e le strutture si affacciano direttamente sulle scogliere. Qui si trovano hotel boutique più raffinati e silenziosi, come The Cliff Hotel. Taji Reid, responsabile dell’accoglienza, racconta che negli anni dopo la pandemia molti viaggiatori hanno iniziato a cercare esattamente questo. “Quando esci dall’hotel, parli con la gente, vai al mercato o in spiaggia, allora capisci davvero di essere in Giamaica”.

Al Rick’s Café, aperto nel 1974 sulle scogliere del West End – primo bar pubblico di questo tipo a Negril – i turisti si tuffano dai bordi rocciosi mentre gli altri guardano. La luce cambia, il mare si scurisce. Sopra i tavoli arrivano i cocktail della casa: rum punch, Cliff Hanger, Shark Bite. Il rum giamaicano è l’ingrediente che torna sempre, in ogni bicchiere. Il sole scende dritto sull’orizzonte del Mar dei Caraibi – Negril guarda direttamente verso ovest, e i tramonti qui non hanno concorrenza. I ristoranti si riempiono, la musica arriva dai bar.

I Maroons cucinarono per sopravvivere. Nesta Carter gareggiava per un’isola intera. Il suo 9″78 di Rieti è ancora lì, nelle classifiche mondiali: un segno lasciato da un paese piccolo che continua a farsi sentire molto al di là dei suoi confini.

Milano, 2 apr. (askanews) – Torna con la sua 19esima edizione il Festival Internazionale della Cinematografia Sociale Tulipani di Seta Nera, confermandosi un appuntamento importante per il racconto delle diversità e delle trasformazioni culturali attraverso il linguaggio audiovisivo. Il Festival apre ufficialmente una nuova stagione, rilanciando il concorso e presentando le opere in gara per il Premio Sorriso Rai Cinema Channel. Testimonial 2026 sono Antonia Liskova e Alessio Vassallo, rispettivamente madrina e padrino della selezione dei film sociali per Rai Cinema Channel. Un festival che rinnova la propria natura ibrida, capace di coniugare lo stupore dello spettacolo con l’urgenza della riflessione, e che rimette in primo piano l’essere umano come origine del racconto: una presenza viva, mai neutrale, capace di trasformarne forma e significato.

Cuore della programmazione è il valore della narrazione come strumento di inclusione: storie che restituiscono centralità all’esperienza umana – nelle sue fragilità, unicità e differenze – e la riconducono al nucleo più autentico del nostro tempo. Il Festival si svolgerà dal 7 al 10 maggio presso il The Space Cinema Moderno di Roma, offrendo al pubblico e agli addetti ai lavori quattro giorni di proiezioni e incontri, e rappresentando un’importante occasione di confronto e approfondimento sui temi della cinematografia sociale.

Roma, 2 apr. (askanews) – Si è conclusa la Settimana del Podcast 2026, culminata nel Podcast Summit, che ha visto protagonisti i grandi temi sociali e civili del nostro tempo: dal conflitto israelo-palestinese, raccontato attraverso le testimonianze del collettivo ControVoce con Ero di Gaza e dall’esperienza sul campo del giornalista e podcaster Valerio Nicolosi, alla situazione delle carceri italiane affrontata dal podcast Gattabuia di Fandango Podcast, fino alla memoria dell’esodo giuliano-dalmata narrata nel podcast La Gita di 24Ore Podcast, che restituisce quella vicenda storica attraverso la voce di una bambina profuga, che oggi la rievoca da anziana.

Spazio anche alla riflessione sul giornalismo narrativo, sui casi di criminalità e dei cold case italiani con Doppio Fondo, di Carlo Annese, direttore di Piano P.

Tra i momenti più significativi, la finale del Premio Podcast a Scuola, che ha visto entrare in nomination 35 scuole, dalla primaria alla secondaria di secondo grado. Il Premio rappresenta oggi il terzo pilastro di un percorso strutturato da ASSIPOD.org – Associazione Italiana Podcasting per la diffusione del podcasting nella didattica, insieme al programma di certificazione per formatori podcast nella scuola e alla partnership con INDIRE. L’obiettivo è promuovere una cultura del podcast come strumento didattico trasversale, capace di sviluppare competenze linguistiche, digitali, critiche e collaborative.

I vincitori del Premio Podcast a Scuola sono stati: Scuola primaria: “Radio Doc, voci e immagini dal territorio” – IC M.L. King (Roma); Secondaria di I grado: “Scuola 2025” – IC G.B. Puerari di Sospiro (Cremona); Secondaria di II grado: “CantiPod – dal Cantico alla comunicazione della Gen Z” – Istituto Silvio D’Arzo di Sant’Ilario d’Enza (Reggio Emilia).

Ampio spazio è stato dedicato al tema dell’uguaglianza di genere nel mondo del podcast, sostenuto da ASSIPOD.org. Il Summit ha rilanciato il patrocinio dell’iniziativa Tutte abbiamo voce promossa da Ester Memeo, membro del consiglio direttivo di ASSIPOD, sottolineando la necessità di una rappresentazione più equa e inclusiva del podcasting femminile.

La Settimana si è conclusa con la presentazione della rivista Podcast, la prima rivista italiana interamente dedicata al mondo di podcast, audiolibri e digital audio. Annunciato anche Pod Journalist, un programma formativo con training on the job rivolto ai giovani che desiderano lavorare nel giornalismo, con un forte focus sulle competenze narrative e produttive legate al podcasting.

“Il podcast non è solo un media, ma un ecosistema culturale che connette scuola, informazione, editoria e impegno civile – afferma Giulio Gaudiano, presidente di ASSIPOD – e si conferma uno strumento contemporaneo capace di generare consapevolezza e partecipazione”. Un settore in crescita che guarda al futuro con nuove professionalità, nuovi linguaggi e un sempre maggiore impatto culturale e sociale.

Roma, 3 apr. (askanews) – Appena uscito in libreria “Estremi. Il mondo in bilico tra caos e polarizzazione” di Gianluca Ansalone. Un saggio per comprendere le tensioni del nostro tempo e immaginare nuove risposte di governo davanti a guerra, tecnologia, clima, migrazioni e divisioni geopolitiche, con prefazione di Francesco Rutelli. Il volume propone una riflessione sul presente, segnato da spinte radicali, conflitti e contrapposizioni che stanno mettendo sotto pressione la capacità delle classi dirigenti e degli Stati di governare il cambiamento.

“Viviamo – afferma Gianluca Ansalone – in una stagione in cui gli estremi tendono a imporsi come cifra dominante delle relazioni internazionali, della politica e della vita pubblica. E’ necessario leggere con lucidità i processi che stanno trasformando il mondo e che rischiano di compromettere la capacità degli Stati e delle classi dirigenti di governare il cambiamento. Quando la radicalità degenera in polarizzazione, e la polarizzazione nella negazione delle ragioni dell’altro, il risultato è una spirale che alimenta instabilità, conflitto e disordine. Oggi più che mai serve una visione realista, capace di sottrarsi alle semplificazioni ideologiche e di costruire risposte efficaci davanti a sfide come il ritorno della guerra, il potere dei para-Stati tecnologici, il clima che cambia, le migrazioni di massa e la frammentazione degli equilibri globali. “Estremi” nasce da questa urgenza: comprendere il presente per evitare che l’esasperazione diventi irreversibile”.

Gianluca Ansalone è manager di imprese multinazionali. Nel corso della sua vita professionale ha svolto incarichi istituzionali presso la Presidenza del Consiglio dei Ministri, il Comitato Parlamentare per la Sicurezza della Repubblica (CoPaSiR) e la Presidenza della Repubblica. È docente di Geopolitica e Strategia presso il Campus Biomedico e la Scuola Ufficiali Carabinieri.

Milano, 3 apr. (askanews) – “Dobbiamo prendere atto che siamo entrati irreversibilmente in un cambio d’epoca. Mai prima l’umanità aveva vissuto una serie così profonda e radicale di cambiamenti per di più contemporanei. Fenomeni come il cambiamento climatico, il ritorno della guerra, la demografia e le migrazioni di massa, l’avvento impetuoso dell’intelligenza artificiale e il ruolo delle piattaforme tecnologiche disegnano un mondo in cui le vecchie regole non esistono più e prevale purtroppo un’unica grande regola, quella del più forte”. È quanto dichiara Gianluca Ansalone, manager di imprese multinazionali, docente di Geopolitica e Strategia presso il Campus Biomedico e la Scuola Ufficiali Carabinieri, autore del saggio “Estremi. Il mondo in bilico tra caos e polarizzazione”, appena uscito in libreria.

“Di fronte alla ridefinizione del mondo in sfere di influenza, le classi dirigenti, in particolare la politica, trovano conveniente rendere radicali, cioè estreme, le loro posizioni ideologiche. Ma di fronte a questi cambiamenti, la rassegnazione non è un’opzione, un sentimento altrettanto estremo. Nel mio libro “Estremi, il mondo in bilico tra caos e polarizzazione”, provo a suggerire ed avanzare ricette radicali, ma pragmatiche per scongiurare l’ipotesi del baratro”, conclude.

Roma, 3 apr. (askanews) – Un percorso tra Museo dei Bronzi Dorati, Foro Valerio e centro storico per costruire una città multimediale con un obiettivo chiaro: lo sviluppo turistico. L’amministrazione comunale, con il progetto “Pergola città multimediale – Museo diffuso della romanità, dei sapori e delle eccellenze territoriali”, ha vinto il bando regionale dedicato ai territori interni. E’ stato presentato presso Confcommercio Marche Nord. Pergola, da sempre, fa parte del progetto turistico Itinerario della Bellezza, curato dall’associazione. “Un risultato concreto – ha sottolineato il sindaco Diego Sabatucci – costruito su un progetto serio: 960.000 euro complessivi, di cui 750.000 finanziati dalla Regione Marche e 210.000 di cofinanziamento comunale. Un ringraziamento alla Regione e alla Giunta Acquaroli per aver creduto in questa visione”.

E’ entrato nel merito, il vicesindaco e assessore al turismo, on. Antonio Baldelli. “Pergola Città Multimediale punta a valorizzare il Foro Valerio e a creare un percorso integrato tra Museo, centro storico e spazi pubblici, con un obiettivo preciso: portare nel cuore della città i circa 20.000 visitatori che ogni anno scelgono il nostro Museo. Non è solo riqualificazione. È un cambio di passo. Vogliamo trasformare tre luoghi — Museo dei Bronzi Dorati, Foro Valerio e centro storico — in un unico ecosistema culturale, vivo e connesso. Non più spazi statici, ma un’esperienza. Il Museo continuerà a custodire un patrimonio straordinario, ma diventerà anche una porta: una porta che si apre alla città e invita ad andare oltre. Dopo la visita, il percorso non finisce. Il visitatore sarà accompagnato verso il centro storico, fino al Foro Valerio, che diventerà il cuore pulsante di questa esperienza. Non sarà solo recuperato, ma trasformato in uno spazio multimediale immersivo e polifunzionale, con sale immersive, librerie digitali, vetrine digitali e ologrammi. Le pareti diventeranno schermi, gli spazi piattaforme narrative, il centro storico una scenografia viva. In altre parole: la città diventa un museo diffuso. Non solo da visitare, ma da vivere. E uno spazio in disuso, come Foro Valerio, diventerà uno spazio multifunzionale per le scuole, per convegni e presentazioni delle aziende del territorio, per esposizione e mostre opere, per show cooking, presentazioni e promozioni delle tipicità durante i grandi eventi della città”.

Nel dettaglio, il progetto prevede il completamento del piano terra del Foro Valerio, oggi inutilizzabile, che sarà reso moderno, accogliente e funzionale. Previsti poi interventi sugli spazi esterni, come la riqualificazione della piazzetta di via dell’Ombra, perché la qualità urbana è parte integrante dell’esperienza.

“È un progetto che riguarda i turisti, ma prima ancora i cittadini. Perché una città che investe nella cultura e nella bellezza migliora la qualità della vita e crea opportunità per economia, lavoro, crescita. L’obiettivo è chiaro: non più visitatori di passaggio, ma persone che si fermano, scoprono e tornano. Pergola ha una storia straordinaria e un’identità forte. Oggi aggiungiamo la capacità di raccontarla in modo moderno, coinvolgente, accessibile”.

Ha concluso il direttore Agnese Trufelli: “Un progetto innovativo che promuove la città valorizzando le sue grandi bellezze ed eccellenze. Un investimento importante nella cultura che contribuirà allo sviluppo turistico di Pergola e del territorio e che porterà benefici economici alle attività commerciali, dell’accoglienza e non solo”.

Milano, 31 mar. (askanews) – La Tunisia prova a cambiare racconto. O almeno ad allargarlo. Il mare resta, naturalmente. Sarebbe strano il contrario. Ma da solo non basta più a descrivere un Paese che sul mercato italiano vuole presentarsi con un profilo più ricco, più contemporaneo, più legato alle sue identità locali. È questo il senso dell’evento “Tunisia: Beyond Tourism, A Land of Flavours”, ospitato alla Residenza dell’Ambasciata di Tunisia a Roma.

L’obiettivo è mostrare una destinazione che non si limita alla vacanza balneare e punta invece su un sistema di esperienze più ampio, dal turismo culturale all’outdoor, dall’enogastronomia all’agriturismo. Un cambio di accento prima ancora che di immagine, per offrire una pluralità di motivi per partire.

Ad aprire l’incontro è stato Med Hedi Chihaoui, incaricato d’Affari dell’Ambasciata di Tunisia in Italia. Poi Karim Jatlaoui, rappresentante dell’ONTT in Italia a Milano, ha illustrato le linee strategiche con cui la Tunisia intende rafforzare la propria presenza sul mercato italiano: valorizzazione dei territori, autenticità dell’esperienza, attenzione a una domanda che oggi cerca immersione culturale, sostenibilità e contatto con il contesto locale.

Tra i punti centrali del rilancio c’è il rafforzamento della connettività aerea, con il contributo di Tunisair e l’intervento di Nadim Ounali, marketing manager Italia, ma anche la costruzione di prodotti tematici capaci di intercettare viaggiatori meno interessati al semplice soggiorno e più attratti da percorsi riconoscibili, con una fisionomia precisa.

Un capitolo importante riguarda il turismo enogastronomico e rurale. A parlarne è stata Lamia Temimi, consulente in agriturismo e turismo culinario e sostenibile, esperta dell’International Institute of Gastronomy, Culture, Art and Tourism e consulente Culinaria presso La Chaîne des Rôtisseurs. Il suo intervento ha posto l’attenzione su territori come il Cap Bon, dove sapori, tradizioni agricole e paesaggio possono diventare parte di un’offerta distintiva, lontana dall’idea di una Tunisia tutta uguale a se stessa.

Spazio rilevante anche all’olio d’oliva, che per la Tunisia è molto più di una produzione agricola. È una filiera strategica, un simbolo, un biglietto da visita. Il Paese si colloca al secondo posto nel mondo tra gli esportatori di olio d’oliva, dato che da solo spiega il peso economico e identitario di questo comparto. A raccontarlo, con una degustazione guidata delle principali varietà tunisine, è stata Dhoua Mizouni Chtourou, esperta internazionale del settore e capo panel di degustazione certificata del Consiglio Oleicolo Internazionale. Un percorso che ha messo in evidenza qualità, biodiversità e differenze territoriali.

La giornata si è chiusa con un itinerario culinario firmato dallo chef Ghassen, costruito come un racconto del territorio attraverso materie prime e piatti identitari. Un modo concreto per dire che il turismo, quando funziona, passa anche dalla tavola. Anzi, spesso comincia proprio da lì.

C’è stato poi un momento dedicato ai protagonisti della promozione della Tunisia in Italia. Accanto a operatori del settore come Alpitour, partner rilevante per la destinazione, sono stati premiati anche giornalisti e produzioni televisive che hanno contribuito a far conoscere il Paese al grande pubblico. Tra queste Donnavventura, I Viaggi del Cuore e Amarsi un po’, riconosciute per la capacità di raccontare la Tunisia con uno stile accessibile e coinvolgente.

Milano, 1 apr. (askanews) – Il mito dell’eterna giovinezza e una mostra che, come sempre nel lavoro di Giovanni Motta, ragiona sul tema del tempo e ne crea un’esperienza. I Bagni Misteriosi del Teatro Franco Parenti di Milano, ospitano l’esposizione HYDRON3, concepita come il lancio pubblicitario di una bevanda immaginaria, estratta da un monolite di ghiaccio che garantirebbe un futuro alla Dorian Gray: per sempre giovane. Il tutto con un progetto artistico che avvolge e coinvolge lo spettatore.

“In questo tipo di esposizioni immersive – ha spiegato Motta – provo a mettere il visitatore in una situazione più difficile di una normale esposizione. Vorrei che il visitatore sentisse, si fermasse a provare un’emozione. Oggi con questa vita sincopata, veloce e compressa è molto difficile riuscire a fermarsi e vivere l’attimo, vivere il presente, il momento in cui esisti. In questo tipo di esposizioni io provo a mettere il visitatore in questo stato di coscienza, presente a se stesso nel momento in cui esiste”.

Tra giochi e provocazioni, HYDRON3 unisce installazione, performance e rituale condiviso, mescola immaginario pop, estetica pubblicitaria e tensione simbolica. Con lo sguardo critico dell’artista, che deostruisce certe narrazioni e rilancia la relazione diretta con il nostro essere nel tempo.

Roma, 1 apr. (askanews) – È stato firmato oggi, presso la sede del Ministero della Cultura nel complesso monumentale di San Michele a Ripa Grande, l’accordo di durata quinquennale tra la Direzione generale Archivi e il Touring Club Italiano per l’estensione del progetto “Aperti per Voi” agli Archivi di Stato. L’accordo prevede il coinvolgimento dei volontari del Touring Club Italiano in attività di accoglienza, orientamento del pubblico, accompagnamento alla visita, secondo progetti attuativi definiti per i singoli Archivi di Stato, con l’obiettivo di avvicinare nuovi pubblici agli archivi. Il programma prevede una prima fase operativa negli Archivi di Stato di quattro città.

A Roma il progetto riguarderà la visita del cortile e della chiesa di Sant’Ivo alla Sapienza e sarà avviato al termine dei lavori di restauro. Il percorso sarà fruibile dal lunedì al venerdì, dalle 10 alle 14. A Milano interesserà Palazzo del Senato, con l’apertura dei cortili e un percorso di visita accompagnato: l’attività è prevista ogni giovedì dalle 14 alle 18 e ogni sabato dalle 10 alle 14, con un’ulteriore apertura il sabato pomeriggio in concomitanza con aperture straordinarie.

A Napoli il progetto coinvolgerà la sede centrale del monumentale complesso dei Santi Severino e Sossio e la sede sussidiaria di Pizzofalcone, che occupa la villa di Andrea Carafa della Spina: nella sede centrale sono previste attività di accoglienza e visite guidate agli spazi monumentali del V piano e alle mostre in corso, due sabati al mese in orario antimeridiano, con possibilità di effettuare due turni di visita; nella sede di Pizzofalcone le attività si svolgeranno una volta a settimana, il giovedì mattina, anche in questo caso con possibilità di due turni di visita.

A Palermo, infine, il progetto coinvolgerà le sedi monumentali della Catena e della Gancia con visite guidate. Le attività comprenderanno percorsi dedicati ai fondi documentari, ai depositi monumentali, al laboratorio di restauro, a eventuali mostre in corso e passeggiate archivistiche nel territorio urbano. L’accordo prevede inoltre percorsi di formazione specifica per i volontari, realizzati con il supporto del personale degli Archivi di Stato coinvolti, così da assicurare ai visitatori un’esperienza di visita qualificata e coerente con la natura e il valore dei luoghi. Per maggiori informazioni è possibile scrivere alla casella di posta elettronica apertipervoi@touringclub.it.

“La collaborazione tra pubblico e privato rappresenta uno strumento importante per sostenere i luoghi della cultura pubblici e per rafforzare, nei visitatori e nei volontari, il legame con il patrimonio culturale del Paese – dichiara Antonio Tarasco, Direttore generale Archivi -. Il percorso avviato con il Touring Club Italiano contribuisce non solo ad ampliare le occasioni di accesso e fruizione, ma anche a promuovere una partecipazione dei cittadini alla cura dei beni culturali. L’auspicio è che sempre più volontari aderiscano a questo impegno, contribuendo a estendere l’esperienza di visita prolungata agli altri 98 Archivi di Stato”.

“Siamo orgogliosi di avviare con la Direzione Generale Archivi una collaborazione che porta l’impegno civico dei nostri volontari in luoghi di straordinaria importanza per la storia e l’identità del Paese – afferma Giuseppe Roma, Vice Presidente del Touring Club Italiano -. È per noi un grande onore, e per me una forte emozione, contribuire alla riapertura al pubblico di Sant’Ivo, una delle più straordinarie opere di Borromini, non appena sarà ultimato il restauro. Aperti per Voi nasce per rendere fruibili beni preziosi e spesso poco conosciuti, e per promuovere una cultura della partecipazione e della cura condivisa del patrimonio comune”.

Roma, 1 apr. (askanews) –

Ci sono la celebre “Banana”, “La nona ora” con Papa Giovanni Paolo II colpito da un meteorite e il cavallo imbalsamato sospeso al soffitto di Maurizio Cattelan ma anche l’ironica opera di Lucio Fontana che da una parte riporta la scritta “Io sono un santo” e dall’altra “Io sono una carogna” o la “Porta dei critici caricata a dinamite” di Eliseo Mattiacci in “Tragicomica”, la mostra visitabile al MAXXI fino al 20 settembre di quest’anno.

I curatori Andrea Bellini e Francesco Stocchi hanno riunito 300 opere di oltre 130 artisti italiani che dal secondo dopoguerra a oggi hanno riletto la realtà attraverso l’ironia, il registro del tragico e del comico, come ha spiegato la Presidente della Fondazione MAXXI Maria Emanuela Bruni: “Segna un percorso di riscoperta e di riflessione sull’approccio italiano alla vita. Uno dei tratti caratteristici è proprio la tragicommedia, se pensiamo alla letteratura partiamo da Dante e arriviamo a Pirandello, e pensiamo anche dopo il neorealismo alla commedia all’italiana. Beh, era il momento di fare un focus su questi temi”.

In mostra si incontrano le monumentali torte di Roberto Cuoghi che riproducono quelle nuziali di personaggi celebri ma anche quella di insediamento alla Presidenza degli Stati Uniti di Obama, voluta anche da Donald Trump ma con dimensioni ben più grandi. Un corridoio è attraversato da “25.000 Covid Jokes (it’s not a joke)”, mosaico di meme e barzellette realizzato durante la pandemia da Paola Pivi, autrice anche dell’opera “Senza titolo (asino)”, che osserva da vicino i Pinocchi di Mario Ceroli.

Il curatore Francesco Stocchi racconta così temi e allestimento di “Tragicomica”: “Andiamo da atteggiamenti quasi filosofici, dai tratti tragicomici fino all’irriverenza politica al grottesco a seconda degli individui ma anche dei periodi. La mostra segue un filo sensibile, quindi non è divisa in categorie o in temi ma neanche cronologica, proprio a sottolineare la diffusione di questo modo di fare italiano”.

Milano, 2 apr. (askanews) – Durante la Milano Art Week 2026, la Fondazione Emilio Scanavino e il Centro Artistico Alik Cavaliere presentano presso la sede della Fondazione Scanavino il 14 aprile, in collaborazione con Prometeogallery, la rimessa in scena di Omaggio all’America Latina, il monumentale lavoro del 1971 concepito da Cavaliere e Scanavino per la XI Biennale di San Paolo, con la performance “Homage to Latin America – VEILING” di Regina José Galindo.

Omaggio all’America Latina è un monumento civile atipico: la grande parete, suddivisa in riquadri, reca i nomi di martiri per la libertà del continente latinoamericano. Le superfici pittoriche di Scanavino, dialogano con i grovigli vegetali bronzei di Cavaliere che si protendono nello spazio come presenze organiche e resistenti. È un’opera che rifiuta ogni retorica celebrativa e assume su di sé la responsabilità di mostrare e nominare la violenza. Nel 1971 quell’assunzione di responsabilità fu ritenuta inopportuna. L’opera venne ritirata prima dell’inaugurazione, esclusa dal catalogo, trasformandosi in uno dei casi più emblematici di censura nell’arte italiana del dopoguerra.

In occasione della conferenza stampa di presentazione dell’evento askanews ha parlato con gli attori dell’iniziativa.

Greta Petese, curatrice e direttrice scientifica della Fondazione Emilio Scanavino: “Questo progetto è partito dalle due istituzioni che rappresentano Emilio Scanavino e Alik Cavaliere, quindi il Centro Artistico Alik Cavaliere e la Fondazione Emilio Scanavino, che hanno avuto questa volontà di rileggere e riattualizzare un lavoro molto importante, Omaggio all’America Latina, fatto a quattro mani dai due artisti per la Biennale di San Paolo del 1971”.

Fania Cavaliere, presidente del Centro Artistico Alik Cavaliere: “È un’opera grandiosa con i nomi di uomini morti per la libertà del Sud America. È un’opera di grandissimo impatto che è stata censurata addirittura direttamente dal nostro Consolato a San Paolo, cioè non è mai arrivata in mostra. Racconta la brutalità di queste dittature ed è un’opera che per tanti motivi oggi è purtroppo più viva che mai”.

Petese introduce le motivazioni della performance: “La velleità è quella di riattualizzare questo lavoro e farlo parlare di nuovo di qualcosa che poi nella Storia si ripete mettendolo in dialogo con un’artista come appunto Regina José Galindo, un’artista politicamente da sempre impegnata e che in qualche modo poteva entrare in un dialogo che fosse all’altezza dell’intensità dell’opera fatta dai due artisti”.

Marco Scottini, curatore facente parte del Centro Alti Studi Emilio Scanavino, spiega la scelta di Galindo per questo dialogo con l’opera: “Credo che non avremmo potuto trovare altra artista migliore che Regina José Galindo per rileggere quest’opera dell’inizio degli anni Settanta, non solo perché Galindo è artista latinoamericana, ma perché quest’opera è una critica alla dittatura brasiliana. Invitare Galindo significa anche invitare un’artista che ha fatto delle sue prime opere una forte critica rispetto alla dittatura guatemalteca. Ci sono operazioni e performance straordinarie che Regina mette in atto a Città del Guatemala e che in qualche modo non fanno anche che riportare alla memoria, proprio perché la memoria non si cancelli, quello che appunto le dittature latinoamericane avevano comportato per decine e decine di anni”.

Conclude Greta Petese: “Quello che noi ci auguriamo è che il pubblico possa cogliere questo messaggio molto forte. La performance sarà il giorno dell’apertura della mostra, quindi il 14 aprile; dopodiché fino al 14 giugno sarà possibile visitare gli spazi della Fondazione Emilio Scanavino, vedere l’opera Omaggio all’America Latina e vedere il video della performance che verrà realizzato contestualmente proprio all’evento di apertura”.

La mostra, che accompagna la performance, restituisce al pubblico la vicenda storica di Omaggio all’America Latina e ne sottolinea la dimensione internazionale, riconnettendosi al continente cui era originariamente dedicata. In un’epoca segnata da nuove fratture geopolitiche, da crisi migratorie globali e da censure preventive, l’opera di Scanavino e Cavaliere torna a interrogare il presente. La performance di Regina José Galindo ne amplifica il senso, trasformando la memoria in atto tangibile e il monumento in un gesto vivo.

Milano, 31 mar. (askanews) – Il PAC Padiglione d’Arte Contemporanea di Milano presenta fino al 7 giungo 2026 la prima grande monografica europea di Marco Fusinato: THE ONLY TRUE ANARCHY IS THAT OF POWER. L’esposizione, promossa dal Comune di Milano – Cultura, prodotta dal PAC e Silvana Editoriale e curata da Diego Sileo, segna il ritorno in Italia dell’artista che ha rappresentato l’Australia alla 59esima Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia nel 2022 con DESASTRES.

Ogni giorno, a fine giornata, Marco Fusinato si esibirà dal vivo all’interno del PAC. In un padiglione quasi completamente in bianco e nero, l’artista ripropone in una nuova configurazione DESASTRES la performance-installazione presentata per la prima volta alla Biennale di Venezia 2022 per 200 giorni consecutivi. La performance vede l’artista improvvisare blocchi di rumore e intensità dissonanti grazie a una chitarra elettrica e amplificatori di massa che innescano un flusso di immagini sincronizzate, eterogenee e sconnesse, proiettate su uno schermo di grande formato nel parterre del PAC, per l’occasione con le finestre completamente oscurate a nero. Il suono è sempre improvvisato, le immagini senza ordine provengono da un archivio costruito attraverso ricerche effettuate su diverse piattaforme online oppure dalle fotografie scattate dallo stesso Fusinato con il proprio cellulare. Solo un terzo dell’immagine è proiettata nel parterre, a volte la parte superiore, a volte quella centrale, altre quella inferiore. L’intento è creare una sorta di allucinazione: un’euforia che nasce dallo smarrimento e dalla confusione.

In parallelo alla performance, la mostra presenta una serie di dipinti serigrafici sperimentali realizzati a partire dalle immagini selezionate dalla libreria di DESASTRES. Il percorso espositivo prosegue con il progetto MASS BLACK IMPLOSION, una serie di disegni che riproducono partiture d’avanguardia preesistenti, che l’artista ha trasformato in composizioni noise. In questa serie, Fusinato spinge al limite il linguaggio della composizione musicale, selezionando partiture per poi riprodurle in scala 1:1. Da ogni nota originale viene tracciata una linea verso un punto arbitrariamente scelto sullo spartito, come proposta per una nuova composizione. L’idea e l’obiettivo alla base del lavoro è che tutte le note vengano eseguite simultaneamente, dando luogo a un momento di condensazione e a un impatto sonoro unico. Completa la mostra una selezione di pubblicazioni in vinile in formato LP da 12 pollici dell’artista, contenenti registrazioni realizzate dal vivo e in studio.

La mostra è realizzata grazie a Tod’s e con il supporto di Arsenalia.

The Horizon is a Razor è l’ultimo LP solista di Marco Fusinato, commissionato dal PAC Padiglione d’Arte Contemporanea e prodotto da Soundohm specificamente per questa esposizione.

Milano, 31 mar. (askanews) – Settantatre tra artisti e curatori invitati a partecipare alla 61esima Biennale d’Arte di Venezia hanno scritto una lettera nella quale chiedono all’istituzione veneziana, sulla base anche di precedenti storici dettagliati, di ritirare l’invito a Paesi che si sono resi responsabili di “crimini di guerra”. I firmatari della lettera indicano Russia, Israele e Stati Uniti come gli Stati ai quali andrebbe ritirato l’invito. “C’è una soglia – si legge – oltrepassata la quale la partecipazione alla Biennale non deve essere normalizzata”.

Roma, 31 mar. (askanews) – Valorizzare ciò che esiste e lavorare in maniera sinergica tra pubblico e privato per trasformare le potenzialità di una regione come la Calabria – in possesso di istituzioni impegnate, università in fermento, imprese presenti e collaborative, percorsi di innovazione attivati – in un sistema capace di generare sviluppo. Un lavoro che non è automatico ma, al contrario, necessita di visione, strumenti, capacità di coordinamento e, soprattutto, responsabilità condivise. E’ il messaggio che arriva dall’evento “Fondare il futuro: cultura, tecnologia e impresa per un nuovo modello di sviluppo in Calabria”, organizzato da Associazione Civita, realtà che opera da oltre 35 anni nel mondo della cultura e si propone come laboratorio e incubatore di progetti per valorizzare il patrimonio culturale italiano, in collaborazione con il Museo Archeologico Nazionale di Reggio Calabria, espressione del ruolo che i grandi attrattori culturali possono assumere nei processi di sviluppo territoriale, e con Philip Morris Italia.

L’incontro è stato dedicato al rapporto tra trasformazione digitale, formazione delle competenze e sviluppo dei territori ed è stato introdotto e moderato da Simonetta Giordani, Segretario Generale Associazione Civita. Sono intervenuti Roberto Occhiuto Presidente Regione Calabria, Fabrizio Sudano, Direttore Museo Nazionale Archeologico di Reggio Calabria e Direttore Regionale Musei Nazionali, Mario Nobile, Direttore Generale dell’ AgID -Agenzia per l’Italia Digitale, Giuseppe Zimbalatti, Rettore Università Mediterranea, Elvira Brunelli, Prorettrice per il Centro Residenziale con delega per le pari Opportunità e il Benessere, Aldo Ferrara, Presidente Unindustria Calabria, Andrea Guglielmo Direttore delle Relazioni Esterne e della Comunicazione di Philip Morris Italia.

Sullo sfondo anche il ruolo del PNRR che rappresenta per la Calabria un’opportunità molto importante. Infatti, per la missione 1 dedicata a “Digitalizzazione, innovazione, competitività, cultura e turismo” sono destinati alla regione 3,277 Mld € di progetti totali di cui 692 quelli specificamente destinati alla cultura in un territorio che vanta un patrimonio storico-culturale di grande pregio e oggetto negli ultimi anni di importanti investimenti.

Tra gli argomenti affrontati nel corso dell’evento, la transizione digitale e tecnologica che sta ridefinendo i modelli di sviluppo dei territori, incidendo sui processi produttivi, sulla formazione delle competenze e sulle modalità di valorizzazione del patrimonio culturale. In questo scenario, si è sottolineato che la sfida per il Mezzogiorno non è soltanto accompagnare il cambiamento, ma la costruzione di un ecosistema capace di tenere insieme istituzioni, università, ricerca, patrimonio artistico e sistema produttivo rafforzando le infrastrutture digitali e rendendo più efficace l’azione pubblica, a livello nazionale e regionale. Una sfida che non riguarda solo l’attrazione di investimenti, ma la capacità di creare connessioni durature e di trattenere competenze e talenti.

“Stiamo lavorando perché la Regione sviluppi un rapporto sempre più intenso con fondi di investimento e investitori che, insieme al sistema territoriale calabrese, possano potenziare per esempio l’offerta turistica. Stiamo crescendo molto sul numero di turisti, ma l’offerta ha ancora molto potenziale da esprimere”, ha dichiarato Roberto Occhiuto, Presidente Regione Calabria: “I giacimenti culturali della Calabria sono un motore straordinario di sviluppo, purtroppo spesso sottoutilizzato e poco conosciuto. Stiamo lavorando ad una operazione di rebranding della Calabria anche dal punto di vista turistico. Molti calabresi sono convinti che questa regione non si possa sviluppare, dobbiamo invece raccontarla per quello che è: una regione con i suoi problemi, sì, ma con persone impegnate ad affrontarli e soprattutto con risorse straordinarie. Vorrei che i calabresi fossero più orgogliosi di raccontare questa regione bellissima”.

“L’Associazione Civita crede da sempre nella contaminazione, nella collaborazione tra pubblico e privato, tra mondo delle imprese, cultura, istituzioni, territori, enti del terzo settore e l’evento che abbiamo promosso oggi ne è una dimostrazione concreta”, ha affermato Simonetta Giordani, Segretario Generale di Associazione Civita: “In Calabria abbiamo avvertito un nuovo dinamismo, una nuova vitalità e siamo convinti che solo utilizzando il nostro passato senza nostalgia potremo parlare di innovazione in un momento storico in cui questa è fondamentale per ridurre i divari esistenti fra i territori. Le grandi aziende italiane che operano in Calabria hanno fatto dell’innovazione legata alla responsabilità culturale una mission strategica, perché hanno capito che investire nei territori, anche con iniziative culturali o di inclusione sociale, può essere un modo per avvicinarsi a quegli interlocutori fondamentali per lo svolgimento della propria attività e per il raggiungimento dei risultati aziendali”.

Per Fabrizio Sudano, Direttore del Museo Archeologico Nazionale di Reggio Calabria, “il Museo Archeologico Nazionale di Reggio Calabria si conferma oggi non solo come luogo di conservazione e valorizzazione del patrimonio storico-artistico, ma anche come piattaforma attiva di confronto tra cultura, innovazione e sviluppo territoriale. La Calabria dispone di un patrimonio culturale straordinario; la sfida che abbiamo davanti è compiere un ulteriore salto di qualità, trasformandolo in un autentico motore di sviluppo sostenibile, capace di generare valore economico, sociale e occupazionale. In questo contesto, iniziative come questa rappresentano un contributo significativo per alimentare una riflessione concreta e operativa sulle traiettorie di crescita del Mezzogiorno. Solo attraverso una visione condivisa e una responsabilità diffusa sarà possibile valorizzare appieno le potenzialità della Calabria, rendendola protagonista di un modello di sviluppo fondato sull’integrazione tra cultura, tecnologia e impresa”.

Venezia, 30 mar. (askanews) – Nota come fotografa concettuale, con lavori esposti in tutto il mondo, Lorna Simpson, nata a Brooklyn nel 1960, da anni lavora anche sulla pittura, continuando a esplorare le tematiche della memoria, della rappresentazione, con le sue falle, e dell’instabilità delle narrazioni. In grandi opere che uniscono la forza della pittura come atto di possibilità a quella delle immagini fotografiche, le sale di Punta della Dogana a Venezia accolgono un racconto visuale ed esperienziale, cha passa attraverso la tecnica del collage, particolarmente cara a Simpson.

“C’è veramente da parte dell’artista e della curatrice Emma Lavigne – ha detto ad askanews Bruno Racine, direttore di Palazzo Grassi – Punta della Dogana – la volontà di dialogare con lo spazio di Punta della Dogana, che racconta delle storie, storie del commercio, degli imperi del passato ed entra in risonanza con le grandi tematiche di Lorna, la schiavitù e questa permanenza del retaggio della storia”.

La densità del luogo, sempre straordinaria, e quella delle opere dialogano bene, si scambiano suggestioni invisibili, ma presenti, ampliano il raggio emotivo della mostra, intitolata “Third Person”, proprio per la volontà di costruire un racconto polifonico. Che dialoga anche con l’altra esposizione ospitata a Punta della Dogana, quella dedicata all’artista camminatore brasiliano Paulo Nazareth, molto presente nella collezione Pinault, intitolata “Algebra”, nel senso dell’originale arabo, ossia come arte del ricomporre le ossa rotte, del sistemare ciò che si è fratturato. Come per esempio le nostre società.

“Paulo Nazareth – ha aggiunto Bruno Racine – è un artista militante, che vuole con il suo atteggiamento far capire che c’è tutto un passato da recuperare, da superare, direi. Rispetto agli altri artisti, lui espone come delle reliquie del suo passaggio: oggetti che ha trovato, che fanno capire che sono passati dei rifugiati e parla del nostro tempo”.

In fondo la mostra documenta, in relazione con una piccola città brasiliana chiamata anch’essa Venezia, una performance arte-vita che è tuttora in corso e vuole raggiungere, a piedi e con il corpo che abbiamo, ciò che la storia ha cancellato, ciò che il potere ha nascosto, un’architettura di sofferenze che riemerge, qui in mezzo alla Laguna, per provare a ricomporre, per quanto possibile, quel dolore.

Venezia, 30 mar. (askanews) – “Quest’anno abbiamo deciso a Palazzo Grassi e a Punta della Dogana di avere in ogni sede due artisti in dialogo. Gli spazi sono enormi e quindi è una formula che permette più concentrazione senza che agli artisti manchi lo spazio. È una scelta che è soprattutto voluta dall’evoluzione della collezione Pinault che si è allargata a un panorama globale”. Lo ha detto ad askanews il direttore di Palazzo Grassi – Punta della Dogana, Bruno Racine, spiegando la scelta di ospitare in ciascuna delle due sedi, due mostre personali, rispetto alla tradizione che ne voleva una per ogni location. A Palazzo Grassi nel 2026 ci sono Michael Armitage e Amar Kanwar; a Punta della Dogana ci sono Lorna Simpson e Paulo Nazareth.

“Quindi questa formula ci consente di avere i quattro continenti rappresentati e secondo me va molto bene anche in relazione alla tematica della Biennale Arte, anche se la nostra scelta era un po’ anteriore. Quindi vuol dire che il mondo dell’arte sta cambiando ed è importante far parlare degli artisti, ognuno con il suo modo di lavoro, la pittura, la video, l’installazione delle grandi questioni che viviamo oggi”, ha concluso Racine

Roma, 30 mar. (askanews) – “Essere Henry, il Fonzie e oltre…” è il titolo dell’unica autobiografia dell’attore statunitense Henry Winkler, in uscita in Italia mercoledì primo aprile per Il Castello collana Chinaski. Essere Henry è il racconto profondamente toccante di un percorso fatto di fama, difficoltà e continua scoperta di sé. Dal celebre ruolo di Fonzie nella serie Happy Days fino ai progetti più recenti, la narrazione di Winkler è attraversata da umanità, ironia e profonde riflessioni. Per la prima volta l’attore si racconta senza filtri, mettendosi a nudo davanti al suo pubblico ma anche davanti a se stesso.

Attraverso una cronistoria che intreccia vita privata e carriera artistica, la star hollywoodiana svela il retroterra familiare e personale che negli anni lo ha portato a diventare un’icona internazionale e transgenerazionale. Dal rapporto con i genitori alle radici della cultura ebraica, dalle prime esperienze teatrali fino al confronto quotidiano con la dislessia e le difficoltà cognitive. Limiti che, grazie a impegno e determinazione, riuscirà a trasformare nel vero motore del suo successo nel mondo del cinema. Centinaia di provini, copioni imparati a memoria per aggirare le difficoltà di lettura, piccole parti in pubblicità e film indipendenti: è questo il lungo percorso che lo porterà infine al grande successo con il personaggio che tutti conosciamo come Fonzie. Se da un lato Winkler resterà sempre grato e affezionato a quel passaggio fondamentale della sua carriera, dalle pagine del libro emerge anche quanto sia stato difficile, negli anni successivi, liberarsi da quell’etichetta e dimostrare che il suo talento andava ben oltre le iconiche battute di Arthur Fonzarelli.

Con alcuni passaggi scritti in prima persona dalla moglie Stacey, il libro restituisce tutti i chiaroscuri del suo percorso: dall’esplosione di popolarità legata a Fonzie fino ai giorni nostri, passando per lunghi e frustranti periodi di inattività. Winkler racconta, ad esempio, che l’enorme successo di Fonzie finì per mettere in ombra gli altri protagonisti dello show. La rete televisiva arrivò persino a contattarlo segretamente con l’idea di realizzare uno spin-off dedicato al personaggio o di cambiare il titolo della serie in “Fonzie’s Happy Days”: una proposta che l’attore rifiutò categoricamente.

Negli anni successivi arrivarono diverse apparizioni come guest star in serie di successo come Arrested Development – Ti presento i miei, Royal Pains e Parks and Recreation, fino alla svolta rappresentata da Barry del 2018, serie che diventerà il secondo grande pilastro della sua carriera e gli farà conquistare il suo primo Emmy in prima serata. Nel 2003 Winkler si dedica anche alla letteratura per ragazzi, scrivendo le avventure di Hank Zipzer, un ragazzino con dislessia che affronta e supera numerose difficoltà scolastiche. La serie di 28 libri Hank Zipzer il superdisastro è infatti ispirata direttamente alla sua esperienza personale con una dislessia rimasta a lungo non diagnosticata. Le memorie di Winkler, che nel corso della sua carriera è stato attore, regista, produttore e doppiatore, sono ricche di aneddoti divertenti e spesso poco conosciuti. Non tutti sanno, ad esempio, che è stato produttore della celebre serie televisiva MacGyver, e che per il lancio del teaser impose l’utilizzo di ben quaranta cavalli. Tra gli episodi che menziona c’è la sua partecipazione a un film come sostituto di un attore che aveva avuto contrasti con Sylvester Stallone: si trattava di Richard Gere. Oppure quando assistette alla cacciata di Meryl Streep da un casting per un film in cui recitava anche Harrison Ford. Questo gli parlò di un non ben identificato film di fantascienza che aveva girato quasi interamente in green screen: Star Wars. Ricorda anche un timido Robin Williams al provino per Happy Days e racconta come la rete ABC fece infuriare così tanto il suo grande amico Ron Howard durante le riprese, da spingerlo quasi per ripicca verso la carriera di regista cinematografico.

Non mancano episodi esilaranti, come quando, dirigendo Burt Reynolds nel film Un piedipiatti e mezzo, si vide lanciare addosso una bottiglietta d’acqua. Oppure quando decise di aggiungere l’intero suo stipendio al compenso pur di convincere Burt Lancaster a partecipare a uno dei suoi film. Nella sua carriera da regista ha lavorato, tra gli altri, con Dolly Parton e Tom Hanks, ricordando proprio di quest’ultimo una piccola parte interpretata anni prima in Happy Days. Da una costa all’altra degli Stati Uniti gli capita di partecipare a una partita di basket organizzata dall’amico Adam Sandler, dove incontra anche Brad Pitt e Jim Carrey. E racconta come la sua presenza nel cult movie Scream avrebbe dovuto essere messa in ombra dalla produzione, salvo poi essere valorizzata dopo l’entusiastica risposta del pubblico, fino a comparire anche nella promozione del film. Una curiosità finale: nella versione italiana di Happy Days la serie è interamente doppiata, fatta eccezione per il celebre ed inconfondibile “Ayyy!” di Fonzie.

Milano, 30 mar. (askanews) – Si è chiusa a Padova con oltre 27mila visitatori la quinta edizione della Fiera del Cicloturismo, evento internazionale organizzato da Bikenomist e ospitato da Fiera di Padova, alla sua prima edizione in Veneto. Secondo il bilancio diffuso dagli organizzatori, la manifestazione ha registrato 268 tra espositori e co-espositori, 210 giornalisti accreditati, 12 regioni italiane presenti, 20 Paesi stranieri rappresentati, oltre 60 talks con 120 relatori e 1.112 incontri tra operatori nella giornata dedicata al B2B.

La risposta del pubblico si è vista già dall’apertura di sabato 28 marzo, con 700 persone in coda ai cancelli della Fiera. Lo slogan dell’edizione 2026, “In bicicletta ovunque”, ha accompagnato tre giorni dedicati al viaggio su due ruote, tra destinazioni, servizi, prodotti e incontri professionali.

“La quinta edizione ha riscosso un buon risultato in termini di pubblico ed espositori e siamo contenti di aver avvicinato sempre più persone al mondo delle vacanze in bicicletta”, ha dichiarato Pinar Pinzuti, direttrice della Fiera del Cicloturismo, sottolineando anche il coinvolgimento di operatori internazionali e la crescita di un comparto che, secondo gli organizzatori, continua a espandersi.

Durante la manifestazione sono stati presentati in anteprima il nuovo studio Isnart-Legambiente sul cicloturismo 2026, il “Cycle Tourism Index” sviluppato da Bikenomist con Komoot e una nuova intelligenza artificiale dedicata al cicloturismo.

Uno dei punti centrali dell’evento è stato il workshop professionale, con 80 operatori dell’offerta, 40 della domanda, 20 Paesi rappresentati e 1.112 incontri di matching organizzati attraverso appuntamenti predefiniti. Presenti anche 128 tour operator specializzati in rappresentanza di 28 Paesi e 3mila professionisti impegnati nel B2B.

Sul fronte delle destinazioni, in fiera erano presenti Basilicata, Calabria, Emilia-Romagna, Friuli Venezia Giulia, Lombardia, Marche, Piemonte, Puglia, Sicilia, Toscana, Umbria e Veneto, con percorsi, servizi, attrezzature e tecnologie rivolti a tipologie diverse di cicloturisti. Tra gli itinerari citati figurano la Treviso-Ostiglia, la Ciclovia Meridiana in Basilicata, l’Alpe Adria con servizio bici più bus, i 24 percorsi ad anello georeferenziati delle Marche e i 20mila chilometri di itinerari della Toscana, tra cui Strade Bianche ed Eroica.

Tra le iniziative collaterali, la nuova area dedicata agli eventi cicloturistici e alle iniziative sociali, la bacheca per la ricerca di compagni di viaggio e il “passaporto del piccolo cicloturista”. Il parcheggio custodito allestito all’ingresso con il supporto di Trenitalia ha ospitato oltre 2mila biciclette nel corso della manifestazione.

Il prossimo appuntamento con la Fiera del Cicloturismo è fissato a Padova nel marzo 2027.

Kingston, 28 mar. (askanews) – Chi arriva in Giamaica spesso cerca prima di tutto il mare. Sulla costa occidentale dell’isola, Negril è uno dei luoghi più conosciuti: una lunga distesa di sabbia chiara, la Seven Mile Beach, acqua bassa e tramonti che ogni sera colorano l’orizzonte. Per molti è il primo incontro con l’isola.

Ma la Giamaica è anche molto più di una destinazione balneare. In un territorio di meno di tre milioni di abitanti convivono musica, sport e cucina che negli anni hanno costruito un’identità culturale riconoscibile in tutto il mondo.

Capita così che anche una vacanza possa trasformarsi in un incontro inatteso.

Come quello con Nesta Carter, 9.78 nei centro metri corso in Italia, uno dei velocisti più forti della storia e compagno di squadra di Usain Bolt nella staffetta giamaicana.

È stato lui a fermarci, sentendo parlare italiano: per oltre dieci anni la nazionale giamaicana ha usato Lignano Sabbiadoro come base di allenamento, e il legame rimasto solido. “Penso che il motivo per cui ci siano così tanti campioni in Giamaica – dice Carter – sia perché abbiamo iniziato l’atletica in un’età più giovane e l’atletica leggera è estremamente, estremamente importante per la nostra cultura. Tutto parte da questo legame precoce, è un qualcosa che sentiamo radicato nel nostro DNA; coltiviamo il talento tra i banchi del liceo per poi sbocciare definitivamente nei college e nelle università, dove iniziamo a imporre il nostro dominio a livello mondiale”.

Accanto allo sport c’è un’altra parte dell’identità giamaicana: la cucina. Il jerk nasce per sopravvivere: carne speziata cotta in fosse nel terreno dai Maroons, gli schiavi fuggiti nelle montagne durante il periodo coloniale. Il fumo tenuto basso per sfuggire alle pattuglie. Col tempo quella necessità è diventata identità e oggi uno dei sapori più riconoscibili dell’isola.

Al Jamaica Food and Drink Festival di Kingston, griglie accese, sound system e ballo si mescolano tra le note di Bob Marley in un’atmosfera che è già essa stessa un ritratto dell’isola.

A Negril il paesaggio cambia a seconda di dove ci si trova. Da una parte la lunga spiaggia di sabbia chiara, le ville, gli hotel tenuti bassi da una norma locale che limita l’altezza degli edifici a quella delle palme. Dall’altra il West End, zona dei resort esclusivi che si affacciano direttamente sulle scogliere, in strutture più piccole e silenziose.

Sport, cucina e turismo raccontano insieme il volto dell’isola. E tra la spiaggia di Negril, le griglie del jerk e le scogliere del West End, il viaggio porta fuori dal resort e dentro un altro lato della Giamaica.

Milano, 29 mar. (askanews) – Alla sua 20esima partecipazione alla Milano Design Week, Alê Jordão presenta opere in tre sedi del FuoriSalone 2026, con particolare rilievo a un’installazione immersiva nel circuito 5VIE.

Cosa accade quando uno spazio intimo e funzionale smette di essere privato per diventare esposizione? In Pink Toilet l’artista Alê Jordão trasforma il bagno di un edificio storico in un’installazione immersiva che unisce eccesso, memoria e corpo. «Questo progetto è ispirato al Pink Motel di Los Angeles — un luogo dove tutto è rosa e l’ordinario si trasforma. Il bagno, a sua volta, diventa protagonista e assume un’aura seducente, un luogo in cui trascorriamo tempo, ci osserviamo e ci spogliamo delle nostre maschere», osserva il brasiliano. Presentata nel rinomato circuito 5VIE, l’opera fa parte del programma del FuoriSalone 2026 e occupa uno spazio storico in Via Cesare Correnti 14, nel centro storico di Milano. L’intervento artistico sarà visitabile dal 20 al 26 aprile 2026, periodo in cui la città si trasforma in un polo globale di creatività e sperimentazione. Gli elementi originali del bagno — lavabo, vaso sanitario e vasca — sono preservati come tracce del tempo, ma rielaborati attraverso il linguaggio urbano e provocatorio di Alê Jordão. «Il rosa è un elemento ricorrente nelle mie creazioni e domina l’ambiente come un impulso vitale e una forza di rottura», racconta l’artista paulistano, che ha rivestito le pareti con stampe animalier, moquette di peluche e accessori personalizzati nella stessa palette. «Il risultato è un’esperienza sensoriale intensa, che oscilla tra seduzione e disagio. Un lato pop kitsch che cerca di “tirare fuori le streghe dal corpo” — esorcizzare le colpe, ridere dell’eccesso, celebrare il piacere del quotidiano». La vasca con ghiaccio secco introduce l’idea di effimerità. Il vapore invade lo spazio, evocando respiro, sospensione e desiderio, e rafforzando il carattere transitorio del corpo e dell’esperienza. «Il toilet, come ho battezzato il progetto, prima uno spazio intimo e funzionale, si trasforma in un’esperienza artistica immersiva».

Nella sua ricerca continua sul neon, Alê Jordão sviluppa Lightning Bolt Neon, una scultura luminosa che trasforma il fulmine in un simbolo contemporaneo di energia, tensione e movimento. Riconosciuto per l’uso del neon come linguaggio centrale della sua opera, l’artista traduce la forza della natura in una presenza luminosa precisa e pulsante. Il lavoro sarà esposto nel circuito 5VIE, all’interno della mostra Piloto Milano, presso la Residenza Vignale, Via E. Toti 2. «Il fulmine — una forza capace di impulsare il progresso e provocare distruzione — emerge qui come metafora diretta del rapporto tra umanità e natura», riflette l’artista, che con la sua creazione mette in evidenza il contrasto tra l’energia indomabile e il tentativo umano di contenerla attraverso struttura e forma.

Presentata nell’ambito della mostra dedicata all’artista messicana Frida Kahlo, a cura della Galleria Paola Colombari, in Via Maroncelli 13, Frida’s Boka Loka rappresenta la proposta di Alê Jordão di rileggere la figura di Frida attraverso un linguaggio contemporaneo e fortemente simbolico. L’opera si distacca dagli elementi iconografici più noti associati alla pittrice — come le sopracciglia e i fiori — per concentrare la propria carica espressiva su una bocca in neon rosso. Realizzata in neon e di dimensioni 80 × 40 cm, la “boka” si configura come una metafora di voce, autonomia e resistenza. Trasformando la voce in luce, l’opera sposta la narrazione dal dolore verso una dimensione di affermazione, energia e confronto, dando vita a un tributo luminoso a una delle figure centrali dell’autoritratto nella storia dell’arte moderna.

Venezia, 28 mar. (askanews) – Una mostra che rende omaggio a Joseph Kosuth, grande protagonista dell’arte concettuale, e presenta un nuovo lavoro accanto a opere storiche. Berggruen Arts & Culture e Berggruen Institute Europe presentano alla Casa dei Tre Oci a Venezia un’esposizione curata da Mario Codognato e Adriana Rispoli che, come è tipico della pratica di Kosuth, indaga il tema del linguaggio e il suo stare di fronte alla realtà.

“L’arte per me – ha spiegato Joseph Kosuth ad askanews – resta ricerca di comprensione sul modo in cui creiamo i significati, e quando l’arte è buona ci dice qualcosa sulla produzione di significato. Questo è quello che io voglio cercare ed è quello che voglio fare. Penso che c’è una parte di comprensione dell’autenticità che possiamo avere attraverso un’opera d’arte che ha radici ed è connessa e per questo ci può dire qualcosa sulla società. Io credo che il futuro ci porterà degli sviluppi interessanti, io lo vivo così”.

La mostra è intitolata “The-exchange-value-of-language-has-fallen-to-zero”, ossia il valore di scambio del linguaggio è sceso a zero, ma in realtà il messaggio che le opere mandano a noi oggi, al tempo della smaterializzazione di tutto e della scomparsa della realtà, vuole essere diverso, vuole ricordare le possibilità dell’arte e della parola. “Quello che è necessario e quello che è la nostra responsabilità sta diventando oggi sempre più chiaro – ha aggiunto l’artista americano -: non possiamo esimerci dal partecipare e dal farci carico del nostro ruolo nella produzione di significati”.

La mostra presenta opere che hanno segnato la storia del concettuale, dalle famose definizioni ai trittici che guadano alla filosofia di Wittgenstein, dal manifesto per la Biennale del 1976 alle testimonianze di installazioni testuali in giro per il mondo. Ma l’opera più di impatto è nuova: una grande scritta al neon che si appropria di una frase di Foucault sulla somiglianza tra le parole e le cose. Puro Joseph Kosuth, insomma. “Tutte le opere che un artista realizza nel corso della sua vita – ha concluso – alla fine sono un unico grande lavoro. Per questo ha senso farlo”.

Costruzione di significati, per l’appunto.

Venezia, 28 mar. (askanews) – Un presente impellente e drammatico raccontato con un linguaggio privo di temporalità, in uno dei musei che più valorizzano la pittura. Palazzo Grassi a Venezia ospita la mostra “The Promise of Change” dell’artista keniota-britannico Michael Armitage, un progetto imponente e a volte molto duro, ma che trascina lo spettatore in una diversa forma della realtà, venata di visione e di colori.

“Michael Amitage – ha spiegato ad askanews Jean-Marie Gallais, curatore della Pinault Collection e della mostra – è un pittore con un forte impegno. Utilizza la stessa tecnica dei grandi maestri, ma con una prospettiva africana, dipingendo non su tela, bensì su un supporto speciale ricavato dagli alberi. E affronta soggetti del nostro tempo con una tecnica che non è del nostro tempo, che esiste da sempre. E cita persino dipinti preistorici in questa mostra, insieme a immagini di attualità, mescolando il tutto per creare visioni di grande impatto. In passato c’era la religione, ora si tratta del potere dell’arte di parlare del mondo e di farci commuovere, ma anche di invitarci all’azione”.

L’esposizione raccoglie 45 dipinti, alcuni di grandissimo formato, e più di cento studi, che ricompongono la trama del lavoro di Armitage e la densità dei temi che affronta, pur con rimandi a un realismo magico alla Salman Rushdie, tra l’altro autore di un testo per il catalogo. Ma come possiamo definire oggi questo tipo di dipinti? “Non è una fotografia, non è un film – ci ha risposto il curatore – è qualcosa che può esistere solo nella pittura, perché la pittura riguarda anche il tempo. Sono tempi diversi riuniti in un’unica composizione, ed è questo che le conferisce la sua forza. Ma poi è legata a qualcosa che potremmo definire una sorta di continuum nella storia della pittura figurativa. La pittura da sempre ha questa forza di generare emozioni”.

Violenza, propaganda, migrazioni, ma anche rimandi alla classicità rivista in chiave contemporanea: Armitage lavora a occhi spalancati, e la mostra con lui, ma sono occhi particolari, che sanno evocare e stratificare, non solo il colore. “Non capita spesso – ha concluso Jean-Marie Gallais – di trovare un artista così abile sia nelle idee che nella loro realizzazione, il che lo colloca, a soli 40 anni, tra i grandi artisti del nostro tempo”.

Accanto alla mostra di Michael Armitage Palazzo Grassi ospita anche un’esposizione dedicata all’artista indiano Amar Kanwar, che con le sue installazioni video molto particolari si ricollega al discorso politico su violenza e resistenza, questa volta nel contesto dell’Asia meridionale. (Leonardo Merlini)

Roma, 26 mar. (askanews) – È approdata a Palazzo Cefalà di Palermo la mostra fotografica “Women for Women Against Violence”, un progetto di forte impatto sociale, capace di unire in un unico racconto le due principali emergenze femminili: la violenza di genere e il tumore al seno.

Ideato e prodotto da Donatella Gimigliano, Presidente dell’Associazione Consorzio Umanitas, la mostra, nata per celebrare i dieci anni del progetto, da sei anni anche programma televisivo in onda su RAI – utilizza il linguaggio della fotografia per dare voce a storie vere di dolore, forza e rinascita. Il Vicesindaco e Assessore alla Cultura del Comune di Palermo, Giampiero Cannella, alla presentazione alla stampa ha dichiarato: “Questa mostra non è solo un’esposizione artistica, ma un atto di testimonianza civile e di grande valore umano. Attraverso volti e storie reali ci mette davanti a una verità che non possiamo ignorare: la violenza sulle donne esiste e riguarda tutta la comunità. Allo stesso tempo racconta un’altra ferita profonda, quella del tumore al seno: esperienze diverse, ma accomunate da dolore, paura, solitudine e da un cambiamento radicale del corpo e della vita delle donne. Questa mostra ci invita a non restare indifferenti, a trasformare l’emozione in responsabilità e la responsabilità in impegno concreto. Come istituzioni abbiamo il dovere di ascoltare, sostenere e agire, promuovendo cultura e consapevolezza: è da qui che nasce il cambiamento. Un grazie sincero a chi ha reso possibile tutto questo, ma soprattutto a chi, con la propria storia, ci insegna ogni giorno cosa significa resistere”.

Al centro del progetto, la visione della sua ideatrice, Donatella Gimigliano: “Dieci anni fa ero una paziente oncologica, con una storia familiare segnata dal tumore al seno. Parallelamente ero già impegnata a sostegno delle donne vittime di violenza. Quelle stesse cicatrici le ho riconosciute nei loro sguardi: da questa consapevolezza è nato un progetto che dà voce alla rinascita e trasforma le ferite in forza”. Particolarmente intenso il contributo dei testimonial presenti, tra cui Nicolò Maja, orfano del femminicidio (strage Samarate), con i nonni Ines e Giulio, Ilaria Capponi: ex modella Armani, influencer che, con le loro storie personali, hanno restituito al pubblico il senso più autentico del progetto: trasformare il dolore in consapevolezza e la sofferenza in forza condivisa.

“Women for Women Against Violence” si presenta come un’esperienza espositiva immersiva e coinvolgente: 21 ritratti fotografici di grande formato raccontano storie vere di donne che hanno vissuto la violenza o il tumore al seno e che hanno scelto di trasformare la propria esperienza personale in un messaggio pubblico di consapevolezza, responsabilità civile e rinascita. Accanto a loro, testimonial, premiati con il Camomilla Award, riconoscimento della kermesse che s’ispira alle virtù benefiche del fiore della pianta che aiuta quelle malate a guarire, per l’impegno nella sensibilizzazione sulle tematiche, contribuiscono ad amplificare la forza del messaggio. Scatti d’autore firmati da Tiziana Luxardo, erede della storica dinastia di fotografi italiani.

Un elemento di forte unicità e valore simbolico della mostra – si spiega in una nota – è il richiamo all’arte giapponese del kintsugi, antica pratica che insegna a riparare le fratture mettendole in evidenza attraverso l’oro. Questo riferimento prende forma nella fotografia simbolo che ritrae Valentina Pitzalis, vittima di una brutale violenza, accanto alla sorella Francesca, affetta da tumore al seno. Questo richiamo rafforza l’unicità e il valore simbolico della foto: l’arte non cancella le ferite, ma le rende visibili e preziose, trasformandole in forza collettiva. Ogni opera è accompagnata da un QR code che consente ai visitatori di ascoltare direttamente la voce delle protagoniste, creando un dialogo intimo e diretto tra chi guarda e chi racconta.

Scegliere Palazzo Cefalà come sede della mostra significa collocare un progetto dal forte valore sociale all’interno di un luogo che racconta storia, identità e cultura. Rivolta a un pubblico ampio e trasversale l’iniziativa dedica un’attenzione particolare alle nuove generazioni, considerate protagoniste fondamentali del cambiamento culturale. L’ingresso gratuito, la forza delle storie reali e il dialogo intergenerazionale rendono la mostra uno spazio vivo di aggregazione civile e culturale, capace di stimolare empatia, riflessione e partecipazione attiva. L’evento, capace di valorizzare l’identità del territorio e, al contempo, di aprirlo a una riflessione profonda su temi di stringente attualità, si inserisce pienamente nel percorso di crescita culturale, sociale e turistica della città, contribuendo a costruire un’immagine di Palermo moderna, sensibile e attenta ai diritti e alla salute delle persone.

L’iniziativa, realizzata con il sostegno di Fondazione Sicilia, con il Patrocinio del Senato della Repubblica, del Comune di Palermo, LILT, Confcommercio Terziario Donna Palermo, Fondazione Dragotto e Fondazione Italia Giappone, Associazione Mete Onlus, si inserisce nel più ampio percorso itinerante del progetto in tutta Italia, Un progetto itinerante in tutta Italia che ha saputo trasformare esperienze intime in un patrimonio collettivo di consapevolezza, costruendo ponti tra generazioni e contesti sociali differenti. L’esposizione sarà aperta al pubblico fino a venerdì 10 aprile 2026. Orari: da lunedì a venerdì h. 12.00 – 18.00 – sabato e domenica dalle h. 9.00 alle 19.00.

Roma, 26 mar. (askanews) – Turisti e romani potranno ora vivere il Museo dell’Ara Pacis, con una nuova esperienza immersiva che ne racconta la storia e svela il monumento simbolo dell’età Augustea per come era un tempo.

“L’Ara si rivela” è lo spettacolo multimediale e sensoriale della durata di circa 45 minuti che sarà fruibile venerdì, sabato e domenica dalle 20 alle 23 in gruppi da massimo 25 persone (anche persone con disabilità motoria).

Il Sovrintendente capitolino ai Beni culturali Claudio Parisi Presicce: “Noi abbiamo voluto, attraverso questo spettacolo multimediale con la realtà aumentata, raccontare ciò che non è visibile, raccontare la complessità del monumento e raccontare soprattutto i colori del monumento stesso che erano presenti nella maggior parte dei monumenti marmorei della città di Roma. I colori sono stati rintracciati attraverso un lungo lavoro di recupero delle tracce e di ricostruzione per confronto con gli altri monumenti che conservano un’idea dei colori antichi”.

Le voci di chi ha contribuito a tenere viva l’Ara Pacis, collezionisti, restauratori, archeologi, potranno essere ascoltate in cuffia in italiano e inglese, mentre i rilievi di marmo prendono vita, animati da suoni ed effetti visivi. Una narrazione in progressione, grazie alla tecnica del videomapping.

“Non solo raccontiamo il monumento per come lo vedevano gli antichi, ma anche la sua storia recente, dove si trovava lungo via del corso, quando è stato scoperto, quando è stato identificato e saranno gli stessi protagonisti a parlare attraverso la loro voce. Quindi un’esperienza emotiva e culturale complessa e completa della vicenda di questo monumento importantissimo della città di Roma”. Il progetto è promosso da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria, Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, organizzato e gestito da Zètema Progetto Cultura e realizzato da AV Set Produzioni SpA con Luca Scarzella. La Direzione scientifica è a cura della Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali.

Roma, 26 mar. (askanews) – Mediterraneo, culla del mito, crocevia di culture, mare che accoglie: questo il tema del 52esimo Festival della Valle d’Itria che si terrà a Martina Franca (Ta) e in alcuni luoghi del territorio pugliese dal 14 luglio al 2 agosto. Organizzato dalla Fondazione Paolo Grassi, il Festival è curato per il secondo anno dalla direttrice artistica e compositrice Silvia Colasanti che prosegue il percorso intrapreso nella precedente edizione: la musica riflette sul proprio presente e diviene strumento prezioso per leggere la realtà.

Un impegno premiato recentemente anche con il Premio della critica musicale italiana “Franco Abbiati” che ha scelto Owen Wingrave, allestito nell’edizione passata, come “migliore iniziativa musicale” del 2025. Fra opere, riscoperte, rarità, concerti e incontri, valorizzando nella scelta dei luoghi il ricco patrimonio storico-artistico e paesaggistico della Valle d’Itria, il Festival spazierà dal Settecento ai giorni nostri: un viaggio musicale nel Mare nostrum, scenario di miti, luogo di migrazioni e di incontri in cui si si intrecciano destini, culture e tradizioni. La musica sarà la voce che racconta queste storie e il Festival un’opportunità di crescita per il territorio che lo ospita e le persone che lo vivono.

Tre le nuove produzioni liriche che segnano l’edizione n. 52 del Festival. Nella cornice di Palazzo Ducale martedì 14 luglio (ore 21, repliche il 26, 29 luglio e il primo agosto) inaugura il dittico Pulcinella di Igor Stravinskij / La favola di Orfeo di Alfredo Casella, due lavori in un atto unico che reinterpretano il mito e la tradizione classica in chiave novecentesca e che ci porta alle radici della nostra cultura. Regia e coreografia saranno di Jean Renshaw, artista anglo-tedesca già ospite del Festival; Nicolò Umberto Foron, promettente talento classe 1998, già affermato sulla scena internazionale e per la prima volta impegnato in Italia nella direzione di un’opera, guida l’Orchestra e il Coro del Teatro Petruzzelli di Bari, mentre la danza sarà affidata alla compagnia Eko Dance Project. Le voci principali, in entrambe le opere, sono di Chiara Mogini (Una driade/Mezzosoprano), Matteo Falcier (Orfeo/Tenore) e Roberto Lorenzi (Plutone/Basso).

Ancora a Palazzo Ducale il 25 luglio (ore 21, repliche il 28, 31 luglio, 2 agosto) la Carmen di Georges Bizet. La celebre opéra-comique viene presentata nella partitura originale del 1874 come prima assoluta in forma scenica, restituendo al pubblico una versione mai rappresentata finora, grazie alla recente revisione critica di Paul Prévost per l’editore Barenreiter. La partitura che sarà eseguita è quella originariamente predisposta dal compositore, prima che i dirigenti dell’Opéra Comique di Parigi chiedessero importanti cambiamenti. Fabio Luisi, direttore musicale del Festival, guida l’Orchestra e il Coro del Teatro Petruzzelli di Bari e il Coro di voci bianche della Fondazione Paolo Grassi offrendo per la prima volta nella sua lunga carriera la lettura del capolavoro di Bizet: regia, scene e costumi (questi ultimi insieme a Carla Galleri) saranno di Denis Krief, artista di grande e consolidata esperienza che torna a Martina Franca dopo una lunga assenza. Nel ruolo del titolo il mezzosoprano turco-tedesco Deniz Uzun, mentre il soprano moldavo Natalia Tanasii sarà Micäela; nel cast principale ritroviamo anche il tenore Matteo Lippi (Don José) e il baritono Alessandro Luongo (Escamillo).

Il schiavo di sua moglie (1672) dramma per musica in un prologo e tre atti di Francesco Provenzale, è la terza, nuova, produzione in scena il 24 luglio nel Chiostro del Carmine di Martina Franca (ore 21, repliche il 27 e 30 luglio). Confermando l’attenzione verso la riscoperta e le rarità del repertorio barocco, il Festival allestisce in prima esecuzione in tempi moderni una delle opere più celebri del musicista napoletano del Seicento, grazie al lungo lavoro di ricerca su Provenzale di Antonio Florio musicologo e direttore, alla guida del complesso barocco, da lui fondato, Cappella Neapolitana. Il cast sarà formato dagli allievi dell’Accademia del Belcanto “Rodolfo Celletti” che approfondiranno lo studio dell’opera nel loro percorso di perfezionamento; firma la regia Rita Cosentino, già apprezzata nella regia di due produzioni degli ultimi anni, nonché curatrice dei laboratori didattici del Festival, mentre i costumi sono di Carla Galleri.

Alle tre produzioni liriche, si affianca un altro progetto ispirato al tema del Mediterraneo che il Festival ha commissionato a Marco Baliani, scrittore, attore e regista dedito a un teatro di ricerca e di impegno civile. Vennero da ogni dove. Narrar cantando umanità in cammino andrà in scena il 20 e 21 luglio al Chiostro di San Domenico (ore 21). Con Baliani ritroviamo la voce di Vincenzo Capezzuto, artista a tutto tondo, affiancato da Luciano Orologi (sax), Giancarlo Bianchetti (chitarra classica) e Marco Forti (contrabbasso), per uno spettacolo che è intreccio di musica, canzoni e racconti intorno al tema del viaggio per mare, viaggio che a volte è transito, altre volte fuga, altre volte ancora disperato tentativo di approdo.

Parte integrante saranno i numerosi concerti lirici, sinfonici e cameristici, che arricchiranno la programmazione del Festival valorizzando chiostri, basiliche, masserie, luoghi storici e di grande bellezza del barocco martinese e del territorio pugliese. Saranno tutti dedicati ad approfondire e a riflettere sul tema “Mediterraneo” e sulla musica dei compositori in cartellone. Il Concerto dello Spirito alla Basilica di San Martino (17 luglio, ore 21) vedrà protagonista l’Orchestra ICO della Magna Grecia diretta da Giovanni Pelliccia (viola solista Francesco Peverini) con musiche di Stravinskij, Britten e la prima assoluta di Lamento dal mare del giovane compositore spagnolo Jorge Coll Navarro; il 19 luglio all’Orchestra dell’Accademia Teatro alla Scala (che torna a Martina Franca dopo essere stata nel 2025 l’orchestra di due produzioni del Festival) spetta il Concerto Sinfonico a Palazzo Ducale, diretta dal trentenne Diego Ceretta, solista l’affermata violinista Francesca Dego (musiche di Stravinskij, Schubert e Castelnuovo-Tedesco).

I tre Concerti del Sorbetto fra Chiostro di San Domenico e Chiostro delle Agostiniane (ore 18), ospitano il Quartetto Adorno (18 luglio) e il giovane violinista Paride Losacco (1° agosto) in un percorso nel Novecento storico italiano ed europeo, presentando pagine di Casella, Stravinskij e Ravel per quartetto d’archi e Petrassi, Stravinskij, Prokof’ev e Kurtág per violino solo. Gli artisti dell’Accademia del Belcanto “Rodolfo Celletti” con il pianista Francisco Manuel Soriano approfondiranno invece il ricco repertorio della musica vocale francese di Otto-Novecento, ruotando intorno alla celebre Habanera di Bizet (25 luglio).

Quattro infine gli appuntamenti (ore 21) di “Mediterraneo in musica” fra chiostri e masserie del territorio della Valle d’Itria: si inizia il 15 luglio a Cisternino, nella Chiesa Madre San Nicola, con il violoncellista Danilo Squitieri in un viaggio di più secoli che parte dalla Prima Suite di Bach fino ad Alone di Giovanni Sollima; il 16 luglio al Leonardo Trulli Resort di Locorotondo il Concerto del Mediterraneo e gli allievi dell’Accademia “Rodolfo Celletti”; il 22 luglio alla Masseria Palesi di Martina Franca Notturno Adriatico un concerto sul tema del mare nella musica del XX e XXI secolo con Francesco D’Orazio al violino e Liubov Gromoglasova al pianoforte; infine il 23 luglio Pino De Vittorio sarà protagonista di Tarantelle del rimorso al Chiostro di San Domenico, una serata dedicata al repertorio di tarantelle del Gargano e di canti del Sud Italia di cui De Vittorio, accompagnato dal chitarrista Marcello Vitale, è fra i maggiori interpreti.

In programma il 18 e 19 luglio il Convegno di studi “Riscoprire l’antico nel Novecento. Mito e Mediterraneo in Stravinskij e Casella”, con il coordinamento scientifico di Luca Aversano e in collaborazione con l’Associazione Docenti Universitari Italiani di Musica.

Anche quest’anno il Festival avrà la sua anteprima con la rassegna “In Orbita” (10-12 luglio, ore 21), approdando nelle piazze e contrade di Martina Franca. Due gli appuntamenti in programma: il 10 e 11 luglio Naufragi, uno spettacolo di teatro e musica liberamente ispirato a La tempesta di Shakespeare, prodotto dalla Fondazione Arturo Toscanini con cui la Fondazione Paolo Grassi rinnova la collaborazione: il Trio d’archi della Filarmonica Arturo Toscanini e gli attori della compagnia teatrale Anellodebole coinvolgeranno il pubblico che diventa parte dello spettacolo, stimolando la riflessione sul naufragio reale e metaforico, sul viaggio e sulla migrazione. In quartetto all’opera (12 luglio, Villa del Carmine), vedrà invece il pianista Francesco Libetta affiancarsi ai suoi allievi dei corsi della Fondazione Paolo Grassi – Christian De Nicolais, Simone Mao e Giovanni Mascia – in un programma di ampio respiro fra opere di Verdi e Mozart, sinfonie e valzer, fino al celebre Quartetto dal Rigoletto, tutto eseguito sul pianoforte: un solo strumento che si presta a essere suonato a due o quattro mani, ma anche a sei, otto, o con una mano sola.

Roma, 26 mar. (askanews) – Dal 27 marzo al 29 giugno 2026, Palazzo Bonaparte a Roma ospita la più grande esposizione mai dedicata in Italia a Katsushika Hokusai (1760-1849), il più celebre artista giapponese, una delle figure più potenti e influenti della cultura visiva universale.

Oltre 200 le opere esposte, provenienti dalla prestigiosa collezione del Museo Nazionale di Cracovia, molto noto in Giappone, che presta eccezionalmente per la prima volta le sue opere in Italia e che, per la prima volta al mondo, presenta a Palazzo Bonaparte la prima grande monografica su Hokusai al di fuori della Polonia.

Hokusai è il grande protagonista della stagione artistica del periodo Edo (1603-1868), l’epoca straordinaria in cui fiorisce la cultura del “Mondo fluttuante”, l’Ukiyo-e, destinata a trasformare profondamente l’immaginario giapponese e, in seguito, quello occidentale.Pittore e incisore prolifico, visionario e instancabile, Hokusai è conosciuto in tutto il mondo soprattutto per le sue celebri stampe Ukiyo-e nelle quali la natura, il movimento dell’acqua, il paesaggio e le figure che animano la vita quotidiana del Giappone si trasformano in immagini di sorprendente forza poetica e modernità.

Il pubblico si muoverà tra capolavori senza tempo e invenzioni visive straordinarie: dalle Cinquantatré stazioni del Tokaido alla celeberrima La Grande Onda di Kanagawa, dalle Trentasei Vedute del Monte Fuji fino ai sorprendenti Manga, gli straordinari album di disegni che hanno consegnato alla storia uno dei termini più noti della cultura visiva contemporanea.

La mostra offre anche una chiave di lettura affascinante delle opere del maestro: al centro delle sue immagini non c’è soltanto la natura monumentale, ma l’essere umano. Tra le vedute del Giappone e la presenza costante del sacro Monte Fuji, Hokusai osserva la vita con straordinaria sensibilità. Spesso il Fuji arretra sullo sfondo, mentre in primo piano emergono gesti e dettagli del quotidiano: una capanna costruita dall’uomo, il dorso di un cavallo lungo la strada, il profilo di un tetto che dialoga con quello di una collina.

Accanto alla centralità dell’uomo emerge un altro grande protagonista dell’opera di Hokusai: l’acqua. Non soltanto nella celebre Onda, qui presentata in una delle prime tirature, ma nelle infinite variazioni con cui l’artista la osserva, la studia e la reinventa.

L’acqua scorre impetuosa nella serie Un viaggio tra le cascate di varie province (Shokoku taki meguri), si frantuma in vortici e spruzzi, si distende in superfici silenziose o diventa pura energia visiva. In ogni immagine il movimento nasce da una precisione del segno straordinaria, capace di trasformare la natura in ritmo e armonia.

La mostra mette in luce anche aspetti meno noti ma irresistibili della personalità di Hokusai, come l’umorismo e la leggerezza. Emblematica, in questo senso, è la raffinata stampa surimono Autoritratto come pescatore, in cui l’artista gioca con la propria immagine con ironia e libertà.

Con il medesimo humor ha riassunto la sua ricerca artistica lasciandoci testimonianza della sua forte curiosità: “…Tutto ciò che ho disegnato prima dei settant’anni non vale la pena di essere considerato… A novant’anni avrò penetrato il mistero della natura. A cento anni sarò un artista meraviglioso. A centodieci anni tutto ciò che creerò, un punto, una linea, prenderà vita come mai prima. A tutti voi che vivrete a lungo come me, prometto di mantenere la mia parola”.

Parole che raccontano bene la straordinaria idea che aveva di se stesso e dell’arte: un cammino infinito di studio, osservazione e perfezionamento, in cui l’artista non smette mai di imparare. Fu infatti proprio dopo i settant’anni che realizza alcuni dei suoi capolavori più celebri, tra questi proprio la sua immagine più nota: la Grande Onda presso Kanagawa.

Negli ultimi anni firmava spesso le sue opere “Gakyo rojin”, il “Vecchio Pazzo per la Pittura” un nome che racconta bene l’energia inesauribile con cui continua a osservare il mondo e reinventarlo attraverso il disegno.

Accanto ai capolavori di Hokusai, l’esposizione presenta anche un insieme di oltre 180 pezzi tra libri rarissimi e preziosi oggetti giapponesi, tra cui laccature, smalti cloisonné, accessori da viaggio, armature, elmi e spade, oltre a strumenti musicali tradizionali. I costumi (kimono, giacche haori e fasce obi) accompagnano visivamente la visita, creando un dialogo continuo tra arte, vita quotidiana e spiritualità della cultura giapponese.

Promossa dal Presidente della Commissione Cultura della Camera dei deputati, con il patrocinio del Ministero della Cultura, dell’Ambasciata della Repubblica di Polonia in Roma, dell’Ambasciata del Giappone in Italia, dell’Istituto Giapponese di Cultura, della Regione Lazio e del Comune di Roma – Assessorato alla Cultura, la mostra è realizzata in collaborazione con il Museo Nazionale di Cracovia, è prodotta e organizzata da Arthemisia ed è curata da Beata Romanowicz con la consulenza scientifica ed editoriale per i contenuti testuali, audiovisivi e divulgativi di Francesca Villanti.

Main partner dell’esposizione è la Fondazione Terzo Pilastro – Internazionale, con Fondazione Cultura e Arte e Poema.

La mostra vede come sponsor Generali Valore Cultura, mobility partner Atac e Frecciarossa Treno Ufficiale, radio partner Dimensione Suono Soft e sponsor tecnico Ferrari Trento. Il catalogo è edito da Moebius.

Roma, 26 mar. (askanews) – Il 27 marzo alle ore 20.30 l’Auditorium del Goethe-Institut di Roma ospiterà il concerto “Buon compleanno, M. Lombardi”, un evento speciale dedicato al compositore Luca Lombardi in occasione dei suoi 80 anni.

L’iniziativa apre la rassegna Piano Italiano, diretta da Roberto Prosseda e ideata nel 2025 per rappresentare l’eccellenza del pianismo italiano in tutto il Paese, e rappresenta un tributo collettivo a una delle figure più significative della musica contemporanea.

Il concerto vedrà protagonisti i pianisti Alessandra Maria Ammara e Roberto Prosseda, che eseguiranno alcune composizioni pianistiche di Luca Lombardi, affiancati dai due giovani pianisti emergenti, Matteo Carnuccio e Filippo Tenisci, a cui è affidata l’esecuzione in prima assoluta di numerosi omaggi musicali scritti appositamente per l’occasione da compositori provenienti da diversi paesi: Samuel Adler, Francesco Antonioni, Tzvi Avni, Josef Bardanashvili, Matteo D’Amico, Giordano De Nisi, Fabrizio De Rossi Re, Peter Michael Hamel, Marcello Panni, Yuval Shaked, Stefano Taglietti, Roberta Vacca.

L’evento sarà introdotto da due Laudatio, affidate a Sandro Cappelletto e a Matthias Theodor Vogt.

Il programma alternerà importanti pagine pianistiche di Lombardi, tra cui Wiederkehr, Mendelssohn im jüdischen Museum Berlin e Novembernacht (in prima esecuzione italiana), ad una serie di brani composti come tributo al Maestro da autori internazionali contemporanei.

Il concerto sarà anche un’occasione per celebrare il ruolo del compositore come punto di riferimento della musica contemporanea, docente, saggista e promotore del dialogo tra diverse culture musicali.

A latere del concerto, il 27 e 28 marzo avrà anche luogo il convegno “Quo vadis, impegno? Tendenze e idee della musica impegnata dagli anni ’60 ad oggi” – simposio in onore dell’ottantesimo compleanno di Luca Lombardi; un progetto realizzato in collaborazione tra l’Istituto Storico Germanico di Roma, il Seminario di Musicologia dell’Università di Heidelberg, L’Università “La Sapienza” di Roma e il Goethe-Institut di Roma.

Il concerto del 27 marzo rappresenta anche l’apertura ufficiale della rassegna “Piano Italiano” 2026, organizzata da Associazione Mendelssohn, con la direzione artistica di Roberto Prosseda. Si tratta della seconda edizione di questa stagione, che si distingue per la presenza di musica pianistica italiana in tutti i 20 concerti, che sono distribuiti in diverse città e regioni italiane nel corso dell’intero anno.

“Sono davvero felice di annunciare la seconda edizione di Piano Italiano – ha commentato Roberto Prosseda – in occasione di un evento davvero speciale: il 27 marzo celebriamo uno dei massimi compositori viventi, Luca Lombardi, a cui mi lega anche una profonda amicizia più che ventennale, e che sarà festeggiato con una vera e propria festa musicale: 12 compositori hanno scritto nuovi brani pianistici in suo onore, e li ascolteremo tutti in prima esecuzione assoluta, accanto ai principali lavori pianistici di Luca Lombardi. Questo è lo spirito di ‘Piano Italiano’: promuovere la musica pianistica italiana di qualità, con particolare attenzione alle voci artistiche più autentiche e meno commerciali, e al contempo dare spazio anche alle nuove generazioni di pianisti e compositori, come accade anche in questo concerto, grazie alla presenza dei giovani talenti Filippo Tenisci e Matteo Carnuccio”.

La stagione Piano Italiano proseguirà con concerti al Palazzo delle Culture a Velletri, ad Asolo all’Auditorium San Gottardo, poi Rovigo, Torino, Firenze ed altre città italiane. Tra i pianisti che si esibiranno quest’anno, sempre in programmi incentrati sul repertorio pianistico italiano, ci saranno Maurizio Baglini, Bruno Canino, Alberto Chines, Emanuele Delucchi, Massimiliano Génot, Benedetto Lupo, Alessandro Marangoni, Ruben Micieli, Marco Scolastra.

Milano, 26 mar. (askanews) – Saikalis Bay Foundation presenta a Circolo in Via della Spiga 48 a Milano fino al 3 luglio 2026 la collettiva Shifting Crossroads Beirut Contemporary, dedicata all’esplorazione di Beirut come crocevia umano del Mediterraneo: le opere di Catherine Cattaruzza, Simone Fattal, Joana Hadjithomas & Khalil Joreige, Mona Hatoum, Lamia Joreige, Omar Mismar, Rabih Mroué, Stéphanie Saadé, Soraya Salwan Hammoud e Akram Zaatari sono una mappa viva di connessioni in cui gli artisti tracciano traiettorie fra passato e presente, fra Oriente e Occidente, fra l’esperienza personale e la dimensione collettiva di un popolo e di una città attraversata dalla Storia.

Nicole Saikalis e Matteo Bay hanno raccontato ad askanews la progettualità dell’esposizione, la cui idea è nata a novembre durante un viaggio a Beirut, ben prima della situazione attuale della città. La guerra ha poi consegnato a chi visiterà mostra nuovi risvolti interpretativi delle opere esposte: gli artisti con strumenti e materiali diversi cercano di narrare le loro storie personali della città libanese intrecciate con la Storia.

Nicole Saikalis, nata a Beirut, città che ha però dovuto abbandonare da bambina: “Quello che volevamo veramente fare è un riconoscimento di questi artisti molto bravi, molto conosciuti ovunque nel mondo. Sicuramente ci sono dei nomi come Simone Fattal, Mona Hatoum, Akram Zaatari e Rabih Mroué che sono le persone più conosciute. Ci siamo accorti che c’erano tanti amici del Libano a Milano preparando questa mostra. Nomino solo Marco Scottini che ha portato Omar Mismar a Milano e Omar è uno dei protagonisti della nostra mostra. Un’altra coincidenza è che Mona Hatoum espone alla Fondazione Prada. Era molto contenta di partecipare con Witness, una scultura che è la riproduzione di quella che si trova a Beirut in Piazza dei Martiri e presenta i martiri libanesi durante la caduta dell’Impero Ottomano che vediamo nelle opere di Lamia Joreige. Questa stessa scultura nella piazza è stata colpita dai proiettili durante la guerra civile: Witness doveva essere in questa mostra. È stata anche posizionata in un punto principale della mostra, dal quale sembra stia guardando questo Libano e la sua storia con le mappe di Akram Zaatari del Mediterraneo, ma sono delle mappe con lettere dell’alfabeto fenicio; poi la nascita della nazione con la caduta dell’Impero Ottomano nelle opere di Lamia Joreige e poi ci sono tutte le sfumature del Libano nelle altre stanze: dalla guerra civile con i disegni il video di Rabih Mroué alle opere di Catherine Cattaruzza, che sono molto forti nei paesaggi, ma soprattutto il video di Joana Hadjithomas & Khalil Joreige di questa Beirut che si trasforma con Bernard Khoury, grande architetto libanese, che recita questa poesia di Cavafy Waiting for the Barbarians. Questa Beirut che si muta di sequenza in sequenza all’alba e i suoni della città. E penso che se mi chiedi cosa mi manca di più di Beirut sono questi suoni che la città vive”.

Matteo Bay: “Perché questa mostra? Il perché profondo della mostra è la passione di Nicole che credo si sia capita, vista, intuita, sentita dalle sue parole, da come parla di questi artisti, da come parla del Libano”.

Nicole Saikalis specifica poi perché è stato importante esporre in Italia: “Questo Shifting Crossroads è anche un grande crocevia con Venezia e Firenze, con l’Italia e questo mi ha ancora più incoraggiato a farla in Italia per raccontare una storia”.

Fondata nel 2024 da Nicole Saikalis e Matteo Bay, la Fondazione Saikalis Bay ETS nasce dalla convinzione che l’arte sia un mezzo per costruire ponti tra luoghi, culture e persone. Per i suoi fondatori le cui origini spaziano tra Beirut, Parigi, Londra e Milano il collezionismo si è evoluto da una passione personale a un impegno condiviso: sostenere e amplificare le voci di chi crea. Circolo è la sede espositiva che promuove artisti emergenti e affermati.

Roma, 23 mar. (askanews) – Sono stati 540.000 i visitatori dei luoghi aperti sabato e domenica per le Giornate Fai di Primaveera. Il luogo più visto – riferisce una nota – è stato lo stadio Maradona a Napoli; a seguire Roma con la Corte Suprema di Cassazione presso il Palazzo di Giustizia e con il Palazzo della Cancelleria.

Grazie a questo straordinario risultato, le Giornate Fai si confermano il più importante evento di piazza dedicato al multiforme patrimonio culturale e paesaggistico del nostro Paese. In occasione di questa grande “festa diffusa” della cultura hanno aperto le loro porte 780 luoghi d’arte, storia e natura in 400 città in tutte le regioni – spesso poco conosciuti o poco valorizzati, e molti dei quali solitamente inaccessibili – con visite a contributo libero rese possibili grazie all’impegno di 7.500 volontari delle Delegazioni e dei Gruppi FAI e di 17.000 Apprendisti Ciceroni, studenti della scuola secondaria appositamente formati dai loro docenti per raccontare le bellezze che li circondano.

In entrambi i giorni si è registrato un eccezionale successo di pubblico, con code ordinate in attesa di entrare in numerosi luoghi visitabili, specchio dell’interesse vivo e appassionato dei cittadini per le bellezze, spesso inattese e sempre sorprendenti, che caratterizzano ogni angolo d’Italia. Grazie alle “Giornate di Primavera” il FAI ha dato dunque la possibilità a centinaia di migliaia di persone, tra cui tantissimi giovani, di esercitare con senso civico e curiosità il proprio “diritto di prendere parte liberamente alla vita culturale della comunità”, come definito nella Dichiarazione Universale dei Diritti Umani (1948), e ha anche potuto raccontare la sua missione di utilità pubblica di cura, tutela e valorizzazione del patrimonio culturale italiano e le attività istituzionali che porta avanti ogni giorno.

Tra i partecipanti alle Giornate FAI di Primavera anche il Ministro Giuseppe Valditara che sabato mattina ha accolto i visitatori al Palazzo del Ministero dell’Istruzione e del Merito, progettato da Cesare Bazzani nel 1912 ed eccezionalmente aperto nel fine settimana per sottolineare il grande valore educativo dell’evento.

Il luogo più visitato è stato lo Stadio Diego Armando Maradona a Napoli, secondo posto per la Corte Suprema di Cassazione, con sede presso il Palazzo di Giustizia a Roma, sempre a Roma terzo posto per il Palazzo della Cancelleria, quarto posto per Porta Nuova e Cavallerizza presso il C.M.E. “Sicilia” a Palermo, mentre chiude la classifica dei primi cinque il Giardino storico di Villa Sgariglia a Grottammare (AP). Le regioni che hanno registrato maggiore pubblico sono state Lombardia, Emilia-Romagna e Veneto.

Anche i Beni del FAI regolarmente aperti al pubblico hanno partecipato alla grande festa delle Giornate di Primavera, accogliendo migliaia di visitatori: il Bene più visto è stato Villa dei Vescovi a Luvigliano di Torreglia (PD), secondo posto a parimerito per Villa Gregoriana a Tivoli (RM) e Villa del Balbianello a Tremezzina (CO), terza posizione per Villa Necchi Campiglio a Milano.

Milano, 23 mar. (askanews) – Vivere in una colonia su Marte tra moduli abitativi, laboratori, allarmi e tempeste. È l’idea alla base di “Cast for Mars”, un’esperienza immersiva che ridefinisce i confini tra teatro, cinema e intrattenimento, trasformando i visitatori in colonizzatori chiamati a gestire risorse, orientarsi in ambienti ostili e affrontare imprevisti.

L’obiettivo è far vivere, in modo il più possibile realistico, cosa significhi stare su Marte, mescolando elementi scientifici e narrazione. Non uno spettacolo tradizionale ma un percorso tra teatro, tecnologia e giochi di ruolo: i partecipanti si muovono tra scenari futuristici, ma dal gusto retrò, come ha spiegato Francesco Fiore, produttore esecutivo di Cast For Mars con lo studio creativo AlterAgent: “È come entrare in un film che succede mentre si è dentro, con scenografie, attori e tecnologia che raccontano una storia: quella di un simulatore di vita su Marte”, ha sottolineato.

L’esperienza punta a coinvolgere il pubblico in prima persona, mettendolo di fronte alle difficoltà concrete della vita in condizioni estreme. Si fronteggiano tempeste di sabbia, ad esempio, e l’unico modo per salvarsi è il lavoro di squadra.

Ma il messaggio va oltre la fantascienza: raccontare Marte per riflettere, attraverso un’esperienza divertente, anche sulla fragilità della vita sulla Terra. Il progetto è stato testato e messo a punto a Treviglio, alle porte di Milano, e ha contatti già avviati in alcune regioni, a partire dall’Asia.

Parigi, 25 mar. (askanews) – Il Louvre si prepara a restaurare il ciclo di Maria de’ Medici, i 24 dipinti realizzati da Rubens all’inizio del Seicento e conservati nella Galleria Medici del museo parigino. I lavori partiranno in autunno e dureranno quattro anni. In corso la selezione di due squadre di restauratori che lavoreranno contemporaneamente sulle opere.

“Il ciclo di Maria de’ Medici di Rubens, uno dei grandi capolavori delle collezioni del Louvre – spiega Sébastien Allard, direttore del dipartimento dipinti del Louvre – si trova oggi in uno stato di conservazione problematico su due piani: da una parte le vernici sono molto, molto ossidate, quindi c’è questa sorta di strato giallo che nasconde la forza del cromatismo di Rubens e che bisogna alleggerire”.

“Ma ci sono anche problemi strutturali – aggiunge – che abbiamo individuato già una decina di anni fa: su alcune opere lo strato pittorico non aderisce più al supporto e rischia quindi di cadere. Era assolutamente necessario intervenire”.

“Vista l’ampiezza del lavoro, e per ridurre i tempi del restauro, perché quattro anni sono già lunghi, abbiamo deciso di chiudere completamente la sala e i dipinti saranno staccati e restaurati in situ, perché nelle condizioni attuali non possiamo farli passare dalle porte e non possiamo arrotolarli. Più quadri saranno restaurati contemporaneamente, quindi bisogna immaginare questa sala occupata da opere smontate in corso di restauro, con molti restauratori, registrar e conservatori al lavoro”, conclude Allard.

Milano, 25 mar. (askanews) – Per le vacanze di Pasqua gli italiani guardano soprattutto all’Europa. Dalle capitali più consolidate come Barcellona, Parigi e Londra a città in crescita come Tirana, Praga e Bucarest, le prenotazioni mostrano una preferenza netta per i viaggi urbani di primavera, all’insegna di arte, cultura e buona cucina. È quanto emerge dalle rilevazioni di eDreams, che ha analizzato le prenotazioni sulla propria piattaforma Odigeo dei viaggiatori italiani e dei turisti stranieri in visita in Italia nel periodo pasquale.

Rispetto al 2025, le prenotazioni degli italiani per Pasqua registrano un aumento del 17%. Nella classifica delle destinazioni più prenotate, Barcellona si conferma al primo posto, seguita da Parigi e da Catania, che conquista il terzo gradino del podio. Seguono Amsterdam, Tirana, Londra, Madrid, Napoli, Praga e Bucarest.

Sul fronte della crescita, a distinguersi è soprattutto Varsavia, che registra l’aumento più marcato rispetto allo scorso anno, con un +111%. Alle sue spalle si collocano Napoli, in crescita del 93%, e Barcellona, con un +43%. Salgono anche Praga (+40%), Milano (+39%), Tirana (+22%), Parigi (+13%), Amsterdam (+8%), Madrid (+7%) e Valencia (+7%).

Accanto alle mete europee, una parte dei viaggiatori sceglie di restare in Italia. In questo quadro spiccano Catania, che entra tra le destinazioni più prenotate, e Napoli, che registra una crescita particolarmente forte. In aumento anche Milano, che conferma la sua attrattività in occasione del ponte pasquale.

Quanto alla durata del soggiorno, prevale nettamente la formula del weekend lungo. Secondo i dati di eDreams, il 61% degli italiani ha prenotato viaggi di 3 o 4 giorni, il 22% ha scelto soggiorni di 5 o 6 giorni, mentre il 17% ha optato per una fuga di 2 giorni.

Sul versante opposto, gli stranieri che scelgono l’Italia per Pasqua continuano a privilegiare le città d’arte, ma guardano con interesse anche alle destinazioni costiere. Nella top 10 delle mete italiane più prenotate compaiono infatti Roma, Milano, Venezia, Napoli, Firenze, Palermo, Catania, Bologna, Bari e Olbia.

Le nazionalità più presenti nelle prenotazioni verso il Belpaese sono gli spagnoli con il 28%, i francesi con il 26% e i tedeschi con il 14%. Un quadro che, secondo il report, conferma per Pasqua la doppia tendenza della stagione: italiani in partenza verso le città europee, stranieri attratti dal clima mite e dalle mete italiane tra arte e mare.

Roma, 25 mar. (askanews) – A vincere LaPodstar 2026, riconoscimento italiano dedicato ai podcast ideati e condotti da donne assegnato alla Fabbrica del Vapore, è stata Patrizia Dall’Argine con il podcast “Finché arriveremo a Gaza”, un racconto potente e immersivo della partecipazione alla Global March to Gaza: una mobilitazione internazionale nata dal basso che diventa narrazione di resistenza civile, un progetto che porta l’ascoltatore dentro un viaggio collettivo fatto di fatica, speranza e coraggio, restituendo voce a chi ha scelto di non restare indifferente.

“Grazie a Podstar per questo importante riconoscimento, che è anche stimolo per continuare a fare ciò che più amiamo. Per chi vive di storie, raccontare è un atto di restituzione, responsabilità e cura. Finché arriveremo a Gaza – ha dichiarato la vincitrice – racconta un movimento di migliaia di persone da 54 Paesi che scelgono di agire contro l’immobilismo dei governi e la violazione del diritto internazionale. È un racconto di umanità prima ancora che di cronaca”.

Nato nel 2023, il Premio LaPodstar punta a contrastare la sottorappresentazione femminile nel podcasting e creare nuove opportunità di visibilità e crescita professionale. Un dato basta a fotografare il problema: in Italia solo il 22% dei podcast nella Top 100 è condotto da donne. L’edizione 2026 ha raccolto 65 candidature e coinvolto una giuria di professioniste del settore – autrici, produttrici e podcaster – che hanno valutato i progetti per impatto sociale, qualità narrativa e originalità editoriale.

“I media non raccontano solo il mondo: lo modellano. E quando le donne restano ai margini, non è solo un problema di rappresentazione, ma di accesso reale alle opportunità. Nel podcasting questo si traduce in meno visibilità, meno investimenti e meno possibilità di crescita. Ed è un paradosso – ha affermato Ester Memeo, fondatrice di Podstar e direttrice artistica del Festival del Podcasting – perché i dati dimostrano che le voci femminili funzionano: il 79% delle donne si coinvolge di più quando si riconosce nella conduttrice e quasi il 50% ha una percezione migliore dei brand che investono in podcast femminili. In un mercato in cui le donne guidano fino all’80% delle decisioni d’acquisto, continuare a non dare loro spazio non è solo ingiusto: è miope”.

Il premio è stato consegnato nell’ambito dell’evento “Tutte Abbiamo Voce”, promosso da Diana De Marchi, presidente della Commissione Pari Opportunità e Diritti Civili del Comune di Milano. All’incontro hanno partecipato anche l’on. Anna Ascani e una rappresentanza di podcaster italiane ed europee provenienti da Belgio, Spagna e Regno Unito.

L’iniziativa è sostenuta da Acast e Radio24, con il patrocinio di Assipod.org e Asseprim.

Milano, 23 mar. (askanews) – Torna dal 13 al 19 aprile Milano Art Week, la settimana dedicata all’arte contemporanea promossa dal Comune di Milano in concomitanza con miart, la fiera internazionale di arte moderna e contemporanea organizzata da Fiera Milano, che si svolgerà dal 17 al 19 aprile. Questa decima edizione di Milano Art Week è coordinata da Arte Totale ETS, associazione che riunisce ArtsFor_, Artshell e MAC Milano Art Community, ed è realizzata grazie al contributo del main sponsor Banca Generali.

A margine della conferenza stampa di presentazione, Camilla Invernizzi, presidente di Arte Totale, ha raccontato ad askanews alcune iniziative della prossima Milano Art Week: “Dal 13 al 19 aprile in tutta la città, in tutti i quartieri, in tutte le sedi possibili che escono anche dai musei perché arriviamo nei parchi, nelle piazze, nelle scuole, nei cantieri, nei musei scientifici, qui siamo al Museo di Storia Naturale per esempio, con incursioni comunque di arte contemporanea. Sono 400 appuntamenti promossi da 230 promotori che comprendono tutti i linguaggi: mostre, incontri, tavole rotonde, video, proiezioni, laboratori, arte attraverso la musica, performance. I primi appuntamenti che mi vengono in mente sono il talk di Ansel Kiefer, il 17 aprile al Teatro Dal Verme, la fiera gratuita Paris Internationale Milano e le tantissime mostre nei musei. Veramente non saprei da dove iniziare: i musei che conosciamo già tutti, l’Istituto Svizzero, l’ArtLine, che è uno spazio pubblico aperto nei giardini di City Life, le gallerie che aprono con decine di mostre, il Teatro Continuo di Burri al Parco Sempione che sabato pomeriggio ospiterà una serie di performance da non perdere e via dicendo”.

Tra le novità della decima edizione va segnalato Ghost Track, il progetto nato dalla collaborazione tra i Musei Civici del Comune di Milano e MAC – Milano Art Community, associazione che riunisce oltre 30 realtà tra gallerie, fondazioni, istituzioni e spazi no-profit della scena artistica contemporanea milanese. Una serie di interventi di artisti contemporanei dialoga con le collezioni permanenti di musei e istituzioni culturali cittadine non dedicate all’arte contemporanea – tra cui i Musei del Castello Sforzesco, il Civico Museo Archeologico, il Museo di Storia Naturale, l’Acquario Civico e il Museo del Risorgimento.

Verrà inoltre inaugurato il completamento di ArtLine Milano, il parco d’arte contemporanea interno di CityLife: un museo a cielo aperto che riunisce 20 opere site-specific di artisti internazionali e under 40. L’ultima installazione è Octospider di Jeremy Deller, che sarà presente all’inaugurazione.

Milano, 23 mar. (askanews) – “Grazie al ministero della Cultura per il suo importante contributo”. Dieci parole che sembrano un gesto di distensione: il presidente della Fondazione della Biennale di Venezia, Pietrangelo Buttafuoco, presentando le Biennali di Danza, Musica e Teatro, ha in un certo senso teso la mano all’istituzione guidata da Alessandro Giuli dopo i giorni delle polemiche per la scelta veneziana di invitare la Russia alla Biennale Arte che si aprirà a maggio. “La Fondazione La Biennale di Venezia è un’istituzione che si specchia nel circolo virtuoso della collaborazione e del rapporto con altre istituzioni”, aveva detto poco prima Buttafuoco.

Venezia, 23 mar. (askanews) – “Voi sapete perfettamente che i linguaggi del tempo e della presenza si inverano in quella che è la disciplina della danza, della musica e del teatro e sappiamo tutti quanto è importante il rapporto stretto del qui e ora, dell’istante. Fermati attimo, sei bello. che è quello che si stabilisce tra l’artista e il suo pubblico e sappiamo perfettamente come l’esperienza dal vivo diventi l’esperienza per eccellenza di un qualcosa che è vivificante e non certamente diventare recipiente di qualcosa, ma fruttifica e vivifica. Io so quanto è stato e quanto ancora diventerà forte per ognuno di noi a beneficiare il lavoro dei direttori artistici e quindi Sir Wayne McGregor, la cui responsabilità di Biennale danza ci porta a interrogarci il riguardo alla natura precipua del tempo. Caterina Barbieri, responsabile di Biennale Musica, che ci accompagna in quello che è la spinta originaria dell’ascolto. nel senso proprio del ritorno. E poi la verità dell’incontro umano nel lavoro svolto da William Dafoe, responsabile di Biennale Teatro”. Lo ha detto il presidente della Biennale Pietrangelo Buttafuoco durante la presentazione ufficiale delle tre Biennali di Danza, Musica e Teatro.

Venezia, 24 mar. (askanews) – “Il titolo del festival di quest’anno è A Child of Sound. Titolo ispirato al bambino e all’infanzia come metafora di una modalità vergine dell’ascolto, capace di ricondurci a uno stato di apertura. vulnerabilità e libertà espressiva. La musica è l’infanzia dello spirito, un’esperienza che precede il linguaggio e ci riporta uno stato primigenio di vitalità, purezza e potenza creatrice. La grazia del bambino che guarda al mondo con lo stupore del primo sguardo o meglio del primo ascolto rispettando nel mistero è la stessa grazia rivoluzionaria con cui la musica sa disarmarci”. Così Caterina Barbieri, direttrice artistica della Biennale Danza, ha introdotto la 70esima edizione del Festival di Musica Contemporanea che si terrà a Venezia dal 10 al 24 ottobre 2026.

Venezia, 24 mar. (askanews) – “Lo scorso anno, nel nostro programma, ci siamo concentrati sul corpo, sulla presenza dell’attore e sulla poesia al di là della narrazione. E desidero proseguire questa esplorazione nell’edizione del prossimo anno. Tuttavia, anziché presentare opere di artisti che già conoscevo, quest’anno abbiamo invitato artisti provenienti da ambiti esterni al teatro commerciale e istituzionale occidentale. La mancanza di familiarità ci permette di tornare alle radici del teatro, di risvegliare il contatto essenziale tra artista e spettatore”. Così il direttore artistico Willem Dafoe ha introdotto la 54esima edizione della Biennale Teatro che si terrà a Venezia dal 7 giugno, con il titolo “Alter Native”.

“Per me, la forza e l’unicità del teatro, della sua forma d’arte nella sua totalità – ha aggiunto Dafoe – risiedono nella sua immediatezza, nel suo ritualità e nel suo legame umano. In questo mondo in cui la verità è messa in discussione, dobbiamo tornare a trarre la nostra comprensione e il nostro coinvolgimento dalla percezione diretta”.

Venezia, 24 mar. (askanews) – “È per me un grande piacere essere qui per presentarvi la ventesima edizione della Biennale Danza, intitolata ‘Time Does Not Exist’. Il brillante fisico quantistico Carlo Rovelli, noto per il suo lavoro sulla gravità quantistica e sulla filosofia della scienza, sostiene che il tempo, così come lo intendiamo, non esiste nel senso convenzionale. Le sue idee mettono in discussione la percezione tradizionale del tempo come entità continua e fluida, suggerendo invece che il tempo sia profondamente intrecciato con il tessuto della fisica e con la nostra comprensione dell’universo”. Così Sir Wayne McGregor, direttore artistico della Biennale Danza, ha presentato la nuova edizione del festival internazionale in programma a Venezia dal 17 luglio all’1 agosto.

“La teoria relazionale di Rovelli – ha proseguito McGregor – non considera il tempo come una dimensione assoluta, ma come una relazione tra eventi che emergono dalle interazioni tra sistemi. La nostra percezione del tempo, sostiene, è soggettiva, influenzata da processi cognitivi e, a livello quantistico, il concetto tradizionale può crollare completamente. Il tempo è un prodotto di relazioni e stati mutevoli, non un aspetto fondamentale della realtà. E questo invita a un profondo ripensamento del modo in cui concettualizziamo il tempo. Le idee di Rovelli sulla non linearità e la molteplicità del tempo sono state al centro dei miei pensieri mentre mi immergevo nella storia della Biennale Danza e del suo festival, che nel 2026 celebrerà ufficialmente il suo ventesimo anniversario. Ripercorrendo sistematicamente e cronologicamente la sua eredità, mi addentro negli archivi, tentando di riavvolgere il nastro e riflettere, estraendo dalla storia le cifre, i fatti e le narrazioni del passato”.

Milano, 24 mar. (askanews) – Miart celebra la sua trentesima edizione con New Directions nella nuova sede della South Wing di Allianz MiCo, accogliendo 160 gallerie provenienti da 24 Paesi e consolidando il proprio ruolo nel panorama delle fiere d’arte europee. Anche quest’anno Intesa Sanpaolo è main partner della fiera.

Nicola Ricciardi, direttore artistico di miart, ha raccontato ad askanews il progetto: “Mancano veramente ormai poche settimane a quella che sarà la trentesima edizione di miart, la fiera internazionale d’arte moderna e contemporanea organizzata da Fiera Milano. È una edizione molto particolare per noi, perché è la trentesima ma non volevamo ripeterci, volevamo creare qualcosa di nuovo e quindi abbiamo fatto un po’ una piccola rivoluzione del formato.

Abbiamo deciso di spostarci, di cambiare padiglione per la prima volta, di dividere le gallerie su tre piani invece che su un piano solo, di iniziare a giocare anche con delle sezioni che non avevamo mai sperimentato.

Movements sarà una sezione tutta dedicata alle immagini in movimento curata da Stefano Rabolli Pansera, direttore artistico del St. Moritz Art Film Festival, con il quale abbiamo costruito questo dialogo, chiedendo alle gallerie di portarci dei lavori: c’è una selezione incredibile, un programma veramente da rassegna cinematografica.

Established Anthology è una piccola capsule, mi verrebbe da dire, dedicata al tempo, dedicata a tanti progetti dedicati allo scorrere del tempo. Abbiamo dialoghi intergenerazionali, abbiamo affondi verso determinati momenti storici, piuttosto che sguardi verso il futuro, con una selezione ricchissima di gallerie sia di arte moderna che di contemporanea. Andiamo da Tornabuoni e Ben Brown, a Lia Rumma e Artiaco, da ChertLudde a Le Long, da Peter Kilchmann a Cardi. L’idea era quella di raccontare la storia e il passaggio del tempo proprio per celebrare questi nostri trent’anni. in quello che sarà il secondo piano della fiera, un spazio molto bello, molto delicato, molto anche con un sapore diverso dal solito, il nostro standard tradizionale, pavimenti in legno, altissimi soffitti.

L’idea era proprio di giocare con lo standard, lo standard della fiera, presentando una selezione di gallerie, che sono meno rispetto all’anno scorso per scelta, perché sono 160 rispetto alle 180 all’anno scorso, proprio perché questo padiglione ci permetteva di accontentare solo questi 160 galleristi; però una selezione molto internazionale come sempre: 24 Paesi rappresentati, una media tra il 60% italiano e il 40% internazionale, ma quel 40% internazionale abbiamo voluto che fosse veramente il top. Abbiamo gallerie che tornano negli anni come Sadie Coles e Buchholz, ma anche tantissime belle novità come Stefania Bortolami da New York, come Trautwein Herleth, la galleria che siede nel comitato di selezione di ArtBasel che sceglie per la prima volta di venire a miart. Tante gallerie emergenti hanno scelto per la prima volta di partecipare a una nuova edizione di Emergent che arriva a 29 gallerie: una sezione che in questo caso è fortemente in crescita, con realtà da tutto il mondo e che saranno ospitate al piano uno del nostro nuovo layout.

Il mio invito ovviamente è tra poche settimane a venire al padiglione South Wing di MiCo, vedere con i propri occhi e poi anche sperando nel bel tempo come in queste giornate farsi una passeggiata nel parco perché il nuovo layout ci permette anche di guardare questo bellissimo parco di City Life che fra l’altro quest’anno proprio si completa con un’ultima installazione di Jeremy Deller”.

Roma, 24 mar. (askanews) – ‘Metamorphoses. L’arte che trasforma’ è il titolo della mostra personale dell’artista cinese Wu Jian’an che si apre domani nelle Aule X e XI-XI bis delle Terme di Diocleziano a Roma – Museo Nazionale Romano, sotto la direzione di Federica Rinaldi.

Curata da Umberto Croppi per la Fondazione Berengo con il coordinamento di Giulia Cirenei, l’esposizione si sviluppa come un viaggio immersivo attraverso i diversi materiali e le tecniche che definiscono la pratica artistica di Wu Jian’an: dal vetro di Murano soffiato a mano a opere contemporanee monumentali che ereditano e decostruiscono le tradizioni artistiche cinesi, utilizzando al contempo il ritaglio della carta, l’intaglio del cuoio e il collage.

Attingendo alla mitologia romana classica e alle tradizioni filosofiche orientali, Wu Jian’an intreccia i riferimenti alle “Metamorfosi” di Ovidio – con la loro affermazione che “nec species sua cuique manet” (“nessun essere mantiene la propria forma”) – come idea chiave attraverso cui interpretare questo progetto, intrecciandolo con le nozioni taoiste di trasformazione e cambiamento generativo (??, huàsh?ng). Piuttosto che collocare idee, materiali e storie ereditate all’interno di posizioni culturali fisse, l’artista li sintetizza in un processo dinamico di trasformazione, consentendo al mito, al mezzo e alla narrazione di essere continuamente riconfigurati in un linguaggio visivo unificato che riflette le esperienze contemporanee di instabilità, cambiamento e rinnovamento. La giustapposizione di opere realizzate con tecniche e su scale diverse mette in risalto la sua straordinaria capacità di creare immagini e la sua raffinata maestria artigianale, approfondendo al contempo la sua più ampia indagine concettuale sulla trasformazione come processo sia materiale che filosofico.

“Il dialogo tra arte contemporanea e letteratura antica può rivelare sorprendenti affinità. Ce lo dimostra la mostra Metamorphoses ospitata alle Terme di Diocleziano del Museo Nazionale Romano in cui l’artista cinese Wu Jian’an si confronta con Ovidio, poeta latino, vissuto all’epoca di Augusto, autore delle più famose Metamorfosi”, commenta Federica Rinaldi.

“La sfida di porre a dialogo, nonostante la distanza temporale e culturale che li separa, il tema della trasformazione all’interno dello spazio colossale delle Terme, sembra voler mostrare come il cambiamento sia una forza fondamentale che attraversa il mondo naturale, umano e simbolico, rendendo ogni azione sempre dinamica e mai statica”, aggiunge la direttrice del Museo Nazionale Romano.

“La mostra di Wu Jian’an a Roma è un vero e proprio evento dalle molteplici letture. Il maestro cinese, che ha rappresentato il suo Paese alla Biennale di Venezia del 2017, non è infatti un artista qualunque, le sue opere sono frutto di solidi studi sulla letteratura, la filosofia e le mitologie orientali e occidentali, accompagnate dalla meticolosa ricerca su tecniche di artigianato tradizionale”, spiega Croppi. “Le installazioni realizzate appositamente per questo luogo maestoso, non si limitano a offrire uno spettacolare impatto estetico, ma sono concepite come una interpretazione degli ambienti e dei simboli delle antiche Terme e dei loro contenuti monumentali. Il percorso realizzato con carte, pelli e vetri costituisce una chiave per comprendere le profondità dell’arte cinese e le sue connessioni con la parallela e distinta cultura greca e romana, frutto di lungo e laborioso processo”, sottolinea il curatore della mostra.

Il percorso inizia nell’Aula X delle Terme di Diocleziano nell’ si snoda attraverso alcuni dei principali cicli di opere dell’artista allestiti per creare un “teatro” visivo in cui immagini, artigianato, materiali, mitologia e figura umana si intrecciano. Due monumentali installazioni occupano la parte centrale dello spazio: Masks (2017-2018), composta da 360 sculture intagliate nel cuoio e l’opera finemente traforata The Heaven of Nine Levels (2008-2009). Il materiale impiegato in queste opere era utilizzato nell’antico Oriente per realizzare tamburi, oggetti che erano non solo strumenti musicali, ma anche mezzi rituali di collegamento tra cielo, terra e umanità. Il suono del tamburo simboleggiava la risonanza tra gli esseri umani, la natura e il cosmo. Reinterpretando sia le tradizioni culturali cinesi sia le culture delle maschere del Mediterraneo attraverso una prospettiva contemporanea, queste opere evocano uno spazio ritualizzato che riflette sulle relazioni tra materia e spirito, tra il primitivo e il civilizzato e sui costumi dell’umanità in relazione alle leggi della natura.

La creazione di complesse strutture visive composte da centinaia o addirittura migliaia di figure sovrapposte – intagliate su carta da acquerello, dipinte con acquerello, acrilico, impregnate di cera d’api, cucite con filo di cotone e montate su seta – costituisce il metodo distintivo della serie Incarnations (dal 2011) nell’Aula XI e in questa occasione sono presentati integralmente due nuovi gruppi appartenenti a questo corpus di opere. Le sette opere di Xíng Ti?n (2021-2022) reinterpretano il leggendario eroe mitologico antico noto per il suo spirito indomito. Apparendo attraverso diversi spettri cromatici, la figura diventa una metafora di una forza spirituale latente insita nell’esistenza umana, riapparendo in diversi territori di luce e colore che evocano geografie e temporalità mutevoli. Le quattro opere di The Eternal Cycle – Running Through the Seasons (2024-2025) rappresenta una delle composizioni più ambiziose e complesse della serie. Attingendo alle tradizioni visive dell’arte dell’antica Grecia e di Roma, le immagini raffigurano figure che corrono in avanti con vitalità dinamica, incarnando la trasformazione ciclica delle stagioni e lo scorrere del tempo. Il movimento drammatico del cielo e della terra, il tuono e il rinnovamento attraverso le quattro stagioni e lo slancio inarrestabile della vita sono resi con sorprendente intensità.

La mostra presenta anche la serie Invisible Faces (dal 2019) nell’Aula XIbis, composta da sculture in vetro soffiato a mano realizzate dall’artista presso Berengo Studio, sembrano visitatori provenienti da un altro pianeta e, al tempo stesso, reliquie di antichi miti che aleggiano nel mondo umano. La trasparenza del materiale cattura momenti fugaci di metamorfosi in forma fisica mentre i sottili cambiamenti di luce e di angolazione visiva creano un senso di movimento all’interno del materiale.

Il catalogo, in corso di preparazione, conterrà i testi di Adriano Berengo, Umberto Croppi, Federica Rinaldi, Chenye (Peter) Shi, una conversazione con l’artista di Bao Honglei e le immagini dell’allestimento.

Roma, 22 mar. (askanews) – Askanews ha intervistato la giornalista Mara Cinquepalmi, autrice del libro “Tabù. Di donne, sport e informazione” (Augh Edizioni), con una prefazione di Riccardo Cucchi. Un testo che racconta, con dati e storie significative, la disparità di genere nello sport. Sei capitoli per uno sport senza differenze.

Com’è nata l’idea di questo libro e a chi si rivolge.

Io lavoro a questo tema da oltre dieci anni. Questo libro, a differenza di altre mie pubblicazioni, prende in esame alcuni tra i tabù più diffusi. A partire da come l’informazione racconta le donne nello sport, che siano atlete, dirigenti. L’idea è di parlare sia agli appassionati di sport che a quanti sono interessati ad una lettura di genere dello sport.

Quanto è rilevante oggi il problema della disparità di genere nello sport (amatoriale e professionistico).

E’ un tema molto rilevante, soprattutto a livello economico. Abbiamo letto di gare amatoriali in cui il montepremi per gli uomini era in denaro e per le donne c’era in palio una borsa di valore. Oppure della battaglia della calciatrice USA Megan Rapinoe che, dopo anni di lotte, ha portato nel 2022 a un accordo con la US Soccer Federation per un risarcimento per la discriminazione subita dalle calciatrici nel corso della loro carriera. Soltanto nel 2019 le calciatrici dell’Ajax hanno ottenuto lo stesso contratto e gli stessi diritti dei loro colleghi. Restano, poi, quelle discriminazioni che coinvolgono le atlete durante il periodo di maternità, quando o i contratti non vengono rinnovati oppure gli sponsor si tirano indietro.

Quali sono gli stereotipi più diffusi e quale ruolo gioca l’informazione.

Nel mio libro dedico un’introduzione ai meccanismi del linguaggio perché è dalle parole che gli stereotipi vengono trasmessi. In questo il ruolo dei giornalisti e delle giornaliste è fondamentale: raccontare in un certo modo contribuisce a rafforzare o a superare gli stereotipi. L’informazione spesso ricorre a stereotipi e luoghi comuni per raccontare l’impegno delle donne nello sport. Pensiamo a quei titoli come “Belle e brave”, “Regina delle nevi”, “Mamma d’oro”. Ai risultati sportivi aggiungono sempre qualcosa che non attiene allo sport perché alle donne non basta essere brave. Il riconoscimento del loro valore, dei loro risultati passa sempre per qualcosa che attiene all’aspetto fisico o alla sfera sentimentale o familiare. Agli atleti questo non accade.

Le giornaliste italiane sono sensibili al tema?

Anche alcuni giornalisti lo sono. Nel libro, ad esempio, racconto come alcuni abbiano preso posizione in merito ad alcuni fatti di violenza perché spesso questi casi tendono ad essere annacquati. Quanto alle giornaliste, posso citare il lavoro che come associazione GiULiA Giornaliste facciamo ormai da diversi anni proprio su questi temi e che nel 2019 ci ha portato a scrivere il manifesto “Donne, media e sport”, cinque regole di buon giornalismo per raccontare le sportive senza ricorrere a stereotipi.

Rispetto al passato si sono fatti passi in avanti?

Credo ci sia una maggiore sensibilità da parte dei lettori. Penso al titolo “Il trio delle cicciottelle”, uscito ormai dieci anni fa, quando furono gli stessi lettori a sollevare l’inopportunità di quelle parole. In questo i social sono un utile strumento per evidenziare certe uscite infelici. Questa maggiore consapevolezza fa, a mio avviso, ben sperare ma la strada è ancora lunga.

Come si può risolvere il problema? Come abbattere gli stereotipi?

La questione degli stereotipi di genere non appartiene solo all’informazione sportiva. E’ ben radicata nell’informazione in generale, solo che in quella sportiva è più evidente perché qui il corpo è giocoforza protagonista. Occorre, a mio avviso, un lavoro culturale – che in parte è già avviato – capace di coinvolgere più parti.

Milano, 23 mar. (askanews) – Nell’anniversario della conclusione delle Cinque Giornate di Milano, domenica 22 marzo 2026 una speciale performance della Società di Danza ha animato le sale della mostra I Macchiaioli a Palazzo Reale. L’Italia risorgimentale e il contributo storico-artistico che il movimento apportò alla causa dell’Unità sono tra i temi principali dell’esposizione, evocati dalle opere di pittori – spesso reduci dalle battaglie della Seconda Guerra d’Indipendenza – che scelsero il pennello come strumento di coscienza civile, ritraendo soldati, paesaggi e scene di vita popolare per affermare un’identità nazionale che doveva ancora compiersi. Danzatori in abiti d’epoca hanno ricreato una festa da ballo ottocentesca con valzer, quadriglie, mazurke e polke all’interno dello spazio espositivo.

I Macchiaioli ricostruisce la breve, ma intensa esperienza del movimento dal 1848 al 1872, data della morte di Giuseppe Mazzini, esule e clandestino in patria: Silvestro Lega, Giovanni Fattori, Vincenzo Cabianca, Odoardo Borrani, Telemaco Signorini, Giuseppe Abbati e Raffaello Sernesi. In questo coro di personalità diverse, a essere comune fu la scelta della macchia, una tecnica pittorica innovativa modulata con il contributo di tutti gli esponenti del movimento. Firenze, destinata a diventare dal 1865 al 1871 capitale provvisoria del nuovo Regno d’Italia, fu negli anni Sessanta dell’Ottocento il laboratorio di questa esperienza unica che vide coinvolti, oltre a loro, toscani di origine, altri giovani pittori ribelli provenienti dalle diverse città della Penisola. A partire dalla loro rivalutazione avvenuta tra le due Guerre Mondiali e proseguita fino a oggi, le opere dei Macchiaioli, incompresi dai contemporanei come in seguito capiterà agli Impressionisti, sono entrate nei grandi musei e in prestigiose collezioni private. Milano è la città dove a partire dagli anni Venti del Novecento è avvenuta la loro riscoperta sia sul versante della critica che del collezionismo.

Prodotta da Palazzo Reale, 24 ORE Cultura – Gruppo Il Sole 24 ORE e Civita Mostre e Musei, I Macchiaioli è frutto degli ultimi studi da parte dei tre più autorevoli esperti italiani del movimento: il progetto espositivo è infatti ideato e curato da Francesca Dini, Elisabetta Matteucci e Fernando Mazzocca. La mostra vede coinvolti come prestatori i più importanti musei italiani che custodiscono le opere dei Macchiaioli, come l’Accademia di Belle Arti e la Pinacoteca di Brera, le Gallerie degli Uffizi e Palazzo Pitti, il Museo del Risorgimento e la Galleria di Arte Moderna di Milano, la Galleria Civica di Arte Moderna e Contemporanea di Torino, il Museo Civico Giovanni Fattori di Livorno e numerose collezioni private. L’esposizione, visitabile fino al 14 giugno 2026, si avvale del partenariato dell’Istituto Matteucci di Viareggio, e vede come main sponsor Pirola Pennuto Zei & Associati e come sponsor BPER Banca Private Cesare Ponti.

Milano, 23 mar. (askanews) – La Fondazione ICA Milano presenta fino al 23 maggio 2026 The Second Shadow. Dozie Kanu Mirroring Marc Camille Chaimowicz, with Shared Echoes and Kindred Spirits, una nuova mostra che mette in relazione due generazioni di artisti e due modi distinti di abitare lo spazio espositivo: curata da Rita Selvaggio con il supporto di Giulia Civardi l’esposizione è prodotta in collaborazione con Nicoletta Fiorucci Foundation. La bipersonale trasforma le sale della Fondazione ICA Milano in un campo di trasmissione affettiva, in cui l’eredità è riattivazione. L’artista Dozie Kanu ha raccontato ad askanews il suo lavoro.

La stanza di Chaimowicz, ispirata a Jean Cocteau, si configura come un interno domestico e teatrale al tempo stesso: un ambiente abitato da oggetti carichi di memoria e intimità che evocano il cineasta francese. A vent’anni di distanza, Dozie Kanu entra in questa architettura sensibile come in un archivio vivente e ne propone una stanza gemella, non per imitazione ma per rifrazione. The Second Shadow è la sua risposta e il suo contrappunto: un ambiente che sposta le coordinate dell’opera storica, interrogandola. Le opere, scelte all’interno della collezione di Nicoletta Fiorucci e integrate nel lavoro di Kanu, non operano come omaggi né come riferimenti dichiarativi, ma come elementi di attivazione. Là dove Chaimowicz rende Cocteau una figura domestica, immersa in un paesaggio mentale intimo e teatrale, Kanu fa di Chaimowicz stesso un’architettura affettiva: una forma che si rigenera nella relazione con altre opere. La frase di Cocteau Mirrors should think longer before they reflect diventa principio generativo della mostra, chiamando l’immagine a sospendere il proprio riflesso, a interrogarsi prima di restituirsi.

A completare idealmente il percorso, nell’ambito della mostra è prevista la proiezione del film Il testamento di Orfeo (1960) di Jean Cocteau presso il Cinema Godard di Fondazione Prada giovedì 21 maggio 2026. ICA Milano ringrazia Banca Intesa Sanpaolo, sponsor ufficiale della Fondazione, Valsoia ed Enel per il supporto alla programmazione e alle attività di ICA Milano.

Milano, 21 mar. (askanews) – Da venerdì 20 marzo 2026, Platea Palazzo Galeano inaugura Fivefold Tuning, il nuovo palinsesto espositivo affidato alla curatela di Giovanna Manzotti. Ad aprire la stagione è Liliana Moro con senza soluzione di continuità: un intervento architettonico e installativo che diventa asse portante dell’intera programmazione. Un gesto artistico che mette al centro la vetrina, spingendola a rinegoziare la propria funzione di spazio statico e puramente ospitante, sfondando simbolicamente le pareti con delle superfici specchianti. La curatrice e l’artista hanno raccontato ad askanews il progetto complessivo e l’opera.

Liliana Moro spiega le scelte della sua azione sulla vetrina: “Ho deciso di lavorare più sull’architettura, per cui ho messo questo materiale specchiante alle pareti che proprio aprono e cambiano il punto di vista anche di questo luogo, che si chiama Platea proprio perché il pubblico guarda le opere senza entrare. Mi piaceva pensare invece di aprire e di pensare che tutti noi diventiamo parte di questa opera che fornisce diversi punti di vista dello spazio esterno, lo spazio che riflette per cui entrano chiaramente anche tutta la vita e tutto il tempo che scorre in questa piazza per nove mesi”.

Giovanna Manzotti introduce il tema dell’interno palinsesto: “L’idea di quest’anno è stata quella di abbattere un po’ il concetto di vetrina. L’intervento di Liliana lo testimonia a tutti gli effetti e resterà per quasi dieci mesi per tutta la durata del mio programma. Il titolo Fivefold Tuning fa riferimento a un’accordatura a cinque voci, a cinque toni, dentro la quale a partire da maggio andranno poi a inserirsi anche gli interventi di artisti più giovani che all’interno di un unico lungo piano sequenza, in questo caso è dettato dall’opera di Liliana, andranno a convivere con i loro interventi”.

All’interno di questa struttura temporale estesa si inseriscono i quattro artisti emergenti: Federica Balconi, Lorena Bucur, Diana Lola Posani e Andrea Di Lorenzo che entreranno progressivamente in scena tra la primavera e l’autunno 2026, intervenendo all’interno dell’ambiente generato da Liliana Moro. Il titolo del progetto Fivefold Tuning evoca un’accordatura a cinque voci: un processo di armonizzazione che presuppone ascolto, prossimità e tensione condivisa. La voce iniziale, quella di Moro, stabilisce il ritmo entro cui le pratiche degli altri artisti si inseriscono, in un esercizio continuo di sintonizzazione tra linguaggi e sensibilità. Liliana Moro: “È stata un po’ una mia idea di chiedere agli artisti che intervengono dopo di me, sono artisti più giovani, di provare ad accumulare i nostri lavori: alla fine del progetto avremo tutti i lavori che vivono insieme all’interno di questo spazio”.

All’interno della vetrina specchiante si inserisce un elemento scultoreo essenziale ma fondamentale: un tubo giallo traffico disposto verticalmente e leggermente decentrato, che connette pavimento e soffitto. Da questa presenza emerge una deviazione inattesa: un altro piccolo tubo verde traffico che, nelle ore notturne, lascia scorrere un lieve rigagnolo d’acqua. Il suono dell’acqua evoca l’Adda poco distante e introduce nello spazio un elemento sonoro che porta altrove fuori dalla vetrina.

Il progetto Platea Palazzo Galeano è realizzato con il patrocinio del Comune di Lodi con Ferrari Giovanni Industria Casearia Spa come main partner. Il progetto grafico di Fivefold Tuning è a cura di Carolina Incerti.

Padova, 21 mar. (askanews) – Alla Galleria Civica Cavour fino al 19 aprile 2026 è visitabile la mostra Polisemie del Grande Oltre, promossa dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Padova.

Antonella Benanzato, artista, pittrice e musicista, ha raccontato ad askanews l’esposizione: “Polisemia del Grande Oltre è una retrospettiva, una personale che racconta il mio percorso artistico negli ultimi dieci anni. Polisemia perché ci sono tante ispirazioni, tante tecniche diverse, tante modalità in cui ho cercato di ritrarre la mia interiorità. Diciamo che nella summa di questa mostra possiamo vedere quello che per me è l’importanza dell’inconscio, l’inconscio come ispirazione, il suono come matrice prima di ogni mia opera, perché ogni mia opera nasce da un suono che poi diventa colore e forma. In questa mostra ho portato anche delle tele figurative o semi figurative non solo più astratte, proprio perché si è compiuta questa evoluzione, che in realtà è un ritorno, perché io nasco come figurativa, evolvo in astrattista e poi ritorno ad una forma umana che si traduce nel colore e si mischia adesso, perché nell’umano l’inconscio forse è la parte più importante”.

L’artista padovana porta in mostra una sessantina di opere, alcune di grande formato: le tele a olio con tecnica mista su grandi formati, ma anche disegni, opere su carta fotografica, installazioni visive complementari alle composizioni musicali elettroacustiche ed acusmatiche composte da alla stessa Antonella. Fin dall’inizio, Benanzato ha focalizzato la sua ricerca artistica sul suono e sulla visione del movimento sonoro applicate all’arte visiva. Colore, segno, movimento e luce sono i pilastri della sua poetica, le contaminazioni sono parte della sua visione.

Roma, 21 mar. (askanews) – È stato presentato ufficialmente sabato 21 marzo, presso il Cinema Teatro Aequa, il progetto “Aequa Spont Art – L’imperfezione come risorsa: tra arti spontanee e frontiere digitali”. L’iniziativa, promossa dal Nuovo Cinema Aequa, mira a trasformare il territorio in un hub internazionale per l’arte spontanea, celebrando la bellezza dell’istinto contro l’estetica patinata degli algoritmi. Alla conferenza stampa di presentazione hanno preso parte figure di rilievo del panorama culturale e istituzionale: Giuseppe Aiello, Sindaco di Vico Equense, per i saluti istituzionali; Bruno Alvino, Presidente della Soc. Coop. Cineteatro Aequa; Derrick de Kerkhove, Accademico e Direttore Scientifico della rivista Media Duemila; Rosanna Romano, Direttore Generale della Direzione Cultura della Regione Campania; Maria Pia Rossignaud, Giornalista e Vicepresidente dell’Osservatorio TuttiMedia; Pier Paolo Provenzano, Presidente dell’Associazione La Terza Classe.

L’incontro ha visto la partecipazione del Gruppo Folk “La Terza Classe”. Il coordinamento del progetto è a cura dell’Associazione Opera aps.

IL PROGETTO E LA FILOSOFIA “Aequa Spont Art” nasce per dare voce all’arte spontanea nell’era digitale, creando un ponte tra l’anziano custode di tecniche antiche e il giovane artista digitale. Il percorso si articola in tre fasi: una “Chiamata alle Arti” per mappare i talenti nascosti (dalla poesia alla Glitch Art), la creazione di un’Area Museale Digitale con certificazione NFT e, infine, la realizzazione di un Villaggio dell’Istinto e un Festival Open Air ispirati ai principi del New Bauhaus Europeo.

PARTNER E SOSTEGNI ISTITUZIONALI L’iniziativa gode del patrocinio morale del Comune di Vico Equense ed è un’attività finanziata con risorse del PR CAMPANIA FESR 2021-2027 (Asse Prioritario 1, RSO1.3, Azione 1.3.1). Il progetto si avvale inoltre del contributo dei seguenti partner tecnici e culturali: Cantine Torre Ferano, Aerma Polani, AI Ecosystem Lab, Libreria Ubik Vico Equense.

COME PARTECIPARE La “Chiamata alle Arti” è aperta a tutti. Per partecipare al censimento e consultare il regolamento, è possibile visitare il sito www.aequa.it/spontart.html.

Roma, 19 mar. (askanews) – Un libro che è al tempo stesso un’avvincente biografia, un compendio divulgativo di tecniche negoziali ed un incredibile spaccato su di alcune delle più clamorose vicende che hanno investito il Medioriente negli ultimi 20 anni, inclusa la recente crisi degli ostaggi a Gaza. Il tutto narrato da un protagonista d’eccezione, Michael Tsur, uno dei più famosi negoziatori al mondo, inventore di un metodo per gestire le trattative che insegna a Shakla & Tariya, la scuola per negoziatori da lui fondata a Gerusalemme nel 2012.

Tramite la penna del giornalista Frediano Finucci, capo della redazione economia ed esteri del Tg La7, Tsur racconta la sua vita avventurosa e le vicende, altrettanto avventurose, del ramo tedesco e yemenita della sua famiglia. Da meccanico di auto a imprenditore edile, da avvocato a mediatore per la Corte Suprema israeliana, il libro ripercorre la vita di un ragazzino dislessico, oggi sessantadueenne, che si è reinventato continuamente arrivando a codificare un mestiere di cui la maggior parte delle persone ignora l’esistenza: il negoziatore professionista. Proprio per questa sua peculiare ed unica esperienza, Michael Tsur è stato invitato nel 1999, da civile, a far parte della squadra di negoziazione ostaggi dell’esercito israeliano (IDF) col preciso scopo di risolvere le situazioni di crisi senza l’uso delle armi, bensì con le parole.

Queste pagine raccontano i retroscena delle crisi a cui ha partecipato come negoziatore, dal famoso assedio alla Basilica della Natività (2002) agli albori delle trattative post 7 ottobre: nel dicembre 2023 Tsur ha infatti chiesto di non essere più coinvolto nel negoziato poiché riteneva che le modalità adottate non fossero efficaci per il rilascio degli ostaggi a Gaza.

Negoziati commerciali e dirottamenti aerei; problemi di convivenza e danaro; problematiche aziendali e bullismo scolastico; rapimenti e valori religiosi: Il negoziatore è un libro che, per la prima volta, affronta a 360° le sfide quotidiane, realmente vissute, di una professione sconosciuta che nell’era dei social media e delle videochiamate ribadisce l’importanza del contatto umano e del dialogo. Un ribaltamento di prospettive che stupisce ed insegna il rispetto perché, come dice Tsur: “non si negozia mai contro qualcuno ma con qualcuno: anche se questo qualcuno dovesse essere il Diavolo in persona”.

Milano, 20 mar. (askanews) – Sono stati annunciati a Milano le terne finaliste per le categorie Narrativa e Saggistica e i Premi Internazionale e Speciale del Premio Costa Smeralda 2026, giunto quest’anno alla sua settima edizione.

Per la narrativa i finalisti sono: Niccolò Ammaniti, Paola Barbato, Dario Ferrari. Per la saggistica: Edoardo Camurri, Adriana Cavarero, Andrea Moro.

I vincitori assoluti di queste due categorie del premio diretto da Stefano Salis saranno proclamati sabato 18 aprile durante la cerimonia pubblica di premiazione al Conference Center di Porto Cervo. Sabato 18 aprile verranno inoltre assegnati il Premio Internazionale a Javier Cercas e il Premio Speciale al Comandante Giuseppe Lai.

Il Premio Costa Smeralda, promosso dal Consorzio Costa Smeralda e sponsorizzato da Smeralda Holding, ambisce a distinhìguersi per l’alta qualità delle opere e degli autori selezionati nelle terne finaliste per le categorie Narrativa e Saggistica, scelte da una giuria guidata da Salis e composta da Lina Bolzoni, Marcello Fois, Elena Loewenthal e Chiara Valerio.

Milano, 20 mar. (askanews) – La grande mostra “Van Dyck l’Europeo”, in programma a Palazzo Ducale di Genova dal 20 marzo al 19 luglio 2026, mette al centro uno dei protagonisti assoluti della pittura barocca. Le 60 opere raccolte in 10 sezioni tematiche partono dagli anni trascorsi da Anton Van Dyck nella città ligure, che ebbe un ruolo centrale nella sua formazione, e riportano l’attenzione su un artista capace nel Seicento di conquistare le corti europee e di lasciare un’impronta lunga nei secoli.

La mostra genovese è anche un invito a spostarsi nelle Fiandre, dove Van Dyck nacque e si formò. Lì le sue opere si incontrano ancora nelle chiese, nei musei e nelle dimore storiche che le conservano. È da questa rete di luoghi che parte anche il percorso proposto da VisitFlanders, l’ente del turismo delle Fiandre, partner della mostra.

La prima tappa è Anversa, città natale di Van Dyck. Nella chiesa di San Paolo, il “Cristo che porta la croce” mostra già la precoce capacità dell’artista di rendere il dramma e la spiritualità con intensità e dinamismo. Al KMSKA – Museo Reale di Belle Arti, invece, si può seguire l’evoluzione del suo stile attraverso 17 opere, in cui l’eleganza dei ritratti si intreccia con la vivacità dei dettagli architettonici e dei tessuti. Da Anversa proviene anche uno dei capolavori esposti a Genova, l'”Autoritratto” del 1616-1617 della Rubenshuis, la casa museo attualmente in restauro dedicata a Peter Paul Rubens, altro maestro fiammingo legato a sua volta a Genova.

Per approfondire la pittura sacra di Van Dyck, il percorso prosegue in altre città delle Fiandre. A Mechelen, nella Cattedrale di San Rombaldo, un “Cristo sulla Croce” mostra con forza il suo modo personale di rappresentare la sofferenza. A Dendermonde, nella chiesa di Nostra Signora, l'”Adorazione dei Pastori” tiene insieme intimità e ampiezza scenica, guidando lo sguardo tra luci e ombre. A Gent, nella chiesa di San Michele, un altro “Cristo sulla Croce” colpisce per la semplicità della composizione e per il contrasto tra il cielo scuro, il pallore di Cristo e il colore acceso del resto della scena.

Se a Genova arriveranno opere provenienti da grandi musei europei, dalla National Gallery al Louvre, le collezioni conservate nelle istituzioni fiamminghe permettono di leggere più da vicino la personalità artistica di Van Dyck. A Bruxelles, i Musei Reali di Belle Arti mostrano la ricchezza del suo stile tra ritratti e opere religiose. A Bruges e ancora a Gent, il Groeninge e l’MSK-Museo di Belle Arti mettono in evidenza la sua capacità di combinare eleganza, dramma e sensibilità per la luce e per lo spazio.

Seguire Van Dyck nelle Fiandre significa anche entrare in contatto con un territorio che ha dato vita ad alcuni dei grandi nomi della pittura europea. Ad Anversa la scena barocca resta dominata da Peter Paul Rubens, dalla “Deposizione dalla Croce” nella Cattedrale di Nostra Signora fino alla sua casa-studio. A Gent, la Cattedrale di San Bavone custodisce il “Polittico dell’Agnello Mistico” dei fratelli Jan e Hubert van Eyck, tra le opere simbolo della pittura fiamminga del Quattrocento. Più avanti nel tempo, a Ostenda, il Mu.ZEE riporta invece a James Ensor e alla sua modernità fatta di maschere, figure surreali e tensioni che anticipano il Novecento.

Il viaggio, quindi, si allarga. Dalla mostra genovese alle città d’arte fiamminghe, il percorso sulle tracce di Van Dyck attraversa secoli di creatività europea e prende forma in un patrimonio che VisitFlanders valorizza anche attraverso il progetto Flemish Masters in Situ, che individua 105 luoghi d’eccezione in cui vedere i Maestri Fiamminghi nel loro contesto originale.

Roma, 20 mar. (askanews) – Epoch, azienda giapponese produttrice di giocattoli e giochi, annuncia l’arrivo in Italia di tre nuove collezioni di Trading Collectibles Card ispirate ad alcune delle property anime più amate e seguite a livello globale: Solo Leveling, Demon Slayer e Kaiju No. 8. Un lancio che si inserisce in un contesto particolarmente favorevole per il comparto dei giocattoli e dei collezionabili che, nel 2025, ha visto una crescita del 37%, arrivando a rappresentare il 13% del fatturato totale del mercato del giocattolo: dalle action figure alle carte, il collezionismo continua ad attirare consumatori di tutte le età. A trainare il mercato i segmenti kidult, le properties e le licenze, che hanno infatti dimostrato di essere particolarmente floride: lo scorso anno hanno registrato una crescita sette volte più veloce dei prodotti non licenziati, che sono così arrivati a rappresentare il 30% del giro d’affari complessivo infrangendo ogni record (dati Circana).

In linea con questi nuovi trend, che stanno ridefinendo le scelte d’acquisto, l’azienda giapponese amplia la propria proposta nel mondo dei collezionabili con una nuova linea di trading collectibles card da collezione ispirate a tre degli anime di maggior successo di tutti i tempi. Queste nuove uscite, grazie ad artwork iconici, carte rare e contenuti esclusivi, promettono di portare nel panorama italiano un’esperienza premium pensata per collezionisti e appassionati di questi prodotti.

Oggi collezionare non è più un semplice passatempo, ma una potente espressione della propria identità e delle proprie passioni. Con queste tre nuove linee, Epoch rinnova il suo impegno nel soddisfare i gusti del popolo dei kidult, senza dimenticare le nuove generazioni, sempre più affascinate dal mondo dell’animazione orientale.

Roma, 20 mar. (askanews) – È stato firmato oggi, alle Terme di Diocleziano, l’Accordo di collaborazione scientifica tra il Museo Nazionale Romano (MNR) e l’Istituto Nazionale di Geofisica e Vulcanologia (INGV), rappresentati rispettivamente dalla Direttrice Federica Rinaldi e dal Presidente Fabio Florindo. In base all’Accordo, nel prossimo quadriennio le due Istituzioni collaboreranno alla promozione di iniziative congiunte di ricerca e valorizzazione del patrimonio culturale impegnandosi a promuovere la realizzazione di eventi istituzionali negli ambiti della divulgazione e diffusione delle conoscenze relative al patrimonio e alle attività culturali, a livello nazionale e internazionale, nel rispetto delle proprie finalità istituzionali.

In particolar modo, riferisce una nota, gli Istituti individueranno di concerto opportunità di collaborazione e programmi di ricerca volti a incentivare i metodi di indagine e la salvaguardia dai rischi naturali e antropici rivolti al patrimonio culturale, comprendendo gli edifici museali e le sedi espositive, ma anche le opere esposte e conservate nei depositi, approfondendo così le conoscenze storico-artistiche e i metodi di indagine tecnico-scientifica nel settore delle tecniche geofisiche, fisiche e chimiche applicate ai beni culturali.

Promuoveranno e svilupperanno, inoltre, eventi espositivi, mostre e iniziative, contribuendo alla realizzazione di progetti divulgativi ed educativi anche nell’ambito della storia della scienza applicata ai beni culturali. “Le attività congiunte tra INGV e Museo Nazionale Romano prenderanno il via con studi innovativi di biomonitoraggio magnetico dell’inquinamento atmosferico”, spiega Fabio Florindo, Presidente dell’INGV. “Applicheremo tecniche avanzate di paleomagnetismo a foglie e licheni, trasformandoli in veri e propri sensori naturali capaci di tracciare la diffusione del particolato metallico prodotto dal traffico automobilistico e ferroviario nelle aree interne e circostanti le Terme di Diocleziano. Questa linea di ricerca si inserisce nel solco degli studi pionieristici coordinati da Aldo Winkler, referente INGV dell’Accordo, sul magnetismo applicato alle soluzioni Nature-Based per la conservazione preventiva del patrimonio culturale. Un approccio che apre nuove prospettive per l’uso di tecniche geofisiche non distruttive e non invasive, fondamentali per la tutela, l’individuazione e l’analisi dei reperti artistici e archeologici”.

“L’inquinamento atmosferico rappresenta una minaccia per il patrimonio culturale e architettonico; l’Accordo con l’Istituto Nazionale di Geofisica e Vulcanologia consentirà al Museo Nazionale Romano, articolato su quattro sedi museali, diffuse nel cuore della città di Roma – Palazzo Massimo, Terme di Diocleziano, Crypta Balbi e Palazzo Altemps – di monitorare e prevenire i danni causati dall’inquinamento atmosferico sul materiale lapideo delle opere in collezione e nei depositi. La manutenzione ordinaria e programmata, la prevenzione e l’adozione di moderne tecniche di conservazione, con il supporto dell’Istituto Nazionale di Geofisica e Vulcanologia, permetteranno di salvaguardare e trasmettere alle future generazioni il nostro patrimonio culturale”, dichiara Federica Rinaldi, Direttrice del Museo Nazionale Romano.

Milano, 20 mar. (askanews) – Anche quest’anno torna Donne in codice, all’interno di Sguardi altrove film festival. È una sezione riservata alle donne nella scienza nella scia dell’intenzione del festival che intende essere uno spazio riservato alla creatività e alle intelligenze femminili, che si esprimono in ogni campo del sapere. La forza di questi appuntamenti sta nel fatto che questo progetto non si fonda su una recriminazione di genere, bensì sul riconoscimento di un valore che non sempre trova un legittimo spazio di espressione. A parlarne sono due autrici Maria Pia Bracchio e Marilisa D’Amico, con un curriculum stellare, che insieme hanno deciso di fare un giro di ricognizione sia nel passato che nel presente sulla situazione delle donne nella scienza. Nel libro che sarà presentato si racconterà di esempi di scienziate che ci aiutano a comprendere il loro percorso, ma anche riportandoci i dati ricerche indagini sul presente.

Quest’anno Donne in codice è dedicato a un’indagine sulla donne che hanno segnato il percorso scientifico nella storia e sottilinea le difficoltà che ancor esistono per quelle che si aprono a questo campo di ricerca. Oggi le donne sono sempre più presenti nella scienza e stanno cambiando il mondo con le loro scoperte. Tuttavia, la piena parità non è ancora raggiunta: è un percorso in evoluzione. Nel campo della tecnologia per esempio negli ultimi anni c’è stata una crescita significativa della presenza femminile nei settori STEM (Science, Technology, Engineering, Mathematics), ma il divario non è ancora del tutto colmato. Le donne rappresentano circa il 25-30% dei programmatori a livello globale Intelligenza artificiale, Data science, Cybersecurity.

Sempre più ragazze studiano informatica e ingegneria ma rimane il gap salariale, minore rappresentanza nei ruoli senior, stereotipi culturali ancora forti e di studio e nello stesso tempo quali potenzialità e quali possibilità. Sarà un appuntamento in cui capirà dove si è oggi e come si possono definire delle traiettorie per il futuro.

La 33esima edizione di Sguardi Altrove Women’s International Film Festival. Dal 10 al 28 marzo proiezioni, incontri, workshop, quattro sezioni in concorso tra cui Nuovi Sguardi concorso di cinema internazionale, curato da Maria Sabina Berra, Paola Casella, Patrizia Rappazzo e Barbara Tarricone. Questa sera 20 marzo all’università Iulm si terrà al premiazione.

Domenica 22 marzo al Cam in corso Garibaldi 27, si terrà un incontro con Maria Pia Abbracchio e Marilisa D’Amico autrici del libro Donne della scienza La lunga strada verso la parità edito da Franco Angeli.

Milano, 20 mar. (askanews) – Dalle tracce più antiche della presenza umana fino al pieno sviluppo della civiltà medievale e arte moderna: il Museo di Torcello, che racconta la lunga storia della laguna veneziana attraverso un percorso che intreccia archeologia, arte e memoria, è entrato a far parte della rete della Fondazione Musei Civici di Venezia.

L’ingresso del complesso museale di proprietà della Città metropolitana rappresenta un passaggio di grande rilievo, non solo sotto il profilo gestionale, con l’inserimento nel percorso dei Musei delle Isole insieme a Murano e Burano, ma anche culturale: con la sua narrazione attraverso le attività educative di MUVE, i futuri interventi di valorizzazione del patrimonio. Non ultimo, il museo configura come tassello fondamentale nel sistema dei musei della città insulare, completando il racconto con una dimensione finora solo parzialmente esplorata: quella delle origini della civiltà veneziana. Torcello, tra i più antichi insediamenti della laguna e centro vitale già in età tardoantica e altomedievale, costituiva, infatti, un nodo commerciale attivo già in età romana e rappresenta un riferimento imprescindibile per comprendere la nascita di Venezia.

Tra i primi interventi attuati per la valorizzazione del contesto espositivo, MUVE ha portato a termine una serie di interventi manutentivi, aggiornamenti su apparati didascalici per rendere il museo ancora accogliente, fino allo svelamento del deposito posto nella loggia del Palazzo dell’Archivio che, nuovamente a vista, mette in evidenza l’importante patrimonio lapideo qui conservato.

Il complesso, che comprende il Palazzo del Consiglio e il Palazzo dell’Archivio con le rispettive collezioni – è stato concesso al Comune di Venezia per la durata di nove anni ad uso gratuito con il decreto del Sindaco Metropolitano n. 55/2025 del 30 giugno 2025 e viene ora gestito dalla Fondazione nell’ambito di una concessione pluriennale. L’obiettivo è dare continuità al lavoro di valorizzazione e studio condotto negli anni condotto negli anni dalla Città metropolitana, dedicato alla conoscenza della “Venezia prima di Venezia”: in questo antico emporio fluviale e marittimo, fulcro economico e religioso dell’alto Adriatico nei secoli precedenti l’affermazione del centro veneziano, la Fondazione MUVE amplia il proprio percorso narrativo, connettendo i musei civici con le radici più profonde e delle civiltà che hanno vissuto, lambito e attraversato la laguna e le isole, contribuendo alla diffusione e conoscenza di uno dei suoi siti storici più antichi e significativi.

La decisione di affidare alla Fondazione Musei Civici la gestione del museo di Torcello nasce da una duplice esigenza: la prima è quella di rilanciare questo piccolo tesoro che si trova nel cuore della Laguna e che parla della storia e delle origini stesse di Venezia riuscendo anche a legarsi ad un percorso storico-sociale che ha portato le genti di Altino, dove esiste un altrettanto splendido museo archeologico, a spostarsi nell’isola di Torcello per dare vita alla comunità veneziana. La seconda nasce dall’occasione di inserire questo sito archeologico nella rete dei Musei Civici di Venezia che in questo modo allargano a 14 sedi la proposta culturale aprendosi ad un pubblico più ampio e rendendo così possibile di visitarlo e conoscerlo.

“Con il Museo di Torcello, si rafforza ulteriormente la rete dei musei civici veneziani e, al tempo stesso, quella dei musei delle isole gestiti dalla Fondazione. Il museo si affianca così al Museo del Vetro di Murano e al Museo del Merletto di Burano, contribuendo a un sistema culturale diffuso e profondamente identitario. Le competenze maturate da Fondazione nella gestione di una rete così articolata e in continua evoluzione ed espansione verranno messe al servizio di questa realtà museale unica e preziosa. È certo che l’inserimento in questo straordinario sistema culturale possa, da un lato, valorizzare ulteriormente il Museo di Torcello e, dall’altro, arricchire e completare il percorso della Fondazione”, ha commentato Mariacristina Gribaudi, presidente di Fondazione Musei Civici di Venezia

Milano, 20 mar. (askanews) – Fondazione ICA Milano espone nella project room per la prima volta in assoluto tre opere tratte dalla serie 52 Ludlow realizzate da Giovanni Stefano Ghidini, parte di un ampio progetto sviluppato dall’artista nell’arco di venticinque anni. A partire dal 1997, sul tetto di un edificio al 52 Ludlow Street nel Lower East Side di New York, Ghidini ha coltivato girasoli cresciuti fino a due metri di altezza, trasformandoli in presenze monumentali e antropomorfe. In questi anni l’artista ha costruito un vasto archivio di negativi. Nel 2022 Ghidini ha iniziato a realizzare stampe al platino in collaborazione con un maestro stampatore.

Gianni Ghidini è un fotografo il cui lavoro, per decenni, è stato silenzioso e privato. I girasoli diventano i suoi autoritratti. L’artista ha raccontato ad askanews: “Sono Giovanni Stefano Ghidini, vivo a New York e questo è quello che faccio. Sono venticinque anni di lavoro che ho fatto sopra un tetto di Chinatown a New York: per 25 anni ho piantato dal seme e poi ho scolpito la pianta fino ad arrivare quasi alla morte della pianta e alla fine l’ho fotografata. È un percorso che ogni anno dura tipo nove mesi. È stata dura ma insomma ce l’abbiamo fatta. Richiede molto tempo, il tempo in questo caso è un tempo che è completamente diverso dal tempo reale. Ci vuole molta pazienza, grande pazienza e poi non puoi andare da nessuna parte, devi stare lì tutti i giorni perché la pianta magari la devi girare leggermente per dargli le forme. Ora arriva la parte della stampa, perché per venticinque anni non ho mai stampato nulla, ho raccolto tutti i negativi e ora c’è il lavoro di editing e il lavoro di editing probabilmente mi porterà via altri cinque sei, sette o dieci anni. Per cui è un lavoro che alla fine durerà probabilmente quasi tutta la vita. La stampa è al platino ed è molto complicata da fare, molto anche costosa. Una persona che arriva a New York in cima un palazzo a Chinatown, in un posto isolato dove non conosce nessuno. È la vita di un emigrante italiano. Tutto abbastanza autobiografico quello che racconto. I momenti della mia vita da emigrante negli Stati Uniti. Questo è il senso del lavoro”.

Le tre opere di 52 Ludlow selezionate da Giovanni Stefano Ghidini con la curatela di Alberto Salvadori restano visibili nella project room di Fondazione ICA fino al 23 maggio 2026.

Fondazione ICA Milano ringrazia Banca Intesa Sanpaolo, sponsor ufficiale della Fondazione, Valsoia ed Enel per il supporto alla programmazione e alle attività istituzionali.

Roma, 18 mar. (askanews) – Il ministro della Cultura Alessandro Giuli ha annunciato la Capitale italiana della Cultura per il 2028, è Ancona, dopo L’Aquila, scelta per quest’anno e Pordenone per il 2027. “Il dossier soddisfa pienamente gli indicatori del bando, ponendosi come un modello di progettazione culturale innovativa, sostenibile e condivisa, il giudizio è eccellente, pertanto la Commissione raccomanda all’unanimità come Capitale italiana della Cultura nel 2028 Ancona”.

Alla cerimonia, al Ministero della Cultura a Roma, alla presenza della giuria di selezione, presieduta dal giornalista Davide Maria Desario, e dei sindaci e rappresentanti delle dieci città finaliste tra le 23 candidate, è stato mostrato il video del dossier “Ancona. Questo Adesso”. “É stato raggiunto un obiettivo molto importante per una comunità, una città e una Regione”, ha detto il sindaco Daniele Silvetti dopo la proclamazione. “Il nostro lavoro ha cercato di mettere insieme ciò che era sparso nella città e rendere armonioso il rapporto tra l’aspetto archeologico-architettonico e quello ambientale perché abbiamo un parco naturale che arriva fino al cuore della città, abbiamo fatto credo un buon lavoro”.

Alla città vincitrice viene assegnato un contributo di un milione di euro, per attuare il programma culturale presentato.

Roma, 18 mar. (askanews) – La festa del Novruz è una delle tradizioni più antiche e più care al popolo azerbaigiano, rappresenta la festa della Primavera, celebra il risveglio della natura e il rinnovamento della vita. Il popolo azerbaigiano si prepara al 21 marzo riscoprendo cibi, tradizioni e usanze, e i quattro martedì che precedono la data sono dedicati a quattro elementi naturali simbolo di purificazione: acqua, fuoco, vento e terra.

L’Azerbaigian ha reso omaggio a questa importante ricorrenza con il concerto “I Ritmi della Terra del Fuoco” presso il Teatro Torlonia a Roma. L’Azerbaigian ha reso omaggio a questa importante ricorrenza con il concerto “I Ritmi della Terra del Fuoco” presso il Teatro Torlonia a Roma. L’evento è stato aperto dai saluti dell’Ambasciatore della Repubblica dell’Azerbaigian in Italia, Rashad Aslanov, che ha ricordato come in Azerbaigian il Novruz sia una festività estremamente importante, un momento gioioso, ricco di tradizioni, e portatore di serenità e pace per le famiglie. Ad introdurre “I Ritmi della Terra del Fuoco” la Direttrice del Centro Culturale dell’Azerbaigian, Gulnar Taghizada.

Durante la serata a Villa Torlonia si è esibito l’Ensemble Statale di Canto e Danza dell’Azerbaigian Fikret Amirov, che ha portato sul palco l’energia e la bellezza delle danze tradizionali azerbaigiane. Il ricco programma musicale è invece stato eseguito da Rovshan Gurbanov, maestro di tar, vincitore del Premio Presidenziale, Togrul Asadullayev, celebre suonatore di kamancha e Artista Onorato, Seyyar Teymurov, percussionista di nagara, e Ravan Gacayev, cantante di mugham, musica tradizionale azerbaigiana annoverata anche tra i patrimoni immateriali dell’UNESCO.

L’evento, organizzato dal Centro Culturale dell’Azerbaigian, è stato realizzato grazie al sostegno del Ministero della Cultura della Repubblica dell’Azerbaigian e dell’Ambasciata della Repubblica dell’Azerbaigian nella Repubblica Italiana e ha visto la partecipazione di un numerosissimo pubblico, composto da rappresentanti del corpo diplomatico, istituzioni e media.

Milano, 18 mar. (askanews) – Going, tour operator specializzato nei viaggi su misura, e Lonely Planet presentano la guida “Pocket Boston”, affiancata da nuovi itinerari sulla città e sul New England.

Boston sarà tra le sedi dei Mondiali FIFA 2026, con sette partite in programma di cui due a eliminazione diretta, e avrà un ruolo di primo piano anche nelle celebrazioni di America 250, il programma per i 250 anni della Dichiarazione d’Indipendenza. La città del Massachusetts è tra i luoghi simbolo della rivoluzione americana, dal Boston Tea Party alla battaglia di Bunker Hill.

Dal 12 maggio 2026 JetBlue avvierà il collegamento diretto stagionale tra Milano Malpensa e il Logan International Airport, operato con Airbus A321neo LR da 138 posti. Obiettivo dichiarato: proporre tariffe competitive accompagnate da un prodotto di bordo con componenti premium.

Going amplia l’offerta con city break dedicati ai quartieri storici, al waterfront e ai siti della rivoluzione americana, oltre a itinerari nel New England – Massachusetts, New Hampshire, Maine, Connecticut, Vermont e Rhode Island – e lungo la East Coast verso New York e Washington.

Tra le proposte anche pacchetti legati agli eventi del 2026, inclusi quelli marittimi nel porto di Boston con la partecipazione dell’Amerigo Vespucci a Sail Boston.

Boston è inoltre porta d’ingresso per itinerari regionali e hub strategico verso i Caraibi, con possibilità di combinare soggiorni urbani, estensioni balneari e crociere.

Milano, 18 mar. (askanews) – In Val Pusteria la Pasqua cade in quel punto dell’anno in cui l’inverno resiste ancora, ma la luce cambia già i ritmi e riempie i pomeriggi fino a tardi.

A Sesto, ai piedi delle Dolomiti, il Bad Moos Aqua Spa Resort diventa un osservatorio interessante su questa fase di passaggio: da una parte le ultime sciate della stagione, dall’altra una proposta di benessere che cerca strade meno consuete.

L’elemento più insolito è il bagno sonoro con le campane tibetane. Si svolge nella Grotta relax, illuminata dalle candele, dove gli ospiti si distendono sui letti ad acqua e si lasciano accompagnare dalle vibrazioni sonore. È una delle esperienze che caratterizzano l’area sauna e che danno al dopo sci un tono meno convenzionale.

Accanto a questo c’è la Longevity Zone della Spa Soma & Anima, dedicata a trattamenti che puntano su gestione dello stress, equilibrio sonno-veglia, performance mentale e fisica. Tra questi compare anche la fotobiomodulazione, tecnica basata sull’emissione di energia luminosa.

Fuori dalla spa restano le ultime occasioni per vivere la montagna invernale. Gli impianti della Croda Rossa sono appena fuori dall’hotel e permettono di raggiungere il comprensorio Drei Zinnen, con 115 chilometri di piste. In alternativa, la Scuola di Alpinismo Tre Cime organizza escursioni guidate con le ciaspole in quota, alla scoperta di zone meno battute.

La Pasqua, da queste parti, ha anche un forte legame con i riti del territorio. Nel vicino centro di San Candido tornano la caccia alle uova e le usanze legate alle uova decorate, mentre il Sabato Santo resta il giorno della benedizione del cibo, con pani tipici all’anice, uova sode colorate, speck, prosciutto pasquale, asparagi e rafano.

Il Bad Moos diventa così un punto d’appoggio per una vacanza che non si esaurisce nella spa o nelle piste, ma si allarga al paesaggio e alle consuetudini dell’Alto Adige. Le campane tibetane sono il dettaglio che sposta il racconto fuori dai cliché della classica Pasqua in montagna e aggiunge una nota inattesa a un soggiorno ancora immerso nella neve.

Milano, 18 mar. (askanews) – Aruba celebra nel 2026 un triplo anniversario che richiama la storia istituzionale e culturale dell’isola: i 50 anni della Bandiera e dell’Inno nazionali e i 40 anni dello Status Aparte, il riconoscimento dell’autonomia politica ottenuto il 1° gennaio 1986.

Le celebrazioni culminano il 18 marzo, giorno dell’Aruba Day, festa nazionale dedicata dal 1976 all’identità e al senso di appartenenza del popolo arubano.

Il quarantesimo anniversario dello Status Aparte ricorda il passaggio che ha trasformato Aruba in un Paese autonomo, con un proprio governo e un proprio parlamento. Un traguardo legato alla visione di figure come Shon A. Eman e Betico Croes, e che ha affidato all’isola la responsabilità diretta del proprio sviluppo economico, sociale e istituzionale.

Nel 2026 ricorrono anche i 50 anni della bandiera e dell’inno nazionale. Entrambi furono approvati il 16 marzo 1976 e presentati al pubblico il 18 marzo dello stesso anno allo stadio Wilhelmina.

La bandiera, scelta tra 693 proposte, richiama attraverso i suoi elementi grafici alcuni tratti identitari dell’isola: il blu del mare e del cielo, le due fasce gialle legate alla storia economica, la stella rossa a quattro punte come simbolo delle diverse origini della popolazione e dell’attaccamento alla terra, il bordo bianco come richiamo alle spiagge e all’idea di uguaglianza.

L’inno nazionale, “Aruba Dushi Tera”, composto da Juan Chabaya “Padu” Lampe e Rufo Wever, celebra a sua volta il legame con la patria. Cantato in papiamento, viene indicato come uno dei pilastri della cultura arubana.

Nel corso di marzo sono previste sull’isola cerimonie ufficiali, manifestazioni culturali e attività istituzionali. Tra gli appuntamenti annunciati figura anche il festival musicale “Un Canto pa Aruba su Himno y Bandera”, in programma al Carnival Village e dedicato all’inno e alla bandiera nazionali.

Le celebrazioni, si legge in un comunicato dell’Ente del turismo di Aruba, vogliono offrire l’occasione per rileggere il passato dell’isola e insieme richiamare i temi della libertà, dell’orgoglio nazionale e della responsabilità condivisa.

Milano, 18 mar. (askanews) – “L’energia è dappertutto. Come raccontare l’energia e l’accesso all’energia? È quel che ho cercato di fare, raccontando una ventina tra i progetti più importanti di Banco dell’Energia lungo tutto il nostro Paese: Milano, Brescia, Bergamo, Torino, Cagliari , Roma, Napoli , Potenza e Foggia. Ho raccontato e ho scattato le fotografie ma soprattutto la prima cosa che ho fatto è stata quella di rallentare la mia percezione delle cose per allinearmi con quello che le persone che stavo andando a incontrare avevano da raccontarmi”. Così il fotografo Marco Garofalo racconta il volume fotografico “Ritratti di energia” voluto da Fondazione Banco dell’energia, curato dal critico Nicolas Ballario e edito da Moebius. Il libro nasce per celebrare 10 anni di iniziative contro la povertà energetica. “Il mio obiettivo – prosegue Garofalo – era quello di fotografare nel modo più sensibile e profondo possibile la povertà energetica, declinata poi in un tema di giustizia energetica con un’attenzione per le fasce più deboli della popolazione. Ma non solo, c’è anche un impegno forte che si può misurare con un’energia, quella che non si misura nei contatori, ma quella interiore, delle relazioni , dell’aiuto e dell’attenzione per queste persone”. Fino al 26 aprile 30 degli 80 scatti contenuti nel volume sono in mostra a Milano lungo via Dante.

Milano, 18 mar. (askanews) – Una piscina sulla neve da attraversare con gli sci, tra musica e travestimenti vintage. È uno degli appuntamenti del weekend di Pasqua a Courmayeur, che dal 4 al 6 aprile propone un calendario di eventi tra sport, attività per famiglie e tradizioni locali.

Le iniziative si aprono il 4 aprile al Jardin de l’Ange con “Kids&Junior: Pasqua in festa!”, pomeriggio dedicato ai bambini tra caccia alle uova e laboratori creativi.

Nella stessa giornata il comprensorio sciistico di Maison Vieille ospita l’Hardbooter’s Day 2026, evento di chiusura della stagione invernale con una gara di sci in stile vintage e la tradizionale water slide sulla neve, oltre a musica e attività aperte anche ai non sciatori.

Il programma prosegue il 6 aprile, giorno di Pasquetta, con la 28ª Foire de la Pâquerette, la fiera dell’artigianato valdostano che anima il centro del paese con esposizioni, sfilate ed esibizioni folkloristiche.

Accanto agli eventi è prevista anche la mostra “Bestiarium”, dedicata alla scultura in legno e pietra, visitabile dal 31 marzo al 6 aprile.

Milano, 19 mar. (askanews) – MIA Photo Fair BNP Paribas presenta la quindicesima edizione della fiera italiana dedicata alla fotografia, dedicata alla Metamorfosi, presso gli spazi di Superstudio Più a Milano da giovedì 19 a domenica 22 marzo 2026. La manifestazione, organizzata da Fiere di Parma e diretta per il terzo anno da Francesca Malgara, ha il patrocinio del Comune di Milano e vede il supporto di BNL BNP Paribas, già storico main sponsor dal 2012, e title sponsor dal 2025, e di Deloitte che, con il patrocinio di Fondazione Deloitte, è diventato main sponsor della fiera lo scorso anno. Sono quattro le sezioni della quindicesima edizione di MIA Photo Fair BNP Paribas: la Main Section e tre sezioni tematiche Beyond Photography – Dialogue curata da Domenico de Chirico, Reportage Beyond Reportage curata da Emanuela Mazzonis e Focus Latino curata da Rischa Paterlini. Un sistema di colori guida lo spettatore lungo il percorso espositivo, con un riferimento cromatico applicato alle varie gallerie o ai singoli artisti per indicarne la sezione di riferimento.

Emanuela Mazzonis presenta la sua curatela: “La sezione Reportage Beyond Reportage, che curo per la quarta volta in occasione di MIA Photo Fair BNP Paribas, analizza come oggi sia difficile poter parlare di reportage classico. Oggi gli artisti non possono più sottolineare quella che è l’immediatezza della notizia, le immagini arrivano prima di ogni parola e quindi quello che gli artisti cercano di sottolineare con il lavoro di analisi che fanno sulle immagini che poi producono è un’analisi indagatoria: le loro immagini pongono questioni piuttosto che dare risposte. Il collegamento che ho voluto trovare quest’anno con il tema della fiera Metamorfosi si collega a uno statement di Italo Calvino sul poema di Ovidio, Le Metamorfosi, dove l’autore italiano sottolinea quanto sia importante avere molteplici chiavi di lettura nell’interpretare il poema ovidiano e questo noi lo ritroviamo esattamente nelle immagini: il modo in cui noi dobbiamo percepire le immagini deve essere un’apertura mentale, non dobbiamo avere un’unica chiave di lettura. Nella sezione si potranno ritrovare dodici gallerie, straniere ed italiane, con lavori di artisti che sottolineano quanto la metamorfosi vada a influire nell’ambito della fotografia sia da un punto di vista tecnico, con esperimenti che vanno dai fotogrammi agli scannogrammi, che nell’indagine su quella che è la trasformazione dell’identità umana e la trasformazione del paesaggio naturale rovinato dall’industrializzazione e dall’urbanizzazione.

Alle mie spalle si vede un’immagine di Anastasia Samoylova, artista russa che vive in America da dieci anni e che racconta, o meglio documenta, la Route No. 1 sulla costa atlantica degli Stati Uniti: come questo paesaggio sia cambiato, abbia subito delle metamorfosi, proprio a causa della industrializzazione, della modernizzazione, della capitalizzazione e quanto questo territorio americano sia pieno di contraddizioni e di fragilità che lei riesce a estrapolare attraverso delle immagini in fondo anche molto poetiche come questa che possiamo osservare dietro di me”.

Milano, 19 mar. (askanews) – MIA Photo Fair BNP Paribas presenta la quindicesima edizione della fiera italiana dedicata alla fotografia, dedicata alla Metamorfosi, presso gli spazi di Superstudio Più a Milano da giovedì 19 a domenica 22 marzo 2026. La manifestazione, organizzata da Fiere di Parma e diretta per il terzo anno da Francesca Malgara, ha il patrocinio del Comune di Milano e vede il supporto di BNL BNP Paribas, già storico main sponsor dal 2012, e title sponsor dal 2025, e di Deloitte che, con il patrocinio di Fondazione Deloitte, è diventato main sponsor della fiera lo scorso anno. Sono quattro le sezioni della quindicesima edizione di MIA Photo Fair BNP Paribas: la Main Section e tre sezioni tematiche Beyond Photography – Dialogue curata da Domenico de Chirico, Reportage Beyond Reportage curata da Emanuela Mazzonis e Focus Latino curata da Rischa Paterlini. Un sistema di colori guida lo spettatore lungo il percorso espositivo, con un riferimento cromatico applicato alle varie gallerie o ai singoli artisti per indicarne la sezione di riferimento.

Rischa Paterlini presenta le opere presenti nella sua sezione: “Il visitatore all’interno della fiera troverà una sezione con diciassette gallerie che appartengono al Focus Latino con progetti selezionati. Molto interessanti sono i premi che sono stati vinti nella mia sezione. Il premio BNL BNP Paribas è il premio principale del title sponsor che è stato dato quest’anno a Héctor Zamora della Galleria Albarràn Bourdais di Madrid di cui sono molto felice e orgogliosa con Sciame di dirigibili. Sono molto felice anche per la scoperta di questo giovane artista, Gleeson Paulino che vediamo alle mie spalle l’opera Faz de Conta che ha vinto il premio miramArt è un’opera che ho fortemente voluto all’interno della fiera e che troverete all’interno dello stand di Chroma, che è una galleria di San Paolo in Brasile, e Orma, una acoppiata quindi di due gallerie, Milano-Brasile. Ma non troverete soltanto questo, troverete anche nomi storici, come ad esempio Regina Jose Galindo nello stand di Prometeo Gallery. Troverete poi un grande stand di Art Palma Contemporani, che è un progetto dove sono presenti le gallerie che fanno parte dell’Associazione delle Gallerie di Palma di Mallorca con progetti inediti. Troverete un bellissimo lavoro di Keila Guilarte, che è un artista cubana. che ha fatto un lavoro molto interessante nello stand di Tallulah Studio Art dedicando un intero progetto alle donne napoletane: quindi ci sarà la possibilità di vedere attraverso o sguardo di una donna cubana delle bellissime donne vere napoletane”. La sezione Focus presenta una selezione di artisti latinoamericani, iberici e diasporici, insieme ad autori italiani e internazionali che hanno indagato temi affini legati a identità ibride, migrazione e trasformazioni culturali.

Milano, 19 mar. (askanews) – Per la 26esima edizione del Fuorisalone, Superstudio presenta Superstudio Design 2026, la nuova mappa diffusa che ripensa l’esperienza della Milano Design Week. Un punto di svolta che esce dall’idea del District e crea nuovi itinerari nella città. Dal 20 al 26 aprile 2026, 30.000 mq distribuiti tra Superstudio Più, Superstudio Maxi e il nuovo Superstudio Village ospiteranno un progetto articolato in tre percorsi tematici, tre zone della città, tre visioni complementari del design contemporaneo. Laura Vella, architetto e head of Superstudio Design, ha raccontato ad askanews quello che succederà durante il Fuorisalone con Supercity e Superplayground.

Milano, 19 mar. (askanews) – Una riflessione sulla fotografia come linguaggio capace non solo di registrare il reale, ma anche di trasformarlo:è questa l’interpretazione che la galleria d’arte Frediano Farsetti ha seguito per aderire al tema di MIA Photo Fair 2026, ossia le metamorfosi. Nello stand della fiera milanese i Farsetti hanno proposto tre fotografi che sono anche artisti: Piero Gemelli, Luca Campigotto e Antonio Biasucci. E soprattutto, anche da galleria che resta legata soprattuto all’arte moderna, hanno rinnovato l’interesse verso la fotografia.

“Ci siamo ritrovati un vestito che ci piace – ha detto ad askanews il gallerista Leonardo Farsetti – e quindi l’esperienza di MIA è un’esperienza che ci appassiona, ci stimola e non solo ci stimola a punto di vista di nuovi mercati, ma ci stimola anche perché si lavora con artisti diversi e con dei fotografi bravissimi tra cui Piero Gemelli e Campigotto, ma anche lo stesso Biasucci, sono delle nuove linfe vitali che ci stimolano molto nel dare una veste diversa al nostro marchio, questo ci piace”.

Presentare la fotografia come a tutti gli effetti una manifestazione dell’arte contemporanea è stata l’idea che ha guidato MIA fin dalla sua nascita e oggi è diventata semplicemente una realtà, a cui guarda, anche dal lato delle prospettive di sviluppo del proprio business, pure una galleria che storicamente si è occupata di opere di altro tipo. “Non so se riusciremo a raggiungere i livelli dell’arte moderna – ha concluso Farsetti – però è un mondo che non può non essere guardato, perché fa parte sempre di un aspetto importante dell’arte, del nostro mondo artistico che si sviluppa sempre di più”.

Mia Photo Fair BNP Paribas è aperta al Superstudio Più di Milano fino al 22 marzo.

Bilbao, 19 mar. (askanews) – Le mostre del Guggenheim di Bilbao hanno spesso la capacità di raccontare gli artisti andando oltre i loro lavori più noti e riconosciuti, trovando il modo di ampliare sempre la narrazione. Succede anche con la retrospettiva dedicata a Ruth Asawa, artista californiana che ha segnato il Novecento con una serie di sperimentazioni ad ampio spettro, ma che al grande pubblico è nota soprattutto per le sue sculture sospese.

“Si è trasferita a San Francisco nel 1949 – ha detto ad askanews Janet Bishop, curatrice capo del Museo of Modern Art di San Francisco e co-curatrice della mostra – e nel corso degli anni Cinquanta ha sviluppato il suo famosissimo stile, il filo metallico intrecciato, che è diventato l’elemento fondamentale delle sue sculture a più livelli che sono qualcosa di abbastanza straordinario”.

Guardando queste opere si sente la consapevolezza dell’artista, il suo avere assunto e interpretato, per esempio, la lezione di Joseph Albers, che di Asawa era stato docente e mentore, ma anche la capacità di creare con il filo forme pittoriche e naturali, sempre in gioco con le ombre e la fondamentale inafferrabilità dell’arte. Ma la mostra documenta anche l’importanza del disegno nel suo lavoro.

“Il disegno – ha aggiunto la curatrice – è assolutamente fondamentale nella sua pratica, disegnava sempre. Non so se si possa dire che è stata più una pittrice che una scultrice, perché i suoi lavori più importanti sono quasi tutti nella scultura, ma quello che è più affascinante è l’interconnessione tra i suoi lavori a due dimensioni e quelli tridimensionali. La possiamo vedere, per esempio, esplorare la forma di un danzatore o di una sedia, lo spazio positivo e negativo e come può poi sviluppare forme molto simili nelle sue sculture di filo intrecciato”.

Suddivisa in dieci sezioni e per la maggior parte costruita su un criterio cronologico, la mostra del Guggenheim Bilbao fa emergere anche la vita di Asawa, il rapporto con i figli, la relazione dei suoi lavori, apparentemente così astratti, con la realtà delle cose. E in molti passaggi si vedono le dinamiche chiave del contemporaneo e la presenza di semi che poi sono diventati correnti, visioni e opportunità per altri artisti. “È stata senza dubbio di ispirazione, in tanti modi diversi”, ha concluso Janet Bishop. E l’immagine dei fiori, che ritornano nei disegni e nel cuore delle sculture, è forse quella che più si adatta a sintetizzare l’opera di Ruth Asawa: naturale e meravigliosamente artefatta, effimera, ma anche indistruttibile.

Milano, 19 mar. (askanews) – La primavera è il momento giusto per andare a Marrakech. La città si lascia esplorare tra tradizioni, sport, cultura e moda, mentre anche i dintorni offrono occasioni di visita. A selezionare alcuni degli appuntamenti della stagione è il concierge di Dar Darma, boutique riad del XVII secolo nel cuore della medina.

Tra gli eventi più legati all’identità locale c’è la Zahria, la festa dei fiori d’arancio, in programma dal 22 marzo al 12 aprile. È un moussem dedicato ai fiori d’arancio e alla distillazione della loro acqua, con conferenze e workshop in diverse location, tra cui Piazza Jemaa el-Fna, il Musée Aman dedicato all’acqua e il giardino Arsat Moulay Abdessalam. Al centro della festa ci sono le donne di Marrakech, custodi di questo sapere tramandato di generazione in generazione.

Dal 30 marzo al 5 aprile Marrakech ospita poi l’ATP 250 Final Tennis Marrakech, unica tappa dell’ATP Tour nel continente africano. Il torneo si gioca sui campi in terra rossa del Royal Tennis Club de Marrakech e si inserisce nello swing primaverile su terra battuta che conduce ai grandi appuntamenti europei.

Il 18 e 19 aprile il baricentro si sposta verso l’Atlante con l’High Atlas Ultra Trail, competizione di trail running con partenze da Imlil e Ouirgane. Le distanze vanno dai 10 ai 120 chilometri e attraversano i paesaggi dell’Alto Atlante marocchino, tra pendii, laghi, cascate, ruscelli, grotte e villaggi nascosti.

Dal 23 al 25 aprile torna il FLAM – Festival del Libro Africano, dedicato alla letteratura contemporanea del continente e delle sue diaspore. Il tema scelto quest’anno è “immaginare altri mondi possibili”, con incontri, dibattiti e letture che riuniscono autori, intellettuali e artisti da Africa, Caraibi ed Europa.

A maggio, fuori Marrakech, si guarda al Festival delle Rose di Kelaat M’Gouna, a circa cinque ore di macchina dalla città in direzione nord est. Qui la valle si colora di rosa e il raccolto viene accompagnato da musica, sfilate di carri, strade decorate con ghirlande di petali e banchi che vendono acqua di rose, olio, saponi e creme. Le date variano a seconda del raccolto e vengono comunicate più avanti.

Sempre a maggio, dal 7 al 10, Marrakech ospita la Caftan Week, dedicata quest’anno al tema “Nefès El Atlas”. Per quattro giorni la città fa da sfondo a sfilate, incontri e presentazioni che rileggono in chiave contemporanea uno dei capi simbolo del Marocco, mantenendo il legame con le tradizioni e con l’artigianato delle montagne dell’Atlante.

A tenere insieme questi appuntamenti è l’idea di una Marrakech che in primavera cambia volto di settimana in settimana. Dalla festa dei fiori d’arancio ai grandi eventi sportivi e culturali, la stagione offre più di un motivo per scegliere la città in questo periodo.

Roma, 19 mar. (askanews) – Centocinquant’anni fa, nel 1876, presso il Collegio Romano, inaugurava il Museo Preistorico ed Etnografico fondato dall’archeologo Luigi Pigorini. Oggi il MUCIV-Museo delle Civiltà, che dal 2016 ne è l’erede, torna a quel momento fondativo non solo per celebrare la propria origine ma per condividerne le molteplici prospettive. Raccontare la storia di questo museo significa raccontare anche la storia dell’Italia moderna e contemporanea, ovvero quella delle sue infrastrutture culturali, delle sue relazioni internazionali e degli aggiornamenti disciplinari, ma anche sociali ed etici, dei suoi musei.

Con la supervisione generale di Andrea Viliani e a cura di Paolo Boccuccia e Camilla Fratini con Myriam Pierri, la mostra ORIGINE E PROSPETTIVE. Dal Museo Preistorico ed Etnografico di Luigi Pigorini al Museo delle Civiltà: storia di un museo (1876-2026) – allestita nella Sala delle Colonne del Palazzo delle Arti e Tradizioni Popolari – è accompagnata dal Convegno scientifico internazionale 150_100. Giornate di studio dedicate al centocinquantesimo anniversario dell’istituzione del Museo Preistorico ed Etnografico di Roma e al centenario della morte di Luigi Pigorini, suo ideatore e fondatore, dal 19 al 21 marzo 2026.

Entrambi i progetti celebrano il primo secolo e mezzo dell’istituzione non solo come ricorrenza, ma come opportunità e momento di riflessione critica per ricostruire la nascita in Italia delle discipline dell’archeologia preistorica e dell’etnografia, ripercorrendo al contempo le trasformazioni che hanno portato alla configurazione attuale del museo.

Dal 20 marzo al 28 giugno 2026 la mostra proporrà, in questo senso, un doppio percorso. Da un lato la mostra ricostruisce la memoria del museo del 1876 attraverso una selezione di reperti e manufatti che furono esposti nelle sale originarie al Collegio Romano, insieme a documenti, arredi e dispositivi espositivi dell’epoca, per analizzare il progetto museografico pigoriniano e rileggerne criticamente l’impianto. Dall’altro, la mostra ci introduce al museo di oggi, con due percorsi distinti tra archeologia preistorica ed etnografia e due installazioni (dello studio 2050+ e dell’artista Shimabuku) che testimoniano i processi di compartecipazione e coprogettazione con le comunità, e l’incremento dei criteri di accessibilità fisica, cognitiva, in atto dentro e fuori il museo.

La sezione centrale della mostra è dedicata, quindi, all’originario progetto museografico: nelle vetrine storiche appositamente restaurate e in quelle moderne sono esposti anche documenti (articoli e materiali a stampa che accompagnarono in tempo reale la fondazione e l’attività del museo, oltre a stampa fotografiche di varie epoche, dal XIX al XX secolo) insieme ai volumi della biblioteca museale – compresa parte del Fondo Pigorini – e a reperti archeologici ed etnografici messi a confronto fra loro. Le vetrine laterali si articolano, invece, in due aree distinte (Archeologia Preistorica / Etnografia), che approfondiscono le ragioni storiche della loro coesistenza originaria ma ne analizzano anche contestualmente la problematicità attuale. Viene così ricostruito, con uno sguardo al contempo storico e critico, il programma con cui Pigorini inaugurò il Museo il 14 marzo 1876, verificandone e ricollocandone i criteri museografici nello sviluppo delle discipline archeologica ed etnografica così come nel dibattito museografico contemporaneo. La mostra si conclude per questo con una sezione dedicata agli sviluppi più recenti della ricerca – divenuta sempre più interculturale, pluridisciplinare e multisensoriale – e a una museografia chiamata oggi a confrontarsi con la rivoluzione digitale, la globalizzazione e il ripensamento del paradigma del cosiddetto Antropocene. L’obiettivo del progetto non è fornire risposte definitive ma condividere con il pubblico uno spazio-tempo di riflessione che orienti la continua ridefinizione della missione del museo.

Il “Pigorini” fu il primo nucleo di un sistema museale che, nel tempo, ha dato vita all’attuale MUCIV, che oggi custodisce circa 2 milioni di reperti e documenti. Più che un museo, il MUCIV è diventato negli ultimi anni un “museo di musei” e, insieme, un museo “sui musei”: una collezione di collezioni, una stratificata enciclopedia di culture e nature che non solo racconta ciò che conserva ma che si interroga sulle trasformazioni del sapere che le hanno rese possibili. Non è un caso che il termine “civiltà” sia declinato al plurale: una scelta che dichiara apertura al confronto e al dialogo tra prospettive. Negli ultimi anni il museo ha intrapreso, per questo, un ampio percorso di riallestimento delle collezioni concepito come un vero e proprio cantiere metodologico. Non si tratta soltanto di riaprire gradualmente il patrimonio al pubblico, ma di riflettere su che cosa sia oggi un museo e su quale ruolo possa e debba assumere nel contesto contemporaneo. Ricordare il ruolo cardine del fondatore Luigi Pigorini significa, quindi, guardare al passato per far assumere sempre più responsabilmente al MUCIV il compito di connettere la propria origine storica con le prospettive in divenire che quotidianamente il MUCIV accoglie ed elabora: un museo del passato diviene così un museo che agisce nel presente e si proietta verso il futuro.

In quest’ottica si inserisce anche il Convegno scientifico che accompagna l’inaugurazione, con la partecipazione di numerosi studiosi ed esperti. Questa mostra è, allora, un invito a tutti i pubblici a entrare nel museo e a relazionarsi alla sua storia non come semplice spettatori ma come co-autori empatici e interlocutori consapevoli di un museo ancora in formazione e di una storia ancora in corso. Celebrare i suoi primi 150 anni non significa per il MUCIV limitarsi a ricordare l’origine della sua storia ma assumere quella stessa storia come una materia viva, da interpretare alla luce delle esigenze del presente e delle responsabilità che ne derivano. Il MUCIV si propone, così, come un museo-laboratorio, capace di integrare ricerca e pedagogia, di cambiare linguaggi e di riscrivere narrazioni secondo epistemologie plurali e situate, di costruire relazioni approfondite e di lungo termine con le comunità, di rendersi accessibile per contribuire al benessere del pubblico. Non un luogo che custodisce semplicemente oggetti, ma che interroga la soggettività espressa dai metodi e dalle pratiche del proprio stesso lavoro.

A centocinquant’anni dalla sua origine, il museo non intende, quindi, commemorare il proprio passato ma coglierne lo spirito fondativo per rifondarsi nuovamente, mettendo in tensione eredità e trasformazione. Perché un museo, per restare rilevante e necessario come lo è stato il museo “pigoriniano”, deve continuare a rifondare sé stesso, ogni giorno.

Roma, 19 mar. (askanews) – La prima Commissione di scelta del Premio Bancarella Sport, dopo aver letto e valutato con attenzione i titoli pervenuti in esame, ha individuato i 20 volumi semifinalisti dell’edizione 2026. Venti racconti – informa una nota – che hanno come protagoniste, storie di Atletica, Automobilismo, Calcio, Ciclismo, Rugby, e soprattutto – viste le recenti celebrazioni di Milano Cortina – Sci, Alpinismo ed indimenticabili Campioni e Campionesse delle Olimpiadi invernali. Gli autori, giunti a questo punto, si contenderanno la finale di Pontremoli del 12 settembre prossimo.

Ecco i 20 titoli in gara che entro il mese di aprile diventeranno sei, decretando così i Vincitori del Premio Selezione: NEVER GIVE UP.L’INCREDIBILE IMPRESA.DAVE WOTTLE di GIANLUCA MORASSI edito da BOLIS EDIZIONI L’ULTIMO FINALE POSSIBILE di PAOLA CEREDA edito da BOLLATI BORINGHIERI EDITORE LA STORIA DEL TENNIS IN 50 RITRATTI di PAOLO BERTOLUCCI e VINCENZO MARTUCCI edito da CARLO GALLUCCI EDITORE LE DOLOMITI. LO SPETTACOLO INFINITO di PAOLO PACI edito da CORBACCIO STRADE NERE di MARCO PASTONESI edito da EDICICLO EDITORE LA PROFEZIA. MAGIC MARQUEZ di CLAUDIO MARCELLO COSTA edito da EDIZIONI DEL GIRASOLE TRE CUORI E UNA PALLA OVALE di RAFFAELE GEMINIANI edito da EDIZIONI LA MEMORIA DEL MONDO DUE VITE. LO SLALOM PARALLELO CON MIA FIGLIA FEDERICA BRIGNONE di MARIA ROSA QUARIO edito da EDIZIONI MINERVA GHEDO. NON HO FRETTA MA VADO VELOCE di KRISTIAN GHEDINA e LORENZO FABIANO edito da EDIZIONI MINERVA HO SFIORATO IL CIELO di PAOLO DE CHIESA e SERGIO BARDUCCI edito da EDIZIONI MINERVA IL MITO DA RAPIRE. ENZO FERRARI E L’OMBRA DEI SEQUESTRI di ANDREA CORDOVANI edito da EDIZIONI MINERVA LA MIA OLIMPIA IN 100 STORIE + 1 di DAN PETERSON e UMBERTO ZAPELLONI edito da EDIZIONI MINERVA LACQUES ANQUETIL IL SULTANO di BEPPE CONTI edito da EDIZIONI MINERVA LE DONNE DI CORTINA 1956 di ANTONELLA STELITANO e ADRIANA BALZARINI edito da EDIZIONI MINERVA LA COLPA E’ DI CHI MUORE di MARCO BELLINAZZO edito da FANDANGO LIBRI ALLA JUVE MAI. VITA GRANATA DI NATALINO FOSSATI di ANDREA RICCA BARBERIS e SILVIA VADA edito da KINDLE DIRECT PUBLISHING CLAUDIO CHIAPPUCCI. I LUOGHI DEL DIABLO di CLAUDIO CHIAPPUCCI e FEDERICO VERGARI edito da LAB DFG QUARTI DI GLORIA di GERARDO DE VIVO e SERENA SARTINI edito da LAB DFG CORTINA 1956 di ANDREA GOLDSTEIN edito da RUBBETTINO DAL VOSTRO INVIATO di ALBERTO CERRUTI edito da ULTRA SPORT

Il Segretario del Premio, Ignazio landi; il Presidente della Commissione Paolo Francia; i membri della Fondazione Città del Libro, Pietro Mascagna e Giovanni Tarantola; i Presidenti delle Associazioni dei Librai, Angelo Panassi e Roberto Lazzarelli; i Direttori delle Principali testate giornalistiche sportive, Stefano Barigelli per la Gazzetta dello Sport, Guido Vaciago per il Tuttosport, Ivan Zazzaroni per il Corriere dello Sport; il Presidente dell’Ussi, Gianfranco Coppola; il Direttore della Comunicazione del Coni, Danilo di Tommaso; il Direttore Editoriale del TGCom Paolo Liguori; il Direttore di Sky Sport, Federico Ferri; il Direttore di Rai Sport, Marco Lollobrigida; il Rappresentante del Panathlon International, Edoardo Ceriani, Luca Veroni collaboratore della Fondazione Città del Libro e Stefano Zanetto in rappresentanza di Vittoria Assicurazioni S.p.A., saranno invitati ad esprimere le loro preferenze decretando i 6 finalisti.

Gli Autori Vincitori del Premio Selezione Bancarella Sport 2026 dovranno scaldare i motori, perché come è tradizione, si ritroveranno in tour per la presentazione della sestina, il 3 giugno a Milano, presso la sede di Vittoria Assicurazioni S.p.A., poi a Lucca l’8 giugno nella consueta serata organizzata dal Panathlon; seguirà l’evento in piazzetta a Portofino del 27 agosto, alla Presenza del Presidente del Panathlon International, Giorgio Costa ed infine si concentreranno a Pontremoli, in Piazza della Repubblica per la serata di consegna del San Giovanni di Dio, al vincitore assoluto, il 12 settembre.

Roma, 19 mar. (askanews) – Dopo aver esposto le sue personali a Londra, New York, Berlino, Miami, e conquistato star come Sharon Stone e Spike Lee, Omar Hassan ha inaugurato “Tempo al Tempo” a Roma. L’artista italo-egiziano, per la prima volta nella Capitale, ha esposto la sua produzione artistica contemporanea negli spazi della Galleria Latina, nel quartiere Appio Latino.

Roma non è soltanto un destino anagrammato nel nome, ma un progetto coltivato nel tempo, tema centrale che attraversa l’arte di Omar Hassan: il tempo che scorre e non è tangibile, che è inarrestabile e tutto scandisce, una questione esistenziale che diventa motore della sua produzione artistica. “Voglio creare qualcosa che duri oltre il mio tempo e questo lo permette solo l’arte”, ha spiegato l’artista.

La Galleria Latina ha al centro la grande opera dedicata alla città: la mappa dei quartieri con la sua tecnica di mapping, una serie di opere sul valore del singolo all’interno della comunità, realizzate con tappini di bombolette di vernice spray, simulacro della street art, dipinti uno a uno per comporre le città che hanno ospitato le mostre dell’artista.

Esposte anche opere inedite, realizzate proprio per Roma. Il percorso offre una panoramica completa della produzione di Hassan seguendo i suoi quattro nuclei principali: Breaking Through, Lights, Mappe e Sculture, tutti attraversati da una riflessione sul tempo. In mostra, alcune tra le serie più celebri della sua ricerca. Tra queste, le grandi tele realizzate con i guantoni da boxe, memoria del suo passato sportivo, presenti in importanti collezioni internazionali dall’Europa a Hollywood. Breaking Through nasce dall’esperienza personale nel pugilato: 121 tele come i 121 incontri di boxe combattuti dall’artista.

In Lights Hassan lavora sull’energia collettiva e la visione, con particelle di colore che rappresentano l’individuo e che, fondendosi, generano un’unica vibrazione luminosa. Completano il percorso le Sculture, tra cui Il Pugno di Michelangelo: un guantone in gesso alto 95 centimetri, nato da 280 chili di creta, che cristallizza in forma plastica la forza e il coraggio che la vita impone di indossare.

Le sue opere – dalle tele stratificate ai lavori in gesso o bronzo – riflettono un’attenzione rigorosa alla materialità. Per Hassan creare significa costruire un linguaggio condiviso: un inno alla pace e alla cittadinanza globale. Figlio di due culture – quella italiana della madre e quella egiziana del padre – incarna nella propria identità quella tensione all’incontro che attraversa tutta la sua produzione. Durante il periodo espositivo sono previste performance live dell’artista, in cui il gesto creativo si compie davanti al pubblico, trasformando l’energia in esperienza condivisa. La mostra resterà aperta al pubblico fino al 26 aprile 2026.

Milano, 17 mar. (askanews) – Dal 17 marzo al 23 luglio 2026 Thaddaeus Ropac a palazzo Belgioioso a Milano presenta il dialogo artistico e intellettuale tra Marcel Duchamp (1887 – 1968), padre dell’Arte Concettuale, e Sturtevant (1924 – 2014), la cui pratica innovativa ha interrogato la struttura concettuale dell’arte in un mondo post-duchampiano. Riprendendo il titolo dall’ironica osservazione di Sturtevant, Dialogues are mostly fried snowballs (I dialoghi sono per lo più palle di neve fritte) riflette la propensione di Duchamp per le battute spiritose.

Elena Bonanno di Linguaglossa, amministratore delegato della sede milanese della galleria Thaddaeus Ropac, ha raccontato ad askanews questo terzo dialogo. Dopo Georg Baselitz e Lucio Fontana e Valie Export e Ketty La Rocca, “siamo da Thaddaeus Ropac a Milano, abbiamo deciso di fare questo pas de deux tra Marcel Duchamp e Elaine Sturtevant. Noi rappresentiamo la Fondazione Sturtevant, l’archivio. Questa idea viene da Thaddaeus e la mostra si basa su questo concetto della ripetizione, non dell’appropriazione: un gioco tra ripetizione, differenze, interpretazione dello stesso oggetto. Abbiamo dunque accostato dei lavori di Marcel Duchamp che vengono da una collezione privata europea molto importante tra cui abbiamo uno dei lavori chiavi di Marcel Duchamp, il Bottle Rack sospeso e i lavori di Elaine Sturtevant che ha sempre lavorato sulla memoria dunque riprendendo i grandi artisti in questo caso Duchamp. Abbiamo chiesto una serie di prestiti per creare questo dialogo tra due giganti”.

Al centro della sala principale la straordinaria opera di Duchamp intitolata De ou par Marcel Duchamp ou Rrose Sélavy, La Bo te-en- valise (1966): il “museo portatile” curato dall’artista stesso. L’opera autocelebrativa, che apparteneva alla moglie di Duchamp, “Teeny”, racchiude tre repliche in miniatura oltre a 77 riproduzioni delle sue opere, tra cui molte di quelle esposte in Dialogues are mostly fried snowballs e una fotografia del 1936 di Porte-bouteilles di Man Ray, anch’essa in mostra.

Altrettanto affascinante, Duchamp Ciné (1992) di Sturtevant attira lo spettatore verso un’enigmatica manovella di un macinacaffè. Elena Bonanno di Linguaglossa l’ha descritta: “Questa opera è molto importante perché gioca a vari livelli: per primo riprende ovviamente il medium cinematografico, che un medium che sia Sturtevant che Duchamp hanno guardato, proprio perché riguarda l’interpretazione della realtà o la re- interprezzazione della realtà. Poi Elaine Sturtevant, a vari livelli riprende diversi lavori di Duchamp: si vede lei che scende, riprendendo il famoso lavoro di Duchamp, Nu descendant un escalier, ma poi nella costruzione del lavoro, riprende probabilmente il lavoro più importante di Marcel Duchamp, che è al Philadelphia Museum, che si chiama Étant donnés. Questo lavoro, sul quale Duchamp ha lavorato per ben vent’anni, è questa porta dove tu ti avvicini alla porta e c’è un piccolo buco come questo e nel buco di Marcel Duchamp hai la sua famosa amante Maria Martins che era una socialite e artista brasiliana. Nella sua opera Duchamp Cine Elaine Sturtevant invece di mettere ovviamente il corpo di Maria Martins ha messo i lavori più importanti dall’Urinal, il shovel e il Bottle Rack di Marcel Duchamp. E’ un’omaggio a Marcel Duchamp”.

Dialogues are mostly fried snowballs mette in luce lo spirito di sovversione incessante che accomuna Sturtevant e Duchamp, entrambi fondamentalmente impegnati a sfidare e ridefinire il significato dell’arte attraverso la loro pratica. La mostra alla Thaddaeus Ropac di Milano coinciderà con la grande retrospettiva sull’opera di Marcel Duchamp che aprirà al Museum of Modern Art di New York il 12 aprile 2026.

Roma, 17 mar. (askanews) – Il Palazzo delle Esposizioni celebra Mario Schifano, una delle figure più significative dell’arte italiana del secondo Novecento, con una grande retrospettiva. Fino al 12 luglio saranno in mostra oltre cento opere provenienti da collezioni pubbliche e private, realizzate con tante tecniche diverse, esposte in ordine cronologico per ripercorrere il lavoro dell’artista: da quelle degli esordi degli anni Cinquanta, informali e materiche, ai primi monocromi del 1960, dalla stagione inaugurata con la mostra “Tutto” nel 1963 alla Galleria Odyssia di Roma, alle nuove iconografie mediate dal linguaggio fotografico e dalle figure della storia dell’arte, dai Futuristi a Malevi .

Del 1968 sono le opere “Compagni Compagni” e l”Interno di casa romana”. Evidente è la sensibilità per le emergenze sociali e per i temi legati all’attualità, del suo tempo ma anche di oggi, nelle ultime sale della mostra, dove spiccano i celebri “Paesaggi TV” degli anni Settanta o i lavori degli anni Novanta, come “Meteomalato”, “Palestina” o “Sorrisi scomparsi”, del 1991, l’anno della guerra del Golfo. “Schifano ha dipinto su delle tele di PVC, emulsionate con delle fotografie tratte dal computer ed elaborate al computer, e su queste fotografie ci sono delle scritte in arabo. – ha spiegato la curatrice Daniela Lancioni – Ci siamo accorti che Schifano nell’ultimo decennio è stato particolarmente sensibile ai temi scottanti di geopolitica ma anche di emergenze climatiche”.

Oltre che con la pittura Schifano si è espresso attraverso la fotografia e il cinema, e al Palaexpo sarà possibile vedere le sue immagini scattate in bianco e nero, l’intera produzione di film e cortometraggi, insieme a una selezione dei documenti audiovisivi a lui dedicati.

Roma, 17 mar. (askanews) – Dal 19 marzo su RaiPlay Sound sarà disponibile il nuovo podcast original “Raffaello in Carcere”, un progetto audio in tre puntate per raccontare la nascita di un’opera d’arte collettiva realizzata da circa cento detenuti e detenute di sei istituti penitenziari italiani. Il podcast è realizzato e curato da Andrea Borgnino.

Al centro del racconto c’è un grande arazzo collettivo, ispirato al Cartone preparatorio della Scuola di Atene di Raffaello Sanzio e realizzato nelle stesse dimensioni dell’opera originale. Un lavoro unico, nato da un anno di studio, creatività e impegno, che ha coinvolto giovani detenuti e detenute in un percorso artistico e umano di grande valore simbolico e sociale. Su scampoli di tela, disegnati di getto con semplici pastelli a cera, i partecipanti hanno dato forma a oltre sessanta personaggi: ritratti, autoritratti, paesaggi e oggetti familiari che raccontano storie personali, modelli di riferimento e desideri di cambiamento. Tutti i frammenti sono stati poi ricomposti e cuciti a mano, trasformandosi in un grande arazzo collettivo. L’opera è nata nell’ambito del progetto Orizzonti della Fondazione Francesca Rava – NPH Italia, ideato e realizzato dall’artista Mattia Cavanna. Il lavoro si è svolto tra marzo 2025 e marzo 2026 negli Istituti penali minorili di Bologna, Milano, Roma e Napoli e, in collaborazione con Liberi Dentro, nella Casa circondariale di San Vittore a Milano e nella Casa di reclusione femminile della Giudecca a Venezia.

Attraverso le testimonianze dirette dei ragazzi reclusi, insieme alle voci di agenti penitenziari, direttori di istituto, educatori e volontari, il podcast ricostruisce il percorso creativo che ha portato alla nascita dell’arazzo e riflette sul ruolo dell’arte nei processi rieducativi dei giovani e degli adulti autori di reato. Un racconto che intreccia arte, vita e possibilità di riscatto, seguendo la genesi degli oltre sessanta personaggi scelti dai detenuti per questa sorprendente reinterpretazione di uno dei capolavori della storia dell’arte.

Roma, 17 mar. (askanews) – “La quattordicesima edizione di Salerno Letteratura intende tributare un omaggio, né rituale né paludato, ad Alfonso Gatto in occasione del cinquantesimo anniversario della sua morte. Il tema del festival di giugno (13-20) sarà infatti ‘Il cuore desto avrà parole. Letteratura nei tempi inquieti’, un suo verso che suona come un’esortazione e un auspicio, in giorni inquieti e bui come quelli che stiamo vivendo”. Così in una nota dell’organizzazione. “Un’ esortazione, perché un cuore desto è un cuore vigile, capace di cogliere lo spirito del tempo non per adeguarsi alla sua corrente impetuosa ma per provare ad arginarla. Un auspicio, perché questa lucidità di sguardo sul reale si esprimerà con la più potente delle armi, la parola. Gatto aveva il dono della parola. Era un poeta. Alla lettera: un artefice, un costruttore di mondi attraverso il linguaggio. Ecco perché la sua opera ci consegna una testimonianza vivente di libertà. Proveremo a raccoglierla dedicando a questo salernitano grandissimo anche una serata speciale, che lo ricordi con gioia”, conclude la nota.

Roma, 17 mar. (askanews) – C’è chi vede l’intelligenza artificiale come una minaccia, chi come una bacchetta magica. In mezzo, milioni di professionisti, imprenditori e studenti che si pongono sempre le stesse domande: mi sostituirà? Da dove si comincia? Come si usa davvero nel lavoro quotidiano? Raffaele Gaito, tra i principali divulgatori italiani sul tema, affronta questi interrogativi con esempi pratici, modelli utili e consigli concreti, nel suo libro “In cosa posso esserti utile?” – Guida molto pratica e poco emotiva all’intelligenza artificiale, in libreria con Mondadori (pp. 216; € 19.00). Un “manuale atipico” – si legge in un comunicato – per conoscere davvero l’intelligenza artificiale e utilizzarla con consapevolezza, senza lasciarsi travolgere.

Oltre entusiasmo e paura: l’AI spiegata senza estremismi.

L’avvento dell’intelligenza artificiale è stato spesso raccontato come una grande onda che, se rimaniamo passivi e impauriti, ci può travolgere, ma che, se conosciuta e usata bene, possiamo cavalcare per divertirci e migliorare le nostre competenze. È già successo con i computer, con internet, con gli smartphone. Ogni rivoluzione tecnologica ha generato entusiasmi e timori, ma nel caso dell’AI la polarizzazione sembra ancora più marcata.

Il risultato? Un dibattito dominato dalle emozioni – positive o negative – che rischiano di diventare una lente deformante. Paura di essere sostituiti, ansia di non capire abbastanza, diffidenza verso il nuovo. Oppure, al contrario, entusiasmo acritico e fiducia cieca negli strumenti.

Il libro di Gaito parte da qui: togliere il rumore emotivo e riportare la conversazione su un piano razionale, operativo e consapevole, attraverso un approccio concreto per imparare a conoscere davvero l’intelligenza artificiale e utilizzarla al meglio.

Un manuale atipico: non cosa usare, ma come pensare.

In cosa posso esserti utile? non è un manuale complicato per programmatori informatici. È una guida razionale e concreta, strutturata attorno alle domande e alle obiezioni che emergono più spesso nel confronto con aziende e professionisti, per imparare a conoscere davvero l’intelligenza artificiale e così a utilizzarla al meglio.

“Nella mia esperienza quotidiana, mi confronto con aziende e professionisti di ogni tipo. Le obiezioni e le paure che ascolto quotidianamente sono sempre le stesse”, afferma Raffaele Gaito. “Ogni capitolo del libro ne affronta una in maniera verticale. Lo fa in modo concreto, semplice e accessibile, con un approccio sempreverde. Su argomenti così tecnici come l’AI, il rischio è di parlare di cose che invecchiano dopo pochi giorni o settimane. Ecco perché il focus del libro è sull’approccio e sul mindset, non sugli strumenti e le tattiche. Gli strumenti passano, il mindset resta per sempre”.

Attraverso modelli efficaci, esempi pratici, semplici consigli, Raffaele Gaito, capitolo dopo capitolo affronta tutti i campi in cui questa tecnologia potentissima può aiutarci nel nostro lavoro, ma anche nella nostra vita personale: dalla creatività alla produttività, dallo studio al nostro modo di vedere il mondo.

Una guida culturale, non solo tecnologica.

L’obiettivo – prosegue la nota – è trovare un equilibrio tra due narrazioni opposte: chi esalta l’AI ignorandone limiti e rischi, e chi la demonizza come un male assoluto. Ai primi, Gaito ricorda l’importanza dello spirito critico; ai secondi, mostra che un utilizzo consapevole e informato è non solo possibile, ma necessario.

Con uno stile dialogico e accessibile, “In cosa posso esserti utile?” si rivolge a un pubblico ampio: manager, freelance, professionisti, studenti, ma anche lettori curiosi che vogliono comprendere la trasformazione in corso senza lasciarsi trascinare dall’hype, attraverso lo sviluppo di spirito critico, creatività e consapevolezza. Non spiega cosa usare, ma come pensare per usare bene.

Non un libro tecnico per addetti ai lavori, ma uno strumento culturale – semplice, chiaro e trasparente – per orientarsi in un cambiamento che riguarda il lavoro, l’apprendimento e il modo stesso di pensare.

– Raffaele Gaito è divulgatore, autore e speaker. Ha fondato IA360, academy dedicata a chi vuole rimanere aggiornato sul mondo dell’intelligenza artificiale. Sui suoi canali – YouTube, podcast e blog – si occupa di tecnologia e innovazione con un focus sull’AI. Ha portato workshop e talk in aziende come Vodafone, HP, Microsoft, Enel, Poste Italiane, Chiesi Farmaceutici e Banca Sella. Il suo motto è: “Tecnologia e innovazione con un tocco umano”.

Milano, 17 mar. (askanews) – Arriva in libreria per la Silvio Berlusconi Editore “Egemonia senza cultura – Storia sentimentale di un’ossessione italiana”, il nuovo saggio di Andrea Minuz che indaga da vicino le molteplici declinazioni del concetto di “egemonia culturale”. Con uno stile che intreccia analisi, storia e autobiografia, l’autore mostra come questo tema – centrale nel dibattito pubblico italiano da decenni – continui oggi a influenzare il discorso contemporaneo, alimentato dalla polarizzazione crescente e amplificato dagli algoritmi dei social media.

Sebbene il concetto di egemonia culturale affondi le sue radici nel pensiero di Antonio Gramsci, oggi è soprattutto la destra politica a rivendicarne l’importanza, sostenendo che l’attuale governo alla guida del Paese ha riscritto un immaginario culturale per decenni dominato dagli intellettuali progressisti. Eppure, osserva Minuz, questa stagione non riesce davvero a emanciparsi dai retaggi del passato e finisce per intrecciare nostalgia, categorie ormai superate e una certa confusione interpretativa. Il risultato è un’Italia ancora attraversata dalle antiche battaglie culturali del Novecento, che né il neoliberismo né il nuovo quadro politico sono riusciti, finora, a ripensare in modo compiuto.

L’analisi di Minuz parte dai sintomi della persistente “febbre gramsciana”, alimentata da talk show, pagine culturali e rimpianto per un’epoca in cui la cultura era percepita come più solida e autorevole, un passato che, osserva Minuz, forse non è mai esistito davvero nei termini in cui viene oggi evocato. Da qui l’autore approda a una critica dei modelli di formazione universitaria, dei limiti accademici e delle derive complottistiche che talvolta emergono in chi rivendica un’egemonia perduta.

La voce ironica di Minuz si apre, poi, a riferimenti contemporanei e internazionali: da Elon Musk a Hulk Hogan, passando persino per Beyoncé. Analizza i comizi di Charlie Kirk, progettati per contrastare le dinamiche woke, e arriva fino alla ricezione del fantasy in Italia, con il caso de Il Signore degli Anelli, a lungo frenato dal pregiudizio che lo associava alla destra e che ne ha ostacolato l’ingresso nel canone culturale. Ne emerge un campo culturale ormai globale, ibrido e in costante ridefinizione.

“In un ipotetico manuale di conversazione sull’egemonia culturale si dovrebbe partire da due regolette semplici: 1. nessuno sa più bene cosa sia; 2. egemoni sono sempre gli altri.” Egemonia senza cultura è un saggio provocatorio che restituisce un affresco ricco e sfaccettato, mentre smonta miti, certezze e semplificazioni radicate. Dai mutamenti della televisione ai nuovi equilibri editoriali, dall’ascesa degli intellettuali dei social alla difficoltà di distinguere davvero tra cultura e intrattenimento, il libro vuole offrire strumenti per capire perché il fantasma dell’egemonia culturale continua, ancora oggi, a esercitare un fascino così tenace.

Pordenone, 16 mar. (askanews) – Uno scrittore, un reporter di guerra, un uomo e un padre. Sorj Chalandon è il protagonista dell’edizione 2026 del festival Dedica di Pordenone, che ogni anno si concentra su un solo autore. Chalandon in Italia presenta anche il suo ultimo romanzo, “Il libro di Kells” (Guanda), che si bassa sulla storia della sua vita. “È autobiografia – ha detto Chalandon ad askanews, insieme all’interprete Marina Astrologo – perché è certamente una parte della mia vita, è letteratura perché rimane un romanzo, anche se io ho voluto mettermi una maschera un po’ diversa, la maschera di Kells, ma è una confessione perché finalmente potevo dire chi ero stato, da dove venivo e questo è qualcosa che non avevo mai potuto fare prima”.

Il titolo del nuovo romanzo è ispirato a un celebre libro irlandese, e l’Irlanda, con il suo conflitto, è stato uno degli scenari in cui Chalandon ha lavorato come inviato, ma una parte importante l’ha avuta anche il Medio Oriente. Gli abbiamo chiesto come si passa dalla scrittura giornalistica a quella letteraria. “Sono stato corrispondente di guerra per 25 anni – ci ha riposto – e non mai potuto dire io di fronte ai massacri, sotto le bombe, mai. Non ho mai potuto piangere nel mio giornale, non potevo odiare, non potevo dire che stavo impazzendo di fronte alla violenza inaudita che mi circondava. Non potevo mai dire io, non ne avevo il diritto. L’unico modo per me per dire io era il romanzo. Aggiungo una aneddoto: sono a Sabra e Shatila, sto assistendo a quello che sappiamo, mi siedo dietro un muro e piango. Mi si avvicina un collega de Le Figaro, un amico, e mi dice: Sorj devi trasformare le tua lacrime in inchiostro, ecco, nel mio romanzo trasformo le mie lacrime in inchiostro”.

La violenza è il sottotesto di tutta la conversazione, l’indicibile che passa sotto gli occhi del reporter e poi arriva fino alla pagina dello scrittore. “Una cosa importante – ha concluso Chalandon – è che io non scrivo per guarire, non scrivo per stare meglio, non scrivo per dimenticare, scrivo per condividere. Io sono stato segnato dalla violenza e ancora oggi mi lacera per via dei bambini morti. Di notte a una cert’ora mi sveglio, mi alzo e vado in camera delle mie figlie, per vedere se sono vive oppure morte”.

Fino al 21 marzo il festival Dedica presenta incontri, appuntamenti, proiezioni, spettacoli legati al lavoro dello scrittore francese. Giunto alla 32esima edizione è anche parte del progetto Verso Pordenone Capitale italiana della Cultura 2027.