A New York gli animali più facili da incontrare sono sempre gli stessi: ratti, piccioni e scoiattoli. Non è esattamente la fauna che spinge le persone a fermarsi a guardare e sarà proprio per questo che, quando compare qualcosa di diverso, la notizia si sparge subito. È quello che sta succedendo in questi giorni a Bryant Park, dove un esemplare di beccaccia americana ha attirato l’attenzione di residenti, turisti e appassionati di birdwatching, che via via si sono organizzati e radunati, trasformando un normale spazio verde in un punto di pellegrinaggio per osservare la rara apparizione.

La specie, nota scientificamente come Scolopax minor e soprannominata “timberdoodle” negli Stati Uniti, è un uccello migratore appartenente alla famiglia delle beccacce e, a differenza di altri uccelli limicoli, vive prevalentemente nei boschi e si nutre cercando insetti e lombrichi nel terreno grazie al lungo becco sensibile. È riconoscibile per il corpo compatto, il piumaggio marrone mimetico e soprattutto per il caratteristico movimento oscillatorio mentre cammina, una sorta di “dondolio” ritmico che ha contribuito alla sua recente popolarità sui social.

La presenza a Manhattan è dovuta anche alla rotta migratoria della East Coast, dove durante la primavera capita spesso che molte specie si fermino temporaneamente soprattutto nei parchi urbani per riposarsi e alimentarsi prima di proseguire verso nord, in aree più adatte alla nidificazione, tra lo stato di New York e il Canada. Questi uccelli utilizzano qualsiasi area verde disponibile, anche molto piccola, come tappa intermedia. La particolarità del caso di Bryant Park è dovuta al fatto che la beccaccia è stata avvistata in pieno giorno, nonostante sia una specie prevalentemente notturna e notoriamente difficile da individuare.

Sui social network video e fotografie dell’animale – spesso accompagnati da brani musicali – hanno contribuito a trasformarlo in un fenomeno virale e la scena che si è creata nel parco è insolita anche per gli standard newyorkesi: gruppi di persone ferme per osservare un singolo animale, binocoli alla mano. In parallelo, lo stesso Bryant Park ha organizzato brevi attività guidate di osservazione, cavalcando l’interesse crescente per il piccolo pennuto.

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Tra il 13 e il 15 aprile 2026 la Casa Italiana Zerilli-Marimò della New York University ospita una serie di incontri dedicati alla traduzione letteraria nell’ambito della decima edizione del Bridge Book Award. Il programma, distribuito in più sedi accademiche e culturali della città, riunisce autori, traduttori, editor e studiosi per discutere pratiche, difficoltà e prospettive della traduzione contemporanea e favorire la circolazione della letteratura tra Italia e USA. L’iniziativa è promossa in collaborazione con l’Italian Cultural Institute of New York, la Federazione Unitaria Italiana Scrittori e diversi istituti universitari del circuito City University of New York, tra cui The Graduate Center, CUNY, Hunter College e il John D. Calandra Italian American Institute.

Per il 14 aprile, dalle 15:30 alle 17:00, è previsto l’incontro “Poetry Exploring Poetry”, dedicato alla traduzione poetica. Il panel vede la partecipazione della poetessa e traduttrice Carmen Gallo, docente presso l’università della Sapienza di Roma, e del traduttore Patrizio Ceccagnoli, legato all’University of Kansas e alla rivista Italian Poetry Review. L’incontro è moderato da Isabella Livorni e si svolge in lingua inglese.

Il ciclo di eventi rientra in un programma più ampio intitolato “Art and Craft in Translation: Meetings and Dialogues on Literary Translation”, curato da Maria Ida Gaeta, col coinvogimento della Civitella Ranieri Foundation, dell’American Academy in Rome e di Rizzoli Bookstore. Il Bridge Book Award, nelle sue dieci edizioni, ha sostenuto la promozione di circa 200 titoli e finanziato la traduzione di 40 opere tra italiano e inglese, contribuendo alla diffusione della letteratura italiana negli Stati Uniti e viceversa.

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Il destino, a volte, ha il senso dell’ironia. Crazy Joe Gallo nasce il 7 aprile 1929 e muore il 7 aprile 1972. Stesso giorno, due estremi della stessa parabola. In mezzo: New York, la mafia, la poesia e un mito che ancora oggi non ha smesso di respirare.

Joe Gallo non è stato soltanto un gangster. È stato un simbolo ambiguo, quasi romantico, di un’epoca in cui il crimine organizzato si fondeva con la cultura, la strada con i salotti, la violenza con una certa estetica della ribellione. E forse è proprio questa contraddizione che lo rende ancora così affascinante. Già nel 1963, durante le audizioni della Commissione McClellan contro il crimine organizzato – diventate centrali dopo le rivelazioni di Joe Valachi – si presenta con occhiali scuri e un atteggiamento quasi teatrale: un’immagine che, in modo sorprendente, anticipa l’estetica del mafioso cinematografico che verrà.

Per capire Gallo, bisogna partire dalla guerra interna alla famiglia Profaci. Negli anni ’60, Joe sfida apertamente il suo boss, Joe Profaci, rompendo equilibri che sembravano intoccabili – da lì, “Crazy Joe”. È una guerra sporca, fatta di attentati, tradimenti e vendette. Nel 1971, il nuovo boss, Joe Colombo – da cui la famiglia prenderà il nome – viene colpito durante un comizio pubblico e resterà in coma per anni, fino alla morte. A sparare è Jerome Johnson, un afroamericano, ma il principale sospettato come mandante è proprio Gallo. Perché, già da tempo, aveva iniziato a muoversi fuori dagli schemi, rompendo una delle regole non scritte della mafia: non coinvolgere persone nere nelle operazioni. Un tabù culturale che Gallo infrange. E proprio per questo i sospetti su Crazy Joe diventano immediati. Non fu mai provato che fosse lui. Ma nella malavita il verdetto arriva prima delle prove.

Il 7 aprile 1972, Gallo viene ucciso al ristorante Umberto’s Clam House, a Little Italy. Una morte spettacolare, quasi cinematografica. Fino a quel momento, Little Italy era ancora un’enclave, chiusa e autentica. Dopo quella notte, qualcosa cambia. La gente comincia a visitare Little Italy non solo per assaporare la cucina italiana, ma per vedere, per respirare il luogo dove “è successo”. È l’inizio di una trasformazione: da enclave a destinazione turistica, da quartiere vissuto a scenografia. La curiosità verso la mafia – fino ad allora confinata tra cronaca e sussurri – esplode e non si fermerà più.

C’è una coincidenza che sembra scritta da uno sceneggiatore: Il Padrino esce il 24 marzo 1972. Gallo muore esattamente due settimane dopo. Prima di allora, il cinema gangsteristico esisteva, ma aveva un’altra grammatica. C’erano i grandi classici con James Cagney, come The Public Enemy, o Scarface di Howard Hawks. Film potenti, ma ancora lontani da quella dimensione cruda, realistica e al tempo stesso mitologica che esploderà negli anni successivi. Dopo la morte di Gallo – coincidenza o meno – il crimine diventa racconto globale: arrivano poi Il Padrino Parte II, Quei bravi ragazzi, Scarface di Brian De Palma, Donnie Brasco e molti altri.

Ma la vera particolarità di Crazy Joe sta altrove, soprattutto negli ultimi anni della sua vita. Non solo nelle guerre di potere, ma nella sua doppia esistenza. Grazie a una donna, Gallo comincia a frequentare il West Village, entra nei salotti intellettuali, si muove tra artisti, musicisti, scrittori. Si appassiona a Jack Kerouac e alla Beat Generation, a quell’idea di libertà istintiva, quasi anarchica, che sembra agli antipodi rispetto alle regole della mafia. È lì che prende forma il mito: un gangster che legge, che ascolta jazz, che discute di letteratura, che attraversa mondi opposti. Era il gangster della Beat Generation.

Negli anni, la sua figura viene raccontata, trasformata e mitizzata. Film come Crazy Joe e The Gang That Couldn’t Shoot Straight si ispirano direttamente o indirettamente alla sua vita e, più recentemente, il suo spirito aleggia anche in The Irishman di Martin Scorsese o nelle serie Godfather of Harlem e The Offer. La sua morte segna anche l’inizio di un’ossessione collettiva. La curiosità verso il crimine organizzato cresce, si espande, cambia forma. Dai racconti di quartiere si passa ai libri, ai film, alle serie, fino all’era attuale del true crime.

Crazy Joe Gallo resta una figura impossibile da incasellare. Non era un mafioso classico e neanche un ribelle puro: era qualcosa di più contraddittorio, più umano. Nasce e muore lo stesso giorno, come una storia chiusa in un cerchio perfetto. E, come tutte le grandi storie, non smette mai davvero di essere raccontato.

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Veleggiare verso Favignana su un catamarano da 20 metri, con un grandangolo infinito sul mare, mentre uno chef Gambero rosso prepara una prelibatezza Mediterranean Style: una meravigliosa prospettiva.

Che al momento colgono tantissimi Nordamericani: infatti il fatturato di Spartivento Group, maestra dei charter a vela con una specializzazione in viaggi luxury, è conseguito per il 24% grazie a clienti USA.

I charter a vela rappresentano l’ultima frontiera del turismo raffinato, quello dei cosiddetti “luxury seekers“, desiderosi di un forte contatto con la natura e di esperienze fuori dall’ordinario.

Spartivento ha ben 13 catamarani luxury, barche da 20 metri e oltre, vivibili come un Hotel 5 stelle galleggiante, con capitano, hostess, chef. Si veleggia fra le coste e le mete più ambite del Mediterraneo: l’arcipelago della Maddalena, le Egadi, le Eolie, la costiera amalfitana e le sue perle, i luoghi cool della Sardegna.

Imbarcazione come il Lagoon 60, con le murate di poppa abbattibili che creano terrazze sul mare e un salone su un unico livello, sono un’esperienza da vivere.

Non poteva che essere Spartivento a offrire questa opportunità: la società creata da Stefano Pizzi ha 130 imbarcazioni dedicate unicamente ai charter a vela, la nuova passione di una nutrita fascia di turisti. E l’America, compresa quella del Sud, copre la metà del suo fatturato.

Sailuxe è la società di Spartivento che ha portato la crociera in catamarano a un livello bespoke. Come se il mood della Dolce Vita, con quel lusso leggero, quel comfort, quel cullarsi fra le onde della bellezza, fosse rifiorito assorbendo tutto lo stile Mediterraneo. Un progetto che funziona, se dal 2019, anno di nascita di Sailuxe, il fatturato è cresciuto del 900%! Complice, la natura spettacolare, le terrazze pastello di Positano, il fascino di Capri, l’anima vulcanica di Stromboli e la solitudine incantata di Filicudi.

O i contrasti fra gli scogli che si gettano a picco sul mare alle bocche di Bonifacio e il glamour internazionale di Porto Cervo. 

Come spiega il CEO di Spartivento Stefano Pizzi, “La vacanza in barca a vela è un modello di turismo sostenibile per eccellenza – spiega Stefano Pizzi, CEO di Spartivento Group – perché educa alla sobrietà, alla condivisione e al rispetto del mare. Impone un ritmo lento, lontano dal turismo di massa e valorizza la bellezza autentica dei luoghi.“

In barca a vela si sfrutta il vento, si impara a gestire con oculatezza le risorse. Le creature marine non vengono disturbate da una barca a vela. Il viaggio tipo?

Ce lo racconta la figlia di Stefano, Iole Pizzi: “Il viaggio tipo dura una settimana. Il ritmo è quello della vacanza lenta, con tappe negli arcipelaghi e in piccoli paesi isolani o costieri.” Gruppi, famiglie sono il cliente elettivo. Ma la via è aperta anche per i single. Devono avere età simili e persone che fungono da capogruppo. Si tratta di una prassi che è cresciuta molto

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L’Italian American Museum ospiterà una mostra itinerante dedicata alla vita di Antonio De Curtis, l’attore comico napoletano meglio conosciuto con il nome d’arte “Totò” (accento sulla seconda sillaba), dal 16 aprile al 29 agosto 2026. Protagonista di quasi 100 film, Totò fu anche un prolifico interprete teatrale, cantante e poeta, dominando il genere comico in Italia dal 1922 al 1967.

La mostra, Totò and his Naples, realizzata con la generosa collaborazione dell’Istituto Italiano di Cultura e del Ministero degli Affari Esteri italiano, celebra anche il 2500° anniversario della fondazione della città di Napoli. Un quarto dei quattro milioni di italiani emigrati negli Stati Uniti tra il 1880 e il 1920 proveniva da Napoli e dalla regione Campania. La cultura napoletana è celebrata con eventi in tutti gli Stati Uniti, tra cui il più noto è l’annuale Festa di San Gennaro a Little Italy, a New York.

Il governo italiano ha scelto di rendere omaggio a Totò come simbolo dell’identità napoletana. La sua eredità incarna un legame eterno e poetico che attraversa il tempo e continua a sostenere la vita della città.

«Totò rappresenta una pietra miliare del patrimonio culturale italiano e, in particolare, dell’identità napoletana», ha dichiarato Claudio Pagliara, direttore dell’Istituto Italiano di Cultura di New York. «Per la vasta comunità di discendenti napoletani a New York, la sua eredità resta profondamente significativa, offrendo un forte legame tra passato e presente, tra Italia e Stati Uniti».

«Siamo onorati di ospitare una mostra che documenta la vita di uno degli artisti più prolifici d’Italia», ha dichiarato il dottor Joseph V. Scelsa, fondatore e presidente dell’Italian American Museum. «Si tratta di un importante pezzo di storia che tutti i visitatori troveranno istruttivo e coinvolgente».

Totò and his Naples intende raccontare il legame profondo e indissolubile tra De Curtis e la sua città, un rapporto che attraversa tutta la sua produzione artistica: nel teatro, attraverso le esibizioni della Compagnia Stabile Napoletana; nel cinema, con film come Miseria e nobiltà e L’oro di Napoli; nella poesia, con versi che celebrano la bellezza e l’anima della città, tra cui ’A livella e Napule, tu e io; e nella musica, con Marechiaro blu e il capolavoro Malafemmena, espressioni di quel lirismo quasi sacro che i napoletani riservano all’amore.

La mostra ripercorre i legami culturali, professionali e personali del Maestro con Napoli, portando alla luce anche aspetti meno noti della sua vita. Attraverso fotografie, clip cinematografiche, oggetti, costumi e documenti originali, offre ai visitatori un’esperienza immersiva nel mondo di Totò, seguendo l’intero arco della sua storia.

Il biglietto per Totò and his Naples costa 20 dollari per gli adulti e 15 per anziani e studenti, e include l’accesso alle altre mostre del museo. Gli orari sono giovedì, venerdì e sabato dalle 12:00 alle 17:00.

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Con l’arrivo della primavera, a New York cambia anche il modo di vivere la musica dal vivo. Alla stagione indoor, fatta di arene e club chiusi, si affianca quella dei grandi spazi all’aperto, che per molti newyorkesi coincide con l’inizio della programmazione estiva. E così torna centrale il Northwell Health at Jones Beach Theater, l’anfiteatro affacciato sull’oceano Atlantico, a circa 50 chilometri da Manhattan, all’interno del Jones Beach State Park. La struttura, inaugurata nel 1952 e più volte rinnovata, ha una capienza di circa 15.000 spettatori ed è spesso inserita nei circuiti dei grandi tour nordamericani, anche per la sua posizione facilmente raggiungibile da New York City e dal resto della regione dei cosiddetti “Tri-State”.

Una delle caratteristiche distintive del teatro è la sua configurazione architettonica: il palco è costruito direttamente sopra la Zachs Bay, una baia interna che separa la costa oceanica dalla terraferma. Questo elemento, oltre a influenzare l’acustica – più aperta e meno riflettente rispetto agli impianti chiusi – rende l’arena particolarmente suggestiva.

Per la stagione 2026, la programmazione alterna nomi del pop mainstream, artisti hip hop e figure storiche del rock e del country. Negli anni, il palco di Jones Beach ha ospitato artisti come Bruce Springsteen, Billy Joel e Madonna, rendendolo fondamentalmente una tappa quasi obbligata per i tour estivi sulla East Coast. Di seguito la programmazione estiva della venue.

• Triumph — 5 giugno
• Kesha — 8 giugno
• Yacht Rock Revue — 19 giugno
• Riley Green — 20 giugno
• James Taylor — 23 giugno
• Evanescence con Spiritbox e Nova Twins — 24 giugno
• Godsmack — 27 giugno
• Jack Johnson — 28 giugno
• Santana e The Doobie Brothers — 2 luglio
• Lindsey Stirling — 9 luglio
• The Guess Who — 10 luglio
• 311 e Dirty Heads — 16 luglio
• Train — 18 luglio
• Toto con Christopher Cross e The Romantics — 19 luglio
• Dave Matthews Band — 21 luglio
• Ne-Yo e Akon — 22 luglio
• Chicago e gli Styx — 23 luglio
• Tim McGraw — 24 luglio
• Muse — 25 luglio
• John Mellencamp — 26 luglio
• Rod Stewart — 31 luglio
• Five Finger Death Punch — 4 agosto
• Jimmy Buffett’s Coral Reefer Band — 6 agosto
• Jeff Dunham e Gabriel Iglesias — 7 agosto
• Deep Purple con i Kansas — 12 agosto
• Sebastian Maniscalco — 14 agosto
• Lynyrd Skynyrd e Foreigner — 21 agosto
• The Fray con i Dashboard Confessional — 22 agosto
• Pitbull con Lil Jon — 25 agosto
• Chris Stapleton — 26 agosto
• Outlaw Festival: Willie Nelson, Avett Brothers, Sheryl Crow e altri — 28 agosto
• Empire of the Sun — 30 agosto
• Breaking Benjamin — 5 settembre
• Lil Wayne — 10 settembre
• Jason Aldean — 11 settembre
• John Fogerty e Steve Winwood — 12 settembre
• Wu-Tang Clan — 13 settembre
• Staind — 14 settembre
• TLC & Salt-n-Pepa — 15 settembre
• O.A.R. — 18 settembre

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A New York si torna a parlare di una delle famiglie più influenti del cinema e della cultura italiana del Novecento con la presentazione del volume Bertolucci A–Z, in programma il 15 aprile 2026 presso Casa Italiana Zerilli-Marimò della New York University. L’appuntamento celebra gli 85 anni dalla nascita di Bernardo Bertolucci, regista tra i più riconosciuti a livello internazionale, autore, tra gli altri, di Ultimo tango a Parigi e L’ultimo imperatore, premiato con nove Oscar nel 1988. L’incontro, introdotto da Stefano Albertini, direttore della Casa Italiana Zerilli-Marimò, sarà accompagnato dalla proiezione di alcuni cortometraggi legati alla produzione bertolucciana.

Il libro, pubblicato da Electa e curato da Michele Guerra, attuale sindaco di Parma e studioso di cinema, fa parte della collana “A–Z” e propone un formato enciclopedico costruito su 85 voci, tante quanti gli anni che Bertolucci avrebbe compiuto nel 2026. Il progetto non si limita però alla figura del regista, ma ricostruisce un’intera genealogia culturale: quella che parte dal poeta Attilio Bertolucci e arriva ai figli Bernardo e Giuseppe Bertolucci, anche lui regista e sceneggiatore. Le voci sono affidate a una rete eterogenea di contributori – accademici, critici, collaboratori storici, attori e registi – tra cui Walter Veltroni, Marco Tullio Giordana e Jeremy Thomas, produttore britannico che ha lavorato con Bernardo Bertolucci. Ne emerge un racconto plurale, che attraversa cinema, letteratura e contesto politico-culturale italiano dal secondo dopoguerra agli anni Duemila.

Alla presentazione interverranno, tra gli altri, Valentina Ricciardelli, presidente della Fondazione Bernardo Bertolucci, lo stesso Guerra in qualità di curatore, Andrea Ciccarelli della Ragusa Foundation, il direttore artistico del Teatro Regio di Parma Alessio Vlad e Antonio Monda, docente alla NYU e figura centrale nella promozione della cultura italiana negli Stati Uniti. L’evento si svolgerà in inglese ed è possibile prenotarsi a questo link.

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Dopo il lancio di SuperBook, progetto dedicato alla promozione della narrativa italiana negli Stati Uniti attraverso incontri, premi e traduzioni e che ha portato a New York i vincitori dei più importanti premi letterari italiani, l’Istituto Italiano di Cultura a New York introduce ora Inkwaves, una nuova rassegna dedicata alla narrativa per mettere in contatto lettori e scrittori attraverso i libri preferiti di questi ultimi.

Inkwaves è infatti un ciclo di incontri all’interno del quale si chiederà a scrittori italiani contemporanei di raccontare un libro, scritto in inglese o in italiano, che ha inciso in modo rilevante sulla loro formazione. Una conversazione critica e personale, insomma, incentrata sulla lettura come esperienza fondativa. Il progetto è organizzato dall’Istituto Italiano di Cultura di New York insieme all’agenzia letteraria Alferj e prevede la partecipazione, accanto agli autori, di accademici, traduttori ed editori statunitensi.

Il primo appuntamento è fissato per oggi, mercoledì 8 aprile 2026 alle 18, nella sede dell’IIC a Manhattan. Protagonista sarà Chiara Barzini, scrittrice e sceneggiatrice italiana conosciuta soprattutto per il romanzo semi-autobiografico Things That Happened Before the Earthquacke, uno dei pochi bestseller italiani all’estero e scelto come Best Book del 2017 dal The Guardian. Barzini interverrà su The White Album di Joan Didion, raccolta di saggi pubblicata nel 1979 e considerata uno dei testi più rappresentativi del New Journalism americano. Il libro affronta la California tra gli anni Sessanta e Settanta attraversata da tensioni sociali, crisi ambientali e trasformazioni culturali, con un’attenzione particolare alla percezione del disordine e lo sguardo volto a metà tra la sfera privata e quella pubblica.

Il programma proseguirà il 22 aprile con Paolo Giordano, fisico e scrittore noto principalmente per La solitudine dei numeri primi (Premio Strega 2008), che porterà invece Infinite Jest di David Foster Wallace. Pubblicato nel 1996, Infinite Jest è uno dei testi più complessi della narrativa americana contemporanea, celebrato per la sua struttura frammentaria e labirintica e per l’analisi delle dipendenze, dell’intrattenimento e del rapporto tra tecnologia e attenzione.

Il ciclo si chiuderà il 24 giugno con Nicola Lagioia, scrittore e direttore editoriale, vincitore del Premio Strega 2015 con La ferocia, che ha scelto Gilead di Marilynne Robinson. Il romanzo, pubblicato nel 2004 e vincitore del Premio Pulitzer, è costruito come una lunga lettera scritta da un anziano padre ad un figlio che la leggerà solo quando sarà ormai scomparso. Robinson è una delle autrici statunitensi più studiate anche in ambito accademico europeo.

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Negli ultimi anni il mercato immobiliare di New York ha vissuto una trasformazione silenziosa ma profonda. Quartieri storicamente dominati da cooperative pre-war stanno vedendo nascere una nuova generazione di edifici residenziali: i cosiddetti new development. E per molti acquirenti americani e internazionali, comprare in un palazzo appena costruito non è solo una scelta di stile di vita, ma anche una strategia immobiliare.

A differenza degli edifici più datati, le nuove costruzioni nascono già pensate per le esigenze della vita contemporanea. Gli appartamenti offrono spazi più fluidi, cucine aperte, soffitti alti, grandi finestre e sistemi tecnologici avanzati per riscaldamento, raffreddamento e sicurezza. Non si tratta solo di estetica: edifici più moderni significano spesso maggiore efficienza energetica e minori interventi straordinari nei primi anni di vita del condominio.

Ma il vero cambiamento riguarda soprattutto il modo di vivere la casa. I new development a New York offrono servizi che fino a pochi anni fa erano rari anche negli edifici più prestigiosi: palestre professionali, piscine, lounge per residenti, spazi di coworking, cinema privati, terrazze panoramiche e aree gioco per bambini. In molti casi l’edificio diventa una vera estensione dell’appartamento.

C’è poi un fattore economico da considerare. Comprare in un nuovo development significa spesso entrare nel progetto quando il palazzo è appena lanciato sul mercato. In questa fase iniziale i prezzi possono essere più competitivi rispetto ai valori che si registreranno una volta completata la vendita di tutte le unità.

Per questo motivo alcuni acquirenti vedono il new development come un modo per acquistare un immobile che ha già un potenziale di rivalutazione.

Un vantaggio meno noto, ma molto apprezzato da chi compra nelle prime fasi di vendita, è la possibilità di personalizzare l’appartamento prima che l’edificio venga completato.

Quando il progetto è ancora in costruzione, molti developer sono disposti a lavorare con l’acquirente per apportare alcune modifiche interne. Questo può significare scegliere finiture diverse, cambiare la disposizione di alcune stanze, unire due unità o adattare cucina e bagni secondo le proprie esigenze. In altre parole, si ha la possibilità di creare una casa quasi “su misura”, cosa molto più difficile negli edifici già esistenti.

Non è raro che i primi acquirenti riescano a negoziare queste modifiche senza costi eccessivi. In alcuni casi i developer permettono di selezionare materiali alternativi o layout personalizzati se l’appartamento non è ancora stato completato. Per molti compratori questo rappresenta un grande vantaggio: si acquista un immobile nuovo ma con un livello di personalizzazione che normalmente si associa a una ristrutturazione completa.

Negli ultimi anni questo fenomeno è particolarmente evidente nell’Upper East Side, uno dei quartieri più iconici di Manhattan. Per decenni l’area è stata dominata quasi esclusivamente da cooperative pre-war molto selettive. Con l’arrivo della nuova linea della metropolitana sulla Second Avenue e con una crescente domanda di appartamenti moderni, il quartiere ha visto nascere diversi nuovi condomini di alto livello.

Questa trasformazione ha avuto un impatto diretto sui prezzi: in alcune zone dell’Upper East Side il valore medio dei condomini è cresciuto sensibilmente, con prezzi che hanno superato in molti casi i 2.000 dollari al piede quadrato nei nuovi edifici di fascia alta.

Un esempio emblematico è Beckford House, situato al 301 East 81st Street tra First e Second Avenue. Il progetto, ispirato all’architettura classica dell’Upper East Side ma costruito con standard contemporanei, è diventato rapidamente uno degli indirizzi più ricercati della zona. Gli appartamenti hanno registrato vendite con valori superiori ai 2.200 dollari per piede quadrato, mentre alcune residenze di oltre 2.000 piedi quadrati hanno raggiunto prezzi intorno ai 4,5-5 milioni di dollari.

In edifici come questo, molti dei primi acquirenti hanno potuto collaborare con il developer per personalizzare dettagli interni delle proprie residenze prima della consegna finale. È uno dei motivi per cui entrare nelle prime fasi di un progetto può rappresentare un’opportunità interessante: non solo si beneficia spesso di prezzi di lancio più favorevoli, ma si ha anche la possibilità di adattare la casa alle proprie esigenze prima che sia completata.

Il successo dei new development si inserisce in un contesto più ampio di forte domanda per immobili di qualità a Manhattan. Nel segmento del lusso, le vendite sopra i 4 milioni di dollari continuano a rappresentare una parte importante del mercato, con molti acquirenti attratti da edifici nuovi che combinano architettura contemporanea, servizi di alto livello e maggiore flessibilità rispetto alle cooperative tradizionali.

Naturalmente ogni acquisto richiede un’attenta analisi del progetto, dello sponsor e dei documenti dell’offering plan. Tuttavia, per chi cerca comfort moderno, servizi completi e un immobile pronto da vivere, i new development rappresentano oggi una delle opportunità più interessanti nel mercato immobiliare di New York.

In una città dove lo spazio è limitato e le nuove costruzioni sono relativamente rare, acquistare in un edificio appena realizzato non significa soltanto comprare una casa nuova: significa spesso entrare in anticipo nel futuro della città.

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Settant’anni di editoria indipendente, oltre 30.000 titoli e una missione chiara: garantire qualità e autorevolezza nell’era dell’intelligenza artificiale e dell’informazione diffusa. La casa editrice FrancoAngeli celebra 70 anni di attività, confermandosi come uno dei principali editori italiani nella produzione e diffusione di saggistica accademica, professionale e culturale. In un contesto contemporaneo segnato dalla sovrabbondanza informativa e dall’intelligenza artificiale, la centralità della qualità della conoscenza rende questo anniversario particolarmente significativo.

Fondata il 17 maggio 1956 da Franco Angeli, che intuì in modo quasi visionario l’esigenza di diffondere nuovi modelli organizzativi, gestionali e culturali ispirati alle migliori esperienze internazionali  – in primo luogo occidentali –, la casa editrice ha accompagnato generazioni di studiosi e professionisti contribuendo al dibattito accademico e alla diffusione del sapere nel management e nella formazione per allargarsi poi alle scienze umane e sociali: dall’economia alla psicologia, dalla didattica alla sociologia, dalla storia alla filosofia.

Nel corso dei decenni, la FrancoAngeli ha ispirato e orientato la classe dirigente industriale alle prese con il boom economico italiano; e in parallelo ha saputo riconoscere l’evoluzione della società, mantenendo saldo l’impegno verso contenuti di qualità, al passo con le trasformazioni culturali e tecnologiche. Oggi, mentre università, imprese e istituzioni affrontano sfide come la transizione digitale e l’impatto dell’AI, la casa editrice rafforza il proprio ruolo nella produzione di contenuti rigorosi e autorevoli.

“Settant’anni non sono solo un traguardo, ma una responsabilità”, affermano Ilaria e Stefano Angeli, entrambi CEO della casa editrice. “In un’epoca in cui le informazioni sono diffuse ma non sempre qualificate, il nostro obiettivo è continuare a garantire qualità, autorevolezza e capacità di interpretare il presente, valorizzando la conoscenza”.

Il catalogo attuale comprende circa 30.000 volumi, oltre 50.000 autori, 600 novità all’anno e 80 riviste accademiche. Un patrimonio che rafforza l’identità culturale di un editore coerente, attento ai bisogni della società e capace di intercettare i cambiamenti culturali, senza compromettere serietà e qualità. Non a caso, nel 1972 venne conferito a Franco Angeli l’Ambrogino d’Oro della città di Milano, città che ospita la sede centrale della casa editrice. E nel 2007, a un mese dalla sua scomparsa, il Comune di Milano ha voluto iscrivere il suo nome nel Famedio del Cimitero Monumentale, riconoscendo il contributo dato alla città e alla cultura italiana.

In un mercato editoriale in continua trasformazione, i 70 anni di FrancoAngeli rappresentano un’occasione per riaffermare il valore strategico dell’editoria di qualità nella diffusione della conoscenza. Questo anniversario segna anche un punto di partenza verso nuove sfide che vengono affrontate con la stessa passione che ha contraddistinto la casa editrice fin dalla sua nascita.

Impresa familiare con visione moderna, dal 2007 la casa editrice è guidata da Ilaria e Stefano Angeli, figli del fondatore, che garantiscono continuità ai valori originari, mantenendo al contempo uno sguardo attento alle trasformazioni dell’editoria, dell’università e delle professioni.

A settant’anni dalla fondazione, FrancoAngeli continua a essere un laboratorio di idee, fedele alla propria storia e proiettato verso le sfide del presente e del futuro.

Per celebrare i 70 anni, FrancoAngeli torna al Salone del Libro di Torino con iniziative dedicate al mondo accademico e culturale.

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L’intelligenza artificiale promette da anni di liberarci dal lavoro ripetitivo, restituendoci momenti preziosi per pensare, creare e innovare. Nella narrazione dominante, algoritmi e sistemi generativi rappresentano il motore di una nuova efficienza produttiva: più velocità, meno fatica, risultati migliori. Ma cosa accade davvero quando questa tecnologia entra nella quotidianità degli uffici? Il tempo che guadagniamo viene davvero restituito alle persone oppure viene immediatamente riassorbito dal sistema produttivo?

In queste settimane mi ha colpito particolarmente un articolo pubblicato sul Corriere della Sera, scritto da Eugenio Spagnuolo, dal titolo Gli italiani guadagnano tempo al lavoro con l’intelligenza artificiale. Poi lo perdono a correggere gli errori che fa l’AI. Un titolo che racconta bene una contraddizione sempre più evidente nel rapporto tra tecnologia e lavoro.

L’articolo parte da un’informazione che, a prima vista, appare incoraggiante: “quattro lavoratori italiani su dieci risparmiano fino a un giorno di lavoro a settimana grazie all’intelligenza artificiale”. Questo dato proviene dall’analisi di Workday, azienda specializzata in software per la gestione finanziaria e delle risorse umane, che ha pubblicato la ricerca Beyond Productivity: Measuring the Real Value of AI, condotta da Hanover Research su 3.200 lavoratori in Nord America, Asia-Pacifico ed Europa. Un risultato che conferma come questi strumenti stiano entrando stabilmente nei processi produttivi.

Ma la stessa indagine citata nel pezzo mostra anche l’altra faccia della medaglia. “Quasi il 40% di quel tempo guadagnato si perde quasi subito, impiegato a correggere errori e verificare output non sempre affidabili”. In altre parole, l’intelligenza artificiale accelera le attività, ma genera nuove operazioni di controllo.

Non è un dettaglio marginale. Secondo lo studio citato, “un lavoratore su due in Italia dedica tra una e due ore a settimana a riparare i danni prodotti dall’AI che avrebbe dovuto aiutarlo”. Il risultato è un equilibrio fragile tra vantaggi e costi cognitivi.

Viene evidenziata anche un’ altra percentuale sorprendente: solo “il 14% dei dipendenti ottiene risultati positivi dall’intelligenza artificiale in modo costante”. Tutti gli altri si muovono in una zona grigia fatta di benefici intermittenti, verifiche continue e strumenti spesso non perfettamente integrati nelle attività quotidiane.

Particolarmente interessante è il comportamento delle generazioni più giovani. Nell’articolo si legge infatti che “i dipendenti tra i 25 e i 34 anni sono il 46% di chi affronta il volume maggiore di correzioni”. Proprio coloro che dovrebbero essere più a loro agio con le tecnologie digitali risultano essere quelli che dedicano più tempo a controllarne le imprecisioni.

Il sociologo Ulrich Beck parlava già negli anni Novanta di “modernità riflessiva”, una fase della modernità in cui il progresso scientifico e tecnologico produce non solo benefici, ma anche nuovi problemi e rischi che la società è chiamata continuamente a gestire. L’intelligenza artificiale sembra inserirsi perfettamente in questa dinamica: genera efficienza, ma parallelamente genera ulteriori compiti di supervisione e controllo umano.

Anche il sociologo Richard Sennett ha più volte osservato come le innovazioni organizzative e tecnologiche possano intensificare la pressione sul lavoratore anziché ridurla. Quando i sistemi diventano più veloci ed efficienti, crescono anche le aspettative sui risultati.

Questo paradosso non riguarda solo l’esperienza dei singoli lavoratori: secondo la ricerca citata, molte aziende preferiscono reinvestire i guadagni di produttività in nuove tecnologie o aumentare i carichi di lavoro, mentre solo una parte delle organizzazioni utilizza quel tempo per sviluppare competenze e capacità strategiche.

Eppure proprio le realtà che investono nella formazione sembrano ottenere i risultati migliori. I lavoratori che ricevono maggiore preparazione riescono a utilizzare l’AI non come sostituto del pensiero umano, ma come amplificatore delle proprie capacità. La lezione, forse, è semplice ma fondamentale: la tecnologia da sola non basta. L’intelligenza artificiale può rendere le attività più rapide, ma solo le persone possono renderle più intelligenti.

Se le organizzazioni che gestiscono il lavoro sapranno trasformare il tempo guadagnato in conoscenza, creatività e pensiero strategico, allora l’AI potrà davvero mantenere la promessa che l’accompagna da anni: non sostituire l’essere umano, ma liberarlo dalle mansioni ripetitive per concentrarsi su ciò che sa fare meglio: innovazione e decisioni complesse.

Il futuro delle professioni non dipenderà quindi soltanto dagli algoritmi che useremo, ma dalle scelte sociali e culturali che modelleremo intorno a esso.

Ed è proprio lì che si giocherà la vera partita.

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Che New York sia un crocevia di culture e sapori non lo scopriamo certo oggi: dalle suggestioni asiatiche al gusto mediorientale fino ai market d’ispirazione sub-sahariana, a New York si può trovare di tutto per tutti. Questo, però, rende anche più complicato far emergere un sapore “vincente”, una cultura culinaria che spicchi tra le altre. Lo sa bene Luigi Speranza, fondatore di La Trafila, che nonostante tutto questo ha saputo ritagliarsi uno spazio d’eccellenza, portando, non senza innovazione, la tradizione della pasta fresca italiana nella Grande Mela. Lo abbiamo incontrato per farci raccontare la sua straordinaria avventura imprenditoriale.

Luigi, partiamo dall’inizio. Come arriva a New York e da dove nasce La Trafila?

Sono arrivato a New York nel 2017 come chef, dopo un percorso alberghiero e diverse esperienze tra Italia ed Europa. All’inizio non è stato semplice: ero senza documenti e ottenere uno sponsor in quel periodo era complicato. Ho iniziato a lavorare in un pasta bar a West Broadway, un posto interessante con cucina a vista. Lì però ho notato una cosa: facevano pasta, ma usavano quella secca. Ho proposto di iniziare a produrre pasta fresca in casa, e da lì è cominciato tutto.

La pandemia per molti è stata un blocco. Per voi invece un punto di svolta. Come è successo?

Ho lasciato il lavoro a gennaio 2020, poco prima della pandemia. Quando è arrivato il lockdown si è fermato tutto, e mi sono chiesto cosa potessi fare. Avevo una piccola macchina per la pasta comprata nel 2019. In quel periodo l’e-commerce stava esplodendo, così abbiamo lanciato un sito molto semplice, con 150 dollari, con la formula “order today, delivery tomorrow”. Il giorno dopo avevamo già 19 ordini. Poi i Farmers’ Market sono stati fondamentali: con i supermercati in difficoltà, le persone cercavano prodotti freschi all’aperto. Siamo passati da un solo mercato a dodici in poco tempo, ed è lì che il brand è cresciuto davvero.

Il vostro slogan è “Made in New York, Master in Italy”. Cosa significa concretamente?

Molti italiani arrivano all’estero convinti di sapere già tutto. In realtà, quando entri in una cultura diversa, devi adattarti. Noi portiamo l’autenticità italiana nella qualità, nella costanza e nella serietà del lavoro. Produciamo a New York, ma con mentalità e tecniche italiane. Un esempio è il sugo alla vodka: all’inizio ero contrario, per orgoglio. Poi l’abbiamo provato ed è diventato il nostro prodotto più venduto. Il punto è mantenere alta la qualità, anche quando il risultato finale ha un’influenza americana.

Quanto pesa il prodotto rispetto allo storytelling nel vostro successo?

È una cosa unica: non puoi separarle. Il prodotto deve essere all’altezza, altrimenti lo storytelling non serve a nulla. Io ci metto la faccia, vado ai tasting, spiego ai clienti cosa significa pasta fresca, quali sono le differenze, i pregi e anche i limiti. Puoi raccontare quanto vuoi, ma se il prodotto non regge, non funziona.

La Trafila è cresciuta velocemente. Quali sono state le difficoltà più grandi nella gestione?

Dopo circa otto mesi dalla pandemia abbiamo preso in leasing questo spazio. Nel 2022 abbiamo acquisito anche il locale accanto, che era completamente da rifare, e lo abbiamo ricostruito in otto mesi per aumentare produzione e stoccaggio. I macchinari aiutano, ma non risolvono tutto: serve sempre qualcuno che li gestisca. La vera sfida è la delega. L’anno scorso sono stato in Italia due mesi e, proprio in quel periodo, abbiamo fatto il mese migliore. È stato un segnale importante: l’azienda può andare avanti anche senza di me.

Oggi siete presenti in più stati. Come state pensando al futuro?

Siamo attivi in cinque stati: New York, New Jersey, Washington, Rhode Island e parte della Pennsylvania. Stiamo lavorando per entrare nel retail, ma con attenzione, soprattutto su packaging e conservazione, magari con una linea congelata. Sul franchising siamo cauti: La Trafila è ancora giovane, come un bambino di sei anni. Va seguita da vicino. Preferiamo crescere in modo strutturato, senza correre troppo.

La cucina italiana oggi è anche patrimonio UNESCO. Come vede il suo futuro, tra tradizione e innovazione?

È un riconoscimento importante, ma la cucina italiana non può restare ferma. La base è storica e deve rimanere solida, però il presente è inevitabilmente ibrido. I piatti iconici continueranno a esistere, ma ci sarà sempre spazio per evoluzioni e variazioni. L’importante è non perdere la qualità.

Dove si può trovare oggi la vostra pasta?

Siamo presenti in diversi Farmers’ Market nel weekend. A Brooklyn siamo a Park Slope, Greenpoint e McGlory Park. A Manhattan a Chelsea Market e Morningside. Poi in varie località del Westchester, come Larchmont, Bronxville, Hastings, Irvington, Chappaqua e Pleasantville. E stiamo lavorando per arrivare presto anche nei supermercati.

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Lunedì 13 aprile, da Piazza Italia sulla Fifth Avenue, la giovane Fashion Designer italiana Marta Costantini presenta ANTICONFORMALE: non un brand, ma una presa di posizione.

In un momento in cui la moda sembra oscillare tra nostalgia e innovazione, ANTICONFORMALE si inserisce tra i progetti che stanno definendo una nuova generazione di designer italiani. Il punto di partenza è uno degli accessori più codificati del guardaroba: la cravatta. Ma qui viene reinterpretata, destrutturata e riportata a una dimensione contemporanea.

Non si tratta di negare il formale, ma di attraversarlo e trasformarlo. La cravatta mantiene la sua identità, ma diventa anche un mezzo per esprimere quella di chi la indossa. È un accessorio veloce, fluido, che si adatta ai diversi momenti della giornata. E soprattutto è pensato per essere condiviso: tra amici, tra generazioni, tra contesti diversi.

ANTICONFORMALE nasce con uno sguardo preciso: produzione Made in Italy su ordine, utilizzo di tessuti deadstock provenienti da importanti aziende tessili italiane e una forte attenzione alla tracciabilità grazie al Digital Product Passport. Un approccio che unisce ricerca estetica e consapevolezza produttiva.

L’evento non sarà una classica presentazione di prodotto. Non ci saranno oggetti da osservare, ma un’idea da incontrare, un immaginario da costruire. Un invito a riflettere su cosa significhi oggi vestirsi, scegliere, distinguersi.

Ad accompagnare la serata drink e appetizers, in un’atmosfera pensata per favorire connessioni, conversazioni e nuove possibilità.

ANTICONFORMALE non è solo un brand che nasce, ma un linguaggio che si apre. E New York, ancora una volta, diventa il luogo dove le nuove visioni prendono forma.

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Gli studi sul fascismo non riguardano solo la ricostruzione di un periodo storico chiuso e definito negli anni, ma diventano anche essere uno strumento per leggere fenomeni politici contemporanei, soprattutto quando categorie e linguaggi del Novecento tornano nel dibattito pubblico. Anche da qui nasce l’incontro del 9 aprile alla Casa Italiana Zerilli-Marimò, intitolato “Fascism, Then and Now: Continuities and Ruptures”, che propone un confronto tra l’approccio storico al fascismo l’e uso moderno che se ne fa del termine, per dividere quello che deriva direttamente dall’esperienza dei regimi fascisti e quello che, invece, appartiene a contesti politici diversi.

Le protagoniste sono Marla Stone, docente e responsabile del dipartimento di storia all’Occidental College, e Ruth Ben-Ghiat, professoressa alla New York University. Stone si occupa da decenni di fascismo italiano, cultura politica e rapporti tra Stato e produzione culturale nel Novecento europeo; tra i suoi lavori più citati ci sono The Patron State: Culture and Politics in Fascist Italy (1998) e The Fascist Revolution (2012), oltre a raccolte come Fascism in America (2022), che analizza la ricezione e le declinazioni del fenomeno negli Stati Uniti. Ben-Ghiat, con il suo libro Strongmen: Mussolini to the Present (2020), propone una lettura comparata dei leader autoritari del Novecento e contemporanei.

L’incontro si concentrerà principalmente sulle continuità e le rotture: da un lato, dunquem, l’analisi delle caratteristiche che definivano i regimi fascisti storici – come il controllo della propaganda, il rapporto diretto tra leader e massa, la costruzione del nemico politico; dall’altro, l’individuazione di ciò che è cambiato nei contesti attuali, dove la comunicazione digitale, la globalizzazione e le nuove forme di populismo modificano profondamente le dinamiche del consenso.

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Dante, si sa, continua ad essere oggetto di studio anche a distanza di tutti questi secoli. Ne è la conferma il nuovo appuntamento negli spazi della New York University, il 7 aprile 2026, dove alla Casa Italiana Zerilli-Marimò si terrà un nuovo incontro della John Freccero Lecture Series, parte di un ciclo dedicato agli studi italiani che negli anni ha consolidato il proprio ruolo come punto di riferimento per la comunità accademica e per il pubblico interessato alla cultura letteraria italiana negli Stati Uniti. L’iniziativa è promossa insieme al Department of Italian Studies della stessa università.

La lezione, intitolata “Deforming Deceit. Contagion, Animality, and Metamorphosis in Inferno XXIX-XXX”, è tenuta da Eleonora Stoppino, docente all’University of Illinois Urbana-Champaign. Il focus riguarda i canti XXIX e XXX dell’Inferno di Dante Alighieri, in cui i falsari sono puniti attraverso malattie deformanti che alterano il corpo. L’analisi proposta parte proprio dalla deformazione fisica inflitta, che non è soltanto una punizione simbolica ma diventa una manifestazione della falsificazione morale. In questi canti, chi ha manipolato sostanze, identità o natura subisce una trasformazione che rende visibile la violazione dell’ordine naturale.

Il contributo di Stoppino si basa su un’analisi del linguaggio usato da Dante, ricostruendo l’intreccio della malattia e del contagio all’interno dei due canti. È un lessico messo in relazione con la tradizione classica, in particolare con Ovidio, molto presente nella cultura medievale. In questa lettura, il contagio diventa un modo per descrivere una trasformazione. La malattia spinge i corpi verso una condizione animale, facendo saltare il confine tra umano e non umano. Secondo Stoppino, è così che Dante mostra cosa significa falsificare: compromettere la natura stessa dell’essere umano.

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Archiviato il doloroso fallimento azzurro in Bosnia, l’ennesimo purtroppo della storia recente, l’Italia calcistica si rituffa nel campionato, che si giocherà proprio in concomitanza con la Pasqua.

Si partirà oggi con sfide importanti per la lotta salvezza, ma i due big match di giornata, che potranno dire tanto (o tutto) in merito alla lotta scudetto, si giocheranno le sere di Pasqua e Pasquetta.

Inter e Roma scenderanno in campo, a San Siro, per rialzare la testa dopo un periodo di calo.

I nerazzurri, dal derby perso l’8 marzo, hanno inanellato due pareggi consecutivi, contro Atalanta e Fiorentina: in entrambi i casi i ragazzi di Chivu sono andati in vantaggio e sono stati rimontati.

Non un bel segnale per una squadra che, per mesi, è stata letteralmente imprendibile, sicuramente ha inciso molto l’assenza del capitano Lautaro Martinez, che finalmente tornerà in campo domenica sera.

Per la Roma marzo è stato addirittura devastante. I giallorossi sono incappati in una serie di risultati negativi, finendo per uscire dalla zona Champions e venendo addirittura eliminati, in Europa League, dal Bologna.

Anche la Roma ha subito il contraccolpo di tanti infortuni nel momento chiave della stagione: uno di questi quello di Soulè, che tornerà in campo, probabilmente titolare, domenica sera, proprio come Lautaro.

Per guardarsi le spalle dal ritorno di Milan e Napoli l’Inter deve tornare a vincere già da domenica: per far questo deve recuperare, psicologicamente e fisicamente, i reduci dalla disfatta della Nazionale, soprattutto Bastoni, Barella e Dimarco, che rappresentano delle vere e proprie colonne portanti della squadra.

A proposito di inseguitrici, Napoli e Milan passeranno la Pasqua davanti alla tv per vedere cosa farà l’Inter contro la Roma, per poi sfidarsi la sera di Pasquetta in uno scontro diretto che ad oggi vale il secondo posto, ma che potrebbe diventare decisivo anche in chiave rincorsa al titolo.

Per la prima volta la squadra di Conte, letteralmente falcidiata dagli infortuni, potrà rivedere insieme in campo dal primo minuto i “Fab Four”: Lukaku, Anguissa, De Bruyne e McTominay, tutti insieme nel 3-4-2-1.

Il Napoli, che a lungo ha pagato il conto salato delle innumerevoli defezioni, sembra adesso la squadra più in salute del campionato e potrebbe regalare ai propri tifosi una rincorsa alla vetta impensabile fino a un mese fa.

Il Milan, dal canto suo, ha sempre fatto benissimo questa stagione negli scontri diretti, ma ha perso tanti punti con le piccole.

Se l’Inter non dovesse riuscire a fare i tre punti contro la Roma e dalla sfida del Maradona dovesse uscire un vincitore, quel vincitore sarebbe, numeri alla mano, pienamente in corsa per il titolo.

C’è ancora una lotta scudetto, insomma, e dopo Pasqua questa lotta potrebbe diventare più avvincente che mai.

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Per alcune settimane, uno degli eventi più riconoscibili di Coney Island ha rischiato di non svolgersi. La Coney Island Mermaid Parade, prevista per il 20 giugno 2026, è stata messa in dubbio dagli stessi organizzatori dopo una richiesta urgente di fondi che lasciava aperta la possibilità di cancellazione. Per una manifestazione che dal 1983 segna l’inizio della stagione estiva a New York, si tratta di un passaggio insolito: non una variazione di programma, ma il rischio concreto di interrompere una continuità durata oltre quarant’anni.

La parata è organizzata da Coney Island USA e, nel tempo, la Mermaid Parade è diventata uno degli appuntamenti più partecipati della città: migliaia di persone sfilano lungo Surf Avenue in costume, mentre il pubblico si distribuisce tra il lungomare e le strade limitrofe. La filata è aperta a tutti: artisti, performer indipendenti e semplici cittadini.

Il problema emerso a inizio marzo riguarda soprattutto la sostenibilità economica dell’evento. Gli organizzatori hanno parlato di una “crisi finanziaria urgente”, legata all’aumento dei costi operativi – dalla sicurezza alla gestione del traffico, fino ai permessi cittadini – che negli ultimi anni hanno inciso in modo crescente su eventi gratuiti o a basso costo per il pubblico. In assenza di sponsor strutturati o finanziamenti pubblici stabili, iniziative come questa dipendono in larga parte da donazioni e campagne di raccolta fondi.

La risposta è arrivata attraverso una campagna online che ha raccolto oltre 35.000 dollari su un obiettivo dichiarato di 40.000, coinvolgendo circa 600 donatori. Il risultato ha permesso di confermare, almeno in via provvisoria, lo svolgimento dell’edizione 2026. Resta però un margine di incertezza: la stessa Coney Island USA ha chiarito che il finanziamento copre solo una parte delle spese e che saranno necessari ulteriori contributi per garantire l’intero programma annuale.

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Alle 8:30 del mattino, su una banchina della metropolitana di New York, il treno si ferma e le porte si aprono. Chi è dentro prova a scendere, ma si trova davanti un fronte compatto di persone già pronte a salire. Per qualche secondo non si muove nessuno: chi deve uscire resta bloccato, chi vuole entrare prova a farsi spazio. Poi iniziano le spinte, gli incastri, traiettorie improvvisate. È una dinamica che si ripete decine di volte ogni giorno, soprattutto nelle stazioni più affollate.

Nonostante questo, esiste una regola implicita – lasciare scendere prima di salire – che è anche ripetuta dagli annunci automatici della Metropolitan Transportation Authority (MTA) e dalle campagne di sensibilizzazione, ma viene sistematicamente disattesa, soprattutto nei nodi più congestionati della rete.

A tal proposito, negli ultimi giorni si è iniziato a parlare di una proposta regolatoria della MTA che introdurrebbe una sanzione per chi ostacola l’uscita dei passeggeri. Il provvedimento serbirebbe a migliorare il “passenger flow”, con multe da 25 dollari per chi tenta di salire a bordo prima che il flusso in uscita sia completato. L’obiettivo è di ridurre il cosiddetto “dwell time”, cioè il tempo di fermata in stazione, che è anche un indicatore importante per misurare l’efficienza del servizio: anche pochi secondi risparmiati per fermata, su linee ad alta frequenza, possono incidere sulla regolarità complessiva.

Il rispetto della norma sarebbe stato affidato a una task force dedicata – la “Passenger Flow Compliance Task Force” – composta da agenti in borghese dislocati in stazioni strategiche – Grand Central Terminal, Times Square, Atlantic Avenue–Barclays Center station. In questi snodi, tra i più trafficati della rete, il comportamento dei passeggeri incide direttamente sulla capacità della linea di mantenere orari regolari, soprattutto nelle fasce di punta del mattino e della sera.

Diversi studi sul trasporto urbano mostrano che l’organizzazione dei flussi in salita e discesa è uno dei fattori più rilevanti per la velocità commerciale dei sistemi metropolitani. Alcune città, come Tokyo o Londra, hanno introdotto segnaletica a terra e personale di stazione per indirizzare i passeggeri e ridurre gli ingorghi alle porte. A New York la rete supera le 470 stazioni e trasporta milioni di utenti ogni giorno, e anche i comportamenti individuali apparentemente minimi possono generare effetti a catena sul servizio.

Purtroppo, comunque, la proposta non esiste. La notizia è circolata il 1° aprile ed era semplicemente un pesce d’aprile: non è stata annunciata alcuna nuova regolamentazione, né è prevista l’introduzione di multe per il comportamento in fase di salita. Il problema che la falsa notizia intercetta, tuttavia, è reale e molti utenti sui social avevano accolto positivamente la norma. E chissà che non diventi un segnale per il futuro.

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Ad aprile, parchi, strade, mercati e istituzioni culturali di New York riattivano la programmazione di eventi – gratuiti e a pagamento -, iniziative commerciali e grandi appuntamenti artistici. Fa parte della stagionalità del calendario turistico, che rende il mese di aprile uno dei più densi per partecipazione e varietà dell’offerta.

Tornano infatti i mercati all’aperto, a partire da Smorgasburg, considerato il più grande mercato alimentare settimanale degli Stati Uniti. Nato nel 2011 come estensione del Brooklyn Flea, oggi coinvolge oltre 70 venditori tra il Marsha P. Johnson State Park e Prospect Park, con una proposta che riflette la composizione multiculturale della città. L’edizione 2026 introduce nuove cucine internazionali mantenendo l’accessibilità dei prezzi.

Aprile coincide anche con alcune delle principali mostre della stagione. La Whitney Biennial 2026, ospitata al Whitney Museum of American Art, rappresenta una tappa fondamentale per l’arte contemporanea statunitense e l’edizione 2026 riunisce 56 artisti e si concentra sull’intelligenza artificiale, le relazioni tra specie e i sistemi di credenze, soprattutto attraverso installazioni immersive ed ambienti sonori, una tendenza recente importata direttamente della Biennale.

La mostra “Inspired by MetroCard”, allestita presso il Grand Central Terminal con il supporto del New York Transit Museum, utilizza la storica tessera dei trasporti – introdotta negli anni Novanta e progressivamente sostituita dai sistemi contactless – come materiale artistico. Le opere includono mosaici, sculture e oggetti indossabili realizzati a partire da carte dismesse, trasformando un oggetto quotidiano in elemento di memoria urbana.

L’Orchid Show 2026 al New York Botanical Garden chiude il 26 aprile con un allestimento che rilegge l’estetica della città attraverso installazioni floreali ispirate a metropolitane e pizzerie. In parallelo, il Brooklyn Botanic Garden ospita le Hanami Nights, eventi serali legati alla fioritura dei ciliegi, una tradizione di origine giapponese che negli ultimi anni ha assunto una dimensione sempre più internazionale anche negli Stati Uniti.

Torna anche la Easter Parade and Bonnet Festival, che si svolge sulla Fifth Avenue la domenica di Pasqua. Qui i partecipanti sfilano con cappelli decorati in modo spesso elaborato. Documentata già nella seconda metà dell’Ottocento, la manifestazione è diventata nel tempo un esempio di ritualità urbana spontanea, più vicina a una festa di strada.

E poi ci sono gli eventi gastronomici a basso costo, come il Queens Night Market nel Flushing Meadows Corona Park. Il mercato, nato nel 2015, si caratterizza per il limite di prezzo imposto agli stand (tradizionalmente intorno ai 5-6 dollari), scelta pensata per mantenere accessibile l’offerta e favorire la partecipazione delle comunità locali. La fase iniziale della stagione prevede serate a pagamento per gestire l’afflusso, con parte dei ricavi destinata ad attività benefiche.

Sul piano dell’intrattenimento, si segnalano i concerti Candlelight, organizzati dalla piattaforma Fever, che propongono reinterpretazioni in chiave classica di repertori pop e soul in contesti architettonici storici, mentre molti locali – come il The Cutting Room – ospitano spettacoli che puntano su arrangiamenti acustici e cast provenienti da Broadway.

Quest’anno torna anche il Macy’s Flower Show, giunto alla 51ª edizione, presso il flagship store di Herald Square. L’allestimento floreale attira ogni anno centinaia di migliaia di visitatori.

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L’1 e il 2 aprile gli Stati Uniti hanno ospitato la Repubblica Italiana a Washington, DC, in occasione della 15ª riunione della Commissione congiunta USA-Italia (JCM) sulla cooperazione scientifica e tecnologica. Brendan Hanrahan, alto funzionario del Dipartimento di Stato per gli affari europei ed eurasiatici, ha presieduto la riunione insieme a Maria Tripodi, Sottosegretario di Stato italiano per gli affari esteri e la cooperazione internazionale.

Le delegazioni hanno colto l’occasione di questa JCM per impegnarsi ad approfondire la cooperazione nelle scienze quantistiche, nel calcolo ad alte prestazioni e nell’intelligenza artificiale, nell’energia da fissione e fusione, nelle biotecnologie e nei materiali avanzati. Le due parti hanno deciso di promuovere la ricerca congiunta, gli scambi di ricercatori, le infrastrutture condivise e i partenariati pubblico-privati. Hanno inoltre sottolineato l’interesse comune nel rafforzare la sicurezza della ricerca nelle tecnologie critiche e nell’aiutare i partner ad adottare pratiche simili per proteggere l’innovazione.

Per portare avanti questi obiettivi, l’Italia ha annunciato un finanziamento significativo per progetti strategici di ricerca congiunta nel 2027-2028 in aree prioritarie identificate, aprendo la strada agli enti di ricerca statunitensi per competere per collaborazioni di alto valore con le loro controparti italiane. Entrambi i paesi hanno ribadito il loro impegno verso una stretta partnership scientifica e tecnologica che guidi l’innovazione statunitense e italiana, sostenga l’occupazione e la crescita economica reciproca.

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Promuovere strategie, approcci e buone pratiche per un insegnamento dell’italiano capace di dialogare con i repertori linguistici plurilingui degli studenti, favorendo percorsi educativi inclusivi e adeguati alla complessità dei contesti contemporanei. È questo l’obiettivo del webinar dal titolo “Italiano e multilinguismo: costruire ponti linguistici per le nuove generazioni”, organizzato dalla IV Commissione tematica “Lingua e cultura” del Consiglio Generale degli Italiani all’Estero presieduta da Lidia Campanale, che si svolgerà il prossimo 11 aprile alle 10:00 (CET).

L’iniziativa intende offrire uno spazio di riflessione e confronto sul ruolo della lingua italiana nei contesti multilingui e internazionali, con particolare attenzione alle nuove generazioni ed è teso a comprendere come integrare l’insegnamento dell’italiano con la pluralità linguistica degli studenti, valorizzandone le competenze e trasformando la diversità in risorsa per gli alunni sia italiani che stranieri.

Sul tema si confronteranno i relatori Joseph Lo Bianco (Australia), emeritus professor di Language and Literacy Education, esperto di politiche linguistiche ed educazione plurilingue, Antonella Sorace (Scozia), professoressa di Linguistica acquisizionale e fondatrice di Bilingualism Matters, Karin Martin (Spagna), consulente e formatrice in multilinguismo, autrice e fondatrice di The Multilingual Garden e Saverio Carpentieri (Austria), docente e ricercatore presso l’Istituto di Scienze della Traduzione (INTRAWI) dell’Università Leopold-Franzens di Innsbruck.

Il webinar, moderato da Lidia Campanale, è rivolto a insegnanti di italiano, esperti di didattica delle lingue, educatori, genitori, operatori culturali e linguistici, membri del CGIE e dei Comites, nonché a scuole ed enti educativi interessati alle tematiche del plurilinguismo.

È possibile iscriversi al webinar a questo link.

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Alla fine si dimise. Stiamo parlando del presidente della FIGC Gravina che dopo l’incontro con le componenti del consiglio federale ha deciso di gettare la spugna. Qualcuno ha detto che lascia per due rigori sbagliati. No, dico io, lascia per due mondiali falliti a distanza di pochi anni.

Dramma, sportivo ma non solo, anche politico, simbolico, economico, di marketing, poetico, antropologico, generazionale, che si somma alla disavventura della coppia Tavecchio-Ventura. In tutto fanno tre mondiali mancati in 12 anni.

L’ultima volta uscimmo in Brasile ai gironi di qualificazione, presi a morsi dall’Uruguay. Quattro anni prima lo stesso, umiliati dalla piccola Slovacchia. Poi umiliati dalla piccolissima Macedonia del Nord. Ora la modesta Bosnia. Germania, Francia, Spagna, Inghilterra, Argentina sono già di un’altra serie. Forse le vedremo solo in delle amichevoli.

Ma torniamo al dunque e alla questione politico-etica delle dimissioni nel nostro Paese. Martedì sera, a tarda sera, i convitati di pietra di quella surreale conferenza stampa che abbiamo visto dicevano: dimettersi tutti subito e in coro. Nothing personal, ma ognuno ha fallito nel proprio ruolo manageriale. Buffon boh, Ringhio piange, e Gravina prova a buttarla sui politici. E dice che c’è un’ossessione nei suoi confronti.

Il ministro dello Sport Abodi lo ha sconfessato e addirittura maggioranza e opposizione, che litigano su tutto, si accordano per chiedere al premier Meloni di sloggiarlo. Lasciamo perdere le gaffe sugli altri sport e gli altri sportivi che stanno facendo invece grande l’Italia, ma quando si sbaglia a questi livelli ci si dimette subito di motu proprio.

I motivi di questa crisi profonda del nostro calcio li abbiamo detti tutti negli ultimi anni fino allo sfinimento, ha ragione Galliani, uno dei possibili eredi, a dire “che barba che noia, che barba che noia”. Noi non siamo vittime della nostra storia, è che non sappiamo più leggere il tempo presente.

Mio figlio Ale quando a Berlino Grosso ci fece impazzire era nella pancia di mia moglie. Forse farà il giornalista sportivo, è milanista ma a San Siro comanda un fondo americano. Poco più in là sul lago di Como c’è una ex squadretta che rischia di andare in Champions con soldi e intelligenze non italiane. Non giocano italiani nel Como e il Milan dà quasi niente alla nazionale.

Credo che basti e avanzi. Buona fortuna a chi verrà anche se oltre alla fortuna ci vogliono lavoro, capacità, organizzazione, visione. Per avere un sogno nel cassetto ci vuole anche il cassetto.

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Quando, nell’estate del 2014, l’Italia ha giocato i suoi ultimi Mondiali, in Brasile, Instagram non aveva le Storie, Netflix non era arrivato nel nostro paese, TikTok non era ancora nato, e le sigle ChatGPT, VAR e DAZN non ci dicevano davvero niente…

Era l’Italia di Prandelli, con Buffon ancora in porta e il blocco difensivo Juve (la famosa BBC) in difesa, e Balotelli protagonista.

Il 24 giugno 2014 l’Italia ha giocato la sua ultima partita in un Campionato del Mondo, perdendo 1-0 contro l’Uruguay.

Il 14 giugno 2014 l’Italia ha segnato il suo ultimo gol ad un Mondiale, nella gara d’esordio contro l’Inghilterra, vinta per 2-1. A segnare la rete, decisiva per quella vittoria, è stato Mario Balotelli.

Il gol di Balotelli all’Inghilterra, dunque, è stato l’ultimo gol degli azzurri ad un Mondiale.

Cosa succedeva in Italia e nel mondo nel 2014?

Diventava Presidente del Consiglio Matteo Renzi (il più giovane dell’era repubblicana).

Fratelli d’Italia prendeva il 3,67% dei voti alle elezioni europee, non superando la soglia di sbarramento del 4% per ottenere seggi nel Parlamento europeo.

Negli USA il Presidente era Barak Obama, al secondo mandato.

Presidente della Commissione Europea era Josè Manuel Barroso, che il 1 novembre 2014 ha lasciato il posto a Jean-Claude Junker.

Cosa succedeva nel mondo del calcio nell’estate del 2014?

Il Real Madrid aveva appena vinto con Carlo Ancelotti la “Decima” Coppa dei Campioni, in una Finale rocambolesca contro l’Atletico Madrid.

Il Siviglia aveva vinto la sua terza Europa League battendo in Finale il Benfica ai calci di rigore.

Il Manchester City di Pellegrini aveva appena vinto la Premier, l’Atletico Madrid la sua decima Liga.

Il Bayern Monaco, vincitore in Bundesliga, era allenato da Pep Guardiola, mentre il PSG, Campione di Francia, da Laurent Blanc.

Il Benfica aveva vinto in Portogallo, il Fenerbahçe in Turchia e l’Ajax in Olanda.

E cosa succedeva nel 2014 in Serie A? Chi erano i protagonisti del nostro calcio?

Il Serie A la Juventus aveva vinto il terzo scudetto di fila con Antonio Conte, che a fine stagione aveva deciso di andare via.

Catania, Bologna e Livorno erano appena retrocesse in Serie B.

L’Inter era appena passata nelle mani di Erick Thohir, la Roma era di Pallotta, il Milan era ancora di Berlusconi con Galliani Presidente, la Juve era di Andrea Agnelli, la Fiorentina di Della Valle. Lotito e De Laurentiis erano già alla guida di Lazio e Napoli.

La Juve di Conte aveva preso nell’estate 2013 Tevez e Llorente.

La Roma di Rudi Garcia aveva preso in estate Benatia, Maicon, Strootman e Gervinho, mentre nel mercato invernale aveva preso Nainggolan.

Il Napoli, guidato da Rafa Benitez, aveva ceduto in estate Cavani al PSG, e aveva acquistato Reina, Albiol, Mertens, Higuain e Calleon.

C’era ancora il Chievo in Serie A.

L’Inter di Mazzarri era arrivata nona.

Allegri era stato esonerato dal Milan dopo 18 giornate e gli era subentrato Seedorf.

Cassano giocava al Parma.

La Lazio aveva esonerato Petkovic dopo 17 giornate per sostituirlo con Eddy Reja.

Francesco Guidolin allenava l’Udinese.

Vincenzo Montella allenava la Fiorentina.

Sono passati 12 anni ma sembra un’era geologica fa…

Solo a livello di Geopolitica, e soprattutto di guerre, le cose purtroppo sono rimaste praticamente uguali…

Nel 2014 iniziava in conflitto nel Donbass tra la Russia e l’Ucraina…

Durante i mondiali, a luglio 2014, Israele lanciava l’operazione “Margine Protettivo”, iniziando una serie di intensi bombardamenti a Gaza che avrebbero portato a oltre 2000 vittime…

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Francesco Facchinetti è intervenuto ai microfoni de ilNewyorkese nel podcast Ritratti di Claudio Brachino, raccontando un percorso personale e professionale che attraversa mondi diversi – dallo spettacolo al calcio, fino all’imprenditoria internazionale – ma che conserva una coerenza profonda: la capacità di reinventarsi senza perdere la propria spinta visionaria. Il suo legame con l’America, nato nell’immaginario degli anni Ottanta, resta oggi un motore concreto del suo lavoro.

«L’occhio di un figlio degli anni Ottanta verso l’America non può che essere quello di un sognatore», ha spiegato, evocando un immaginario costruito tra cinema e televisione. «Per noi cresciuti con Ghostbusters, I Goonies, Back to the Future, l’America è sempre stata il luogo dove realizzare qualcosa».

Un sogno che si è trasformato in esperienza diretta: «La prima volta ci sono andato a vent’anni e lì ho capito che la stessa idea, pensata a New York, ha un’amplificazione più grande».

Da allora, soggiorni lunghi e progettualità concrete: «A New York ho iniziato a sviluppare idee, anche per l’Italia, ma con una potenza diversa».

Oggi gli Stati Uniti restano centrali anche sul piano professionale. È un agente di successo, sia in ambito sportivo che nel mondo dello spettacolo: «I prossimi mesi sono importanti: ci sono i Mondiali, che per noi procuratori rappresentano un momento centrale, e a novembre porterò i Pooh in tour sulla East Coast, tra Stati Uniti e Canada. Sono progetti che mi permettono di continuare a sognare».

E poi il lato più intimo del rapporto con una città iconica degli Stati Uniti, New York: «La cosa che amo di più è camminare. Metti le cuffie, ascolti Frank Sinatra, parti da Central Park e scendi fino a Union Square. Intanto pensi, immagini, sviluppi idee».

Proprio Sinatra e “My Way” rappresentano una chiave di lettura del suo percorso. «È la tua strada», ha detto, spiegando come quella filosofia lo abbia accompagnato nelle sue trasformazioni. «Nella mia vita ho sempre cercato di fare le cose a modo mio, anche cambiando pelle quando serviva».

Un cambiamento che lo ha portato anche nel mondo del calcio, dove oggi opera come procuratore con licenza FIFA. «È un ambiente estremamente regolamentato. Devi studiare un manuale di circa 700 pagine in inglese, sostenere un esame e solo dopo puoi rappresentare i giocatori. È molto diverso dal mondo dello spettacolo, dove invece non esiste una licenza per fare il manager. Nel calcio sì: devi essere abilitato per poter andare, per esempio, al Chelsea o all’Arsenal e proporre un giocatore. È un po’ come essere un broker finanziario».

Soprattutto, il mondo del calcio, a differenza di quello dello spettacolo, è un mondo dove conta molto la discrezione: «Nel calcio meno parli, meglio è». Un concetto appreso sul campo: «La prima operazione importante che ho fatto, l’intermediazione di Gallagher dal Chelsea all’Atletico Madrid, l’ho raccontata con entusiasmo. Ho pubblicato una foto sui social e si è scatenato il caos: invidie, problemi, regolamenti. Da lì ho capito: meno parli, meglio lavori».

All’interno della struttura internazionale Epic Sports, fondata da Ali Barat, Facchinetti lavora su operazioni di alto livello ma con una filosofia precisa: «Less is more. Meno giocatori, ma lavorati meglio». Il suo focus è sui giovani italiani: «Abbiamo ragazzi nelle nazionali Under 17, Under 18, Under 19. Il mio obiettivo è dar loro un percorso di crescita vero».

Ed è proprio sui giovani che arriva una delle riflessioni più nette. «Il problema non è tecnico o tattico. È la resilienza. Un ragazzo svedese, croato o senegalese ha più capacità di soffrire». Secondo Facchinetti, il contesto italiano troppo protetto penalizza la crescita: «Vai a giocare a Leeds, dove piove sempre e c’è nebbia. Il giocatore straniero non ci pensa, il nostro fatica di più». Da qui la necessità di un cambio culturale: «Dobbiamo insegnare ai ragazzi a resistere, a crescere attraverso le difficoltà».

Anche il sistema dei settori giovanili finisce sotto la sua lente critica. «Il problema è che si vuole vincere, ma non è quella la priorità. La priorità è far crescere i giocatori. Oggi manca tecnica. Gli attaccanti non sanno più proteggere il pallone, i difensori non sanno marcare, perché non glielo insegna più nessuno».

C’è un dato è emblematico: «Su 100 giocatori dell’Under 20, solo uno arriva in Serie A. È un sistema che va ripensato». In questo quadro, anche le famiglie hanno un ruolo decisivo: «I genitori devono fidarsi e affidarsi ai professionisti. Se tuo figlio ha un problema di salute vai dal miglior medico, perché nel calcio pensi di saperne più degli allenatori o dei direttori sportivi?».

Dal calcio al mondo dello spettacolo e dei media, dove il cambiamento rispetto al passato appare altrettanto radicale. «Oggi un talento ha il suo broadcast. Chi nasce nel digitale ha già la sua televisione, il suo network personale».

Una rivoluzione che ha ribaltato i rapporti di forza: «Noi non potevamo dire di no alla TV. Oggi i talenti possono farlo, perché guadagnano di più con il digitale». Ma la televisione resta un terreno complesso: «In alcuni casi rischia di smascherare quella magia che nel digitale funziona meglio».

Un esempio concreto è quello degli influencer: «Nel digitale costruisci la tua narrazione. In televisione sei esposto». Per questo molti scelgono con cautela: «La televisione prende più di quanto ti dà, se non sai usarla».

Secondo Francesco Facchinetti «la TV si concentrerà sempre più sui grandi eventi, Sanremo, i Mondiali, gli eventi globali. Il web invece ha acquisito una percezione di verità molto forte, forse anche troppo. Oggi, se vedo un prodotto promosso da un influencer, mi fido più che di uno spot televisivo. Questo è il cambiamento».

Infine, lo spazio personale. «Non mi sono mai sentito un artista. Mi sono sempre sentito uno che fa cose». Oggi il suo ruolo è cambiato: «Sono più backstage che on stage». Una scelta consapevole: «Utilizzo la mia presenza solo quando può servire a supportare i talenti con cui lavoro. Se esponendomi in prima persona posso essere utile in un progetto, lo faccio. Altrimenti preferisco lavorare dietro le quinte».

Un percorso che racconta una trasformazione continua, ma anche una coerenza profonda: «Ho sempre cercato di fare le cose a modo mio».

E forse è proprio questa la cifra di Francesco Facchinetti: la capacità di attraversare mondi diversi senza smettere di immaginare il prossimo.

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New York rende omaggio ad Amedeo Peter Giannini, figura chiave nella trasformazione del sistema bancario americano, con il documentario “You can’t die for a dollar. The Revolution of Amedeo Peter Giannini”, curato da Astrid Rosa e inaugurato il 1°aprile alla Casa Italiana Zerilli-Marimò, alla presenza del direttore Stefano Albertini e del suo team.

L’esposizione ripercorre la vita e l’eredità del banchiere italoamericano (1870-1949), figlio di immigrati liguri, che cambiò radicalmente l’accesso al credito negli Stati Uniti fondando la Banca d’Italia, destinata a diventare Bank of America. 

In un’epoca in cui il sistema bancario era una prerogativa delle élite, Giannini introdusse un modello innovativo basato sulla fiducia nei confronti delle persone comuni. Un approccio, il suo, che si rivelò decisivo in momenti critici, come dopo il terremoto di San Francisco del 1906. Mentre molte banche rimanevano chiuse, Giannini allestì un banco provvisorio sul lungomare con l’insegna “si prestano soldi come prima e più di prima” e riprese a concedere prestiti a commercianti, lavoratori e famiglie impegnati nella ricostruzione, contribuendo alla ripresa della città.

La mostra evidenzia anche il ruolo di Giannini nel sostenere progetti considerati rischiosi dalla finanza tradizionale. Tra questi, infrastrutture simbolo come il Golden Gate Bridge e produzioni cinematografiche destinate a segnare la storia di Hollywood, dai film di Charlie Chaplin alle opere di Frank Capra, fino a “Biancaneve”, primo lungometraggio animato della Disney. 

Particolare attenzione è dedicata all’impegno di Giannini verso categorie escluse dal credito, come immigrati, agricoltori e piccoli imprenditori. La sua visione contribuì a trasformare il sistema bancario in uno strumento di inclusione e mobilità sociale.

Più che un semplice protagonista della finanza, Giannini emerge come un innovatore capace di ridefinire il ruolo del denaro nella società. Il suo principio, riassunto nella frase “Non puoi morire per un dollaro”, è oggi un monito attuale: l’economia deve essere al servizio delle persone e del progresso collettivo.

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Meryl Streep e Anne Hathaway hanno dato il via al tour mondiale del nuovo film 20th Century Studios Il Diavolo Veste Prada 2 a Città del Messico, negli splendidi spazi de La Casa Azul, Museo Frida Kahlo. La sessione di Q&A è stata seguita da una proiezione di alcune scene del film al Museo Anahuacalli dove sono stati presentati, con una sfilata ispirata al film, iconici capi d’archivio di rinomati stilisti messicani. Città del Messico è stata la prima tappa di un tour che proseguirà nelle sole città di Tokyo, Seul e Shanghai, per poi proseguire con la prima mondiale del film a New York e per concludersi con la premiere europea a Londra.

Dopo ogni evento sarà disponibile il lookbook con la raccolta di tutti gli outfit indossati dal cast nel corso del tour.

A quasi vent’anni dalle loro iconiche interpretazioni nei panni di Miranda, Andy, Emily e Nigel, Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt e Stanley Tucci tornano nelle eleganti strade di New York City e nei lussuosi uffici di Runway nel tanto atteso sequel del fenomeno del 2006 che ha segnato una generazione.

Il film riunisce il cast originale con il regista David Frankel e la sceneggiatrice Aline Brosh McKenna, e introduce una serie di personaggi nuovi, tra cui Kenneth Branagh, Simone Ashley, Justin Theroux, Lucy Liu, Patrick Brammall, Caleb Hearon, Helen J. Shen e B.J. Novak. Tracie Thoms e Tibor Feldman riprendono i loro ruoli di “Lily” e “Irv” dal primo film.

Il Diavolo Veste Prada 2 è prodotto da Wendy Finerman, con Michael Bederman, Karen Rosenfelt e Aline Brosh McKenna come executive producer.

Il film arriverà nelle sale cinematografiche italiane il 29 aprile 2026. Per prenotare i biglietti è possibile accedere al sito, in continuo aggiornamento.

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Il 10 aprile alla Casa Italiana Zerilli-Marimò si tiene la presentazione di Trading Beauty, un libro che ricostruisce in modo sistematico la storia del mercato dell’arte occidentale. L’autrice, Valentina Castellani, ha lavorato per anni tra Sotheby’s e Gagosian, due dei principali attori del settore, e usa questa esperienza per leggere come si sono formati i meccanismi che oggi regolano vendite, collezionismo e circolazione delle opere. L’incontro avrà un po’ il sapore della lezione pubblica e seguirà un confronto con Michael Cary, uno dei dirigenti della Gagosian.

Il volume segue un arco temporale ampio, che parte dal Medioevo e arriva al contemporaneo, concentrandosi sui momenti in cui il rapporto tra produzione artistica e mercato cambia forma. Nelle prime fasi, la circolazione delle opere è legata soprattutto alla committenza religiosa e aristocratica; con il tempo emergono figure intermedie — mercanti, collezionisti, galleristi — che trasformano l’opera in un bene scambiabile, con un valore che non dipende più solo dalla funzione o dal contesto, ma anche dalla domanda e dalla reputazione. È su questo passaggio che il libro insiste, mostrando come l’idea stessa di “mercato dell’arte” sia il risultato di una costruzione progressiva.

La presentazione è costruita attorno a una lecture dell’autrice, intitolata “Shaking Up the System: How Impressionism Uprooted Established Models of Taste, Market, and Consumption”, che prende come caso di studio l’Impressionismo. A partire dalla seconda metà dell’Ottocento, artisti come Monet, Degas o Renoir iniziano a esporre fuori dai canali ufficiali dei Salon, aggirando un sistema che selezionava e legittimava le opere secondo criteri accademici. Questo spostamento non riguarda solo lo stile, ma anche le modalità di vendita: nascono reti alternative, si rafforza il ruolo dei mercanti e si modifica il rapporto tra artista e pubblico, con effetti che si riflettono ancora oggi nelle dinamiche del settore.

A seguire è previsto un confronto con Michael Cary, direttore della Gagosian, che nel corso degli anni ha organizzato mostre dedicate a figure centrali del Novecento, da Pablo Picasso a Francis Bacon, collaborando anche con studiosi e membri delle famiglie degli artisti. Il dialogo serve a mettere in relazione la ricostruzione storica proposta nel libro con il funzionamento attuale del mercato, oggi dominato da grandi gallerie internazionali e case d’asta, in un sistema che continua a ridefinire criteri di valore, visibilità e accesso.

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Per oltre trent’anni è stata l’interfaccia quotidiana con il sistema dei trasporti di New York: la MetroCard, introdotta nel 1993, ha accompagnato milioni di spostamenti nella rete gestita dalla Metropolitan Transportation Authority, sostituendo progressivamente i vecchi gettoni metallici. Dal 2023 la città ha completato il passaggio al sistema contactless OMNY, segnando la fine operativa della tessera magnetica. In parallelo, però, la MetroCard è entrata in una nuova fase: quella di oggetto culturale, un simbolo urbano riconosciuto finanche come materiale artistico.

È da questa transizione che nasce “Inspired by MetroCard”, la mostra allestita presso la New York Transit Museum Gallery & Store, nello Shuttle Passage del Grand Central Terminal. L’esposizione raccoglie lavori di artisti che negli ultimi decenni hanno riutilizzato le tessere dismesse, trasformandole in supporti creativi. Secondo la direttrice ad interim del museo, Regina Shepherd, la MetroCard è stata “uno degli oggetti di design più accessibili nella storia della città”, e proprio questa diffusione capillare ne ha favorito la reinterpretazione artistica.

Le opere in mostra coprono ambiti molto diversi, ma condividono un elemento: partono tutte da un oggetto standardizzato e lo riconfigurano. L’artista Nina Vishneva, con il progetto MetroDress, utilizza centinaia di carte per realizzare abiti, tra cui un vestito da sposa e uno da ballo costruiti interamente con plastica riciclata. Nina Boesch lavora invece per sottrazione e ricomposizione, ritagliando le tessere per creare mosaici dettagliati che raffigurano skyline, ponti e animali urbani. VH McKenzie usa la superficie della MetroCard come una tela in miniatura, dipingendo scene di strada; Thomas McKean costruisce modelli architettonici ispirati ai palazzi newyorkesi. Tra i pezzi esposti compaiono anche le cosiddette “Hype Cards” progettate da Barbara Kruger per la Performa Biennial 2017, esempio di come la tessera sia stata utilizzata anche in contesti istituzionali e non solo spontanei.

La mostra rimarrà aperta fino a ottobre 2026 con ingresso gratuito, confermando una linea già seguita dal museo: trattare il trasporto pubblico non solo come infrastruttura, ma come parte dell’identità culturale della città. In questo senso, la MetroCard segue un percorso già visto in altri contesti urbani, dove oggetti quotidiani dismessi diventano materiali narrativi. Anche in Italia esistono pratiche simili legate al riuso creativo, ma raramente un singolo oggetto di servizio ha raggiunto un livello di riconoscibilità comparabile: la MetroCard, per diffusione e durata, ha finito per rappresentare un’esperienza condivisa difficilmente replicabile altrove.

L'articolo Una mostra che trasforma le vecchie MetroCard in opere d’arte proviene da IlNewyorkese.

C’è sempre stato un paradosso nel modo in cui l’Italia viene vissuta. È uno dei Paesi più visitati al mondo – eppure gran parte di ciò che la rende davvero unica resta, di fatto, difficile da raggiungere. Non nascosto, ma non realmente accessibile. Per anni, il pubblico internazionale – inclusa la diaspora italiana – ha conosciuto l’Italia attraverso le sue dimensioni più visibili: città, monumenti, cucina, stile di vita.

Ma dietro questa superficie esiste un altro livello: Un sistema vivo fatto di imprese, artigianato, saperi produttivi che raramente viene reso comprensibile e accessibile dall’esterno. Oggi qualcosa sta iniziando a cambiare. Sta emergendo una nuova modalità di lettura dell’Italia, che sposta l’attenzione dal “visitare luoghi” al comprendere sistemi.

Non più solo destinazioni, ma territori. Non solo attrazioni, ma ecosistemi produttivi. Un esempio interessante è quello di sistemi territoriali emergenti come il Lago di Garda e la Franciacorta. A prima vista, si tratta di territori già noti: paesaggi iconici, cantine, destinazioni consolidate. Ma osservandoli più da vicino, emerge una struttura diversa: Un sistema territoriale connesso, in cui paesaggio, produzione e vita quotidiana sono profondamente intrecciati. Una cantina non è solo un luogo di degustazione – ma l’espressione di un rapporto continuo tra territorio, clima e competenze.

Un laboratorio artigianale non è solo una visita – ma un punto di accesso a una cultura materiale che definisce l’identità italiana. Anche un’esperienza apparentemente semplice, come una pizzeria, diventa una chiave per leggere un sistema produttivo più ampio.

Ciò che sta cambiando non è il territorio. È la possibilità di accesso. Per la prima volta, questi livelli stanno iniziando a essere organizzati, tradotti e resi leggibili per un pubblico internazionale – non come esperienze isolate, ma come sistemi coerenti. Questo passaggio ha implicazioni che vanno oltre il turismo. Perché quando si passa dal “vedere” al “comprendere”, si apre una relazione diversa.

Non solo culturale, ma anche economica. Per molti italo-americani, questo rappresenta una novità importante. Un modo per riconnettersi all’Italia che va oltre la dimensione identitaria, entrando in una sfera più attiva — fatta di conoscenza, relazioni e opportunità.

L’Italia, in fondo, non sta cambiando. Sta cambiando il modo in cui è possibile accedervi. E questo potrebbe aprire una nuova fase nel rapporto tra il Paese e le sue comunità nel mondo.

L'articolo L’Italia a cui si può finalmente accedere proviene da IlNewyorkese.

Alex Novak (Will Arnett) è uno di quelli che sembrano già in pausa, anche quando la vita va avanti. Padre di mezza età, faccia stanca, energia sotto zero: più che vivere, si lascia trascinare. Poi succede una cosa piccola, quasi invisibile. Sua moglie Tess (Laura Dern) smette di lavarsi i denti, lo guarda nello specchio e dice: basta. Fine del matrimonio. Senza urla, senza drammi. Solo due persone che si accorgono di essere arrivate alla fine senza nemmeno capire quando è successo. Da qui parte Is This Thing On? – in Italia È l’ultima battuta? –  diretto da Bradley Cooper.

Negli Stati Uniti è passato dal New York Film Festival ed è uscito lo scorso ottobre, mentre in Italia arriva il 2 aprile, dopo l’anteprima al Bifest. Sulla carta: crisi di mezza età, coppia che si lascia, identità in frantumi. Nella pratica: qualcosa di molto più leggero, mobile, imprevedibile. 

Alex non reagisce alla separazione: non litiga, non implora, non mette in scena grandi gesti, semplicemente resta lì, fermo, come se fosse già da tempo fuori dalla propria vita. Ed è proprio questo il punto: non è un uomo che crolla all’improvviso, ma qualcuno che si era già spento lentamente, senza accorgersene. Il film ruota attorno a questa immobilità e riesce, in modo quasi paradossale, a trovare ritmo proprio dove sembrerebbe non esserci.

Poi, per puro caso, e soprattutto per non pagare 15 dollari, Alex sale su un palco durante una serata open mic. Non è un atto di coraggio, ma una scelta pratica, quasi banale. All’inizio tutto appare incerto: la voce, i tempi, il pubblico che non sa bene come reagire. Ma a poco a poco qualcosa si sblocca, una risata tira l’altra e quella goffaggine iniziale si trasforma in una forma di autenticità. 

La stand-up, però, non è raccontata come una classica storia di rinascita. Niente trasformazioni spettacolari o svolte salvifiche: Alex cambia lentamente, si riaccende a intermittenza, con piccoli scarti in avanti e inevitabili ricadute. È un processo fragile, ma proprio per questo credibile.

Nel frattempo, Tess segue un percorso più silenzioso, meno evidente ma altrettanto significativo. Ex atleta, con una vita riorganizzata troppo in fretta, porta addosso il peso di ciò che ha lasciato indietro senza mai sostituirlo davvero. Il film non insiste su questo, ma lo lascia emergere nei dettagli, nei vuoti. Il loro matrimonio, più che finire, sembra essersi consumato piano, logorato dalle abitudini e da tutto ciò che non è stato detto.

E’ l’ultima battuta si inserisce nella tradizione del cinema di Cooper, già evidente in A Star Is Born e Maestro: storie di persone che si perdono dentro le proprie relazioni e nelle aspettative che costruiscono su sé stesse. Ma qui il registro è più intimo, meno ambizioso sul piano spettacolare. Cooper, pur ritagliandosi un ruolo secondario, lascia spazio ai suoi protagonisti e costruisce attorno a loro un mondo credibile, fatto di dettagli quotidiani e incontri casuali.

Certo, a volte il film sembra trattenersi troppo. Evita i picchi, evita lo scontro, evita quasi tutto. È una scelta precisa, ma ogni tanto si sente. Come se avesse paura di spingere davvero. Però ha una cosa rara: non appesantisce mai. Parla di separazione, frustrazione, identità smarrite, e resta leggero. Non superficiale, leggero. Che è molto più difficile.

E soprattutto, non chiude davvero il discorso. Alex e Tess si allontanano, ma non del tutto. Resta qualcosa tra loro, difficile da definire: abitudine, affetto, memoria condivisa. Qualcosa che non sparisce solo perché una storia finisce. Resta una domanda semplice e scomoda: erano infelici insieme o lo erano già prima?

In un panorama spesso dominato da storie più gridate e programmatiche, È l’ultima battuta si distingue come un racconto minore solo in apparenza, capace di trovare un tono personale tra commedia e malinconia. Forse non abbastanza incisivo per imporsi come grande cinema, ma sufficientemente sincero da restare, come certe battute dette sottovoce, anche dopo che le luci si sono spente.

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Febbraio, lo sappiamo, non è stato particolarmente clemente con New York per quel che ha riguardato il meteo: la città è abituata a gestire eventi climatici estremi, ma le bufere di neve che hanno colkpito la Grande Mela all’inizio di quest’anno hanno messo sotto pressione trasporti, attività commerciali e servizi essenziali come poche volte negli ultimi anni.

Durante una delle ultime bufere che hanno colpito la città nelle scorse settimane, con accumuli significativi e forti rallentamenti soprattutto nei quartieri periferici, molti esercizi hanno scelto di chiudere temporaneamente. Lo stesso ha dovuto fare anche Rosario Granieri, fondatore di Pizza Secret, che ha però deciso di utilizzare una chiusura forzata per trasformare il proprio locale in un punto di distribuzione gratuita di cibo.

L’idea nasce dal fare necessità virtù: «A causa di una perdita d’acqua proveniente dal piano superiore, siamo stati costretti a fermare temporaneamente l’attività per iniziare i lavori di ripristino». Una sospensione non prevista, che però si è sovrapposta all’arrivo della tempesta. «Nei giorni successivi, mentre eravamo chiusi e in attesa dell’inizio ufficiale del cantiere, la città è stata colpita da una forte bufera di neve». Con le strade rallentate e molte attività inattive, Granieri e il suo team hanno deciso di riaprire temporaneamente, ma con una funzione diversa da quella commerciale.

L’obiettivo principale era evitare lo spreco delle materie prime, ma per farlo si è cercato di rispondere ad un bisogno comunitario. «Avevamo ingredienti freschi che non volevamo sprecare. Abbiamo annunciato su Instagram che avremmo cucinato e donato il cibo a chiunque ne avesse bisogno» in una città dove, secondo i dati di alcune organizzazioni locali come City Harvest e Food Bank for New York City, milioni di pasti vengono richiesti ogni anno da persone in difficoltà.

La risposta è stata rapida: «Nel primo giorno abbiamo preparato e distribuito oltre 500 pasti tra pizze e paste. In due giorni abbiamo superato i 1000 pasti donati». Numeri rilevanti se rapportati a un’attività indipendente, che ha operato senza il supporto di enti o associazioni, come ci ha spiegato lo stesso Granieri. La distribuzione è avvenuta direttamente nel quartiere, senza prenotazioni o filtri.

Non si tratta di un episodio isolato nella storia del locale. «Durante il periodo del Covid abbiamo donato cibo per settimane», racconta Granieri: all’epoca la ristorazione si era trasformata in una rete informale di supporto alimentare, e anche Pizza Secret ha fatto la sua parte. L’esperienza accumulata in quel periodo ha probabilmente facilitato l’organizzazione anche in questa occasione.

Alla base dell’iniziativa, comunque, resta un’idea di rapporto tra attività commerciale e territorio. «Credo che un ristorante radicato nel quartiere debba esserci non solo quando tutto funziona, ma anche quando le cose si complicano». E questo si è tradotto in un momento di forte connessione con la comunità che circonda Pizza Secret: «È stato un modo concreto per restituire qualcosa a Brooklyn, che in quasi otto anni ci ha sempre sostenuto».

Oltre New York, per Pizza Secret parte una nuova avventura: questa settimana arriverà la prima apertura in Italia, in via Canale Tufolo a Casalvelino Marina, in provincia di Salerno. Lì, probabilmente, le bufere di neve sono una cosa più unica che rara, ma il gusto di Pizza Secret diventerà presto una piacevole abitudine.

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Continuare a celebrare le “Arti dello Spettacolo” risulta doveroso a Firenze visto il notevole parterre di persone premiate durante la prima edizione del Premio Zeffirelli, un vero e proprio  progetto internazionale fortemente voluto da Pippo Zeffirelli, figlio adottivo nonché erede del grande Maestro Franco Zeffirelli. Buona accoglienza dunque per tutto questo, che si propone di diventare punto di riferimento annuale capace di celebrare veri e propri maestri distinti in campo internazionale. 

Sul palco sono saliti Marco Bellocchio, Ann Roth, Sarah Greenwood e Katie Spencer. E poi il Premio Speciale a Placido Domingo e Robert Powell che hanno ritirato la sofisticata statuetta in bronzo dorato realizzata dalla bottega orafa fiorentina Paolo Penko. Un vero e proprio gioiello coronato da una foglia d’oro, ispirata al pensiero “zeffirelliano”.

In primo piano nella culla dantesca, immancabili le istituzioni che vedono sedute il Presidente della Regione Toscana Eugenio Giani, la sindaca di Firenze Sara Funaro, l’assessora regionale alla cultura,  Cristina Manetti. 

Eleganza e buon portamento accompagnano Placido Domingo, celeberrimo tenore spagnolo. Ne osserviamo l’imponenza squisitamente latina fatta d’onde luminose nei folti capelli,  ed ancora occhioni tutto fuoco e lampi che paiano carboni ardenti. Decisamente incredibile la sua disponibilità intercalata dalla profonda amicizia che lo legava al regista fiorentino. 

Venire in Italia è sempre un onore…per cantare, dirigere, ed anche per trascorrere un po’ di tempo in questa splendida nazione. Qui, regolarmente, ammiro La Scala, l’Arena di Verona ed è sempre tutto incredibile…una grande anima.

Entriamo nel merito di stasera?

È stato bellissimo vedere tutti questi artisti salire sul palco in ricordo del grande Maestro Zeffirelli. L’aria stessa percepiva tale atmosfera incantevole in questo posto luminosissimo  – si volta indicando l’immenso salone – colmo  d’arte alle nostre spalle. Ecco… lui me lo ricordano tante, tante cose, i nostri lavori qui ed ancora a New York, Londra, all’Arena di Verona ed altro ancora. Lui tanto da raccontare, creatore d’opere immortali.  La mia? una bella carriera  accanto a lui  diventando buoni amici e non solamente “mio direttore”. 

Cosa ama maggiormente in questa città …cibo compreso?

Ah…la pasta come sia, tutta! Assolutamente unica nonostante dovremmo avere un po’ di dieta, ma da voi è impossibile resistere.

A buon intenditore poche parole. La musica, considerata giustamente arte nobile e sublime, è ben valorizzata negli istituti scolastici?

Rispondo che sin da piccolo, prima a Madrid e poi in Messico, cantavamo già da ragazzetti. Va bene che i miei genitori erano  cantanti professionisti, interpreti ‘zarzuela’, tuttavia coi miei compagni di scuola dovevamo cantare, “facendo” gli strumenti. E questo è bellissimo poiché la musica vive e vivrà per sempre. Quindi iniziare da piccoli fondamentale per far sbocciare le ali verso il futuro. Tutto può capitare.

Comunque venire qui, ogni volta è magnifico…come a casa mia!

Beh tutto questo amore…speriamo nella cittadinanza onoraria!

Un colpo di flash, ed avanza quell’innata potenza artistica e professionale che lo contraddistingue, in perfetto trade d’union da quello smagliante sorriso, che…chissà, tutto è possibile! 

Decisamente più “english” l’attore Robert Powell, mentre mi guarda intensamente nel suo stile composto e sobrio. Uno sguardo ancora penetrante e limpido nonostante i decenni  trascorsi dallo sceneggiato televisivo – 1977 Rai 1 – che ricorda quel “Gesù di Nazareth” di grande forza narrativa, seguito da oltre un miliardo di telespettatori, che ha impresso nella memoria collettiva il suo enorme carisma. Powell ci racconta della bella serata fiorentina e chiaramente dell’onore di aver ricevuto un premio così prestigioso e con grande aplomb si sofferma poi su Firenze.

Ecco, la prima cosa che mi viene in mente è l’Arno, questo fiume che mi colpì moltissimo quando da studente, giovanissimo, venni qui a studiare. Sì…emanava un grande fascino.

Capisco di essere ripetitiva rivedendo in lei quel  “Gesù di Nazareth” d’altissima intensità espressiva. Fu difficile interpretarlo? E come si preparò in merito?

Beh…lessi qualsiasi cosa che potevo leggere in merito, nonostante non vi sia una specifica indicazione nei Vangeli di tale figura. Fu mio intento applicarmi maggiormente a livello spirituale e penso…sì,  che il pubblico riuscì a cogliere tutto questo.

L’interpretazione magistrale conferma ciò che lei dice. Come fu lavorare accanto ad altri “mostri sacri” come Anne  Bancroft, Olivia Hussey, Anthony Quinn, Yorgo Voyagis, James Farentino, Peter Ustinov, Laurence Olivier,  accompagnati dai nostri Renato Rascel, Claudia Cardinale, Marina Berti ed altri ancora?

Powell non si scompone minimamente lasciando fiorire quell’ironia sottile che…

“Logico! Lavorare con grandi attori è il meglio e, più bravi sono i tuoi colleghi, più bravo sei tu , ci si influenza a vicenda.

Eh…  se in questo momento Franco Zeffirelli fosse qui, accanto a noi … 

Powell sorride  senza far finire la frase.

Lo rivedo in quei momenti piacevolissimi quando mi invitava con mia moglie e figli, nella sua magnifica villa a Positano.

Il lieve accenno della testa concorda l’intervista terminata nonostante non sia così.

Non così poiché giacca, occhiali e cravatta, improvvisamente prendono il volo rivelandolo appieno “Gesù di Nazareth” col capo cinto di spine e grandiosa purezza d’animo verso la crocifissione.

Cristo è risorto.    

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Il 1° aprile Apple, l’azienda che produce, tra le altre cose, i MacBook e l’iPhone, compie cinquant’anni. Fondata nel 1976 da Steve Jobs, Steve Wozniak e Ronald Wayne, Apple ha scelto di trasformare l’anniversario in una serie di eventi distribuiti nei suoi store più simbolici nel mondo, mettendo al centro non tanto i prodotti quanto il loro utilizzo creativo. Avviato a metà marzo, il programma si sviluppa per diverse settimane e coinvolge artisti, musicisti, attori e attivisti, con l’obiettivo di mostrare come gli strumenti digitali possano essere integrati nei processi creativi contemporanei.

L’apertura si è tenuta il 13 marzo a New York, nello store di Grand Central Terminal, uno dei punti vendita più iconici del marchio. Qui Alicia Keys, cantante e produttrice vincitrice di 17 Grammy Awards, ha eseguito una selezione dei suoi brani sulla scalinata centrale dello spazio. La performance è stata registrata utilizzando i nuovi dispositivi della linea iPhone, in particolare il modello di ultima generazione iPhone 17 Pro, utilizzato come strumento di ripresa per sottolineare la qualità video raggiunta dagli smartphone. Keys, che negli ultimi anni ha collaborato più volte con Apple – dalla distribuzione in audio spaziale su Apple Music fino ai contenuti immersivi per Vision Pro – rappresenta un esempio di integrazione tra produzione musicale e tecnologie proprietarie dell’azienda.

L’uso di iPhone per girare filmati professionali è qualcosa su cui l’azienda ha spinto parecchio a partire già dai primi modelli. Il caso più citato è il film Tangerine di Sean Baker, girato interamente con iPhone 5s e presentato al Sundance Film Festival nel 2015. Qualche anno dopo, Steven Soderbergh ha realizzato due film con iPhone: Unsane e High Flying Bird. Negli anni successivi, altri registi e produzioni hanno seguito la stessa strada, anche in ambito non indipendente. Apple stessa ha commissionato cortometraggi e spot girati con iPhone, spesso affidati a registi già navigati, proprio per dimostrare di non temere concorrenza quando si tratta di utilizzare i propri dispositivi al posto delle telecamere professionali.

A Londra, nello store di Battersea Power Station, il focus si è spostato sulla scena musicale emergente. Nia Archives, tra i nomi più rilevanti della recente rinascita della jungle nel Regno Unito, ha raccontato il proprio processo creativo, fortemente legato all’utilizzo del software Logic Pro di Apple. La sua carriera è in generale molto legata alla visibilità ottenuta grazie ad Apple, ed in particolare al programma “Up Next” del 2022.

Up Next è un programma globale lanciato da Apple Music nel 2017 per individuare e sostenere artisti emergenti. Ogni mese (o ciclo) Apple seleziona un artista e gli costruisce attorno un pacchetto completo, comprensivo di visibilità editoriale nella piattaforma di Apple Music, contenuti video, interviste esclusive e promozione su radio, social e altri spazi dell’ecosistema Apple.

Sempre in ambito musicale, la band Mumford & Sons ha partecipato a un’intervista con Zane Lowe a Los Angeles, discutendo il loro ultimo album “Prizefighter”, arrivato al primo posto nelle classifiche britanniche. Zane Lowe è un disc jockey, conduttore radiofonico, conduttore televisivo e produttore discografico neozelandese, famoso soprattutto per la conduzione di programmi radiofonici e televisivi su BBC Radio 1 e su MTV.

Anche in Asia sono stati lanciati alcuni eventi, intrecciando la musica alla cultura locale: a Chengdu, in Cina, nello store Taikoo Li, Chris Lee – artista centrale nella scena cinese con oltre 260 premi e molto celebrata per la sperimentazione estetica – ha rappresentato il legame tra produzione musicale, estetica visiva e influenze digitali, citando esplicitamente la campagna Think Different come riferimento iniziale del proprio percorso.

Think Different è la campagna di Apple lanciata nel 1997, subito dopo il ritorno di Steve Jobs in azienda, e quando Apple era molto vicina al fallimento. Fu uno spot iconico che mostrava alcune figure celebri come Einstein, Gandhi e Picasso, presentati tutti come “the creazy ones”, quelli che cambiano il mondo. Il messaggio suonava più o meno come: se usi Apple, sei uno di loro. Fu molto celebrata anche perché virava fortemente sulla personalità dei prodotti Apple e di Apple stessa, più che sull’efficienza e l’utilità dei dispositivi, dando il via a quel posizionamento identitario che ha poi permesso ad Apple di creare la propria “tribù” di utenti fedeli.

A cinquant’anni dalla sua fondazione, Apple utilizza quindi la rete dei propri store come piattaforma culturale oltre che commerciale. Non si differenzia molto dalla campagna Think Different, se ci pensiamo bene: all’epoca vennero utilizzati artisti e geni del passato, figure alle quali Apple aveva bisogno di affiancarsi per promuovere un’immagine di genialità che andava oltre i prodotti; oggi che Apple è riuscita a far sua quella immagine, è in grado di affiancarsi agli artisti contemporanei – musicisti, registi, creator, performer – rendendo fondamentalmente quella campagna una versione live più attuale.

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Un’altra notte da incubo per l’Italia, un’altra eliminazione che pesa come un macigno. A Zenica finisce nel modo più amaro: la Bosnia si impone ai calci di rigore dopo l’1-1 dei tempi regolamentari e supplementari, condannando gli Azzurri alla terza assenza consecutiva dal Mondiale.

Un fallimento che riapre interrogativi profondi sullo stato del calcio italiano, ancora una volta incapace di centrare la qualificazione alla competizione più importante.

La squadra guidata da Gattuso aveva approcciato la gara con personalità, trovando il vantaggio grazie a Moise Kean, bravo a sfruttare un errore difensivo della Bosnia.

Sembrava l’inizio di una serata diversa, ma l’equilibrio si è spezzato proprio nel finale del primo tempo: l’espulsione di Alessandro Bastoni ha cambiato completamente l’inerzia della partita.

Da quel momento, l’Italia è stata costretta a difendersi per oltre un’ora in inferiorità numerica, lasciando campo e iniziativa ai padroni di casa.

Nella ripresa la Bosnia ha alzato il ritmo, trasformando la gara in un assedio continuo.

Gianluigi Donnarumma ha tenuto a galla l’Italia con diversi interventi decisivi, mentre la squadra cercava di resistere con ordine e sacrificio. Tuttavia, il baricentro sempre più basso e la difficoltà nel ripartire hanno finito per pesare.

Nelle poche ripartenze trovate gli azzurri hanno anche sfiorato, per ben tre volte, il raddoppio, ma prima Kean, poi Pio Esposito e Bastoni hanno fallito il colpo del possibile KO.

Il pareggio è arrivato nel finale dei tempi regolamentari con Tabakovic, bravo a sfruttare una mischia in area sugli sviluppi dell’ennesimo cross dei bosniaci. Una rete che ha rimesso tutto in discussione e portato la sfida ai supplementari.

Nei trenta minuti aggiuntivi le due squadre hanno accusato la fatica.

L’Italia ha provato a rendersi pericolosa soprattutto con Pio Esposito, mentre la Bosnia ha continuato a spingere senza però trovare il colpo decisivo. Il risultato è rimasto in equilibrio fino al triplice fischio finale, rimandando tutto ai calci di rigore.

Dal dischetto è arrivata la sentenza definitiva: gli errori pesanti per gli Azzurri sono stati quelli di Esposito e Cristante, mentre i bosniaci si sono dimostrati freddi e precisi.

Il risultato finale sancisce una nuova, durissima delusione per l’Italia, che ha mancato ancora una volta l’appuntamento con il Mondiale, dopo le esclusioni per mano di Svezia e Macedonia del Nord negli anni precedenti.

Ora si apre inevitabilmente il tempo delle analisi e delle responsabilità. Perché tre esclusioni consecutive dal Mondiale non possono essere considerate un caso, ma il segnale evidente di una crisi strutturale.

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Il cinema contemporaneo ama travestirsi da intrattenimento per poi rivelare le proprie ossessioni più profonde. Dopo aver messo alla berlina la cultura dell’auto-rappresentazione in Sick of Myself e aver esplorato le derive dell’esposizione pubblica in Dream Scenario, Kristoffer Borgli torna su territori affini con The Drama – Un segreto è per sempre: un film che si presenta come commedia romantica e finisce per smontarne ogni illusione, trasformando il racconto d’amore in un’indagine disturbante sul desiderio, sulla paura e sulla costruzione sociale dell’identità.

In uscita oggi, 1° aprile 2026, nelle sale italiane con I Wonder Pictures, addirittura due giorni prima del debutto negli Stati Uniti, il film arriva preceduto da un lancio spettacolare. La sera del 26 marzo Roma ha ospitato una Gala Première affollatissima, seguita da un evento istituzionale senza precedenti: il sindaco di Roma Roberto Gualtieri ha ricevuto in Campidoglio le star internazionali Zendaya e Robert Pattinson nella prestigiosa Sala Rossa, tradizionale sede dei matrimoni civili. Una scelta simbolica, perfettamente in linea con il cuore tematico del film: un matrimonio imminente che diventa terreno di crisi.

Emma e Charlie, interpretati da Zendaya e Pattinson — appartengono a quel tipo di coppia che il cinema ha sempre amato mostrare come modello aspirazionale: belli, colti, economicamente stabili, immersi in una rete sociale altrettanto raffinata. Il loro incontro, apparentemente casuale, è già segnato da una menzogna innocua, un piccolo atto di performatività maschile che anticipa tutto ciò che verrà. Non è tanto la bugia in sé a contare, quanto la necessità di aderire a un’immagine.

La rivelazione che incrina il loro rapporto, volutamente scioccante, volutamente “indicibile”, non è il centro del film quanto il detonatore di una crisi percettiva. Charlie non reagisce alla realtà di Emma, ma all’immagine che di lei costruisce. È qui che The Drama si avvicina più a un thriller psicologico che a una commedia: il racconto di una mente che perde la capacità di distinguere tra fatto e proiezione.

In questo senso, il film si inserisce nella tradizione dei provocatori europei, da Michael Haneke a Gaspar Noé, ma con una specificità contemporanea: l’ossessione per il giudizio sociale. Borgli non mette in scena semplicemente una crisi di coppia, ma il modo in cui una relazione viene filtrata da codici morali, paure collettive e narrazioni mediatiche.

Il punto cieco del film, e al tempo stesso il suo elemento più rivelatore, riguarda la rappresentazione della soggettività femminile. Emma progressivamente scompare come soggetto per diventare superficie di proiezione: desiderio, minaccia, colpa. Non è un caso che il film suggerisca, senza mai svilupparlo pienamente, un sottotesto razziale. Qui Borgli sfiora questioni che la teoria femminista ha ampiamente analizzato: la costruzione della donna come “altro”, come figura da disciplinare.

Già Simone de Beauvoir scriveva che “donna non si nasce, lo si diventa”, indicando come l’identità femminile sia il prodotto di uno sguardo esterno. Più recentemente, studiose come bell hooks hanno mostrato come questo sguardo sia attraversato da dinamiche di razza e potere. The Drama non elabora queste riflessioni, ma le evoca involontariamente: Charlie non teme ciò che Emma ha fatto, teme ciò che lei rappresenta nella sua immaginazione.

A partire da questa frattura, il film cambia passo senza mai dichiararlo apertamente. La linearità si incrina, il racconto si spezza in ritorni, anticipazioni, fantasie che non chiedono più di essere interpretate come tali. Lo spettatore viene progressivamente privato di un punto d’appoggio stabile, trascinato dentro una soggettività che non distingue più tra percezione e costruzione. 

La regia introduce elementi potenzialmente esplosivi – morali, sociali, persino politici – ma evita di ricondurli a una tesi chiara. Rimangono in sospensione, come se il vero centro del film non fosse ciò che accade, ma il modo in cui ciò che accade viene guardato, interpretato, distorto. In questo senso, la relazione tra Emma e Charlie diventa un banco di prova: non dell’amore, ma dello sguardo che lo costruisce e lo giudica.

Su questo sfondo si impone un sistema di valori preciso, riconoscibile: quello in cui l’identità coincide con la sua rappresentazione. La cura dell’immagine, la gestione della reputazione, la necessità di apparire coerenti attraversano ogni interazione. In un contesto del genere, anche una minima incrinatura – un errore, una rivelazione, perfino un pensiero – può avere conseguenze sproporzionate. La relazione non è più uno spazio protetto, ma un luogo esposto, continuamente sottoposto al giudizio.

È qui che il film lascia emergere la sua domanda più radicale: è ancora possibile amare qualcuno al di fuori delle narrazioni che costruiamo su di lui? Oppure ogni legame è inevitabilmente filtrato da aspettative, paure e modelli che lo precedono?

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Una divertente riflessione sull’amore e sulla fede religiosa: si intitola …che Dio perdona a tutti ed è il nuovo film di Pierfrancesco Diliberto, in arte Pif, che ne firma la regia, e la sceneggiatura insieme a Michele Astori, tratto dal suo libro con lo stesso titolo, pubblicato da Feltrinelli nel 2018 e appena rieditato. Un racconto delicato, spiritoso e molto ironico (si ride spesso e con eleganza) in uscita nelle sale italiane il 2 aprile prodotto da Our Films e Piperfilm in associazione con Kavac Film e in collaborazione con Netflix. 

Nel cast accanto a Pif, che ne è anche l’interprete principale, ci sono Giusi Buscemi, Francesco Scianna e l’attore spagnoloCarlos Hipólito nel ruolo di un Pontefice che assomiglia molto al compianto Papa Francesco.

Siamo in Sicilia, terra nativa di Pif, e Arturo (lo stesso Pif) è un agente immobiliare palermitano con una folle passione per i dolci (in scena, oltre agli attori vedrete sfilare tutto il campionario delle golosità pasticcere siciliane, dal cannolo alla cassata). Tra un contratto di affitto e una partita di calcetto col suo capo (Scianna), Arturo ha la fortuna di incontrare un’anima gemella, Flora (Buscemi), bellissima e raffinata pasticcera. È amore quasi a prima vista, ma c’è un problema: lei è una fervente cattolica, lui un mezzo ateo. Per non perdere l’amore, Arturo decide così di intraprendere un inconsueto (e spesso folle e divertentissimo) percorso spirituale alla ricerca della verità, che alla fine lo porterà a confrontarsi addirittura con il Papa (quasi) in persona. 

Il resto non vogliamo “spoilerarvelo”, perché il film merita davvero di essere visto, per ridere, ma anche per riflettere.

«Il film? È totalmente autobiografico per quanto riguarda la mia passione per i dolci» scherza Pif che poi racconta: «Ho fatto le elementari dalle suore e poi sono passato ai Salesiani: in Italia nasciamo tutti cristiani, è la nostra cultura, la nostra educazione di base. Tuttavia, poi la maggior parte di noi va avanti praticamente in automatico. Così, a un certo punto della vita mi sono chiesto: perché devo definirmi cattolico se non vado in chiesa e non mi riconosco in molte cose? Allora sono passato al “gruppo misto” degli agnostici, del resto non me la sento neppure di dire che sono in quello “extraparlamentare” degli atei, seppure più orientato in quella direzione». E spiega: «Se tornassi ad essere cattolico probabilmente diventerei come Arturo, ma la fede non è semplicemente un fatto personale. Perché se poi ti ritrovi dei cattolici “incoerenti” con gli insegnamenti cristiani a governarti e gestire la tua vita, diventa un problema collettivo. Nella mia Sicilia sappiamo bene che questo accade. Magari partecipi a delle feste patronali meravigliose, in cui la passione per il santo dovrebbe corrispondere alla stessa passione per il prossimo, per la società civile. E invece c’è sempre un corto circuito». 

Mentre scorrono i titoli di coda Pif mostra anche delle immagini del suo vero incontro con Papa Francesco: «Ci siamo incontrati nel corso di una trasmissione Tv dove si commentava il Padre Nostro, e finita la registrazione lui si è fermato a parlare con noi. Io gli ho spiegato che sono agnostico, ma ho anche voluto ringraziarlo per l’aver scomunicato ufficialmente la mafia, una presa di posizione davvero importante. E poi ho notato che da quando sono diventato agnostico paradossalmente Dio è molto più presente nella mia vita».

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Il 1° aprile 1976 nasceva Apple, una piccola società fondata in California con un capitale iniziale di circa 1.300 dollari. A metterli insieme furono Steve Jobs e Steve Wozniak, vendendo rispettivamente un furgone Volkswagen e una calcolatrice Hewlett-Packard. Cinquant’anni dopo, l’azienda vale circa 3.600 miliardi di dollari, una cifra che supera di molto il prodotto interno lordo di diversi Paesi europei, tra cui l’Italia. E questo spiga molto bene la traiettoria industriale e culturale della società.

La nascita formale dell’azienda coincide con un contratto di poche pagine firmato dai fondatori per avviare la commercializzazione dell’Apple I, il primo prodotto. Si trattava di una scheda madre assemblata a mano, venduta senza monitor, tastiera o alimentatore, e neanche il case, ovvero l’involucro che oggi circonda praticamente tutti i computer. Era solo un circuito, insomma, e fu prodotto in circa 200 esemplari e venduto a 666,66 dollari: era una cifra facile da ricordare e soddisfaceva l’amore di Wozniak verso i numeri ripetuti; alla fine divenne anche una scelta iconica nella storia dell’azienda.

Erano anni diversi per il mercato dell’elettronica, ancora una nicchia per pochi appassionati in un momento in cui il personal computer era ancora un oggetto sperimentale. Ecco perché l’Apple I aveva senso: era venduto a chi sapeva già mettere mani sull’elettronica ed il target a cui si rivolgeva Apple era composto da hobbysti, ingegneri o membri dei club informatici che spopolavano in America in quegli anni e che condividevano la passione per questo settore ancora nascente. Tutto sommato, comunque, un mercato molto ristretto, quasi microscopico, soprattutto se paragonato alla grandezza della Apple di oggi.

Accanto ai due fondatori più noti, nella fase iniziale fu coinvolto anche Ronald Wayne, un tecnico con maggiore esperienza, che lavorava con Jobs in Atari, azienda statunitense produttrice di videogiochi e console. Wayne contribuì alla stesura del primo accordo societario, scrisse il manuale dell’Apple I e progettò il primo logo dell’azienda: non tutti sanno, infatti, che la Apple non ha sempre avuto la famosa mela come logo, ma che quest’ultima è frutto di un’evoluzione e nasce da una prima illustrazione raffigurante Isaac Newton seduto sotto un albero con una mela in testa.

Era una scena molto più complessa, soprattutto se comparata al minimalismo del logo e dell’estetica che fa da matrice all’azienda oggi. All’illustrazione si accompagnava anche una citazione di William Wordsworth, poeta inglese tra i principali fondatori del Romanticismo, che citava “Newton… una mente che viaggia per sempre attraverso strani mari del pensiero”. Era un modo per paragonarsi ad un grande luminare, legando Apple al momento “eureka” che ha spesso fatto la storia dell’avanzamento tecnologico umano. Ed era un’idea di Wayne, che tra i tre era il più adulto – aveva 41 anni contro i 20-25 di Jobs e Wozniak -, era quello con più esperienza aziendale ed anche quello che voleva dare una forma più “seria” al progetto. E il logo lo rifletteva, nella sua complessità colta, quasi accademica.

Il ruolo di Wayne fu però molto breve. Dopo pochi giorni, preoccupato per i rischi finanziari legati all’attività – in particolare per la responsabilità personale sui debiti – decise di uscire dalla società. Cedette la sua quota del 10% per 800 dollari, ai quali si aggiunsero successivamente altri 1.500 dollari. Se avesse mantenuto la partecipazione, oggi il valore teorico di quella quota supererebbe i 300 miliardi di dollari, una cifra paragonabile al Pil del Portogallo. La decisione di Wayne è spesso citata come uno dei casi più evidenti di mancato guadagno nella storia dell’imprenditoria tecnologica. Tuttavia lo stesso Wayne ha più volte dichiarato di non avere rimpianti, spiegando che la scelta era coerente con la sua situazione personale e con il timore concreto di essere chiamato a rispondere dei debiti dell’azienda.

Del resto, nei primi mesi di attività la sostenibilità economica della società non era cosa certa. Un primo ordine significativo arrivò dal Byte Shop di Mountain View, uno dei primi negozi specializzati in computer. Jobs accettò di fornire 50 unità di Apple I, impegnandosi a reperire i componenti attraverso credito e prestiti. L’operazione comportava un rischio elevato: il margine era ridotto e i tempi di pagamento incerti.

La differenza tra i due fondatori principali era già evidente in questa fase. Jobs si occupava della visione commerciale e della costruzione del mercato, mentre Wozniak era responsabile della progettazione tecnica. Questo modello di divisione dei ruoli – tra prodotto e distribuzione – sarebbe rimasto centrale nello sviluppo successivo dell’azienda. Prima di Apple, Jobs e Wozniak avevano già collaborato alla realizzazione delle cosiddette “blue box”, dispositivi in grado di manipolare i segnali delle linee telefoniche per effettuare chiamate gratuite. Ne vendettero più di 200 a circa 150 dollari l’una. L’esperienza, pur illegale, rappresentò un primo test di capacità imprenditoriale: progettazione, produzione e vendita diretta.

Nel 1977, con l’introduzione dell’Apple II, l’azienda entrò in una fase di crescita: il computer non era più una scheda madre e basta, ma era dotato di tastiera integrata, grafica a colori e un design più accessibile rispetto ai concorrenti. Fu uno dei primi personal computer a raggiungere un pubblico più ampio, con milioni di unità vendute nel corso degli anni successivi. L’Apple II non era particolarmente potente, ma era il primo computer già “montato e finito”, e questo spostò il target dai pochi appassionati di elettronica alle famiglie, le scuole, i piccoli uffici. E poi c’erano i software. Apple II introdusse, nel 1979, VisiCalc: il primo foglio di calcolo – un antenato dell’oggi più famoso Excel di Windows. Le persone compravano l’Apple II praticamente solo per usare VisiCalc.

Negli anni Ottanta Apple consolidò la propria presenza nel mercato dei personal computer, ma fu nel 1984 che introdusse uno dei prodotti più influenti della sua storia: il Macintosh. Il lancio fu accompagnato da uno spot diretto da Ridley Scott e trasmesso durante il Super Bowl, visto da oltre 90 milioni di spettatori negli Stati Uniti. Lo spot di Scott è uno dei più citati e celebrati al mondo, e metteva in relazione il Macintosh lanciato nel 1984 con il più famoso 1984 di Orwell, sottintendendo una “ribellione” all’oppressione della società attraverso l’acquisto del Macintosh.

Era anche una velata frecciatina ad IBM, che negli anni ’80 era l’azienda leader nel settore dell’informatica e che nel 1981 lanciò l’IBM PC, che definì lo standard del personal computer. Apple giocò proprio su questo, sul rifiutare la standardizzazione di IBM, qui disegnata come il “Grande Fratello” di Orwell. Un modo per dire: non diventate tutti uguali, che è poi un concetto molto battuto nella retorica e nel marketing di Apple in riferimento ai propri prodotti. Allo stesso tempo, il Macintosh introduceva un’interfaccia grafica accompagnata dall’uso del mouse (che non era uno strumento diffuso fino ad allora) e contribuì a rendere l’informatica più accessibile e innovativa.

Non tutto, comunque, girò sempre bene ad Apple. Negli anni Novanta, sulla scia del Macintosh, l’azienda inizia a vedere i primi intoppi: Macintosh non vende benissimo, ma abbastanza per dominare il settore del desktop publishing e rimanere rilevante. Nel 1983, intanto, si era dotata di un CEO, John Sculley, a cui demandare parte delle attività, scelto da Jobs stesso e prelevato dalla Pepsi. Ma le cose tra i due non vanno benissimo, sopratuttto a livello caratteriale, e nel 1985 Jobs viene allontanato dalla Apple.

Da lì in poi l’azienda attraversò una fase di crisi culminata nel 1997, quando era vicina al fallimento, con perdite annuali superiori al miliardo di dollari e una quota di mercato in calo. Furono anni di confusione totale in Apple, dominati da una linea dei prodotti particolarmente caotica: Performa, Quadra, Centris, Power Macintosh, tutti prodotti lanciati in quegli anni e spesso molto poco diversi gli uni dagli altri, il che creava delle sovrapposizioni di mercato pericolose. Insomma, non era chiaro cosa comprare, e questo mentre la concorrenza, Microsoft, inizia a prendere quote di mercato grazie a Windows e diventare lo standard. Negli anni ’90 la quota di mercato di Apple era scesa sotto il 5%.

Nel 1997, però, Apple decide di comprare NeXT, la nuova azienda di Jobs che, nel frattempo, stava lavorando ad un nuovo sistema operativo, qualcosa che Apple stessa aveva bisogno di integrare nei propri sistemi. Con l’acquisizione Jobs rientra in azienda, all’inizio solo come consulente, ma in poco tempo Sculley viene rimosso dal board e Jobs diventa un CEO ad interim. Il ritorno di Jobs alla guida dell’azienda segna un momento drastico: licenziamenti, l’eliminazione del 70% dei prodotti e la chiusura di diversi progetti. E poi la svolta al minimalismo. I prodotti diventano solo quattro: un desktop “consumer, un desktop “pro”, un portatile “consumer” e un portatile “pro”. Il resto, via.

Nel 1998 Apple lanciò l’iMac, caratterizzato da design trasparente e colori vivaci. Il prodotto vendette circa 800.000 unità nei primi cinque mesi, contribuendo al ritorno alla redditività. Negli anni successivi, Apple ampliò la propria offerta entrando in nuovi mercati. Nel 2001 l’azienda presentò l’iPod, un lettore musicale digitale che avrebbe venduto oltre 400 milioni di unità nel tempo, ridefinendo l’industria musicale insieme al negozio digitale iTunes: “1.000 canzoni in tasca” era il motto. Nel 2007 arrivò l’iPhone, che nel 2025 ha superato i 2,3 miliardi di unità vendute complessivamente, diventando il prodotto più rilevante per i ricavi aziendali.

Negli anni successivi Apple ha costruito un ecosistema integrato di dispositivi e servizi, includendo iPad, Apple Watch e piattaforme digitali come Apple Music e iCloud. Questa strategia ha permesso all’azienda di diversificare le entrate, riducendo la dipendenza da un singolo prodotto e aumentando la fidelizzazione degli utenti. Nel corso di cinquant’anni, Apple ha influenzato diversi settori, dall’informatica alla musica digitale, fino alla telefonia e ai servizi. Secondo l’attuale amministratore delegato Tim Cook, una delle lezioni principali della storia aziendale riguarda la capacità di trasformare tecnologie complesse in prodotti accessibili. Un processo che continua a essere centrale nella strategia dell’azienda ancora oggi, con lo sviluppo dell’intelligenza artificiale e dei servizi digitali.

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Con l’arrivo della primavera torna anche la Easter Parade and Bonnet Festival, programmata per domenica 5 aprile 2026 lungo Fifth Avenue, nel tratto compreso tra la 49ª e la 57ª strada, con una concentrazione particolare davanti alla Cattedrale di San Patrizio.

L’Easter Parade è una manifestazione spontanea, in cui i partecipanti sfilano liberamente lungo la strada indossando cappelli decorati e abiti a tema. Il fulcro dell’evento è proprio il “bonnet”, il copricapo, che può variare da composizioni floreali tradizionali a costruzioni elaborate che includono materiali non convenzionali come dolciumi, piume sintetiche o riproduzioni in miniatura di simboli urbani.

Le origini della manifestazione risalgono alla seconda metà dell’Ottocento. In quel periodo, la partecipazione alla messa pasquale presso le chiese di Midtown diventò anche un’occasione sociale per esibire abiti nuovi, in linea con la tradizione europea del “vestito di Pasqua”. Nel tempo, questa consuetudine si è trasformata in una forma di espressione pubblica più libera e creativa, perdendo il legame esclusivo con la pratica religiosa.

La sfilata si svolge generalmente tra le 10:00 e le 16:00, senza un percorso definito o una direzione obbligata. I partecipanti si muovono lungo la Fifth Avenue, sostando spesso nei pressi della Cattedrale di San Patrizio, che resta il punto di maggiore affluenza anche per chi assiste come spettatore. Non è richiesta alcuna registrazione: l’evento è aperto e gratuito, e chiunque può unirsi semplicemente presentandosi sul posto, con o senza un cappello elaborato.

C’è da considerare, ovviamente, un impatto significativo sulla viabilità: la polizia di New York dispone tradizionalmente la chiusura al traffico della Fifth Avenue tra la 47ª e la 57ª strada per buona parte della giornata, oltre a limitazioni sulle strade trasversali adiacenti, in particolare tra Madison Avenue e la Fifth. Le autorità invitano a utilizzare il trasporto pubblico per raggiungere l’area attraverso le linee della metropolitana B, D, F, M, E e 6 che servono direttamente Midtown Manhattan.

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La comunità italo-americana di Brooklyn si prepara a riunirsi per una serata all’insegna della solidarietà e dell’impegno civico. Venerdì 1° maggio 2026 alle ore 19:30, lo storico Dyker Beach Golf Course ospiterà “May the Light Be with You”, un evento benefico organizzato dall’imprenditore italo-americano Luca Pautasso, Partner presso New York Life – Manhattan General Office, veterano dell’U.S. Army e residente da molti anni a Bay Ridge.

L’iniziativa è finalizzata a sostenere Little Golden Light, organizzazione non profit con sede a Brooklyn che aiuta i bambini affetti da cancro e le loro famiglie. L’obiettivo principale della raccolta fondi di quest’anno è l’acquisto di un van dedicato, che consentirà ai piccoli pazienti e ai loro familiari di essere trasportati in modo sicuro e gratuito verso ospedali, ambulatori e centri di cura in tutta l’area di New York.

Per molte famiglie che affrontano il lungo percorso delle cure oncologiche pediatriche, i carichi emotivi, fisici ed economici possono essere estremamente gravosi. Garantire un trasporto affidabile e gratuito verso le strutture sanitarie può rappresentare un supporto concreto e un sollievo significativo in un momento particolarmente delicato.

La scelta della location non è casuale. Il Dyker Beach Golf Course è uno dei luoghi più iconici della zona e si trova nel cuore di una comunità che comprende Dyker Heights, Bay Ridge e Bensonhurst, quartieri che storicamente ospitano alcune delle più grandi comunità italiane e italo-americane di Brooklyn.

“Bay Ridge è la mia casa da molti anni e questa comunità mi ha dato tantissimo”, ha dichiarato Luca Pautasso. “Con questo evento vogliamo riunire persone, famiglie e imprese locali attorno ad una causa che riguarda tutti noi: sostenere bambini e famiglie che stanno affrontando una delle sfide più difficili della loro vita.”

La serata riunirà membri della comunità, imprenditori locali, organizzazioni e sostenitori provenienti da tutta Brooklyn e dall’area metropolitana di New York, con l’obiettivo di trasformare la solidarietà in un aiuto concreto.

Organizzazioni, aziende e membri della comunità sono invitati a partecipare all’evento o a contribuire attraverso opportunità di sponsorizzazione.

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Siamo stati all’Istituto Italiano di Cultura di New York, dove il 30 marzo scorso si è svolta la presentazione del docufilm “Operazione Batiscafo Trieste” di Massimiliano Finazzer Flory. Sotto la guida del direttore Pagliara, l’intervista a Finazzer Flory ha svelato le molteplici sfaccettature di un’impresa che, a oltre sessant’anni di distanza, continua a ispirare e a far riflettere.

Il documentario non è solo la cronaca della ricostruzione fedele del batiscafo che nel 1960 raggiunse la profondità record di 10.916 metri nella Fossa delle Marianne, ma un vero e proprio omaggio all’ingegno italiano e allo spirito pionieristico. Finazzer Flory ha sottolineato come il Trieste, “invenzione svizzera e ingegno italiano”, abbia rappresentato un “record non solo del mondo ma per il mondo”, un’impresa che ha ridefinito i limiti dell’esplorazione umana.

Dalla discussione è emerso il contesto unico in cui nacque il progetto: la Trieste del dopoguerra (1948-1953), un “territorio libero” nel mezzo della Guerra Fredda, descritto come un “laboratorio per la scienza e per la pace”. Un’epoca in cui la scienza era sinonimo di cooperazione, in netto contrasto con la competizione che avrebbe caratterizzato gli anni successivi al 1960. I pionieri, come i Piccard, sono stati celebrati come coloro che osarono uscire dalla propria “zona di comfort” per immaginare e costruire un mondo nuovo.

E poi il ruolo del batiscafo nella salvaguardia ambientale: l’impresa del Trieste ha contribuito in modo determinante a scongiurare l’idea, allora diffusa tra i governi, di utilizzare i fondali oceanici come discarica per le scorie nucleari, in quanto erroneamente creduti privi di forme di vita acquatiche. La scoperta di vita a quelle profondità estreme ha dimostrato invece che l’oceano non era un ambiente “morto”, ma un ecosistema vibrante da proteggere.

Ma l’impresa del Trieste non fu certo priva di pericoli: la discesa durò circa 7 ore e 55 minuti e fu estremamente rischiosa: raggiunti gli 8.000 emetri di profondità la struttura dovette misurarsi infatti con una crepa dovuta all’alta pressione, che per fortuna non portò a conseguenze gravi. Il paragone è andato subito alla più recente tragedia del sottomarino Titan, e questo ci racconta anche come, nonostante la tecnologia moderna, le profondità oceaniche continuino ad essere ambienti implacabili.

Oltre questo, il Trieste si lega anche all’America, e questo legame è stato un po’ il filo conduttore della serata: dopo il successo della missione, il batiscafo fu acquisito dalla Marina degli Stati Uniti per scopi di ricerca e il tenente Donald Walsh fu il co-pilota dell’immersione record. La sua conservazione al Museo Navale della Marina Americana a Washington, dove è possibile visitarlo ancora oggi, e la copertura mediatica di “Life” magazine, che portò la storia a milioni di americani, testimoniano il profondo impatto che l’impresa ebbe oltreoceano. La stessa presentazione a New York, con un pubblico attento e partecipe, ha ribadito la risonanza transatlantica di questa straordinaria avventura.

Il docufilm di Finazzer Flory, con la sua sapiente alternanza di bianco e nero e colore per fondere memoria e immaginazione , non si limita a raccontare il passato. Trasforma il batiscafo da strumento scientifico a “capolavoro di design” e opera d’arte esposta in un museo, un simbolo di cooperazione tra arte, scienza e cultura.

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Il dominio è totale, il segnale al circuito chiarissimo. Jannik Sinner conquista il Masters 1000 di Miami e completa uno storico Sunshine Double, vincendo consecutivamente Indian Wells e Miami. Un’impresa riuscita solo a pochi nella storia, ma mai con una superiorità così schiacciante: l’italiano è il primo a centrare la doppietta senza perdere nemmeno un set.

Nella finale giocata all’Hard Rock Stadium, il numero 2 del mondo ha superato il ceco Jiri Lehecka con un doppio 6-4 in un’ora e 33 minuti, confermando uno stato di forma semplicemente straordinario.

Nonostante un’interruzione di oltre un’ora per pioggia, Sinner non ha mai perso il filo del match. Il suo tennis è stato solido, continuo, quasi impenetrabile. Servizio efficace (10 ace), grande intensità negli scambi da fondo e una gestione impeccabile dei momenti chiave hanno fatto la differenza.

Lehecka ha provato a restare agganciato alla partita, soprattutto grazie al servizio, ma ha dovuto costantemente fronteggiare la pressione dell’azzurro. Il break decisivo in entrambi i set è arrivato nei momenti cruciali, confermando la freddezza di Sinner nei passaggi che contano.

L’unico piccolo neo resta la percentuale sulle palle break (2 su 11), ma non è bastato a riaprire una sfida mai realmente in discussione.

Con questo successo, Sinner entra in un club esclusivo di campioni capaci di vincere Indian Wells e Miami nello stesso anno. L’ultimo a riuscirci era stato Roger Federer nel 2017, ma nessuno prima d’ora aveva completato l’opera senza concedere neppure un set.

Per il tennista altoatesino si tratta del 26° titolo ATP in carriera, il settimo in un Masters 1000: numeri che certificano una crescita ormai definitiva verso l’élite assoluta del tennis mondiale.

Il trionfo in Florida ha un peso enorme anche nella classifica ATP. Sinner resta al numero 2, ma accorcia sensibilmente le distanze da Carlos Alcaraz: ora il gap è di poco più di mille punti.

La sensazione è che il sorpasso possa essere imminente, magari già nella stagione sulla terra rossa che inizierà a breve con Montecarlo. Il momento è favorevole, la fiducia è altissima e il livello espresso negli Stati Uniti lo rende, di fatto, l’uomo da battere.

Più del risultato, colpisce la continuità. Sinner ha attraversato lo swing americano come un rullo compressore, lasciando agli avversari pochissimo spazio.

“È incredibile aver realizzato questo swing in Nord America”, ha dichiarato a caldo.

E con la terra rossa alle porte, il meglio potrebbe ancora venire.

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Da qualche giorno, in America così come in Italia, si parla molto di un brano primo in classifica su iTunes – un’app di Apple dove è possibile acquistare canzoni digitalmente ed ascoltarle. Il brano in questione si chiama Another Day, l’artista è Eddie Dalton e la maggior parte degli articoli titola più o meno così: “l’artista che non esiste primo in classifica su iTunes”. Il perché è molto semplice: Eddie Dalton non esiste davvero, è un artista fittizio le cui canzoni sono generate con l’intelligenza artificiale, ma il fatto che sia primo in classifica con il brano Antoher Day – ma anche quarto e quinto con altre due canzoni, rispettivamente, Running To You e Cheap Red Wine – è abbastanza per scatenare il panico mediatico. In realtà, per capire cosa rappresenta quel risultato, è necessario distinguere tra i diversi sistemi di misurazione del successo musicale e il loro peso nell’industria attuale.

La classifica iTunes si basa esclusivamente sulle vendite digitali dei singoli brani. Questo significa che ogni posizione dipende dal numero di acquisti registrati in un intervallo di tempo molto breve – spesso aggiornato più volte al giorno – senza considerare altri indicatori come lo streaming o l’airplay radiofonico. A differenza delle classifiche ufficiali, che aggregano diverse forme di consumo, iTunes fotografa solo un dato puntuale: quante persone hanno deciso di comprare quel brano in quel momento. Ed in un mercato dove le vendite digitali sono pochissime (poche migliaia a brano, per intenderci, a differenza delle centinaia di milioni di streaming che genera Spotify ogni giorno), anche variazioni limitate nel numero di download possono produrre spostamenti significativi in classifica.

Quello della vendita dei brani digitali è stato un modello dominante fino alla prima metà degli anni 2010, ma oggi appunto marginale rispetto allo streaming, che è il vero indicatore di fama di un brano. Secondo i dati delle associazioni di settore come la Recording Industry Association of America, negli Stati Uniti oltre l’80% dei ricavi della musica registrata proviene dallo streaming, mentre le vendite digitali rappresentano una quota residuale e in costante calo. Aumenta, invece, la vendita del fisico, soprattutto il formato vinile che da qualche anno è ritornato abbastanza centrale nel settore. Questo significa che la posizione in classifica su iTunes non riflette il consumo complessivo di un brano, ma semmai il numero di acquisti effettuati in un dato momento.

In termini assoluti, per capirci, bastano poche migliaia di download – tra le 2.000 e le 5.000, ad un prezzo medio di 0,99$ – concentrati in un breve arco temporale per raggiungere le prime posizioni della chart iTunes statunitense. Il dato va letto in rapporto alla scala del mercato: negli stessi giorni, le canzoni più ascoltate su Spotify negli Stati Uniti totalizzano milioni di stream quotidiani. Un brano che raggiunge, ad esempio, alcune centinaia di migliaia di ascolti in due settimane – come nel caso di Another Day, uscito il 15 marzo e che ad oggi su Spotify vanta circa 300.000 ascolti totali – si colloca su un livello decisamente più basso, lontano dagli standard delle hit di larga diffusione. Per fare un paragone, I Just Might, il singolo di Bruno Mars rilasciato all’inziio del 2026 per promuovere il nuovo disco The Romantic, ha totalizzato 277 milioni di ascolti su Spotify. Lo stesso è attualmente settimo in classifica su iTunes – dietro i tre brani di Eddie Dalton, ma anche dietro i BTS e Miley Cyrus, altri due pesi massimi della musica internazionale.

Questa differenza deriva anche dalla natura delle vendite digitali, che possono essere influenzate da dinamiche di acquisto coordinate. Fanbase organizzate, campagne promozionali mirate o semplici concentrazioni temporali di acquisti – magari organizzate dalle stesse case discografiche – possono determinare picchi rapidi e temporanei nelle classifiche iTunes, senza che ciò corrisponda a una reale diffusione nel pubblico. Si tratta di un fenomeno noto e già osservato negli anni scorsi anche per artisti indipendenti o per uscite di nicchia e che serve principalmente a far parlare del brano più che a decretarne un successo già raggiunto.

Il caso di Eddie Dalton diventa ancora più “curioso” e fonte di intrattenimento, più che di informazione, quando arriva sulle pagine dei giornali: la produzione musicale, ed in generale artistica, generata con strumenti di intelligenza artificiale è infatti un argomento molto caldo e dibattuto. Negli ultimi anni piattaforme come Suno AI e Udio hanno reso possibile creare brani completi – voce inclusa – con costi e tempi ridotti. Questo abbassa la soglia d’ingresso e consente anche a soggetti senza una carriera artistica rodata alle spalle di pubblicare musica e testarne la circolazione. Ed è spesso argomento di discussione accesa nei commenti sui social network.

Non è la prima volta che contenuti generati dall’IA raggiungono posizioni rilevanti in classifiche parziali. Il caso più famoso è stato nel 2023 con il brano Heart on My Sleeve, attribuito a delle versioni sintetiche delle voci di Drake e The Weeknd. Heart on My Sleeve aveva accumulato milioni di ascolti su diverse piattaforme prima di essere rimosso per alcune violazioni dei diritti degli artisti ed in quel caso, però, il dato rilevante era il volume di ascolti e la diffusione virale, non una posizione in una classifica basata su vendite limitate.

In Italia, la percezione di queste classifiche, soprattutto sui media generalisti, è spesso ancora legata a un’idea di successo costruita negli anni del download digitale. Tuttavia anche il mercato italiano, monitorato dalla FIMI (Federazione Industria Musicale Italiana), utilizza da tempo metriche che integrano streaming, vendite e airplay per determinare le classifiche ufficiali. Insomma, una posizione su iTunes da sola non è considerata indicativa dell’impatto di un brano.

Il risultato ottenuto da Another Day mostra quindi soprattutto la facilità con cui un contenuto può scalare una classifica specifica in presenza di un numero limitato di vendite concentrate ma non fornisce invece indicazioni sufficienti sulla reale diffusione del brano né sul suo peso culturale o commerciale nel mercato musicale statunitense: al massimo permette di fare qualche click in più a chi ne parla con toni allarmistici.

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A New York il ponte di Brooklyn è uno dei principali snodi di mobilità urbana oltre che una delle attrazioni turistiche più frequentate della città. Ogni giorno lo attraversano circa 30.000 pedoni e oltre 5.600 ciclisti, numeri in crescita negli ultimi anni anche per effetto delle politiche di riduzione del traffico automobilistico e di incentivo alla mobilità sostenibile. Adesso, il sindaco Zohran Kwame Mamdani e il Dipartimento dei Trasporti della città (NYC DOT) hanno annunciato l’avvio, entro la primavera, di un intervento strutturale per riorganizzare l’accesso al Brooklyn Bridge sul lato di Manhattan, con l’obiettivo di separare in modo definitivo i flussi pedonali e quelli ciclabili.

Il progetto introduce un nuovo collegamento ciclabile dedicato lungo Centre Street, che permetterà ai ciclisti di accedere al ponte senza interferire con i pedoni, eliminando uno dei principali punti critici dell’infrastruttura. Attualmente, infatti, chi entra o esce dal ponte sul lato di Manhattan è costretto a condividere spazi ristretti, generando congestione e rischi di sicurezza, soprattutto nelle ore di punta e nei periodi di alta affluenza turistica. L’intervento prevede anche il raddoppio della larghezza dell’attraversamento pedonale tra il ponte e City Hall Park, aumentando lo spazio disponibile per chi si muove a piedi. Si tratta di un’evoluzione di un primo intervento realizzato nel 2021, quando il NYC DOT aveva sottratto una corsia alle auto per creare una pista ciclabile protetta a doppio senso: una scelta che ha portato a un aumento significativo dell’uso della bici, passato da circa 2.600 ciclisti al giorno nel 2021 a oltre 5.600 nel 2025.

I lavori dovrebbero concludersi prima dell’inizio della FIFA World Cup 2026, che porterà a New York milioni di visitatori e una pressione aggiuntiva sulle infrastrutture urbane. Il ridisegno dell’accesso al ponte rientra infatti in un pacchetto più ampio di interventi previsti in città, tra cui la riqualificazione della Ninth Avenue a Hell’s Kitchen e il potenziamento dei collegamenti ciclabili tra Lower Manhattan e Union Square. L’obiettivo è di gestire il picco di mobilità atteso durante l’evento e lasciare in eredità infrastrutture permanenti.

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Con l’arrivo della primavera, New York entra in una delle fasi più suggestive dell’anno: quella della fioritura dei ciliegi, fenomeno breve ma molto seguito, che ogni anno attira residenti e turisti in diversi punti della città. La concentrazione più nota resta quella di Central Park, ma negli ultimi anni si sono affermate anche altre aree, come Roosevelt Island e il lungofiume di Brooklyn, mentre fuori città il Branch Brook Park, a Newark, è diventato un riferimento per quantità di alberi, con oltre 5.000 esemplari, più di quelli presenti a Washington, il che lo rende il parco di ciliegi più grande d’America.

Ma i modi per guardare la fioritura dei ciliegi possono essere molti e molto diversi tra loro. Tra i meno convenzionali c’è chi usa la Roosevelt Island Tramway, la linea di funivia inaugurata nel 1976 come soluzione temporanea per collegare Manhattan a Roosevelt Island e poi mantenuta come infrastruttura del sistema di trasporto urbano. Oggi è integrata nella rete della Metropolitan Transportation Authority (MTA) e utilizza le stesse tariffe della metropolitana, rendendola uno dei punti panoramici più accessibili della città.

Il tragitto, che dura circa cinque minuti, collega la 60ª strada e Second Avenue con Roosevelt Island, correndo in parallelo al Queensboro Bridge e raggiungendo un’altezza di circa 75 metri. Da questa quota, la percezione della fioritura cambia: gli alberi non sono più elementi isolati lungo un percorso pedonale, ma una massa continua che segue il profilo dell’isola, visibile come una fascia compatta lungo l’East River. È una prospettiva che restituisce la scala del fenomeno, difficilmente percepibile da terra.

Il calendario della fioritura varia ogni anno anche in base alle condizioni climatiche, ma segue uno schema relativamente stabile. Le varietà Yoshino, caratterizzate da fiori chiari tra il bianco e il rosa pallido, raggiungono generalmente il picco tra fine marzo e inizio aprile. Le Kwanzan, con fioriture più dense e di colore rosa acceso, arrivano poco dopo, tra metà e fine aprile. Le previsioni per il 2026, basate sui monitoraggi stagionali locali, indicano un periodo di massima fioritura compreso tra la fine di marzo e la metà di aprile, in linea con le medie storiche della regione.

Dal punto di vista geografico, il tratto più visibile dalla funivia è la parte meridionale di Roosevelt Island. In particolare, la West Promenade concentra il cosiddetto “Cherry Tree Walk”, un percorso affacciato sull’acqua dove gli alberi sono disposti in sequenza continua. Più a sud, l’area del campus della Cornell Tech ospita piantumazioni più recenti, integrate nel progetto architettonico contemporaneo. La fase di discesa della cabina, negli ultimi secondi del tragitto, è quella che offre la distanza più ravvicinata alle chiome.

Una volta arrivati sull’isola l’esperienza cambia radicalmente e dalla visione dall’alto si passa a un attraversamento diretto, con percorsi che si sviluppano sotto le chiome e lungo il fiume. È un passaggio che mette in evidenza soprattutto il contrasto tra gli elementi naturali e le infrastrutture che li circondano, con i ciliegi davanti ale le strutture metalliche del Queensboro Bridge, o con i volumi contemporanei del campus tecnologico. Qualcosa che ci ricorda l’equilibrio di cui ha bisogno il mondo, costantemente

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Per anni, una delle esperienze più comuni per chi si muove in metropolitana a New York è stata la perdita totale di connessione nei tunnel, soprattutto nei tratti sotto l’East River tra Brooklyn e Manhattan. Un limite strutturale della rete sotterranea che ha inciso su comunicazioni, lavoro e servizi digitali. Ora però il sistema sta cambiando, con un’estensione progressiva della copertura lungo alcune delle linee più trafficate della rete della Metropolitan Transportation Authority.

L’operazione è guidata da AT&T in collaborazione con Boldyn Networks, società specializzata nello sviluppo di infrastrutture digitali. Negli ultimi mesi sono stati attivati nuovi segmenti di rete nei tunnel, consentendo per la prima volta una connessione stabile – inclusa la tecnologia 5G – anche in tratti storicamente isolati.

L’ultimo aggiornamento riguarda in particolare le linee 4 e 5 nel tratto tra Bowling Green e Fulton Street, nel cuore del distretto finanziario di Manhattan, e la linea G tra Bedford-Nostrand Avenues e Hoyt-Schermerhorn Streets, a Brooklyn. Fulton Street è uno degli hub più importanti della rete, mentre la linea G è l’unica a collegare direttamente quartieri di Brooklyn e Queens senza passare da Manhattan.

Questi interventi si aggiungono a sviluppi precedenti, come l’attivazione della copertura nel tunnel di Joralemon Street – uno dei più antichi della rete metropolitana, inaugurato nel 1908 – e in altri segmenti della linea G. Con l’apertura di nuove tratte operative, come quella tra Court Square e Bedford-Nostrand, si stanno formando corridoi di continuità digitale: oggi è possibile mantenere la connessione senza interruzioni lungo porzioni sempre più ampie del tragitto, ad esempio tra Borough Hall e Fulton Street.

Il progetto era stato già annunciato nel 2022 all’interno di un piano infrastrutturale che punta a estendere la copertura cellulare lungo tutti i 418 miglia (circa 673 chilometri) di binari della metropolitana newyorkese. Un’infrastruttura di questa scala comporta interventi complessi: installazione di antenne nei tunnel, posa di fibra ottica, integrazione con sistemi esistenti e gestione delle interferenze. Per questo motivo l’implementazione avviene per fasi e con tempi differenziati tra operatori.

Al momento, infatti, la copertura non è uniforme e non tutti i gestori sono attivi in ogni tratto già abilitato. Tuttavia, l’estensione progressiva del servizio sta modificando l’esperienza quotidiana dei pendolari, avvicinando la metropolitana agli standard di connettività già diffusi in altre grandi città. Per una rete tra le più estese e utilizzate al mondo, si tratta di un aggiornamento infrastrutturale imprescindibile e che già adesso incide direttamente sull’uso dello spazio metropolitano.

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Terzo giorno, ottavo libro presentato. Il Superbook dell’Istituto Italiano di Cultura di New York chiude la sua selezione con il romanzo più scomodo della rassegna: Donna Regina di Teresa Ciabatti, vincitrice del Premio Rapallo. Non perché parli di camorra, ma perché si rifiuta di condannarla nel modo in cui il lettore si aspetta.

Prima di cedere la parola, Claudio Pagliara ha voluto ringraziare chi ha reso possibili questi tre giorni: tutto lo staff dell’Istituto, e in particolare Malina Mannarino, le addette culturali Silvia Mungardo, Martina Zito e Alessandra Botta, insieme a Gioia e Ilaria, le due giovani tirocinanti.

A moderare con lui il dibattito la Professoressa Stefania Porcelli, del dipartimento di Lingue della Hunter College, Pagliara ha aperto con una domanda secca: come si racconta un uomo responsabile di centinaia di morti senza giustificarlo, ma anche senza ridurlo a una categoria?

L’idea del romanzo nasce da un suggerimento di Roberto Saviano, che spinge Ciabatti a immergersi in un mondo che non conosce. L’autrice passa quattro anni a frequentare il vero Giuseppe “Peppe” Misso, ex boss della camorra napoletana. Misso la sottovaluta fin dall’inizio: la vede come una “casalinga innocua,” e proprio per questo le concede un accesso che avrebbe negato a qualunque giornalista d’inchiesta. Ciabatti raccoglie quello che chiama il “materiale di scarto” dei giornalisti di inchiesta, la passione di Misso per i piccioni, la sua fede negli UFO, le piccole ossessioni di un uomo che ha fatto cose inimmaginabili, e lo trasforma nella chiave per raccontare qualcosa di più complesso di un semplice ritratto criminale.

Ciabatti non cerca l’assoluzione per Misso, ma l’indagine. Racconta che a quattordici anni era già in carcere, dove subì torture. Racconta il post-terremoto dell’Irpinia, il vuoto lasciato dallo Stato, la camorra che in quel vuoto si insedia, distribuisce denaro, risolve problemi, si trasforma agli occhi dei disperati in una forma distorta di protezione. Non è una giustificazione. È una mappa.

La svolta più inattesa arriva quando il focus si sposta. Donna Regina non è, alla fine, un libro sul boss. È un libro sulla narratrice, una giornalista borghese che, mentre cerca di raccontare Misso, si ritrova a fare i conti con qualcosa di molto più vicino e molto più doloroso: il tentato suicidio della figlia adolescente. Le questioni intime “mangiano” lo spazio della storia di camorra. Il romanzo diventa anti-epico, anti-eroico. La vera protagonista non è il boss, ma una madre che non aveva visto quello che aveva davanti.

Ciabatti cita dati che lasciano poco spazio all’ottimismo: l’ospedale Bambin Gesù di Roma è passato da 150 richieste di intervento psichiatrico all’anno prima del 2022 a 2000 l’anno successivo. Un’esplosione del disagio adolescenziale, trasversale a classi sociali e contesti familiari, che la pandemia ha accelerato ma non creato. La cecità della protagonista davanti alla sofferenza della figlia non è un caso isolato: è lo specchio di un’intera generazione di adulti che hanno proiettato sui figli un’immagine ideale senza vedere la realtà.

Il paradosso più acuto del libro è che in questo contesto è il boss, non la madre, a mostrarsi più lucido. Misso ha accettato pubblicamente il figlio trans, un gesto che ha cambiato di fatto le regole non scritte della camorra, permettendo ai familiari LGBTQ+ dei boss di esistere senza vergogna. Un uomo che ha ordinato centinaia di omicidi capace di un’apertura che molti non hanno saputo trovare. Ciabatti non lo celebra. Lo usa come specchio.

C’è poi la parabola dell’irrilevanza. L’autrice viene invitata al matrimonio di Misso, un evento surreale e itinerante, che ha coinvolto molto i presenti, costruito per sfuggire a possibili minacce. Sul posto si rende conto che è una messa in scena. Il boss è vecchio, acciaccato, e non fa più paura a nessuno. La sua vera sconfitta non è la prigione. È la consapevolezza che “nessuno vuole più ucciderti.”

A chiudere la serata è stato Pagliara, leggendoun episodio che Ciabatti aveva scartato dal romanzo. Misso viene incaricato di uccidere un cantante. Arriva con la pistola. Ma quando si trova di fronte all’uomo, il cui repertorio aveva accompagnato la sua giovinezza, si ferma. Depone l’arma. Gli dice solo: “Complimenti, maestro.”

È con questa storia, rimasta fuori dal libro, che si chiudono tre giorni di letteratura italiana a New York. Otto romanzi, otto voci, un paese che prova a raccontarsi a un pubblico che ancora lo conosce poco. Domani, da Rizzoli, si scoprirà quale di questi libri ha convinto di più: il vincitore del Superbook sarà proclamato lì, tra gli scaffali di una delle librerie italiane più iconiche d’America. Ma il senso del premio, in fondo, era già tutto qui: portare la letteratura italiana fuori dai confini in cui rischiava di restare, e dimostrare che ha ancora qualcosa da dire al mondo.

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A più di sessant’anni dall’impresa del batiscafo Trieste, il regista Massimiliano Finazzer Flory ne ripercorre la storia in Operazione Batiscafo Trieste, un docufilm a metà tra ricostruzione storica e riflessione culturale. Il film, commissionato dal Comune di Trieste e prodotto da Rai Cinema, sarà presentato il 30 marzo a New York, all’Istituto Italiano di Cultura, con un’introduzione del Direttore dell’Istituto Claudio Pagliara ed in un contesto che richiama il doppio legame – italiano e americano – di una delle esplorazioni più significative del Novecento. Abbiamo intervistato il regista per capire come ha costruito il racconto e quali prospettive apre il progetto.

Il Trieste è una storia italiana ma con una forte dimensione americana: come ha lavorato su questo doppio livello nel racconto?

Sono partito dai figli che evocano e custodiscono la memoria dei padri. In fondo, ogni storia di cui ci fidiamo ha una dimensione familiare. Piccard e Walsh, figli dei protagonisti dell’impresa, rimandano a un’epoca europea e italiana da cui si muove il Novecento. Siamo ancora, in molti aspetti, figli di quel secolo

Perché portare questo film proprio a New York e all’Istituto Italiano di Cultura: che tipo di pubblico si aspetta e cosa pensa possa cogliere di questa storia?

New York è approdo, porto, mare – anche se spesso ce ne dimentichiamo. Ma è soprattutto viaggio e vita, che sono anche le rotte di questo film. Mi aspetto un pubblico curioso, persone attratte dalle storie di esplorazione, capaci di riconoscere che siamo fatti d’acqua e che da lì veniamo

La storia del Trieste è molto tecnica: come si rende comprensibile senza semplificarla troppo?

Ho lavorato con i testimoni dell’epoca: persone con ricordi diretti, che restituiscono un volto umano all’impresa. Non solo. Ho cercato di far emergere il ruolo dei visionari e dei pionieri, i primi a crederci. La sfida non è solo tecnica: riguarda anche una dimensione più interiore, il modo in cui si esplora la profondità, anche dell’uomo

C’è un momento o un passaggio del film in cui, secondo lei, si capisce davvero cosa ha rappresentato il Trieste?

Sì. Quando si scopre che l’osservazione della vita negli abissi contribuì a evitare l’uso dei fondali marini per lo smaltimento di rifiuti tossici. In quel momento si capisce che l’impresa del Trieste non è solo tecnologica, ma riguarda anche la tutela del pianeta

Dopo questa tappa a New York, quali sono i prossimi passaggi del progetto: distribuzione, festival, o altre presentazioni istituzionali?

Il film proseguirà nei festival, ma può diventare anche un’installazione museale. Può essere un’occasione di dialogo tra ambiente e arte, tra storia e scienza. Il batiscafo, in fondo, è anche un oggetto di design: ha una forma che lo rende, di per sé, un’opera

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Il Superbook continua. Dopo il primo panel dedicato ai ritmi della narrativa contemporanea e al suo rapporto con il digitale, il secondo appuntamento dell’evento organizzato dall’Istituto Italiano di Cultura di New York ha cambiato registro: meno social media e intelligenza artificiale, più psicologia, memoria e coraggio civile.

Ad aprire i lavori è stato Claudio Pagliara, direttore dell’Istituto, che ha subito immerso il pubblico nelle tematiche del romanzo citando le ultime righe del primo capitolo: la madre della voce narrante chiede al figlio “verrai a trovarmi,” una domanda carica di attesa che nulla lasciava presagire un addio. Pagliara ha poi posto all’autore la domanda centrale del panel: perché raccontare la storia di una famiglia così “distopica”? E soprattutto, come spiegare che i dieci anni seguenti a quell’addio siano stati i più felici per il protagonista?

A rispondere è stato Andrea Bajani, vincitore del Premio Strega con L’Anniversario, al centro del dibattito insieme ad Arianna Farinelli. La famiglia, ha spiegato, è un “labirinto,” un luogo dove ci si sente spesso “minotauri,” intrappolati in storie di cui non si riesce a vedere la pianta dall’esterno. L’intuizione nasce anche dal suo corso “Writing the Family” alla Rice University, dove ha osservato quanto sia raro, e percepito come scandaloso, l’atto di “aprire la porta e dire che fuori si sta meglio.” Il romanzo racconta esattamente questo: un protagonista che rivendica il diritto a sentirsi al sicuro, anche a costo di tagliare i legami con la famiglia d’origine. In Italia, ha osservato Bajani, quel gesto si scontra con tabù culturali profondi, spesso alimentati da una tradizione cattolica che rende quasi impronunciabile la rottura dei legami di sangue. Negli Stati Uniti, per lo stesso gesto, esiste già una parola: going no contact.

Uno dei passaggi più discussi ha riguardato la scelta narrativa di spegnere il riflettore sul padre, figura dominante, custode della “versione ufficiale” della famiglia, per accenderlo sulla madre. Una figura fino a quel momento invisibile, annullata dalla narrazione paterna, che il romanzo “inventa” e restituisce all’esistenza attraverso la scrittura: fisicità, gestualità, memoria. Un atto letterario che è anche, ha sottolineato Bajani, un atto politico.

Il tema della fuga ha attraversato tutta la conversazione. Le migrazioni del protagonista,da Roma a un paese piemontese, poi Torino, l’Europa, gli Stati Uniti, non sono spostamenti casuali ma tappe di un distanziamento necessario. Arianna Farinelli ha osservato come molti italiani all’estero siano in realtà “figli in fuga,” persone che hanno cercato altrove una libertà che il contesto d’origine non concedeva. Bajani ha aggiunto che il libro ha trovato risonanza in contesti culturali molto diversi: il bisogno di liberarsi da “schiavitù interiori” è universale, anche se si manifesta in forme diverse a seconda del paese.

L’Anniversario non vuole proporre risposte facili né condanne, è una riflessione sui legami che ci definiscono e sulla possibilità di riscrivere il proprio destino, anche quando questo significa uscire dal labirinto.

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Di Katsushika Hokusai, nato nel 1760, si conosce quasi sempre un frammento isolato, la La Grande Onda di Kanagawa, diventata nel tempo un’immagine autonoma, capace di circolare ovunque. La mostra in corso dal 27 marzo al 29 giugno 2026 a Palazzo Bonaparte a Roma lavora in senso opposto: ricompone il contesto, segue il lavoro dell’artista lungo decenni, rimette insieme le serie, le variazioni, i cambi di nome, e mostra quanto quell’immagine sia il risultato di un processo molto più ampio.

“Dopo i settant’anni tutto ciò che ho fatto prima non conta”, scriveva. Non era una provocazione, ma una dichiarazione di metodo: la sua arte è un processo continuo, una ricerca che si intensifica con il tempo, fino a trasformarsi in una sorta di ossessione per il segno, per la linea, per la vita che ogni immagine può contenere.

Più di duecento opere, provenienti dal Museo Nazionale di Cracovia, permettono di attraversare le diverse stagioni della sua produzione, dai primi lavori fino alla piena maturità. Dopo un avvio cronologico, il percorso si apre: viaggi, cascate, paesaggi segnano uno spostamento dell’attenzione. Con le Trentasei vedute del Monte Fuji questo passaggio diventa evidente. Il Fuji resta un riferimento stabile, mentre in primo piano si dispongono attività quotidiane che costruiscono lo spazio.

Lo sguardo parte sempre da lì, da elementi concreti. Anche nei paesaggi più ampi, la scala è data da figure, oggetti, architetture. Il movimento è continuo ma ordinario, senza enfasi.

Anche la La Grande Onda di Kanagawa funziona così: più che un episodio, è una costruzione precisa, in cui acqua, barche e monte tengono insieme l’immagine.

Gli Hokusai Manga spingono ancora più in là questo metodo. Sono raccolte di disegni che accumulano figure, animali, oggetti, movimenti. Non costruiscono una narrazione, ma registrano un’attività continua. Il disegno diventa uno strumento per osservare e per capire. Da qui nasce anche il termine “manga”, che oggi indica un intero sistema culturale globale ma che in origine descriveva questo flusso libero di immagini.

Se si prova a seguire questa linea oltre la mostra, si arriva inevitabilmente agli Stati Uniti, dove Hokusai ha assunto una posizione particolare. In ambito accademico e divulgativo circola da tempo un’idea, volutamente estrema, secondo cui una parte consistente della cultura visiva giapponese, dall’animazione fino alle forme contemporanee, può essere fatta risalire alla La Grande Onda di Kanagawa. È una semplificazione, ma restituisce bene la misura della sua influenza.

Questa presenza si costruisce nel tempo. Già nell’Ottocento, con il Japonisme, le stampe giapponesi entrano nella cultura visiva occidentale e americana, influenzando grafica e illustrazione: superfici piatte, linee nette, composizioni asimmetriche diventano parte di un nuovo linguaggio. Nel Novecento questa influenza riemerge in forme diverse. Artisti come Roy Lichtenstein e Andy Warhol lavorano su materiali già esistenti, li trasformano, li serializzano, contribuendo a rendere Hokusai una presenza riconoscibile anche nella cultura pop.

Le sue opere entrano presto nelle grandi collezioni, dal Metropolitan Museum of Art all’Art Institute of Chicago, ma è fuori dal museo che il suo linguaggio continua a circolare. L’onda diventa familiare, riprodotta ovunque, ma soprattutto introduce un modo di costruire lo spazio e il movimento che resta attivo anche quando non viene più collegato direttamente al suo autore.

Nei film dello Studio Ghibli, molto diffusi e amati anche negli Stati Uniti, acqua, vento e nuvole si muovono per linee e ritmi che richiamano quel tipo di costruzione. Anche nella pittura americana del secondo dopoguerra si possono trovare punti di contatto più concreti: nei lavori di Jackson Pollock, per esempio, il quadro è fatto di colature, intrecci e sovrapposizioni di segni che coprono tutta la tela, senza un centro preciso. Non si tratta di un’influenza diretta, ma di una vicinanza nel modo di costruire l’immagine.

La mostra di Palazzo Bonaparte rimette le opere in sequenza e riporta l’attenzione su come queste forme abbiano potuto circolare così a lungo, fino a diventare parte della cultura visiva contemporanea.

L'articolo Hokusai a Roma: la mostra e l’influenza globale fino agli Stati Uniti proviene da IlNewyorkese.

A New York, nel quartiere di Little Italy, la memoria dell’immigrazione italiana continua a essere raccontata anche attraverso figure che hanno segnato la storia della città. Tra queste c’è Joseph Petrosino, tra i primi investigatori a occuparsi in modo sistematico del crimine organizzato legato alla cosiddetta “Black Hand” all’inizio del Novecento. A oltre un secolo dalla sua morte, la sua vicenda torna al centro dell’attenzione grazie ad una ricerca storica, regalando una rilettura delle origini dell’identità italo-americana.

L’evento si terrà il 9 aprile presso Italian American Museum, istituzione nata per documentare la storia degli italiani a New York. Al centro dell’incontro ci sarà il progetto documentario “My Name is Petrosino” del regista premio Oscar Anthony Giacchino. Durante la serata verranno mostrati alcuni estratti del film, seguiti da una conversazione sul processo di ricostruzione storica: dall’uso delle fonti originali alla trasformazione narrativa di documenti, fotografie e testimonianze. L’iniziativa è organizzata dalla Petrosino Association in collaborazione con il museo, nell’ambito della mostra “How Petrosino Paved The Way”, dedicata all’eredità investigativa del detective.

La figura di Petrosino occupa un posto speciale nella storia della polizia americana: nato a Padula, in Campania, emigrato negli Stati Uniti da bambino, entrò nel New York City Police Department alla fine dell’Ottocento e fu tra i primi a lavorare sotto copertura contro le reti criminali che colpivano le comunità italiane. Nel 1909 fu ucciso a Palermo durante una missione investigativa, diventando l’unico agente dell’NYPD morto in servizio all’estero. La sua storia è stata negli anni oggetto di libri, film e studi accademici, anche in Italia, dove il suo nome è spesso associato alle origini della lotta alla mafia in chiave internazionale.

L'articolo Un documentario su Joseph Petrosino, il detective ucciso dalla mafia italiana proviene da IlNewyorkese.

A oltre cinque secoli dalla sua morte, Raffaello Sanzio continua a essere una figura centrale della cultura occidentale, capace di attraversare epoche e contesti diversi senza perdere forza né attualità. La mostra Raphael: Sublime Poetry allestita al Metropolitan Museum of Art – costruita attraverso una rete di prestiti internazionali e un lavoro pluriennale di ricerca – offre l’occasione per rileggere il suo percorso come un’esperienza pienamente immersa nel sistema politico, economico e culturale del suo tempo. In questa intervista, assieme a Giulia Silvia Ghia, storica dell’arte e assessora alla cultura del I municipio di Roma dal 2021, ed a partire dal suo podcast e dal libro Son Raffaello, il divin pittore, abbiamo provato a restituire un’immagine più complessa dell’artista: non solo autore di opere iconiche, ma figura capace di muoversi tra committenze, relazioni e strategie di diffusione, in un modo che, per molti aspetti, dialoga ancora con il presente.

Dottoressa Ghia, la prima cosa che volevo chiederle è molto semplice, ed è: perché Raffaello?

Raffaello è una figura che ha interpretato la bellezza del suo tempo in modo così universale che ancora oggi la riconosciamo: guardare le sue opere fa stare bene, in modo quasi immediato.

L’idea di lavorare su di lui è nata durante il Covid, quando eravamo chiusi in casa. In quel periodo cadevano le celebrazioni per i 500 anni dalla sua morte, nel 2020: mostre importanti, come quella alle Scuderie del Quirinale, aprivano e chiudevano a seconda delle restrizioni. Allo stesso tempo, uscivano molte ricerche nuove, spesso sostenute dal Comitato Raffaello, ma senza una reale diffusione. Per chi, come me, era coinvolto in quei gruppi di studio, era frustrante vedere scoperte importanti passare quasi inosservate.

Una delle più interessanti riguarda la Villa Farnesina, decorata da Raffaello per il banchiere Agostino Chigi. Studiando gli affreschi – a partire dalla Galatea e dagli episodi mitologici – si è scoperto che Raffaello non si limitava a raccontare la mitologia classica: recuperava anche tecniche e materiali antichi. Tra questi, il cosiddetto “blu egizio”, un pigmento artificiale inventato dagli Egizi, considerato il primo della storia.

A differenza degli altri colori, ottenuti da minerali naturali come terre e lapislazzuli, il blu egizio aveva una composizione complessa e non era più in uso nel Rinascimento. Raffaello lo riscopre grazie alla lettura di Vitruvio, che nei suoi trattati descrive anche le ricette dei pigmenti antichi. È un esempio molto concreto di come il Rinascimento non fosse solo imitazione dell’antico, ma anche recupero tecnico e sperimentazione.

Da qui nasce il progetto: raccontare un Raffaello diverso, aggiornato alla luce delle scoperte recenti, ma anche più umano. Il titolo, “Son Raffaello, il divin pittore”, gioca proprio su questo: da un lato il mito, dall’altro il tentativo di riportarlo a terra. Perché, oltre a essere un genio, è stato anche un protagonista pieno del suo tempo, quasi un imprenditore ante litteram della prima vera industria culturale creativa.

All’interno del podcast, una cosa che colpisce subito è questo Raffaello, interpretato chiaramente da Neri Marcorè, che parla in prima persona, come se fosse contemporaneo. Quanto c’è di interpretazione e quanto di ricostruzione storica e rigorosa in questa scelta narrativa?

La parte più complessa è stata trovare una sintesi. Per il podcast era necessario farlo, ma per arrivarci serve una conoscenza molto solida: studio, letture, materiali diversi. Solo così puoi semplificare senza banalizzare e rendere tutto comprensibile anche a chi non ha una formazione specifica.

L’obiettivo era proprio questo: rendere Raffaello più accessibile, quasi “pop”. Portare contenuti anche molto tecnici – come le indagini diagnostiche sui dipinti, le radiografie che rivelano il disegno sottostante o i cosiddetti pentimenti – dentro un racconto capace di coinvolgere anche chi non conosce la storia dell’arte o le tecniche esecutive.

Il lavoro è stato quindi raccogliere materiali eterogenei e restituirli in una forma narrativa più immediata. La prima persona serve a questo: permette a Raffaello di “confessare”, per esempio di aver modificato una figura poi scoperta proprio grazie alle analisi scientifiche. Rende il racconto più diretto, più immediato, senza il filtro di uno storico dell’arte che interpreta e media. Non perché quel filtro sia meno valido, ma perché rischia di risultare meno accessibile a chi non ha familiarità con certi linguaggi.

Nel podcast, però, non parla solo Raffaello. Le otto puntate sono costruite come monologhi paralleli: lui racconta, per esempio, un momento della sua vita o un’opera, e accanto a lui intervengono altre voci, come i committenti o figure del suo tempo. Non è un dialogo vero e proprio, ma un montaggio di prospettive: lo stesso episodio viene visto da più punti di vista, mettendo insieme il racconto dell’artista e quello di chi quell’opera l’ha voluta, commissionata, vissuta.

Al podcast poi si è affiancato, tempo dopo, il libro omonimo del podcast. È un libro che restituisce molto il contesto politico, sociale ed economico in cui Raffaello viveva e operava. Quanto era complessa la sua realtà, il settore in cui lavorava, rispetto a oggi? Era più facile fare l’artista nel rinascimento?

Secondo me non è cambiato così tanto. Più che altro cambia il contesto, ma resta centrale la capacità di cogliere le opportunità del proprio tempo.

Raffaello nasce nell’Italia dei comuni e delle signorie. Rimane orfano molto presto – prima la madre, poi il padre – e a dodici anni si trova già a lavorare nella bottega di famiglia. Da lì però capisce subito che Urbino gli sta stretta. Anche grazie ai contatti del padre e ai legami con la corte dei Montefeltro, riesce a entrare in circuiti più ampi e si sposta a Firenze.

A Firenze, però, non è tutto semplice. Si trova in un ambiente dominato da figure come Leonardo da Vinci e Michelangelo, che in quegli anni lavoravano a imprese come le grandi battaglie nel Salone della Signoria. Raffaello non sfonda subito lì, e infatti continua a lavorare anche per committenti umbri. Intuisce però che deve muoversi in modo diverso: punta molto sulle relazioni e sulle committenze, e sviluppa una grande abilità nei ritratti, dove riesce a cogliere qualcosa di più intimo dei soggetti.

Parallelamente produce moltissime Madonne, che erano tra le opere più richieste: oggetti quasi “necessari” nelle case dell’epoca. È anche così che costruisce la sua rete.

La svolta arriva con Roma e con il pontificato di Papa Giulio II. Raffaello arriva lì già raccomandato, entra in un ambiente competitivo e viene messo subito alla prova. Dopo un primo intervento nella Stanza della Segnatura, il Papa gli affida l’intero cantiere. Da quel momento si trova a coordinare altri artisti, anche più affermati di lui: una posizione complessa, che genera tensioni ma che lui riesce a gestire costruendo una vera squadra.

Da lì in poi il suo lavoro si espande: non è solo pittore, ma anche architetto, progettista, e arriva a ricoprire incarichi istituzionali come quello di sovrintendente delle antichità di Roma. In questo senso può essere visto quasi come un imprenditore della cultura.

Rispetto a oggi, forse c’era meno concorrenza in termini numerici, ma mancava completamente la rete che abbiamo oggi. Non esistevano strumenti di comunicazione rapidi, né la possibilità di circolare facilmente idee e lavori. Oggi siamo molti di più, ma anche infinitamente più connessi.

Per questo dire che fosse “più facile” fare l’artista nel Rinascimento è un po’ fuorviante: erano difficoltà diverse. Alla fine, allora come oggi, faceva la differenza la capacità di muoversi dentro il proprio tempo.

Fanno sorridere alcuni parallelismi rispetto alla modernità: si può parlare, di Raffaello, in termini di labor mobility, di stage, di pitch, di upselling, di blue ocean… tutto questo ci restituisce una figura “moderna” di Raffaello, imprenditore, manager. Sicuramente qualcosa che strizza l’occhio all’America odierna, al sogno americano che tanto si racconta: può essere qualcosa che ci aiuta a raccontare il personaggio e andare oltre l’estetica, comprendendo non solo le opere ma anche il loro contesto?

Sì, e in parte è proprio quello che abbiamo provato a fare, soprattutto nel libro. C’è una prima sezione che nel podcast non trovava spazio, in cui Raffaello viene collocato dentro il suo tempo: un’Italia frammentata tra stati, signorie e lo Stato Pontificio, molto più esteso di oggi. Raccontare questo contesto serve anche a capire meglio le sue opere.

Per esempio, negli affreschi delle Stanze Vaticane compaiono episodi legati direttamente alla politica del tempo. Papa Giulio II, che era un papa guerriero, partecipò personalmente a campagne militari – come quella contro i francesi nei territori di Bologna – e dopo una sconfitta fece voto di non tagliarsi la barba. Questo dettaglio si riflette nei ritratti: nella Stanza della Segnatura appare rasato, in quella successiva con la barba. Senza conoscere questi episodi, si perde un livello di lettura importante.

Ma il punto è proprio questo: Raffaello non era solo un artista, era immerso in un sistema complesso, fatto di potere, relazioni, committenze e opportunità. E qui i parallelismi con oggi iniziano ad avere senso.

Uno dei casi più interessanti è quello della diffusione delle sue opere. Vedendo il successo delle stampe di Albrecht Dürer, capisce che il valore non sta solo nell’opera originale, ma anche nella sua riproducibilità. Si affida quindi a Marcantonio Raimondi, incisore abilissimo, che traduce i suoi lavori su lastre di rame. Da lì si producono stampe che circolano in tutta Europa.

È, di fatto, una strategia di distribuzione: Raffaello diventa “grande” anche perché le sue immagini viaggiano. È anche così che diventa un artista riconosciuto e affermato, nonostante sia morto molto giovane, a 37 anni.

Ci avviciniamo alla mostra del Metropolitan Museum of Art, Raphael: Sublime Poetry. Ma prima, c’è qualcosa di diverso nel modo in cui viene percepito Raffaello negli Stati Uniti rispetto al pubblico italiano, anche magari in virtù di questo personaggio che, raccontiamo, strizza un po’ l’occhio al capitalismo americano?

Sì, una differenza c’è. In Italia Raffaello non è solo l’artista che si incontra dentro una mostra: è una presenza più diffusa, quasi strutturale. A Roma, per esempio, lo ritrovi in contesti molto diversi, dalle chiese agli spazi monumentali, dalla Villa Farnesina alle Stanze Vaticane. Fa parte di una narrativa quotidiana, e per questo alcune cose tendiamo a darle per scontate.

Negli Stati Uniti, invece, questo non succede. Qui Raffaello entra soprattutto nello spazio del museo, e quindi diventa fondamentale il modo in cui viene accompagnato e spiegato. Io, per esempio, guardo sempre con attenzione le didascalie, perché per me sono un elemento essenziale dell’accoglienza: non solo in termini di accessibilità fisica, ma anche di comprensione. E in questa mostra ho notato che fanno un ottimo lavoro, perché non danno nulla per scontato. Spiegano, per esempio, le Marche, Urbino, il fatto che quella di Raffaello fosse un’Italia diversa, fatta di comuni, signorie e Stati regionali. Per un pubblico americano questo è necessario; per un pubblico italiano magari fa sorridere, perché molte di queste cose le assorbiamo quasi per familiarità culturale.

L’aspetto più difficile da far capire, però, è un altro: il contesto originario delle opere. Cioè il fatto che molte nascessero per un luogo preciso, per una chiesa, per una cappella, per una committenza specifica, e che quindi dialogassero con uno spazio e con altre immagini. Oggi parleremmo quasi di opere site-specific, ma in realtà questo rapporto tra opera, luogo e committente esiste da sempre. Farlo percepire a chi vede quelle opere isolate, dentro il museo, non è semplice.

Secondo me la mostra riesce bene anche in questo, pur senza puntare tutto sui grandi capolavori più iconici. Anzi, trovo giusta la scelta di non spostare opere troppo delicate o troppo centrali per le collezioni che le conservano. Molte opere di Raffaello sono su tavola, quindi su legno: un supporto vivo, sensibile all’umidità e agli sbalzi di temperatura, molto più delicato da movimentare rispetto alla tela.

In compenso, la mostra racconta molto bene il lavoro di Raffaello e il suo processo creativo. Ci sono tantissimi disegni, alcuni davvero rarissimi, e proprio questa parte mi ha colpita molto. Per esempio, il percorso dedicato al Trasporto di Cristo al sepolcro della Galleria Borghese, noto come Pala Baglioni: invece di spostare la pala, si racconta la sua genesi attraverso studi preparatori, confronti con l’antico e persino con un sarcofago della collezione del Met che mostra una composizione simile. Così emerge con chiarezza quanto per Raffaello l’antico fosse una fonte continua di ispirazione.

Questa stessa storia, tra l’altro, è raccontata anche nel podcast: Raffaello ricostruisce il lavoro fatto per quell’opera, mentre parallelamente interviene la voce di Atalanta Baglioni, la madre del giovane Federico a cui la pala era dedicata, che racconta la commissione e il dolore da cui nasce. È uno dei casi in cui il racconto del podcast aiuta molto a restituire il pathos e il contesto umano dell’opera.

Per questo direi che negli Stati Uniti Raffaello viene percepito in modo forse più mediato, più spiegato, più guidato. In Italia, invece, è più immerso nel paesaggio culturale e quindi più “naturale”, ma anche più esposto al rischio di essere dato per scontato.

A me la mostra, pur partendo da una conoscenza già approfondita, ha comunque arricchito molto. Ho visto materiali che conoscevo solo dai libri e credo che meriti tempo: idealmente andrebbe vista con calma, o anche più di una volta, perché ha davvero molto da restituire.

Per questa mostra vi sono 200 opere che raccontano l’intero arco della carriera di Raffaello. Secondo lei, qual è l’aspetto di Raffaello che oggi viene ancora sottovalutato?

Forse l’aspetto più sottovalutato è quello umano. Raffaello viene spesso raccontato come una sorta di “macchina da guerra” perfetta, uno che per arrivare dove è arrivato ha dovuto per forza muoversi in modo aggressivo. Studiandolo, però, emerge un’altra immagine: quella di una persona estremamente empatica.

Questa dimensione si intuisce anche nelle fonti. Giorgio Vasari, nelle Vite, lo descrive come un uomo molto amato e lega la sua morte agli eccessi delle passioni amorose. Altre ipotesi parlano invece di un possibile avvelenamento, segno di un ambiente competitivo e anche violento, in cui rivalità e tensioni erano forti.

Al di là delle ricostruzioni, quello che colpisce è ciò che emerge dalle sue lettere, soprattutto quelle indirizzate allo zio: lì si percepisce il bisogno di dimostrare di essere indipendente, di essere all’altezza della figura paterna, che era stato a sua volta artista. È un lato più fragile, meno “mitizzato”.

Poi c’è il modo in cui lavorava. Raffaello non era solo un grande pittore, ma anche qualcuno capace di costruire e gestire una squadra. Coinvolgeva molto la bottega, affidava parti delle opere ai suoi collaboratori, partendo spesso da disegni preparatori che venivano poi sviluppati insieme. È anche per questo che esistono più versioni di uno stesso soggetto, soprattutto nelle Madonne, e che a volte è difficile distinguere cosa sia interamente di sua mano.

Questa capacità di fare squadra, di responsabilizzare gli altri, dice molto del suo carattere. Più che un artista isolato, era qualcuno che lavorava dentro un sistema collettivo, valorizzandolo.

Il podcast nasce anche da qui: dal tentativo di restituire questo lato più umano, meno distante. Farlo parlare in prima persona serve proprio a questo, a togliere un po’ di distanza e a far emergere non solo il “divin pittore”, ma una figura curiosa, concreta, immersa nel suo tempo.

Ultima domanda: di questa mostra mi ha colpito molto la lista degli enti prestatori. Sappiamo che questa è una mostra di prestiti internazionali e, senza nulla togliere agli altri Paesi che vi compaiono anche più volte, beh, c’è una sfilza quasi infinita di enti prestatori italiani: Accademia Carrara, Galleria Borghese, Gallerie Nazionali Barberini Corsini, Galleria Nazionale delle Marche, Galleria Nazionale dell’Umbria, Fondazione Brescia Musei, solo per citarne alcuni. Sicuramente questo ci racconta il grande patrimonio artistico che abbiamo qui in Italia – e del resto, Raffaello è “roba nostra”, anche se poi non era l’Italia di oggi ma ci piace pensarla sempre così per le cose nate e vissute nella Penisola, come con i Romani. Ma ci racconta anche di un rapporto con gli Stati Uniti che questa mostra suggella, no?

Sì, ed è un aspetto molto evidente. Questa mostra è il risultato di un lavoro lungo, circa sette anni, fatto di studi e soprattutto di relazioni costruite con musei e istituzioni. La curatrice ha lavorato in modo capillare, coinvolgendo moltissimi enti, in particolare italiani.

Le opere arrivate dall’Italia sono 37, ma avrebbero potuto essere anche di più. Il punto è che molte sono difficilmente movimentabili: per ragioni conservative, perché sono troppo delicate, oppure perché sono centrali per le collezioni che le custodiscono. Per alcuni musei, magari più piccoli, prestare l’unico Raffaello significa perdere temporaneamente un elemento fondamentale della propria identità e anche dell’attrattività verso il pubblico.

Dall’altra parte, negli Stati Uniti – e in particolare al Metropolitan Museum of Art – esiste una struttura che rende possibili operazioni di questa scala. Qui entrano in gioco i grandi sostenitori privati, come Morgan Stanley, che investono su progetti di altissimo livello. Non a caso negli ultimi anni hanno sostenuto mostre su Michelangelo e Leonardo da Vinci: puntano su figure che rappresentano un’eccellenza riconosciuta a livello globale.

Una mostra come questa ha costi molto alti – si parla di circa 10 milioni di dollari – e senza questo tipo di sostegno sarebbe difficile realizzarla. Non è solo una questione economica, ma anche di modello: i musei americani, pur essendo formalmente privati, funzionano come istituzioni profondamente pubbliche. Nascono e si sostengono grazie al contributo delle persone e dei grandi finanziatori, e vengono percepiti come un bene collettivo.

Questo si riflette anche nel modo in cui sono costruite le mostre: devono parlare a un pubblico ampio, restituire più livelli di lettura, permettere a chi entra di riconoscersi in qualche modo in ciò che vede.

In Italia il modello è diverso. I musei sono pubblici e lo Stato ha un ruolo centrale, anche nel rapporto con eventuali sponsor privati. Questo garantisce una tutela forte, ma rende più complessa – anche a livello culturale – una collaborazione strutturata con il privato su larga scala.

Quindi sì, questa mostra racconta anche questo: da un lato la densità del patrimonio italiano, dall’altro la capacità americana di valorizzarlo su scala internazionale, grazie a un sistema di risorse, relazioni e investimenti che consente di mettere insieme operazioni così ambiziose.

L'articolo Giulia Silvia Ghia racconta Raffaello, oltre i capolavori proviene da IlNewyorkese.

Il poco indagato rapporto tra moda e potere politico nell’Italia del Novecento sarà al centro dell’incontro fissato alla Casa Italiana Zerilli-Marimò il 30 marzo 2026, dalle 18:30 alle 20:00, dedicato alla presentazione della nuova edizione di Fashion under Fascism. Beyond the Black Shirt, pubblicata nel 2025 da Bloomsbury. L’evento vedrà protagonista Eugenia Paulicelli, docente alla City University of New York, in dialogo con Francesca Granata della Parsons School of Design. L’incontro fa parte del ciclo delle Alba Capriati Lectures, una serie di appuntamenti organizzati per il Women’s History Month e sostenuti da una donazione di Giosetta Capriati in memoria della sorella Alba Capriati (1935–2020), dedicati a figure femminili che hanno contribuito in modo significativo alla cultura e alla ricerca.

Il volume, considerato un testo di riferimento negli studi di moda, analizza come il regime fascista negli anni Trenta sia intervenuto in modo sistematico anche nelle pratiche quotidiane dell’abbigliamento. Attraverso politiche economiche e culturali – come la promozione dell’autarchia tessile, l’uso diffuso delle uniformi e la regolazione dell’estetica pubblica – il fascismo cercò di costruire un’identità nazionale coerente, utilizzando la moda come strumento di controllo sociale e propaganda. Paulicelli mostra come elementi apparentemente marginali, come il taglio degli abiti o la diffusione di determinati tessuti, fossero in realtà parte di un progetto politico più ampio. La nuova edizione amplia l’analisi includendo temi come la costruzione della mascolinità, il ruolo della moda nelle politiche razziali e coloniali e l’influenza del cinema degli anni Trenta nella diffusione di modelli estetici conformi all’ideologia del regime.

Uno degli aspetti centrali del libro è il collegamento tra queste politiche e lo sviluppo successivo del sistema moda italiano nel secondo dopoguerra. Attraverso interviste a figure come Fernanda Gattinoni e Micol Fontana, protagoniste della nascita dell’alta moda italiana, il volume evidenzia continuità e rotture tra il periodo fascista e l’affermazione internazionale del Made in Italy negli anni Cinquanta e Sessanta.

È possibile registrarsi all’incontro a questo link.

L'articolo Come il fascismo ha influenzato la moda italiana proviene da IlNewyorkese.

Si è conclusa, dopo otto settimane, la seconda edizione del progetto sviluppato da EssilorLuxottica insieme a La Scuola d’Italia, il Future Leaders Porgram: un percorso che ha messo gli studenti nella condizione rara di misurarsi con la realtà del mondo del lavoro prima ancora di entrarci.

La giornata finale – fatta di presentazioni, valutazioni e premiazioni – è stata solo il culmine di un lavoro più profondo, costruito settimana dopo settimana attraverso un’esposizione diretta ai meccanismi di una grande azienda globale. Un contesto che ha richiesto agli studenti di ragionare, strutturare e comunicare come se fossero già dentro quel mondo.

Fabrizio Uguzzoni, President, Americas Professional Solutions di EssilorLuxottica, che ha aperto la giornata ha subito spostato il focus dal risultato al percorso: “Se siete qui oggi, avete già vinto.” Nel corso delle settimane, gli studenti hanno avuto accesso alla possibilità di osservare da vicino come funziona davvero un’azienda. Dalla costruzione del prodotto fino alla sua distribuzione, passando per marketing, retail e ricerca, il programma ha restituito una visione completa. Un’esperienza che serve tanto a capire cosa si vuole fare quanto a chiarire cosa si preferisce evitare.

L’attenzione si è poi concentrata sulle presentazioni dei ragazzi, la cui qualità ha reso il compito dei giudici una sfida appassionante nella scelta del vincitore.

Alfonso Cerullo, President of LensCrafters and For Eyes at EssilorLuxottica Group, intervenuto ad aprire la fase di premiazione, ha voluto sottolineare l’eccellente livello dei lavori presentati, soffermandosi con particolare calore sul valore della partnership con La Scuola d’Italia, che ha saputo offrire agli studenti un’esperienza unica in una fase così delicata e formativa del loro percorso. Il suo auspicio è che questa opportunità abbia potuto regalare loro ispirazioni autentiche per le scelte professionali che li attendono. Cerullo ha infine tracciato un filo diretto tra il progetto e la mission di Gruppo EssilorLuxottica — Empowering Humans — riconoscendo nella formazione delle future generazioni un pilastro fondamentale per il raggiungimento di tale obiettivo.   

Anthony Martire, Head of School de La Scuola d’Italia Guglielmo Marconi di New York, ha sintetizzato l’esperienza con chiarezza: “L’esperienza è la porta d’ingresso al vero apprendimento.” Gli studenti hanno lavorato a stretto contatto con mentor, hanno posto domande, hanno messo in discussione approcci e logiche. Hanno, insomma, partecipato attivamente a un processo, sviluppando una forma di pensiero più autonoma e, in alcuni casi, già orientata al business.

Per Chiara Parisi, Executive Vice President of Human Resources di EssilorLuxottica, emerge un elemento diverso, ma complementare: il valore umano del percorso. La costruzione di relazioni, il lavoro condiviso nel tempo, la creazione di una dinamica che va oltre il progetto stesso. Non a caso, nella giornata finale, ha sottolineato quanto sarebbe mancata quella presenza quotidiana.

Chiara Samiolo, Sr Manager Talent Acquisition di EssilorLuxottica, coinvolta direttamente nel coordinamento operativo del programma, ha sottolineato quanto sia stato evidente, settimana dopo settimana, l’evoluzione degli studenti: non solo nella qualità delle idee, ma nel modo di porre le domande, sempre più strutturate e mirate.

Lavorare su una categoria come quella dei wearable ha permesso agli studenti di confrontarsi con un terreno non completamente esplorato. E questo ha fatto emergere una dinamica interessante: quando non esiste una risposta predefinita, conta molto di più il modo in cui si costruisce il ragionamento.

Le presentazioni finali dei quattro team sono state dei veri e propri pitch, costruiti su logiche di mercato, target, posizionamento e sostenibilità. Struttura, linguaggio e capacità di sintesi hanno restituito un livello di maturità che ha sorpreso anche chi, quel tipo di presentazioni, lo affronta quotidianamente.

La vittoria del team Meta Ray-Ban Display ha premiato la capacità di andare oltre, lavorare sul dettaglio e interpretare in modo efficace l’insight del consumatore. Ma tutti i gruppi hanno dimostrato di aver compreso il contesto, sviluppato una visione e tradotto quell’idea in un progetto strutturato.

Con il Future Leaders Program, EssilorLuxottica apre le proprie dinamiche interne agli studenti, accetta il confronto e si espone a uno sguardo esterno. Allo stesso tempo, La Scuola d’Italia dimostra la volontà di andare oltre il perimetro tradizionale della formazione, introducendo una preparazione al passaggio successivo: il mondo del lavoro. Il risultato è un rafforzamento del rapporto tra formazione e lavoro, a beneficio degli studenti che non portano solo un progetto, ma imparano un approccio che gli dona consapevolezza, concretezza e skill facilmente riutilizzabili.

L'articolo Oltre il progetto: otto settimane con EssilorLuxottica proviene da IlNewyorkese.

La grande comunità italiana del New Jersey, e in particolare i pugliesi d’oltreoceano partiti da Molfetta con una valigia piena di speranze, si prepara a celebrare un traguardo che ha il sapore dell’eternità: cento anni di storia, tradizione e identità, custoditi e tramandati grazie alla devozione verso la Madonna dei Martiri e all’ormai iconico Hoboken Italian Festival. Un secolo di Italia vissuto negli States, un secolo di sacrifici, di nostalgia, di orgoglio.

Il Gala annuale, che quest’anno ha riunito oltre 300 persone tra istituzioni americane, comunità italo‑americane e discendenti delle prime famiglie molfettesi emigrate, è stato un abbraccio collettivo tra passato e futuro. A rappresentare Molfetta erano presenti Roberto Pansini, International Ambassador SMDM/HIF, e Pasquale Minuto, manager della “Dio Lo Vuole Band”.

Nella prestigiosa cornice di Macaluso’s, il Gala ha brillato come una scena del Grande Gatsby: abiti scintillanti, atmosfere d’altri tempi, un’eleganza che sembrava voler rendere omaggio a chi, cento anni fa, lasciò tutto per ricominciare altrove. Una serata che ha unito stile, emozione e un profondo senso di appartenenza.

Durante la serata sono intervenuti rappresentanti istituzionali e della Società Madonna dei Martiri, che ha ufficializzato i nuovi Presidenti, stessa devozione:

• Lenny De Pinto per la Società Madonna dei Martiri, affiancato dal Vice-Presidente Nick Latino 
• Gennaro Cappelluti, Presidente dell’Hoboken Italian Festival, con Paolo De Sario come Vice Presidente

Parole, sguardi e applausi hanno raccontato ciò che nessun documento potrà mai contenere: l’orgoglio delle radici, la forza della fede, il valore della famiglia, la tradizione che attraversa le generazioni. È la prima comunità molfettese emigrata a raggiungere un traguardo così straordinario.

I Presidenti hanno ricevuto da Roma un attestato di merito per la valorizzazione del “Made in Italy negli USA” e un disco d’oro “edizione unica” dedicato ai 100 anni, firmato dalla Dio Lo Vuole Band, che tornerà sul palco a settembre per il grande evento.

E poi, come in ogni festa che si rispetti, è arrivata la sorpresa: una torta monumentale realizzata da Buddy Valastro, il Cake Boss più famoso d’America, orgogliosamente legato alle sue radici italiane. Quando la colonna sonora scelta per il taglio della torta è stata il brano scritto dalla “Dio Lo Vuole Band” per i 100 anni dell’Hoboken Italian Festival – un’idea di Roberto Pansini – l’emozione ha attraversato la sala come un brivido.

Il Gala è solo l’inizio. A settembre il cuore torna a battere forte, tutto inizierà con la Novena per la Madonna dei Martiri nella Chiesa di San Francesco ad Hoboken. Poi, dal 10 al 13 settembre, tutti sul lungomare, dove si potrà ammirare lo Skyline di New York con i maestosi grattacieli di Manhattan, gli addobbi ovunque del tricolore italiano, il verde, bianco e rosso: quattro giorni di festa, fede e memoria. La processione, nella giornata di Sabato 12 settembre, attraverserà le strade di Hoboken scrivendo una nuova pagina di storia, mentre dalla Puglia arriveranno istituzioni e devoti. La macchina organizzativa ad Hoboken è pronta a regalare sorprese indimenticabili, un valore che attraversa il tempo.

L’Hoboken Italian Festival the feast of Madonna dei Martiri racchiude un messaggio che non invecchia: il sacrificio di chi ha lasciato la propria terra per costruire una vita nuova, contribuendo alla crescita degli Stati Uniti senza mai dimenticare le proprie origini. È un ponte tra due mondi, un atto d’amore che dura da cento anni.

Save the date: 10–13 settembre 2026, Hoboken ti aspetta per celebrare un secolo di storia, fede e identità.
Per essere aggiornati e avere più informazioni visita il sito web: www.hobokenitalianfestival.com

L'articolo Un secolo di italiani a Hoboken: la comunità di Molfetta festeggia i 100 anni del suo festival proviene da IlNewyorkese.

Il COMITES di New York e il CONI Delegazione Stati Uniti, in collaborazione con la Grow Together Foundation e La Scuola d’Italia, organizzano la visione della partita di calcio Italia-Irlanda del Nord, valida come semifinale dei playoff di accesso ai Mondiali di Calcio 2026.

L’evento, gratuito e aperto alla comunità, si terrà giovedì 26 marzo alle ore 3:30 PM presso la sala conferenze della parrocchia della Old Saint Patrick’s Cathedral, situata al 32 Prince Street, New York.

Con questa iniziativa, il COMITES e il CONI Delegazione Stati Uniti desiderano vivere insieme, in uno spirito di condivisione e partecipazione, un importante appuntamento sportivo, invitando la comunità italiana e gli amici dell’Italia a riunirsi per sostenere gli Azzurri.

I partecipanti sono inoltre invitati, per chi lo desidera, a contribuire portando stuzzichini o dolci da condividere.

Si ricorda che, in caso di vittoria, la Nazionale Azzurra disputerà la finale dei playoff martedì 31 marzo.

È possibile effettuare la prenotazione attraverso questo link Eventbrite. Gli organizzatori desiderano rivolgere un sentito ringraziamento a Don Luigi Portarulo, per aver gentilmente messo a disposizione la sala della parrocchia, lo schermo televisivo e la sua calorosa ospitalità.

L'articolo Il COMITES di New York e il CONI USA organizzano la visione di Italia-Irlanda del Nord proviene da IlNewyorkese.

L’Italia ci riprova: dopo il fallimento contro la Svezia nel 2017 e contro la Macedonia del Nord nel 2022 gli azzurri cercano di nuovo il pass Mondiale passando ancora una volta dallo spauracchio chiamato spareggio. Due cicatrici ancora aperte. Due assenze al Mondiale che hanno cambiato la percezione di una Nazionale abituata ad essere sempre presente, e spesso protagonista, nei grandi eventi del panorama internazionale.

Oggi, a Bergamo, contro l’Irlanda del Nord, l’Italia sarà chiamata a battere non solo gli avversari ma anche i fantasmi delle disfatte precedenti, che continuano ad aleggiare nell’aria.

Il CT della Nazionale Gennaro Gattuso l’ha dichiarato apertamente: “È la partita più importante della mia carriera”. E non è retorica. È il peso specifico di una gara che vale tantissimo. La prima di due sfide playoff che possono ridare agli azzurri la partecipazione ad un Mondiale che manca da Brasile 2014: ma se l’Italia non vincerà stasera la seconda sfida neanche ci sarà.

Gattuso lo sa e da tempo prova a trasformare la pressione in energia. Ha scelto Bergamo, uno stadio caldo, compatto, lontano dalle tensioni delle grandi città e dei grandi stadi, come San Siro. Una scelta fatta per cercare un ambiente che sostenga invece di giudicare.

Dall’altra parte c’è una squadra che sembra costruita apposta per alimentare i fantasmi italiani.

L’Irlanda del Nord non ha nulla da perdere. E proprio per questo diventa ancor più pericolosa.

Il suo commissario tecnico, Michael O’Neill, è stato diretto: la pressione è tutta sugli azzurri. I suoi giocatori scenderanno in campo senza paura, con leggerezza, pronti a sporcare la partita, ad allungarla, a portarla dove l’Italia soffre di più: sul piano nervoso.

E poi c’è quella frase, apparentemente provocatoria, ma in realtà lucidissima, che ha già fatto tanto discutere: “Noi senza paura, l’Italia non ha più Totti e Del Piero”.

Si è detto e scritto molto su queste parole, che hanno ovviamente dato il titolo alla conferenza della vigilia del tecnico nord irlandese. Probabilmente Gattuso le userà come leva motivazionale per i propri ragazzi, per passare dalla tensione alla voglia di dimostrare il proprio valore.

In realtà, al di fuori del titolo che hanno regalato alla stampa, le parole del CT irlandese sono state molto meno nette. Alla domanda su quale sia il giocatore italiano che temono di più O’Neill ha risposto: “Non credo ci sia un singolo che ci faccia paura. Conosciamo bene l’Italia e la forza del suo centrocampo, ma questa squadra non ha un Del Piero o un Totti: la forza di questa Italia è nel gruppo e non nei singoli. Detto ciò, rispettiamo la squadra: ha elementi che giocano ad alto livello“.  

È vero. Ma è anche il punto centrale del discorso. Questa non è una squadra di stelle, è una squadra di sistema. Funziona se resta compatta, se non si sfalda al primo episodio negativo. Se non cerca un salvatore della Patria che, ad oggi, che non c’è.

Gattuso lo ha spiegato bene: ci saranno due gare. Una con il pallone e una senza. Senza palla servirà soffrire, accettare i duelli, reggere l’urto fisico e mentale di una squadra che vive di seconde palle, verticalità e aggressività. Con il pallone servirà lucidità, velocità, coraggio.

È qui che si giocherà la vera sfida: nella gestione delle emozioni.

Perché tecnicamente l’Italia è superiore. Tatticamente ha più soluzioni. Individualmente ha più qualità.

Ma tutto questo, contro la Svezia e la Macedonia del Nord, non è bastato.

Per inseguire la Finale play off contro la vincente tra Galles e Bosnia Gattuso dovrebbe mettere in campo un 3-5-2 che oramai è diventato una sorta di “marchio di fabbrica” azzurro, anche perché molti club in Italia giocano con la difesa a 3.

Nessun dubbio in porta, dove Gigio Donnarumma è sicuro della propria titolarità.

Recuperato Bastoni, che partirà al centro della difesa, con Mancini a destra e Calafiori a sinistra. Una soluzione per far giocare contemporaneamente Bastoni e Calafiori, anche se il difensore dell’Inter ha sempre convinto di più da “braccetto” che da riferimento centrale.

Il centrocampo, come ha evidenziato il CT nord irlandese, è sicuramente il punto forte degli azzurri: dovrebbero partire titolari Locatelli, Barella e Tonali, anche se quest’ultimo è reduce da un infortunio in Champions che l’ha tenuto fuori due settimane, proprio come Bastoni.

Sulle fasce Politano a destra e Di Marco a sinistra, abituati al ruolo di “quinti a tutta fascia” nelle proprie squadre, mentre in attacco tutti danno per scontato la presenza della coppia Kean–Retegui.

Un anno fa di questi tempi i due attaccanti si contendevano il titolo di capocannoniere della Serie A, oggi Retegui gioca nella poco allenabile lega Saudita, all’Al Qadsiah, mentre Kean è incappato in una stagione a dir poco negativa con la Fiorentina.

Fa rumore l’assenza dall’undici titolare di Pio Esposito, in rampa di lancio con l’Inter capolista, ma Gattuso evidentemente vuole affidarsi, almeno all’inizio, a giocatori esperti.

Ci sarà comunque tempo per cambiare in corso, con cinque cambia a disposizione e una gara lunga davanti. Potrebbe diventare lunghissima, se si dovesse andare ai supplementari…In quel caso i cambi a disposizioni diventerebbero addirittura sei.

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C’è un gap da colmare, e l’Italia ha deciso di farlo con un premio. Si chiama Superbook, è nato dall’Istituto Italiano di Cultura di New York, e il suo obiettivo è portare il meglio della narrativa italiana contemporanea al pubblico americano, quello stesso pubblico che fatica a trovare tradotti i vincitori dei principali riconoscimenti letterari italiani.

“Abbiamo pensato che fosse il modo migliore per colmare un gap grave del nostro paese come letteratura rispetto a concorrenti che non hanno niente di più da esprimere” ha spiegato il direttore Claudio Pagliara all’apertura dell’evento. Al suo fianco, il Console Generale Giuseppe Pastorelli ha inquadrato l’iniziativa in una cornice più ampia: raccontare l’Italia all’estero, sì, ma anche alimentare quella che ha definito un “motore economico” dell’industria culturale italiana.

Il primo panel, moderato dal giornalista Gianni Riotta, ha messo al centro due voci della narrativa italiana più recente: Nicola H. Cosentino, con C’è molta speranza, e Leonardo Sanpietro, autore di Festa con Casuario. Riotta li ha presentati come espressione di una “cultura italiana viva, contemporanea, che si sta maturando, che sta cambiando, che sta sperimentando,” capace di parlare alle nuove generazioni attraverso quello che ha chiamato il “linguaggio dello scrolling”, una narrativa veloce, tesa, modellata sui ritmi dell’attenzione digitale. Un elogio, non una critica.

Sanpietro ha descritto il suo romanzo come un “giallo non giallo”: la struttura thriller è un pretesto per scavare nell’interiorità dei personaggi. Il casuario, animale esotico e pericoloso, funziona da catalizzatore simbolico per le crisi dei protagonisti. La velocità della narrazione non è un vezzo stilistico ma una scelta consapevole: “la società in genere ha bisogno di più velocità,” ha detto, ammettendo di aver cercato di scrivere qualcosa che rispecchiasse quei ritmi. Sul fronte dei social media, Sanpietro è critico: li considera “strumenti congegnati male,” progettati per sfruttare le debolezze umane. E sull’intelligenza artificiale è cauto: ci vorrà tempo, secondo lui, prima che produca letteratura paragonabile a quella umana.

Cosentino ha raccontato che C’è molta speranza nasce da una crisi personale con la scrittura e da un’indagine sui desideri profondi delle persone. Il protagonista, chiamato semplicemente “H,” è un alter ego che si muove in un mondo dove è più facile esibire paure che esprimere speranza. Trovare la propria voce, ha detto Cosentino, ha significato “uccidere” i suoi maestri letterari. Il suo approccio alle nuove tecnologie è più disteso: ha paragonato le preoccupazioni odierne sui social a quelle sui fumetti degli anni Cinquanta, e ha fatto notare che “non abbiamo mai letto così tanto proprio perché esistono i social media.” L’IA, per lui, è un nuovo competitor ma non una minaccia esistenziale: il desiderio umano di lasciare un’impronta personale, sostiene, garantirà la continuità dell’arte.

Entrambi hanno riflettuto sulla possibile risonanza delle loro opere oltreoceano. Sanpietro ha puntato sull’universalità del tema centrale del suo libro, l’angoscia giovanile legata all’identità e al futuro, come chiave per raggiungere lettori americani. Cosentino ha presentato il suo romanzo come un “catalogo” e una “mappatura di tutti i desideri della contemporaneità,” con una domanda semplice al centro: qual è il desiderio più grande del cuore? La copertina, con Coney Island, è già un omaggio agli Stati Uniti.

“La mission di questo premio è che un pubblico più vasto possibile americano conosca il valore della nostra letteratura contemporanea,” ha concluso Pagliara. Il Superbook è appena cominciato.

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Dal 2 al 10 aprile 2026, Sullaluna – New York ospita The Soul of the Neighborhood (NEW YORK VISTA DALLA LUNA), progetto artistico e narrativo di Michela Rossi, fumettista, illustratrice e art director italiana. L’iniziativa è realizzata con il sostegno della Ragusa Foundation for the Humanities e si concluderà con una mostra finale aperta al pubblico e con la futura pubblicazione di un art book a cura di Red Star Press.

Pensato come un’indagine visiva sul presente urbano, il progetto nasce dal desiderio di osservare e raccontare la New York contemporanea attraverso il ritratto illustrato, la presenza diretta nei luoghi e l’ascolto delle persone che abitano il quartiere. Per tutta la durata della residenza, Michela Rossi realizzerà circa 50 ritratti dal vivo di clienti, lavoratori, passanti e figure legate alla vita quotidiana di Sullaluna e del suo contesto urbano.

I disegni saranno affiancati, quando possibile, da brevi conversazioni e appunti raccolti durante l’esperienza. L’obiettivo è costruire un racconto corale capace di restituire, attraverso l’illustrazione, il volto umano e sociale della città: non solo i singoli volti, ma anche le relazioni, le atmosfere e le tensioni che attraversano il quartiere.

Luogo centrale del progetto è Sullaluna, bookshop e bistrot indipendente del West Village, spazio che unisce cultura visiva, ricerca gastronomica e vita comunitaria. In questo contesto, la residenza si configura come un osservatorio sul paesaggio umano di New York e sul rapporto tra identità individuale e spazio urbano.

Il progetto prevede inoltre due momenti di confronto con il mondo accademico statunitense: il 6 aprile 2026 presso Yale University, nel corso Excess Italian Style del professor Alessandro Giammei, e il 7 aprile 2026 presso Casa Italiana Zerilli-Marimò – New York University, nel corso WEIRD ITALY del professor Andrea Capra. I due incontri approfondiranno il ruolo dell’illustrazione come strumento di interpretazione culturale e narrazione del reale.

La conclusione pubblica della residenza è prevista per venerdì 10 aprile 2026, con l’opening della mostra che presenterà al pubblico le opere realizzate nel corso della settimana.

Dall’esperienza nascerà inoltre il volume illustrato The Soul of the Neighborhood, pubblicato da Red Star Press tra estate e autunno 2026, concepito come estensione narrativa e visiva del progetto. A completare il percorso sarà anche un articolo dedicato sul quotidiano nazionale Domani, di cui Michela Rossi è art director, con una riflessione sui temi emersi durante la residenza.

Con The Soul of the Neighborhood, Michela Rossi costruisce un archivio visivo della memoria quotidiana, in cui il disegno diventa strumento di dialogo, osservazione e testimonianza, capace di raccontare la città attraverso i volti di chi la vive.

Michela Rossi è fumettista, illustratrice e art director. Ha pubblicato racconti e graphic novel con Einaudi Stile Libero, Feltrinelli Comics e Oblomov Edizioni. Nel 2022 ha vinto il Premio Nuovi Talenti al Romics con Prima di tutto tocca nascere e nel 2023 ha ricevuto il Premio Gran Guinigi per il lavoro di curatela nella sezione fumetti di Domani. Collabora come illustratrice, fumettista e autrice con testate e realtà editoriali come Domani, Vogue, Linus, Esquire, Cosmopolitan e Rolling Stone. Dal 2024 insegna presso IED Roma ed è attualmente art director presso Perfectogether.

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La segretaria generale del Consiglio Generale degli Italiani all’Estero, Maria Chiara Prodi, e il presidente della Fondazione Museo Nazionale dell’Emigrazione Italiana, Paolo Masini, hanno firmato alla Farnesina un protocollo d’intesa volto a rafforzare la collaborazione tra le due istituzioni.

L’accordo, siglato nell’ambito della riunione del Comitato di Presidenza, prevede lo sviluppo di iniziative congiunte per la tutela, la valorizzazione e la diffusione del patrimonio storico, documentario e iconografico dell’emigrazione italiana. Al centro anche la collaborazione nei campi della ricerca storico-scientifica e della museografia, oltre allo scambio di competenze per promuovere attività dedicate alla storia e all’attualità della diaspora italiana.

Tra gli obiettivi dell’intesa figurano inoltre la realizzazione di progetti di formazione scuola-lavoro, sia in presenza sia da remoto, e la valorizzazione del ruolo delle rappresentanze degli italiani all’estero.

A seguito della firma, si è tenuta una prima riunione operativa durante la quale sono stati individuati i progetti prioritari su cui avviare la collaborazione.

“Dalle cooperative sportive create dagli italiani in tutto il mondo ai successi e alle storie della rappresentanza degli italiani nel mondo, passando per il comune obiettivo di offrire agli studenti italiani tante chiavi di lettura per comprendere l’emigrazione quante sono le storie dei singoli e delle comunità passate e presenti: i progetti su cui ci siamo impegnati oggi danno immediata operatività all’accordo siglato”. È quanto ha dichiarato la segretaria generale del CGIE Maria Chiara Prodi.

“Siamo convinti che quella dell’emigrazione sia la più grande narrazione popolare e collettiva del nostro Paese – ha affermato il presidente della Fondazione MEI Paolo Masini –. Una narrazione che affonda le radici nel passato e che allo stesso tempo ci parla del presente. Il Consiglio Generale degli Italiani all’Estero attraverso i suoi rappresentanti costituisce una linfa vitale in questo percorso condiviso”.

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Alla Casa Italiana Zerilli-Marimò, centro culturale della New York University dedicato alla promozione della cultura italiana negli Stati Uniti, torna l’Italian Book Club, il gruppo di lettura in lingua italiana aperto al pubblico. Il prossimo incontro è fissato per martedì 31 marzo 2026, dalle 18:30 alle 20:00, e si svolgerà online sulla piattaforma Zoom.

Il club nasce per offrire uno spazio in cui esercitare la lingua italiana attraverso la discussione di libri contemporanei. I testi vengono proposti direttamente dai partecipanti e, nella maggior parte dei casi, sono opere di autori italiani recenti, scelti per la capacità di riflettere evoluzioni linguistiche e trasformazioni sociali. Per questo incontro, il testo scelto è Il maestro e l’infanta di Alberto Riva, romanzo ambientato tra Italia e Spagna nel 1720. Il libro prende spunto dal mondo della pittura barocca e racconta il rapporto tra una giovane aristocratica e il suo maestro di musica, riflettendo sull’identità, il potere e i rapporti sociali. La conversazione è aperta, con l’invito esplicito a intervenire attivamente.

La Casa Italiana ospita l’iniziativa senza intervenire nella selezione dei titoli, lasciando al gruppo piena autonomia nelle scelte editoriali. Per iscriversi e ricevere le informazioni operative è necessario contattare direttamente il coordinatore del club. La partecipazione è gratuita, ma il numero di posti è limitato: ci si può prenotare qui.

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Una “collezione” di tre boutique hotel con annessi ristorante stellato e spa, collocata tra il Lago d’Orta e la Penisola di Sorrento, per una vacanza da scegliere tra la quiete del lago, il “friccicore” del mare o il relax assoluto della campagna sorrentina. Ce la offre il celebre chef Antonino Cannavacciuolo insieme alla moglie Cinzia Primatesta: Laqua Collection riapre la sua stagione il 3 aprile, ed è un’esperienza davvero imperdibile per chi voglia sperimentare il meglio dell’hospitality italiana.

Il primo resort,Laqua by the Lake, si trova a Pettenasco, in Piemonte, affacciato sull’incantevole Lago di Orta, gemma incastonata tra le Alpi e i boschi collinari al fianco del Lago Maggiore. Offre cinque camere doppie, quattordici suite e due attici panoramici, e per un soggiorno davvero speciale la splendida Villa sul Lago, una vera e propria casa con servizi privati. In più, la Longevity Suite, spa dove consigliamo di provare il massaggio di coppia “deep rejuvenating” o il classico individuale “deep infinity” e il ristorante stellato Cannavacciuolo by the Lake, guidato dallo chef Gianni Bertone, che per la Pasqua propone anche la colomba artigianale e le uova al cioccolato del Cannavacciuolo Lab. Occhio ai pacchetti per coppie e per famiglie, per i bambini è prevista persino una “caccia alle ovette”. 

Se preferite la campagna, ecco il Laqua Countryside, 8 camere immerse tra il verde degli uliveti e il profumo degli agrumi sulle colline di Ticciano, dimora d’infanzia dello chef Antonino in provincia di Napoli. Anche qui troverete un ristorante insignito di una stella Michelin, dove potrete farvi deliziare dallo chef Nicola Somma. Da provare il menù degustazione “Nonna Fiorentina” o, per la Pasqua, lo speciale che celebra la primavera attraverso piatti come calamaro con fave e limone, risotto con asparagi e un dessert da urlo che combina cioccolato, lampone e limone candito.

Avete scelto il mare? Laqua by the Sea, a Meta di Sorrento, è il posto che fa per voi,dal quale potrete anche facilmente raggiungere le incantevoli Positano e Amalfi, gli scavi di Pompei e l’iconica isola di Capri. Ci sono sei camere vista mare, arredate secondo i principi del Feng Shui, e l’offerta pasquale prevede un pacchetto per due notti con rituale benessere in spa, colomba artigianale del laboratorio Cannavacciuolo in camera e cena al ristorante stellato Laqua Countryside con menù degustazione “Nonna Fiorentina” o lo speciale di Pasqua. 

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Buona la prima, e questo ci dà la possibilità di giocare la seconda partita del play off di accesso al Mondiale. La più importante.

Attenzione adesso a cantar vittoria troppo presto, perché la partita decisiva, che deciderà del destino calcistico del calcio azzurro, si giocherà in trasferta, in casa della Bosnia.

Ma facciamo un passo indietro, a ieri sera. La scelta di Gattuso di giocare la gara a Bergamo è stata vincente, perché nonostante un primo tempo sottotono gli azzurri non hanno mai visto mancare il supporto dello stadio.

Come aveva anticipato in maniera premonitrice il CT, è facile immaginare che San Siro o lo Stadio Olimpico avrebbero messo dentro, a fine primo tempo, qualche mugugno in più e qualche applauso di incoraggiamento in meno…

La ripresa ha visto la nostra nazionale uscire fuori alla distanza, riuscendo a scardinare il muro irlandese nell’unico modo possibile, grazie ad una gran conclusione da fuori di Tonali.

Sbloccata la gara e stanati gli avversari dal proprio fortino la partita è stata in discesa per gli azzurri, bravi a chiuderla con Moise Jkean per non soffrire fino alla fine.

Adesso Gattuso avrà quattro giorni per ricaricare i suoi e preparare la difficile trasferta in Bosnia: guai abbassare la guardia, contro una squadra ricca di vecchie conoscenze del calcio italiano, ma guai anche a metterci troppo timore reverenziale.

L’Italia è più forte della Bosnia, non servirà una grande impresa, dovrà solo mettere in campo i propri valori e fare una partita seria, come contro l’Irlanda del Nord.

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La cerimonia degli Oscar cambierà sede per la prima volta dopo oltre venticinque anni. L’Academy of Motion Picture Arts and Sciences ha annunciato che, a partire dalla 101ª edizione prevista per il 2029, gli Academy Awards si terranno al Peacock Theater, nel complesso di L.A. Live a Los Angeles. L’accordo, siglato con AEG, prevede che la nuova sede ospiti la cerimonia almeno fino al 2039. Si tratta di una scelta che interrompe una lunga continuità logistica e simbolica, legata all’identità stessa degli Oscar.

Dal 2002, infatti, la cerimonia si è svolta sempre al Dolby Theatre, struttura progettata proprio per accogliere eventi cinematografici e televisivi di grande scala. L’unica eccezione recente risale al 2021, quando l’edizione fu trasferita alla Union Station per adattarsi alle restrizioni sanitarie durante la pandemia di COVID-19. Il Peacock Theater – già sede della cerimonia degli Emmy Awards – offre una configurazione più flessibile per eventi live e una collocazione integrata in un distretto dell’intrattenimento che concentra arene, studi e spazi per produzioni televisive.

Il cambiamento della sede fa parte di una una serie di trasformazione del modello distributivo della cerimonia. Sempre dal 2029, la trasmissione degli Oscar non sarà più affidata alla rete televisiva ABC, che deteneva i diritti da decenni, ma passerà a YouTube. L’evento negli ultimi anni ha infatti registrato un calo degli ascolti televisivi e ora punta a intercettare un pubblico più giovane e globale attraverso lo streaming. In Italia, dove la cerimonia continua a essere seguita soprattutto in seconda serata o in differita su piattaforme e canali tematici, il cambiamento potrebbe incidere sulle modalità di accesso e sulla diffusione dell’evento, rendendolo più immediato ma anche più frammentato rispetto alla tradizionale trasmissione televisiva.

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Davide Angiuli non arriva al suo primo film per caso. Nato a Bari, cresciuto nei quartieri che oggi racconta, ha attraversato anni di formazione tra scrittura e regia, passando per laboratori, sviluppo di progetti e cortometraggi. Cattiva strada, presentato al BIF&ST e in uscita in sala il 26 marzo, è il suo esordio nel lungometraggio. Ma ha già qualcosa di molto definito: uno sguardo interno, personale, che usa il genere senza appartenergli davvero.

Il film segue Donato, interpretato da Malich Cissé, un ragazzo che vive nella periferia barese, si prende cura della nonna malata di Alzheimer (interpretata da Lucia Zotti) e fatica a trovare una direzione. L’incontro con Agust, criminale albanese legato a un codice d’onore rigido, a cui dà corpo Giulio Beranek, lo trascina dentro una spirale di rapine e scelte sempre più difficili. Ma raccontata così è solo metà della storia.

Perché Cattiva strada non è davvero un film sul crimine.

Angiuli, il suo film si inserisce in un filone molto riconoscibile, quello del crime di periferia. È stato un punto di partenza consapevole?

«Credo che oggi il cinema di periferia sia diventato quasi un genere, con delle regole, delle aspettative. Quando entri in quel territorio, in qualche modo devi confrontarti con quei codici, anche solo per decidere come usarli. Nel mio caso non è stata una scelta calcolata a tavolino, ma è stata una conseguenza naturale del voler raccontare un mondo che conosco. Io sono cresciuto in quegli ambienti, tra quelle strade, e quando ho sentito l’esigenza di raccontare una storia ho capito che l’unico modo per farlo in maniera autentica era partire da lì. Poi certo, una volta che ti muovi dentro quel contesto, sai che esistono dei riferimenti, dei modelli. Alcuni li accetti, altri provi a piegarli, a spostarli. Ma non puoi ignorarli del tutto».

Però il film sembra sottrarsi alla dimensione più spettacolare del crimine.

«Perché non era quello che mi interessava. Non volevo fare un film sulla criminalità, non volevo raccontare un’ascesa o una carriera criminale. Il crimine nel film è presente, certo, ma è più uno strumento che un tema. È qualcosa che attraversa la storia, che mette in moto gli eventi, ma il centro è un altro. A me interessava raccontare una condizione emotiva, quella di Donato, il suo senso di smarrimento, il suo bisogno di trovare un posto nel mondo. La criminalità diventa una delle strade possibili, forse la più immediata, ma non è il punto del discorso».

Il rapporto tra Donato e Agust è il cuore del film, ma non è una relazione “classica”.

«No, infatti non volevo che fosse una dinamica semplice, tipo maestro-allievo. È un rapporto molto più ambiguo. Sono due personaggi profondamente soli, in modi diversi, che si incontrano e si riconoscono in quella solitudine. Questo li avvicina, ma allo stesso tempo li rende anche pericolosi l’uno per l’altro. È un legame che può sembrare di formazione, ma è anche una forma di dipendenza reciproca. C’è un bisogno molto forte di appartenenza, di non sentirsi più soli, e questo bisogno li porta ad accettare compromessi, a spingersi oltre. Non è una relazione sana, ma è reale. E in qualche modo, nonostante tutto, è anche una relazione che li tiene in vita».

Quindi è un film sulla solitudine più che sulla criminalità.

«Sì, direi proprio di sì. Per me il film è questo: il tentativo disperato di non essere soli. Donato è un personaggio che non si sente a proprio agio con sé stesso, che non riesce a trovare una collocazione. E allora cerca qualcosa a cui aggrapparsi: una persona, un gruppo, una famiglia, anche se quella famiglia è costruita su basi fragili o pericolose. Mi interessava raccontare questo passaggio, questo momento in cui si è disposti a tutto pur di sentirsi parte di qualcosa».

Anche la forma del film sembra andare in quella direzione: molto addosso ai personaggi, poco respiro.

«È stata una scelta precisa. Volevo che lo spettatore fosse dentro il film, non fuori a guardare. Abbiamo lavorato con una macchina da presa molto vicina ai corpi, limitando i campi larghi, cercando di restituire una sensazione quasi fisica, di pressione. Il film corre, non si ferma mai davvero, un po’ come il protagonista. È una specie di corsa continua, senza pause, e questo contribuisce a creare quella sensazione di apnea che accompagna tutta la storia».

Bari nel film non è mai una semplice ambientazione.

«No, per me era fondamentale che non fosse solo uno sfondo. Bari è parte del racconto, è un elemento attivo. Le periferie, le strade, gli spazi che si attraversano diventano parte dell’esperienza dei personaggi. E credo che questo venga anche dal fatto che è una città che conosco molto bene. Non volevo raccontarla in maniera estetizzante o stereotipata, ma restituirla per quello che è, con le sue contraddizioni. È un luogo duro, ma anche pieno di energia, di vita».

Nel film si avverte anche una tensione tra il restare e l’andarsene.

«Sì, è un tema che mi tocca personalmente. Io a un certo punto sono andato via da Bari, e non è stata una scelta semplice. Però è stata anche una forma di salvezza, perché sentivo che stavo imboccando delle strade che non mi avrebbero portato lontano. Quando vai via, però, cambia anche il modo in cui guardi il luogo da cui vieni. Riconosci cose che prima non vedevi, ti mancano aspetti che magari prima davi per scontati. Nel film questa tensione c’è: restare significa appartenere, ma anche rischiare di rimanere intrappolati. Andare via significa perdere qualcosa, ma forse anche salvarsi».

È un film di formazione, ma senza una vera redenzione.

«Sì, non mi interessava raccontare una crescita lineare, con una soluzione chiara. La vita non funziona così. Ci sono momenti in cui capisci qualcosa di te, ma non è detto che questo basti a cambiare tutto. Donato arriva a una presa di coscienza, ma non è una liberazione nel senso classico. È più un’accettazione, anche dolorosa, di quello che è. E forse questo è già un passo».

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Per una sera, Roma ha messo da parte il romanticismo e si è trasformata nello scenario perfetto per un matrimonio tutt’altro che tradizionale. Alla Casina Valadier è andato in scena il lancio di Finché morte non ci separi 2, in arrivo al cinema dal 9 aprile, con un evento costruito attorno alle atmosfere dark e ironiche del film.

Protagoniste della serata Kathryn Newton e Sarah Michelle Gellar, arrivate a Roma per accompagnare il debutto del sequel e immergersi, insieme agli ospiti, in questo “matrimonio” fuori dagli schemi.

La trasformazione della location è stata totale: la facciata illuminata da proiezioni a tema, mentre all’interno tutto richiamava un banchetto nuziale decisamente inquieto. Pavimenti rosso sangue, composizioni floreali dark, cocktail a tema e una torta decorata con immagini del film contribuivano a creare un’atmosfera sospesa tra eleganza e macabro. Sopra tutto, un abito da sposa scenografico dominava la balconata, come un simbolo perfetto del tono del film.

Durante la giornata, Newton e Gellar si sono anche prestate a una serie di attività ispirate al film nei giardini di Villa Borghese, tra cui un giro in golf car, prima di posare per uno shooting con Roma sullo sfondo.

Sul red carpet, Sarah Michelle Gellar ha messo l’accento sull’ambiguità dei personaggi, cuore del film: «Nessuno di noi è buono al 100% o cattivo al 100%». E parlando del suo ruolo, ha aggiunto con ironia: «Essere cattivi è sicuramente molto più divertente». Un’idea che riflette anche il modo in cui il film usa l’horror, non solo come strumento per spaventare, ma per esplorare qualcosa di più vicino alla realtà

Newton, invece, ha parlato soprattutto dell’aspetto più fisico del film e del suo coinvolgimento diretto nelle scene d’azione: «Mi piace fare i miei stunt da sola», raccontando anche quanto il set sia stato energico e caotico al punto giusto: «Ci siamo divertiti da pazzi». E sul tono del film non ha dubbi: «Non sai quando e come arriverà il sangue».

Nel sequel torna Samara Weaving nei panni di Grace, ancora una volta al centro di una storia che parte da un matrimonio e prende rapidamente una piega molto più violenta del previsto. Accanto a lei, un cast che include anche Elijah Wood, con la regia affidata di nuovo a Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett.

Se il primo film giocava con l’idea del “vissero felici e contenti”, questo sequel sembra voler spingere ancora di più sul lato oscuro della favola — parlando anche, sotto la superficie, di potere e di cosa le persone sono disposte a fare pur di ottenerlo e mantenerlo. In fondo, in certi matrimoni, la promessa “finché morte non ci separi” può diventare molto più letterale del previsto.

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È stata inaugurata il 23 marzo Raphael: Sublime Poetry, la più grande mostra internazionale di prestiti negli Stati Uniti dedicata a Raffaello, in programma dal 29 marzo al 28 giugno 2026 al Metropolitan Museum of Art. Raffaello (Raffaello di Giovanni Santi; 1483–1520) è considerato uno dei più grandi artisti di tutti i tempi e questa esposizione di portata storica esplorerà l’intero arco della sua vita e della sua carriera: dalle origini a Urbino, agli anni prolifici a Firenze – dove iniziò ad affermarsi come pari di Leonardo da Vinci e Michelangelo – fino all’ultimo decennio trascorso alla corte papale di Roma. Riunendo oltre 200 tra i più importanti disegni, dipinti, arazzi e opere di arti decorative di Raffaello, provenienti da collezioni pubbliche e private di tutto il mondo, la mostra offrirà una nuova prospettiva su una figura centrale del Rinascimento italiano, affiancando capolavori celebri a opere raramente esposte per rivelare una mente creativa straordinaria.

Lo sponsor presentatore della mostra è Morgan Stanley. Il finanziamento principale è garantito da Kenneth C. Griffin e Griffin Catalyst, e da Jessie e Charles Price. Un supporto significativo è fornito dalla Richard Riney Family Foundation, dalla Ing Foundation e da Anthony W. e Lulu C. Wang. Ulteriore supporto è assicurato da Julie e David Tobey, Barbara A. Wolfe, Gilbert e Ildiko Butler, e Ann M. Spruill e Daniel H. Cantwell.

Max Hollein, direttore e amministratore delegato del Met, ha dichiarato che “l’Italia è da tempo uno dei partner più importanti del Met e la nostra collaborazione con musei e istituzioni culturali italiane continua a prosperare. Le partnership attraverso mostre, borse di studio e prestiti reciproci rendono possibile mettere in dialogo opere straordinarie tra diverse collezioni, approfondendo la nostra comprensione del mondo attraverso i millenni. Insieme possiamo continuare a condividere la ricchezza del patrimonio artistico italiano con il pubblico di New York, dell’Italia e di tutto il mondo.”

Tra i principali capolavori in mostra figurano La Madonna col Bambino e san Giovannino in un paesaggio (Madonna Alba) della National Gallery of Art, uno degli esempi più emblematici della maestria di Raffaello negli ideali di armonia e bellezza classica dell’Alto Rinascimento, che sarà messa in dialogo con i disegni preparatori conservati al Museo di Belle Arti di Lille, e il Ritratto di Baldassarre Castiglione, oggi al Louvre, ampiamente considerato uno dei più grandi ritratti dell’Alto Rinascimento.

Tra gli enti prestatori figurano, tra gli altri: Accademia Carrara (Bergamo), Albertina (Vienna), Ashmolean Museum (Oxford), British Museum (Londra), Galleria Borghese (Roma), Gallerie Nazionali Barberini Corsini (Roma), il Duca del Devonshire e i Trustees of the Chatsworth Settlement (Chatsworth), Galleria Nazionale delle Marche (Urbino), Galleria Nazionale dell’Umbria (Perugia), Kupferstichkabinett (Berlino), Louvre (Parigi), Fondazione Brescia Musei (Brescia), National Gallery (Londra), National Gallery of Art (Washington, D.C.), Museo Nazionale di Capodimonte, Palais des Beaux-Arts (Lille), Patrimonio Nacional de España (Madrid), Pinacoteca Comunale di Città di Castello, Pinacoteca Nazionale (Bologna), Prado (Madrid), Städel Museum (Francoforte), Szépművészeti Múzeum (Budapest), Gallerie degli Uffizi (Firenze) e i Musei Vaticani.

«Il percorso di sette anni che ha portato alla realizzazione di questa mostra è stato un’occasione straordinaria per rimettere a fuoco la mia comprensione di questo artista monumentale», ha affermato Carmen Bambach, Marica F. and Jan T. Vilcek Curator del Dipartimento di Disegni e Stampe del Met. «È un’opportunità entusiasmante per confrontarsi con la sua personalità artistica unica attraverso la potenza visiva, la profondità intellettuale e la tenerezza delle sue immagini».

Tra gli ospiti dell’inaugurazione presente anche il ministro della Cultura italiano, Alessandro Giuli, che ai microfoni dei giornalisti presenti ha sottolineato il valore dell’operazione «di ricerca e contributo dei più importanti musei italiani per una mostra che nei 250 anni che si festeggia l’indipendenza degli Stati Uniti ha come effigie principale Raffaello. L’Italia dà un contributo storico, artistico, eccezionale, in una mostra all’interno della quale compaiono pezzi da collezioni private, contributi dai più importanti musei del mondo e questo rende ancora più importante e significativo il fatto che sia Raffaello a rappresentare questo momento magico della cultura italiana e questa relazione speciale che unisce l’Italia agli Stati Uniti»

Nonostante sia vissuto appena 37 anni, Raffaello raggiunse un successo così profondo come pittore, progettista e architetto da essere considerato, per secoli dopo la sua morte, il vertice della perfezione artistica. Figlio di un pittore e poeta, Raffaello entrò in contatto con i principali scrittori e pensatori del suo tempo a Roma, mostrando una sensibilità poetica che affascinò i contemporanei e le generazioni successive. Unendo ambizione e lirismo, creò opere dotate di grande spessore intellettuale e profondità emotiva, qualità essenziali nel complesso panorama politico delle corti rinascimentali.

La mostra si svilupperà seguendo un andamento grosso modo cronologico, ripercorrendo la vita e la carriera di Raffaello, con sezioni tematiche dedicate all’evoluzione delle sue idee e della sua iconografia. Saranno inoltre integrate recenti scoperte scientifiche. Mettendo in relazione i disegni con i dipinti e con opere realizzate in altri media, l’esposizione illustrerà la straordinaria versatilità e il processo creativo di Raffaello. Le composizioni figurative nei suoi dipinti, disegni, cartoni per arazzi e incisioni rivelano un narratore senza pari, e la mostra dedicherà particolare attenzione alla sua rappresentazione delle donne: dall’uso pionieristico di modelle nude alle interpretazioni sensibili della Madonna con il Bambino.

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Alla presentazione romana di Finché morte non ci separi 2, Sarah Michelle Gellar e Kathryn Newton parlano di sangue, sorellanze tossiche, potere e umorismo nero come se fossero le cose più naturali del mondo.

È curioso pensare che siano passati quasi sette anni dal primo Finché morte non ci separi, Ready or Not, questo il titolo originale del film. Sette anni sono abbastanza per cambiare il mondo, o almeno la percezione che si ha del mondo. Non abbastanza, però, per cambiare davvero la sorte di Grace. Nel sequel, Ready Or Not 2: Here I Come, la protagonista, interpretata da Samara Weaving, torna esattamente lì dove l’avevamo lasciata: viva, sì, ma senza alcuna possibilità di fermarsi davvero. Non perché abbia scelto qualcosa, ma perché certi universi narrativi non concedono tregua ai propri personaggi migliori.

Il film riparte quasi subito, senza il conforto di una distanza, emotiva o temporale, dal massacro precedente. Grace si risveglia in ospedale poche ore dopo aver visto esplodere davanti a sé il marito e l’intera famiglia acquisita. Non ha nemmeno il tempo di dare un senso a ciò che è successo, perché arriva subito una nuova minaccia. E soprattutto arriva un mondo più grande.

Nel primo capitolo l’idea era semplice e geniale: una sposa entra in una famiglia ricchissima e scopre che l’ingresso nell’élite passa attraverso un gioco mortale. Qui invece quel gioco si espande, si organizza, diventa sistema. I seguaci del signor Le Bail non sono più solo una famiglia, ma una rete. Grace, sopravvissuta e unica erede possibile, diventa un ostacolo da eliminare.

C’è un momento in cui capisci che Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett non stanno cercando di trattenersi. Non vogliono replicare il primo film in tono minore, vogliono rilanciare. La violenza è più teatrale, il sangue più abbondante, il caos più consapevole. 

Eppure, sotto tutto questo, resta qualcosa di molto concreto. Famiglia, eredità, identità, appartenenza. Non è un caso che proprio su questo, durante l’incontro romano, le attrici siano tornate più volte. «Il film è un’esplorazione delle famiglie e dei diversi tipi di legami… soprattutto quando senti di avere delle responsabilità verso le altre persone», racconta Gellar. È una chiave di lettura che non cancella il caos, ma lo rende leggibile.

Gellar, che interpreta la miliardaria Ursula Danforth, è probabilmente la presenza più solida e magnetica del film. «Non voglio mai una caricatura, voglio un personaggio… anche quando è cattivo deve avere una ragione», spiega. Ed è esattamente quello che succede: Ursula è crudele, vanitosa, spietata, ma ha una logica interna, un bisogno di controllo, un’identità costruita dentro una struttura familiare che la definisce e la limita allo stesso tempo.

Allo stesso tempo, Gellar non nasconde il piacere del ruolo: «essere cattivi è sicuramente molto più divertente». Ed è una frase che sembra riassumere perfettamente il tono del film, che si muove continuamente tra il gioco e la ferocia.

Accanto a lei, Kathryn Newton porta un’energia completamente diversa. Più nervosa, più fisica, più contemporanea. La sua Faith, sorella di Grace, è instabile, ambigua, imprevedibile. Ed è proprio questo a renderla interessante. Il rapporto tra le due non è mai lineare, e diventa uno dei pochi spazi emotivi veri dentro un film dominato dal potere.

Newton lo racconta con entusiasmo: «Ho detto sì al progetto perché Matt e Tyler sono dei geni… mi hanno detto che avevano scritto questo ruolo per me». Ma insiste anche su un altro aspetto: il corpo. L’azione. «Mi piace fare le stunts… è stata una delle cose più divertenti». E si vede. Il suo modo di stare nel film è fisico, concreto, sempre in movimento.

Questa concretezza attraversa tutto il film. Anche nella costruzione delle scene. Durante la conferenza si è parlato molto del fatto che molte sequenze sono state realizzate in modo pratico: esplosioni vere, effetti reali, sangue costruito sul set. 

E poi c’è Grace, naturalmente. Ancora col vestito da sposa devastato, ancora costretta a correre con l’aria di chi ha smesso da tempo di stupirsi dell’assurdità che la circonda. Samara Weaving fa di nuovo quello che sa fare benissimo: trasforma l’esasperazione in stile, il panico in ritmo, la resistenza in una forma di comicità stremata. Però questa volta il meccanismo rischia un poco la ripetizione. Il film, non dandole quasi nessun respiro tra il primo trauma e il secondo, finisce per sacrificare una possibile evoluzione del personaggio in favore dell’urgenza della trama.

Gellar, invece, riporta tutto a un altro tipo di relazione: quella con il pubblico. Inevitabilmente torna Buffy l’ammazzavampiri. «L’amore che ricevo dai miei fan è incredibile… è qualcosa che sento da tutta la vita», racconta. Ed è proprio questo legame a permetterle di non restare intrappolata in un’unica immagine: «non ho paura di sperimentare… non so mai in quale personaggio qualcuno mi riconoscerà». Buffy, Daphne di Scooby-Doo, Cruel Intentions, The Grudge: identità diverse, tutte accolte, tutte ancora vive.

Uscito negli Stati Uniti il 20 marzo e atteso nei cinema italiani dal 9 aprile,  Finché morte non ci separi 2 non sempre riesce a essere altrettanto preciso nella scrittura. Dove il primo capitolo era più affilato nella satira, nel modo in cui metteva in scena l’élite, il privilegio, il denaro, qui quella componente si diluisce. C’è ancora il piacere, molto cinematografico, di vedere l’1 per cento autodistruggersi, ma la scrittura morde meno. Però ha energia, scala, corpi lanciati dentro il massacro con convinzione assoluta. Ha Gellar che si prende la scena con controllo totale, Newton che la destabilizza, Weaving che continua a correre senza fermarsi mai.

E alla fine torna anche quello che ha detto Gellar sull’horror: «se una persona esce felice dal cinema, abbiamo fatto il nostro lavoro».

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Il design italiano torna protagonista a Washington, DC con la decima edizione della Giornata del Design Italiano nel mondo in sinergia con la quinta edizione della rassegna “Italian Design Week”, che si è tenuta ieri presso l’Ambasciata d’Italia a Washington e che si concluderà questa sera con un ricevimento offerto a Villa Firenze dall’Ambasciatore d’Italia negli Stati Uniti, Marco Peronaci, in onore del Ministro della Cultura Alessandro Giuli, alla presenza dei protagonisti della Giornata del Design.

Il filo conduttore dell’edizione 2026 è stato quello del Re-design nel segno della rigenerazione, una visione che attraversa architettura, industria, città e società, proponendo nuovi modelli di sviluppo sostenibile e inclusivo. A interpretare questo tema come ospite d’onore è stato Mario Cucinella, architetto di fama internazionale e fondatore e direttore creativo di MCA – Mario Cucinella Architects. 

Pioniere della progettazione come empatia creativa, Cucinella ha portato a Washington l’esperienza di uno studio leader nella trasformazione degli spazi urbani a livello globale, dimostrando come innovazione tecnologica e responsabilità ambientale possano convergere in una nuova economia rigenerativa. Nella stessa giornata è stata inaugurata in Ambasciata anche l’installazione itinerante “Sustainability Box”, che racconta in modo giocoso e interattivo la filosofia dello studio, espressione dell’empatia creativa che incarna l’approccio di Mario Cucinella e dello studio MCA – Mario Cucinella Architects.

Strategica la collaborazione con OICE – Associazione delle organizzazioni italiane di ingegneria, architettura e consulenza tecnico-economica, un’alleanza che rafforza il posizionamento dell’Italia come partner tecnologico di primo piano e valorizza l’eccellenza dei progettisti italiani sui mercati internazionali. Tra i “Keynote speaker” Marco Ragusa, Direttore Generale Affari Internazionali di OICE, il cui Vice Presidente Alfredo Ingletti è il primo italiano a ricoprire la carica di Presidente della Federazione Mondiale dell’Ingegneria e della Consulenza (FIDIC), un traguardo simbolo del riconoscimento internazionale dell’ingegneria italiana. 

Protagonisti dell’evento anche Azzurra Morelli (Pellemoda), Carlotta de Bevilacqua (Artemide), Carla Migliardi (SINERGIE) e Valeria Lorenzelli (Progetto NEARRES), premiate assieme allo stesso Ingletti come “campioni” di innovazione creativa e sostenibilità.

L’edizione di quest’anno della “Italian Design Week” rinnova la collaborazione tra Ambasciata, Istituto Italiano di Cultura e IMARK di Roberta Marcenaro Lyon. L’evento si conferma piattaforma privilegiata per raccontare il Made in Italy e come momento di incontro tra istituzioni, imprese, architetti e attori dei mondi economici e culturali di Italia e Stati Uniti. 

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L’analisi della nuova emigrazione italiana e le trasformazioni in atto nelle comunità all’estero saranno oggetto di approfondimento dei webinar organizzati dalla VII Commissione tematica “Nuove emigrazioni, generazioni nuove” del Consiglio Generale degli Italiani all’Estero, presieduta da Matteo Bracciali.

“L’emigrazione italiana oggi – Dialogo con Lorenzo Di Lenna, Fondazione Nord Est” è il titolo del primo incontro che si svolgerà il 1° aprile alle 17:30, nel corso del quale si approfondiranno i dati e le dinamiche strutturali dei flussi migratori in uscita, il profilo socio-professionale dei migranti, le principali destinazioni e le implicazioni per il sistema economico e territoriale italiano.

Il secondo webinar si svolgerà lunedì 20 aprile alle ore 17.30 e sarà dedicato alla presentazione della ricerca “Crescere Expat – famiglie italiane in giro per il mondo”, curata da Eleonora Voltolina e promossa dalla Fondazione Migrantes. Uno studio che offre uno sguardo specifico sulle famiglie italiane all’estero analizzando dimensioni educative, lavorative e identitarie della mobilità contemporanea.

Entrambi i webinar prevedono un momento di confronto con i Consiglieri del CGIE e dei Comites, per analizzare i risultati delle ricerche con la rappresentanza istituzionale degli italiani all’estero e con le prospettive operative delle comunità residenti nei territori di emigrazione.

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Dalla Lega Pro italiana ai campus americani, fino alla creazione di un’università internazionale nel cuore di Roma. Stefano Elio Radio, presidente del Roma City Institute, racconta il percorso che lo ha portato a costruire un ponte concreto tra Italia e Stati Uniti, unendo sport, formazione accademica e visione globale. In questa intervista ripercorre le origini del progetto, il modello educativo innovativo e le sfide future, tra crescita internazionale e sviluppo di nuovi talenti.

Presidente, la sua storia dimostra che anche lei è un ponte vivente tra Italia e Stati Uniti. Come è nato questo rapporto?
Come tutte le cose, nasce per caso. Arrivo negli Stati Uniti nel 2013 grazie a Giorgio Antongirolami, una delle persone con cui poi ho costruito tutto quello che abbiamo creato. Lui allenava un college americano dal 1996 e, a un certo punto, mi ha offerto una borsa di studio per fare un Master in Business grazie al calcio. All’epoca parlavo pochissimo inglese e provavo a fare il calciatore professionista in Italia: avevo giocato negli ultimi anni in Lega Pro, quindi ero uno di quei tanti bravi ma non abbastanza per giocare “at the highest level”. Ho colto l’opportunità e sono partito.

Arrivato negli Stati Uniti mi sono accorto che gli italiani che facevano sport nelle università erano pochissimi, mentre c’erano ragazzi da tutto il mondo: inglesi, spagnoli, brasiliani, tedeschi. Ci siamo chiesti perché gli italiani non sfruttassero questa possibilità e la risposta era semplice: mancava un ponte.

Da lì abbiamo creato College Life Italia, oggi una delle agenzie più grandi al mondo, con l’idea di aiutare studenti italiani a ottenere borse di studio grazie allo sport. Dal 2013  abbiamo aiutato circa 350 ragazzi all’anno, con l’obiettivo di dare un’alternativa a chi è bravo ma non abbastanza per diventare professionista, perché lo sport può comunque essere un veicolo per diventare professionisti in altri settori.

Nel 2018 abbiamo fatto un passo in più: creare il ponte inverso, portare studenti-atleti americani in Italia. Così è nato il Rome City Institute, partendo da un master in sports management. Oggi siamo un’università con accreditamento americano, con 400 studenti in 11 discipline, il 90% provenienti da Stati Uniti e Canada, con l’obiettivo di arrivare a 1000 studenti entro due anni.

Se dovesse definire il Rome City Institute, come lo descriverebbe?
È una domanda che ci siamo posti anche noi per anni. Poi un imprenditore texano ci ha dato una chiave: ci ha detto che abbiamo fatto quello che facevano gli antichi romani e greci, cioè mettere lo sport al centro della comunità.

Il 100% dei nostri studenti sono atleti, ma non vogliamo essere etichettati come università sportiva, perché sarebbe limitante. Non significa che chi fa sport debba studiare solo sport. Infatti la facoltà più diffusa è International Business.

L’idea è lavorare con atleti, perché lo siamo stati anche noi e crediamo nei valori dello sport, e formare leader del futuro: imprenditori, economisti, politici. Chi pratica sport sviluppa competenze che non si imparano sui libri e avrà sempre una marcia in più rispetto a chi non lo ha mai fatto.

Quindi puntate su una nuova figura di atleta, capace di diventare anche uomo d’affari?
Certo. In Europa il problema è che molti atleti professionisti non hanno una formazione accademica e smettono a 35-37 anni trovandosi in difficoltà. Negli Stati Uniti, invece, il 99% degli atleti è laureato perché tra i 18 e i 22 anni compete a livello collegiale.

Questo cambia tutto: anche chi diventa professionista è già preparato per il dopo. E la maggior parte non lo diventerà, quindi avere una carriera accademica parallela ti dà una marcia in più nel mondo del lavoro.

Qual è il target del Rome City Institute?
Lo studente tipico è un ragazzo americano che si diploma in un liceo e pratica sport a buon livello. Può scegliere il percorso tradizionale negli Stati Uniti oppure venire a Roma e vivere un’esperienza simile, ottenendo una laurea accreditata americana.

Roma è fondamentale per due motivi: è una delle città più belle al mondo e offre un’esperienza internazionale unica. Vivere all’estero anche solo per un anno dà una marcia in più rispetto a chi segue un percorso tradizionale.

Quali sono gli sport più praticati dai vostri studenti?
Calcio, basket, pallavolo, football americano – dove siamo anche diventati owner del 15% della nuova lega – tennis, nuoto, golf, lacrosse, canottaggio, hockey su prato.

Un dato interessante è che il 40% dei nostri studenti è femminile, una percentuale molto alta e piuttosto rara per un’università di atleti.

Gli USA ospiteranno i Mondiali di calcio 2026 questa estate. Il calcio negli Stati Uniti è cambiato negli ultimi anni?
Con l’arrivo di Messi qualcosa è cambiato. Il calcio è sempre stato molto praticato, soprattutto a livello femminile, ma meno seguito rispetto a football americano, baseball e basket.

Oggi però è lo sport più praticato tra gli under 14. Il movimento cresce, anche se il gap economico rispetto agli altri sport resta. Ci sono scuole calcio con migliaia di ragazzi e il sistema si sta sviluppando.

Con la Serie A lavoriamo per aumentare la visibilità negli Stati Uniti attraverso il programma “Serie A Elite”, portando il brand anche in realtà locali e selezionando giovani talenti che possono fare esperienze in Italia.

E sul livello della nazionale americana?
Ci sono giocatori come McKennie e Pulisic e ne arriveranno altri. Gli Stati Uniti hanno 300 milioni di abitanti: è naturale che diventino competitivi anche nel calcio. Sarà interessante vedere i risultati nei prossimi anni.

Qual è oggi la percezione della Serie A negli Stati Uniti?
La Premier League domina il mercato: la maggior parte degli americani segue squadre inglesi. La Serie A sta cercando di crescere, anche grazie a un ufficio a New York, ma non è semplice perché competiamo sia con altri campionati sia con altri sport.

La chiave è creare tifosi: una persona segue un campionato solo se ha una squadra del cuore. Se non tifi una squadra, non guardi Lecce-Verona. Ma se sei tifoso del Lecce, allora sì. È una sfida complessa, ma importante.

Tornando a voi, perché uno studente americano dovrebbe scegliere il Rome City Institute?
Fare un’esperienza internazionale è fondamentale per il successo di un giovane. Per chi vuole unire sport e studio a livello internazionale, noi siamo l’unica realtà fuori dagli Stati Uniti che offre questo modello.

Qui ci si allena tutti i giorni con allenatori di livello nazionale e si studia in un ambiente internazionale. È un percorso diverso, e chi fa scelte non convenzionali viene spesso visto meglio anche nel mondo del lavoro.

Un’esperienza da noi può aprire porte che un percorso tradizionale non apre.

Qual è la visione che la guida e che tipo di impatto vuole lasciare nel lungo periodo?
Per me creare un’università da zero è qualcosa di straordinario, oggi raro. L’obiettivo è lasciare una legacy, qualcosa che possa durare anche dopo di me, magari per i prossimi 500 anni.

Siamo partiti con 15 studenti, poi 30, oggi siamo 400. Abbiamo costruito un modello che funziona, con studenti soddisfatti e una comunità diversa da quella tradizionale.

Siamo poco accademici nel senso formale, ma molto seri nei contenuti: vogliamo dimostrare che si può fare università anche in modo diverso, unendo studio, sport, divertimento e senso di comunità.

La vostra sede è nel cuore di Roma, in una location molto suggestiva. Quanto conta questo aspetto?
Molto. Il campus era quello della Temple University per 50 anni. Anche questo è nato quasi per caso: quando si è liberato non avevamo ancora i numeri, ma abbiamo creduto nella nostra visione.

Oggi molti studenti americani vengono in Italia per brevi periodi, i cosiddetti “study abroad”. Noi invece puntiamo sugli studenti che fanno l’intero percorso di laurea a Roma.

I nostri 400 studenti sono tutti degree seeking, cioè completano qui il loro percorso. L’obiettivo è arrivare a 1000 studenti e diventare l’università americana con più studenti di questo tipo in Italia.

In futuro vogliamo anche aumentare gli studenti italiani, dal 5% al 20%, perché studiare in un ambiente internazionale dà un vantaggio enorme anche restando in Italia.

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La Rappresentanza Permanente d’Italia all’ONU a New York ha ospitato, il 25 marzo, una riunione della Global Partnership for Education (GPE), fondo globale incardinato nella Banca Mondiale e principale partenariato internazionale dedicato all’accesso all’istruzione nei Paesi in Via di Sviluppo. L’incontro rientra tra le iniziative dell’Italia per promuovere il rifinanziamento del Global Partnership for Education (GPE), rappresentato alla riunione dall’Amministratrice Delegata Laura Frigenti.

Nel suo intervento di apertura, il Rappresentante Permanente Giorgio Marrapodi ha evidenziato il forte impegno dell’Italia a sostegno della promozione di un’istruzione accessibile e di qualità, una priorità della politica estera, del modello di cooperazione allo sviluppo italiano e una delle principali direttrici d’azione del Piano Mattei. Istruzione, formazione e acquisizione di competenze, ha osservato l’Ambasciatore, sono tra i fattori chiave per incentivare innovazione, rafforzare inclusione sociale e “non lasciare nessuno indietro”, come recita il motto dell’Agenda 2030.

L’Italia ha ufficialmente annunciato l’intenzione di co-organizzare insieme alla Nigeria la campagna di rifinanziamento del GPE per il periodo 2026-2030 in occasione di un evento ai margini dell’Assemblea Generale delle Nazioni Unite il 24 settembre 2025, al quale hanno partecipato il Vice Ministro degli Esteri e della Cooperazione internazionale Edmondo Cirielli, il Vice Presidente nigeriano Kashim Shettima e il Presidente del GPE (ed ex Presidente della Tanzania) Jakaya Kikwete.

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Ogni anno, la società britannica QS Quacquarelli Symonds pubblica la QS World University Rankings by Subject, una delle classifiche più utilizzate a livello internazionale per misurare il prestigio e l’efficacia delle università nel mondo. L’edizione 2026 analizza oltre 21.000 programmi accademici in più di 1.900 università distribuite in oltre 100 paesi, suddividendo i risultati in 55 discipline e cinque grandi aree di studio, dalla medicina alle scienze sociali.

All’interno della classifica compare anche l’Università degli Studi di Napoli Federico II, che riesce a posizionarsi tra le prime 100 università al mondo in alcune discipline specifiche. Il risultato riguarda in particolare aree come Ingegneria civile e strutturale, Scienze veterinarie, Lettere classiche e Odontoiatria, confermando una presenza competitiva in ambiti molto diversi tra loro. La Federico II, fondata nel 1224 e tra le più antiche università pubbliche al mondo, è anche uno degli atenei italiani con maggiore ampiezza disciplinare e numero di studenti, e da anni lavora su programmi di internazionalizzazione e collaborazioni scientifiche, elementi che incidono direttamente nei criteri di valutazione della classifica.

Nel complesso, il sistema universitario italiano mostra una crescita nella presenza globale: sono 60 gli atenei italiani inclusi nella classifica (erano 56 nel 2025), per un totale di 769 posizionamenti nelle diverse discipline. Tra questi, l’Università di Bologna resta il punto di riferimento con 50 presenze nelle classifiche per materia, mentre la Federico II ne registra 31. Più che una singola eccellenza isolata, il quadro che emerge è quello di un sistema diffuso, in cui la competitività si gioca soprattutto sulla capacità di mantenere standard elevati in più discipline contemporaneamente e di rafforzare il peso della ricerca italiana nei circuiti accademici globali.

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I referendum erano, sono e rimangono la metafora della democrazia. Quello che dicono è quello che dicono i cittadini e i responsi vanno accettati nel loro valore oggettivo. In Italia molta gente è corsa alle urne (quasi il 60 per cento, in controtendenza rispetto alle ultime consultazioni amministrative) per dire NO a due quesiti che riguardavano l’impianto della riforma della giustizia: la separazione delle carriere tra magistrati inquirenti e giudicanti e la formazione di due nuovi CSM con un cambio storico di metodo di composizione, ovvero il sorteggio.

La vittoria dei NO congela la riforma della giustizia, che probabilmente in questo Paese non si farà mai, e scatena un vero e proprio terremoto politico. Il ministro della Giustizia Nordio per ora resiste ma cadono le teste del sottosegretario Del Mastro e del capo di gabinetto Bartolozzi, entrambi protagonisti di polemiche molto forti e in controluce, diciamo così, nei giorni che hanno preceduto il voto.

Mentre scriviamo si è dimessa il ministro del Turismo Santanchè, coinvolta da tempo in varie inchieste che nulla però hanno a che fare con il suo operato al governo. La sensazione e forse la tentazione è quella di un Meloni bis, ma al di là di tutto colpisce la quantità e la qualità del voto.

Hanno votato tanti giovani che evidentemente non solo non vogliono cambiare qualcosa che per loro ha a che fare con una sorta di solidità costituzionale, ma hanno anche espresso una loro inquietudine al di là di quesiti che rimangono secondo me molto tecnici.

In America ci sono le elezioni di midterm, un termometro appunto per i presidenti in carica. Qui, a un anno dalle nuove politiche, maggioranza e opposizioni si sono misurate a tutto campo senza fare metafore, con un premier costretto a scendere nella battaglia viva negli ultimi giorni perché la narrazione del Sì era diventata debole.

Quante volte abbiamo detto che in questi tempi di Internet noi viviamo in un mondo di narrazioni? L’abilità del narratore non sempre copre il problema dell’oggetto profondo della narrazione medesima.

L’Italia è un Paese in trasformazione e tutti hanno capito che la geopolitica può cambiare il nostro quotidiano (energia, benzina e costo del denaro). Le ferite di Tangentopoli che dal 1992 mettono di fronte politica e giustizia contano meno, mi sembra, dell’arrivare a fine mese o avere chiaro un progetto per il futuro.

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Come noto da ieri, il referendum costituzionale confermativo del 22 e 23 marzo sulla riforma della giustizia ha prodotto un dato piuttosto netto: in Italia ha vinto il No, con il 53,23% dei voti contro il 46,77% del Sì; considerando anche l’estero, l’affluenza complessiva si è fermata al 55,70%, mentre rimanendo nei confini nazionali ha restituito un ottimo 58,93%, uno dei dati più alti degli ultimi anni. Tornando al risultato, fuori dai confini il quadro è ribaltato: nella circoscrizione Estero il Sì ha prevalso con il 56,34%, mentre il No si è fermato al 43,66%. È uno scarto che non cambia l’esito finale, ma conferma ancora una volta che il voto degli italiani residenti fuori dall’Italia tende ad avere una geografia politica diversa da quella interna.

Nella ripartizione America settentrionale e centrale, che comprende Stati Uniti, Canada, Messico e i Paesi dell’area caraibica e centroamericana, gli elettori iscritti erano 481.988. I votanti sono stati 108.203, pari al 22,45%: è un dato significativamente più basso rispetto all’affluenza complessiva nazionale, ma che rientra nella media dell’affluenza estera, che varia tra il 23 e il 31% a seconda delle consultazioni. Le schede nulle sono state 8.367, le bianche 551, mentre le contestate risultano 5.

Sul piano del risultato, però, l’indicazione è chiara: anche in questa area ha prevalso il Sì, con circa il 60% dei consensi, contro il 40% del No. È uno scarto netto, in controtendenza rispetto al dato italiano, dove la riforma è stata respinta. Il Nord America e il Centro America si allineano così alla tendenza generale della circoscrizione Estero, in cui il Sì ha superato il 56%, mentre in Italia si è fermato sotto la metà.

Il comportamento dell’elettorato all’estero non è però uniforme. Se nelle Americhe e nelle altre ripartizioni extraeuropee il Sì ha prevalso, in Europa ha vinto il No, replicando in parte l’orientamento interno. Questo elemento segnala che le differenze non dipendono solo dalla distanza geografica, ma anche dalla composizione delle comunità italiane nei diversi Paesi. Ci arriviamo tra poco.

Per capire questa differenza bisogna infatti tornare all’introduzione del voto all’estero. Il sistema attuale nasce con la legge 459 del 2001, che istituì la circoscrizione Estero e introdusse il voto per corrispondenza per gli italiani iscritti all’AIRE. La prima applicazione su larga scala arrivò con le elezioni politiche del 2006, quando per la prima volta gli italiani residenti fuori dal Paese elessero propri rappresentanti in Parlamento. In quell’occasione, i seggi assegnati all’estero risultarono decisivi per la maggioranza al Senato, contribuendo alla vittoria dell’Unione guidata da Romano Prodi con uno scarto molto ridotto. Fu il primo segnale del peso politico di questo elettorato, che è spesso citato tra i possibili fattori chiave per ribaltare gli scrutini.

Questo lo si deve principalmente a due fattori: il bacino di elettorato, che consta di quasi cinque milioni e mezzo di elettori, abbastanza per ribaltare qualsiasi risultato anche calcolando l’affluenza media, che finisce per portare al voto comunque un milione e mezzo circa di elettori; ed il fatto che i risultati del voto all’estero arrivano sempre più tardi, quando in linea di massima il risultato nazionale sembra chiaro: in caso di poco scarto sono voti che possono risultare altamente decisivi.

Il ritardo dello scrutinio è dovuto ad una ragione prettamente tecnica: il voto dei cittadini esteri avviene per corrispondenza nelle settimane precedenti al voto e le buste con i voti vengono raccolte e dislocate in cinque sedi per lo scrutinio: Milano, Bologna, Firenze, Roma e Napoli. Il voto all’estero, avvenendo per corrispondenza, è un sistema molto fragile e soggetto a brogli, pertanto è previsto un sistema di verifica più accurato: ad ogni voto è associato un codice che corrisponde a quello dell’elettore. Prima di inserire la scheda, gli scrutatori devono assicurarsi che il codice contenuto nel plico corrisponda effettivamente ad un singolo elettore. Il procedimento è dunque molto lento.

Un’altra costante sulle circoscrizioni estere per capire le tendenze di voto riguarda la diversa composizione delle comunità italiane nelle varie aree del mondo. Nelle Americhe, e in particolare in Nord America, la presenza italiana è storicamente più stratificata, con comunità radicate da generazioni e una partecipazione politica meno legata al dibattito quotidiano italiano. In Europa, invece, prevale una mobilità più recente, fatta di lavoratori e studenti che mantengono un legame più diretto con la politica nazionale. Questa differenza si riflette spesso nei risultati: le Americhe tendono a esprimere posizioni più favorevoli al cambiamento, mentre l’Europa si avvicina maggiormente al comportamento elettorale interno.

Restano però alcune criticità strutturali. Il voto per corrispondenza, pur ampliando formalmente la platea degli elettori, è esposto a problemi ricorrenti oltre che al già citato rischio di brogli: ritardi postali, indirizzi non aggiornati, dispersione geografica e una quota di schede nulle più alta rispetto all’Italia. Il dato dell’affluenza in America settentrionale e centrale – poco più del 22% – sintetizza bene questi limiti. Da anni si discute di possibili riforme del sistema, tra cui l’introduzione di modalità di voto alternative, ma per ora non sembra esserci all’orizzonte un intervento.

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Il 27 marzo 2026, nell’ambito di un simposio internazionale dedicato al rapporto tra opera e innovazione tecnologica, debutta in prima assoluta alla Casa Italiana Zerilli-Marimò Le Voci dello Stretto, opera in un atto composta da Roberto Scarcella Perino su libretto di Eugenio Refini. L’evento fa parte del progetto “Music Theater and New Technologies”, un programma di ricerca che indaga come strumenti digitali e nuove modalità produttive possano intervenire nella scrittura musicale e nella costruzione scenica, in un momento in cui il teatro musicale contemporaneo tende sempre più a lavorare su formati agili e dispositivi tecnologici integrati.

La produzione, curata da Ginevra Petrucci, prevede un organico ridotto, con un trio composto da violino (Anthony Bracewell), violoncello (Luke Krafka) e pianoforte (Matthieu Cognet), e un cast composto da Suchan Kim nel ruolo di Pellegrino, Emma Marhefka e Anna Maria Vacca in una doppia funzione vocale tra figure mitologiche e personaggi simbolici, e Bernard Holcomb nel ruolo di Colapesce. Una parte centrale è affidata anche al Children’s Chorus della Scuola d’Italia Guglielmo Marconi di New York, diretto da Lauren Marie Gismondi.

La struttura narrativa riprende elementi della tradizione legata allo Stretto di Messina – Scilla, Cariddi, la Fata Morgana, Colapesce – riorganizzandoli in una vicenda costruita attorno a un evento apparentemente inspiegabile: la comparsa e la scomparsa di un ponte tra Sicilia e Calabria osservata da un falco, Pellegrino. Il dispositivo drammaturgico si muove tra racconto mitologico e riferimento contemporaneo, richiamando implicitamente il dibattito, ancora aperto, sulla costruzione del ponte sullo Stretto. La soluzione finale – un’illusione ottica generata dalla Fata Morgana – si collega a un fenomeno atmosferico reale, noto nella tradizione popolare locale e spesso associato a immagini sospese e distorte visibili sul mare.

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Un altro nome italiano entra nella leggenda del cinema mondiale. Carlo Rambaldi sarà celebrato con una stella sulla celebre Hollywood Walk of Fame, uno dei riconoscimenti più iconici dell’industria cinematografica internazionale. Un omaggio che arriva in un momento simbolico: il centenario della nascita di un artista che ha rivoluzionato il mondo degli effetti speciali, contribuendo a creare alcune delle creature più iconiche della storia del cinema.

La decisione di dedicare una stella a Rambaldi rappresenta molto più di un semplice riconoscimento. È la consacrazione definitiva di un talento che ha lasciato un segno indelebile nella settima arte. Le sue creazioni hanno saputo unire tecnica e immaginazione, dando vita a personaggi e creature che ancora oggi emozionano milioni di spettatori in tutto il mondo. Il suo lavoro ha superato i confini del tempo, diventando un punto di riferimento per generazioni di artisti ed effetti speciali.

La figlia Daniela, oggi presidente della Fondazione Culturale Carlo Rambaldi, ha espresso tutta la sua gioia ed emozione per questo importante riconoscimento: “Ricevere la stella sulla Hollywood Walk of Fame dedicata a mio padre è un momento di profonda emozione, che unisce dimensione personale e responsabilità istituzionale. Come figlia, è un riconoscimento che mi riporta a lui, al suo laboratorio, alla sua capacità unica di trasformare l’immaginazione in realtà e di credere nell’impossibile. Le sue creature hanno fatto sognare il mondo, ma dietro ogni creazione c’erano passione, rigore e una straordinaria umanità. Come Presidente della Fondazione Carlo Rambaldi, questo momento assume un significato ancora più ampio. Si inserisce nelle celebrazioni internazionali del Centenario e rappresenta non solo un tributo alla sua carriera, ma un simbolo universale del valore della creatività, dell’arte e dell’innovazione. In questo contesto si inseriscono anche le iniziative internazionali promosse dalla Fondazione, tra cui United in Art – 100 Stars e il Premio Carlo Rambaldi, che verrà conferito proprio in occasione di questo momento simbolico. Il premio sarà consegnato alla madrina d’eccezione Jo Champa, figura che incarna un ponte culturale tra arte e cinema, e all’artista che verrà selezionato per l’edizione 2026. Questa stella non è solo un punto di arrivo, ma un nuovo inizio. Il nostro impegno è quello di divulgare e valorizzare la sua eredità, abbracciare i giovani talenti e costruire ponti tra arte, tecnologia e nuove generazioni. Carlo Rambaldi ha lasciato qualcosa che appartiene al mondo. Il nostro compito è far sì che continui a vivere, ispirare e generare futuro”.

Nato nel 1925 a Vigarano Mainarda, Rambaldi ha iniziato il suo percorso artistico partendo dall’Italia, portando con sé una visione innovativa e una straordinaria manualità. Nel corso della sua carriera, è riuscito a imporsi a livello internazionale grazie alla capacità di combinare arte e tecnologia in modo pionieristico. In un’epoca in cui gli effetti digitali non esistevano, Rambaldi ha creato soluzioni meccaniche e visive che sembravano incredibilmente realistiche. Il suo approccio artigianale, unito a una grande sensibilità artistica, lo ha reso uno dei maestri indiscussi del settore.

Il talento di Rambaldi è stato riconosciuto anche dall’Academy, che lo ha premiato con ben tre Oscar. Due di questi sono arrivati per i migliori effetti speciali grazie a film diventati veri e propri cult: Alien e E.T. l’extra-terrestre. A questi si aggiunge lo Special Achievement Award ottenuto per il lavoro su King Kong, un’altra pietra miliare del cinema. Le sue creazioni, dall’alieno inquietante di “Alien” al dolce e indimenticabile E.T., hanno segnato profondamente l’immaginario collettivo, dimostrando come gli effetti speciali possano diventare parte integrante della narrazione.

La carriera di Rambaldi rappresenta una delle storie più affascinanti del cinema italiano all’estero. Partito da una piccola realtà locale, è riuscito a conquistare Hollywood grazie al suo talento e alla sua visione innovativa. Il suo percorso dimostra come la creatività e la passione possano aprire le porte dei più grandi palcoscenici internazionali, trasformando un sogno in una carriera straordinaria.

La stella sulla Walk of Fame non è soltanto un simbolo di successo, ma un riconoscimento che consacra Rambaldi tra le leggende del cinema. Essere celebrati lungo Hollywood Boulevard significa entrare a far parte di una storia fatta di grandi artisti che hanno contribuito a definire l’evoluzione dell’industria cinematografica.

Nel caso di Carlo Rambaldi, questo omaggio assume un valore ancora più profondo: è il tributo a un innovatore che ha saputo dare forma all’immaginazione, lasciando un’eredità che continua a vivere sul grande schermo. Un artista italiano che, a distanza di anni, continua a brillare tra le stelle di Hollywood.

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Ottant’anni di Premio Strega, e un’edizione che prova a inscrivere questo traguardo in una cornice simbolica e insieme spettacolare. Saranno infatti 79 i libri di narrativa in gara nel 2026, candidati come da tradizione dagli “Amici della domenica”, mentre la serata conclusiva dell’8 luglio, per la prima volta, si terrà in Piazza del Campidoglio, aggiungendo alla ritualità del premio uno scenario di forte valore istituzionale e visivo, nel cuore di Roma.

Il numero delle opere candidate resta in linea con quello delle ultime edizioni – 81 nel 2025, 82 nel 2024, 80 nel 2023 – confermando la tenuta di un premio che continua a funzionare, al tempo stesso, come osservatorio del presente editoriale e come dispositivo di legittimazione nel campo letterario italiano. La prima tappa decisiva sarà il 1° aprile, alla Camera di Commercio di Roma, nella Sala del Tempio di Vibia Sabina e Adriano, quando il Comitato direttivo individuerà la dozzina finalista. A comporlo sono Pietro Abate, Giuseppe D’Avino, Valeria Della Valle, Alberto Foschini, Paolo Giordano, Dacia Maraini, Melania G. Mazzucco, Gabriele Pedullà, Stefano Petrocchi, Marino Sinibaldi e Giovanni Solimine. Da lì, il passaggio successivo porterà il premio il 3 giugno al Teatro Romano di Benevento, dove sarà selezionata la cinquina.

Già a uno sguardo preliminare, la lista dei candidati restituisce una geografia letteraria stratificata, in cui convivono nomi di consolidato prestigio, ritorni attesi, esordi e una diffusa presenza di editori medio-piccoli. Tra gli autori che circolano con maggiore insistenza nelle ipotesi di vittoria figura Michele Mari con I convitati di pietra (Einaudi), proposto da Vittorio Lingiardi, che ne sottolinea la natura di “romanzo nero” capace di irridere il tempo e insieme di costruire una coralità venata di comicità, in una filiazione ideale che chiama in causa Carlo Emilio Gadda.

Molto osservata anche Teresa Ciabatti con Donneregina (Mondadori), sostenuta da Roberto Saviano, in un libro che si misura con una figura emblematica dell’immaginario criminale e del potere, Giuseppe Misso, detto “’o Nasone”, trasformando il dialogo in materia narrativa e tensione morale. Tra i titoli più forti si colloca poi Matteo Nucci con Plato. Una storia d’amore (Feltrinelli), presentato da Giancarlo De Cataldo, che nella motivazione insiste sulla capacità del libro di restituire al lettore la Grecia del mito, la grandezza del teatro, la violenza della guerra e la nascita, tutt’altro che lineare, dell’idea democratica.

Accanto a questi nomi, l’edizione 2026 schiera altri autori e autrici di rilievo: Bianca Pitzorno con La sonnambula (Bompiani), Leonardo Colombati con Non vi sarà più notte (Mondadori), Edith Bruck con L’amica tedesca (La nave di Teseo), Marcello Fois con L’immensa distrazione (Einaudi), Francesco Pecoraro con La fine del mondo (Ponte alle Grazie) e Mauro Covacich con Lina e il sasso (La nave di Teseo). È una costellazione che suggerisce, ancora una volta, quanto il Premio Strega resti terreno di confronto tra scritture molto diverse per tono, impianto e postura autoriale, ma accomunate dall’ambizione di occupare il centro del discorso letterario nazionale.

Non meno eloquente è la distribuzione editoriale delle candidature. La nave di Teseo guida con sei titoli, seguita da Einaudi e Mondadori con cinque ciascuna. È un dato che ribadisce il peso delle grandi e medie sigle nel meccanismo del premio, pur dentro un quadro in cui continua a farsi spazio una pluralità editoriale più ampia. In questo senso è significativa la presenza, per la prima volta, di alcune realtà minori o indipendenti: Rai Libri partecipa con Nessun grazia. Gramsci e Pertini, una storia di prigionia e resistenza di Cosimo Damiano Damato, mentre Gramma Feltrinelli presenta due titoli, tra cui La vita potente dell’esordiente Lavinia Bianca. Completano il panorama marchi come Felice Edizioni, Vanda Edizioni, Altre Voci Edizioni, Maschietto Editore, Graus Edizioni, Serradifalco Editore, Love Edizioni, Fuis Edizioni, Effigi, Giraldi Editore e Alpes Italia.

Proprio sul versante degli esordi si registra uno degli elementi più interessanti di questa lunga lista. Si fanno notare Giuliana Vitali con Nata nell’acqua sporca (Perrone), Cecilia Rita con Mantide (Nn Editore), Isabella Delle Monache con La compagna (Serradifalco Editore) e Saverio Gangemi con Calùra (Rubbettino): voci nuove che provano a ritagliarsi spazio in un contesto tradizionalmente dominato da nomi già consolidati. Ma la zona forse più competitiva è quella intermedia, dove autori riconosciuti ma non necessariamente dati in vantaggio potrebbero imporsi nella corsa alla dozzina: Vanni Santoni con Il detective sonnambulo, Marco Vichi con Occhi di bambino, Christian Raimo con L’invenzione del colore, Laura Pariani con Primamà, Gaja Cenciarelli con La rivoluzionaria e la maestra, Ilaria Bernardini con Amata e Maria Attanasio con La rosa rovescia.

Come spesso accade, il Premio Strega arriva così a disegnare non soltanto una competizione, ma anche una fotografia dello stato della narrativa italiana: delle sue gerarchie, delle sue attese, delle sue persistenze e delle sue aperture. L’ottantesima edizione, anche per il valore simbolico della ricorrenza, sembra destinata a essere letta in questa doppia chiave: celebrazione di una lunga tradizione e verifica, ancora una volta, della sua capacità di raccontare il presente

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In occasione dell’International Pizza Expo di Las Vegas, Alessandro Sita, alla guida di Sita Food Inc., traccia un quadro lucido e appassionato del mercato americano: tra crescente domanda di autenticità, evoluzione del gusto e nuove frontiere produttive, il futuro della pizza parla sempre più italiano, anche fuori dall’Italia.

L’International Pizza Expo è alle porte: con quale spirito vi presentate a questo appuntamento?

Siamo molto entusiasti. Arriviamo a questa fiera con un progetto a cui lavoriamo da mesi: il lancio della nostra mozzarella fior di latte. Parliamo di un prodotto centrale per la pizza, una mozzarella fresca fatta all’italiana, con fermentazione lenta e senza conservanti. La particolarità è che viene prodotta negli Stati Uniti da casari italiani, per gestire al meglio la shelf life. Siamo molto soddisfatti del risultato e il Pizza Expo è il banco di prova ideale: è la nostra prima partecipazione e l’emozione è alta.

Che valore ha questo lancio per la vostra azienda e per la vostra storia familiare?

È un ritorno alle origini. La nostra famiglia è partita proprio dai prodotti freschi: ricotta, mozzarella, paste filate. Poi, con l’espansione internazionale, ci siamo concentrati anche su formaggi e salumi a lunga stagionatura, più gestibili dal punto di vista logistico. Il fresco è più complesso, ma anche più identitario. Con la mozzarella entriamo nel cuore del mercato: è una sfida importante, perché negli Stati Uniti esistono già grandi operatori. Abbiamo sviluppato un prodotto distintivo, ispirato alla tradizione di Agerola, e crediamo possa diventare centrale per il nostro futuro.

Inoltre, si inserisce perfettamente nell’evoluzione della pizzeria americana: oggi non è più solo pizza, ma un luogo di esperienza, con antipasti, taglieri e aperitivi. Ed è lì che i nostri prodotti trovano spazio e racconto.

Quanto sta crescendo negli Stati Uniti la domanda di latticini freschi e autentici?

Cresce in modo significativo. In passato si utilizzavano prodotti più economici, oggi invece c’è maggiore attenzione alla qualità. Anche grazie all’arrivo di molti professionisti italiani e non solo, che hanno introdotto standard diversi.

Allo stesso tempo, sta emergendo una nuova dinamica: aziende locali che producono “all’italiana”. Questo apre una riflessione importante: non tutto deve necessariamente essere prodotto in Italia, l’importante è che sia fatto secondo i criteri italiani, senza compromessi. La mozzarella, ad esempio, può essere prodotta bene anche negli Stati Uniti, se si rispettano metodo e qualità.

Noi continuiamo a distinguerci come  il  partner  di referenza del fresco: l’80% dei nostri prodotti è made in Italy, selezionato per eccellenza.

Italian sounding e produzione locale “all’italiana”, c’è il rischio che a volte si intreccino? 

Sì, abbastanza. L’Italia è riconosciuta globalmente per qualità e autenticità, quindi è naturale essere imitati. Ma oggi il consumatore è più consapevole: sa distinguere. Faccio sempre un esempio: si può fare una buona pizza napoletana in America? Sì, se si utilizzano ingredienti italiani e competenze italiane. Il punto non è solo dove si produce, ma come si produce. La sfida è mantenere identità e qualità, educando il mercato.

Come stanno evolvendo negli Stati Uniti prodotti come burrata e stracciatella, meno famosi della cugina “mozzarella” e molto legati al territorio, alla tradizione italiana?

Sono in forte crescita, ma ancora in una fase iniziale rispetto alla mozzarella. La burrata è esplosa negli ultimi 5-10 anni. Noi abbiamo scelto di lavorare con una produzione tradizionale pugliese, perché offre un profilo unico. Sono prodotti molto apprezzati nella ristorazione, dove c’è maggiore attenzione all’autenticità. Nella grande distribuzione, invece, prevalgono logiche diverse. Ma il potenziale è enorme.

Quanto è strategico oggi il mondo della pizza per il vostro business?

Sempre di più. Storicamente lavoriamo con gastronomie e banchi del fresco, ma la pizzeria moderna è diventata un hub culturale e gastronomico. Non solo pizza: taglieri, fritti, piatti di pasta. Per noi è un canale fondamentale, anche perché consente un dialogo diretto con i professionisti. Partecipare al Pizza Expo serve proprio a costruire relazioni, non solo con i distributori ma anche con i clienti finali.

Cosa cercano oggi i pizzaioli americani?

Qualità accessibile. Negli Stati Uniti, per anni, l’alta qualità era confinata alla ristorazione di lusso. Oggi invece c’è una democratizzazione: anche una pizzeria può offrire ingredienti eccellenti, in porzioni equilibrate e a prezzi sostenibili. Questo è molto italiano: mangiare bene, senza eccessi.

Quali sono i trend più interessanti nei topping?

Oltre ai grandi classici come il prosciutto, vediamo crescere molto prodotti come guanciale e salumi piccanti. Il guanciale, ad esempio, è sempre più utilizzato anche perché molte pizzerie propongono piatti di pasta classici come amatriciana, caccio e pepe e carbonara.

Interessante anche l’evoluzione del “pepperoni”: sempre più operatori cercano alternative di qualità superiore, come la spianata calabrese o versioni di salumi  più artigianali con spezie e stagionature naturali. Anche prodotti come la ’nduja stanno guadagnando spazio.

Come riuscite a trasmettere il valore culturale dei vostri prodotti a un pubblico internazionale?

Con semplicità e coerenza. Riduciamo l’assortimento e puntiamo su pochi prodotti, ma eccellenti. Introduciamo novità gradualmente, per dare tempo al mercato di comprenderle.

Il segreto del food italiano è nella lista ingredienti: corta, pulita, legata al territorio. È questo che fa la differenza. E lavoriamo con aziende familiari che condividono questa visione. È un lavoro di squadra.

Quali opportunità vi aspettate dal Pizza Expo?

Soprattutto crescita sulla West Coast. Oggi siamo più forti tra New York e la Florida, ma vogliamo crescere in California e nelle grandi città come Los Angeles e San Francisco. Cerchiamo partner solidi, distributori che possano rappresentare l’intera gamma Sita. La California, da sola, può essere un mercato enorme: costruire una rete lì è strategico.

Che impatto ha avuto il riconoscimento della cucina italiana patrimonio Unesco sul vostro lavoro?

Ha acceso i riflettori, senza dubbio. Per noi è un grande orgoglio: non vendiamo solo cibo, ma uno stile di vita, fatto di qualità, equilibrio e benessere. Negli Stati Uniti, dove l’offerta è vastissima, questo riconoscimento aiuta a orientare il consumatore. È anche il risultato di un grande lavoro di sistema, tra istituzioni e imprese.

Ma c’è anche un altro aspetto fondamentale: siamo in qualche modo fortunati perché l’Italia ha avuto tanti emigrati che sono diventati ambasciatori straordinari nel mondo. Negli Stati Uniti, ad esempio, si contano circa 20 milioni di persone di origine italiana tra prima e seconda generazione. Questo è un valore enorme: non solo rappresentano una base di consumatori, ma contribuiscono a diffondere il nostro stile di vita: nel cibo, nel modo di stare insieme, perfino nel modo di vestire.

Per l’Italia è un patrimonio prezioso. Questo riconoscimento internazionale è importante, ma rafforza qualcosa che esiste già da tempo: una presenza culturale forte e diffusa, che continua a generare valore.

Guardando al futuro, quale ruolo vuole giocare Sita nell’evoluzione del food e in particolare nel settore pizza?

La pizza è un canale fondamentale per noi, per la sua capacità di raccontare l’Italia in modo diretto attraverso il prodotto e creare connessione con il consumatore. Ma il nostro obiettivo è più ampio: vogliamo essere  a traverso  il nostro marchio Sita il partner di riferimento del banco di gastronomia italiana ( Formaggi, salumi e antipasti) in USA, come già siamo in Europa.

Stiamo lavorando su nuovi progetti, anche fuori dai canali tradizionali: pensiamo a box e taglieri di Formaggi & salumi ordinabili online, a iniziative che ci permettano di dialogare direttamente con il consumatore finale. Crediamo che il futuro passi anche da qui, tra digitale, social e nuovi modelli di acquisto.

Siamo un’azienda familiare, alla terza generazione, e guardiamo lontano: tutto quello che facciamo oggi è per costruire credibilità nel tempo. La qualità è l’unica strada, anche se richiede pazienza.

I consumi stanno cambiando, i nostri figli compreranno in modo diverso da noi, e dobbiamo essere presenti nei nuovi canali per continuare a raccontare il prodotto italiano. Siamo ancora in una fase di costruzione, la pizzeria è uno dei pilastri, ma continueremo a evolvere per restare rilevanti.

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C’è ancora incredulità, ma soprattutto una gioia piena, quasi sospesa. Quando risponde al telefono, Valentina Merli è “ancora sulla nuvoletta”, anzi, “una nuvola molto affollata” e non ha alcuna intenzione di scendere. La produttrice di Two People Exchanging Saliva, premiato con l’Oscar per il miglior cortometraggio, ripercorre in questa conversazione intima il cammino del film, nato da un’idea radicale e diventato simbolo di resistenza, riflette sul futuro del cinema italiano, sulle opportunità di Hollywood e sul sistema virtuoso francese.

Come ci si sente, a pochi giorni da una vittoria così importante?

Benissimo. Sono ancora sulla nuvoletta, non ho voglia di scendere, devo dire la verità. È tutto incredibile, davvero bellissimo. E poi è stupefacente vedere l’empatia, l’affetto, la gioia che questo premio ha generato nelle persone intorno a noi.

Qual è stata l’emozione più forte lungo il percorso verso gli Oscar?

Già per la prequalifica è stato stupendo. I cortometraggi arrivano agli Oscar attraverso un percorso preciso, tra premi e festival, e noi eravamo tra quelli selezionati: una gioia enorme. Poi abbiamo scoperto che i corti prequalificati erano più di duecento. Il momento davvero incredibile è stato quando siamo entrati nei quindici. Eravamo felicissimi. E ancora di più quando, a fine gennaio, è arrivata la nomination nei cinque: lì, per noi, era già una vittoria. Certo, quando sei in gioco inizi anche a sperare. Ma sapevamo di avere davanti una “macchina da guerra”, film sostenuti da grandi piattaforme, ci siamo dette: godiamocela. Quando, in sala, hanno annunciato i vincitori, all’inizio non capivamo nemmeno se fosse reale e poi è successo qualcosa di rarissimo: un ex aequo. Ci hanno detto che i voti erano esattamente uguali. È stato un momento fortissimo. Dovevo concentrarmi per non piangere.

Il primo pensiero, in quel momento, a chi è andato?

Alla mia famiglia: mio marito, i miei figli, i miei genitori, mia sorella. E poi anche a me stessa e alla mia socia. Il lavoro del produttore è complesso, spesso invisibile. Una ricompensa così ci ha fatto davvero bene.

C’è un messaggio ricevuto che l’ha colpita più degli altri?

Non saprei fare una classifica, ma mi ha fatto molto piacere quello di Paolo Branco, il produttore con cui ho iniziato 25 anni fa. Mi ha scritto che ora può andare in pensione dicendo di aver lavorato con qualcuno che ha vinto l’Oscar. È stato molto emozionante.

“Two People Exchanging Saliva”, un titolo provocatorio che racconta la sete di saliva, appunto, intesa come intimità. Come nasce l’idea di raccontare questo tema e in modo così diretto?

È nata dai registi. Subito è venuta fuori l’idea di un mondo in cui le cose si pagano con gli schiaffi. Ci ha spiazzati. Poi è emersa anche una componente più simbolica: un mondo in cui i baci sono vietati. C’era sullo sfondo il tema delle proteste in Iran e in generale tensioni legate a immigrazione e repressione. Tutto questo ha contribuito a creare un universo che sembra assurdo, ma purtroppo non lo è.

Il bacio diventa un gesto rivoluzionario.

Esatto. È una forma di resistenza. L’amore, la tenerezza restano necessari. Sono ciò che permette di resistere al male del mondo.

Guardando all’Italia: come legge l’assenza del nostro cinema agli Oscar?

È difficile per me rispondere, perché non vivo in Italia. Però ho l’impressione che la cultura sia un po’ sottovalutata e che non si comprenda fino in fondo anche il suo ritorno economico. In Francia questo è molto chiaro. C’è una tradizione forte e un sistema che la sostiene. In Italia abbiamo una storia cinematografica straordinaria e tanti talenti, anche giovani. Spero che possano emergere.

Quali talenti italiani non dovrebbero mancare agli Oscar?

Mi viene in mente il costumista Stefano Ciammitti, molto bravo e con grande potenziale internazionale. Poi il regista Francesco Sossai. E Francesco Costabile.

Lei vive e lavora a Parigi ma che dialogo ha con l’industria hollywoodiana?

Diretto, per ora, non moltissimo, anche perché lavoriamo soprattutto nel cinema d’autore. Ma probabilmente si apriranno nuove possibilità, anche perché i nostri registi hanno legami molto forti con gli Stati Uniti, abitando a New York.

Cosa dovrebbe imparare l’Italia da sistemi come quello americano o francese?

Più che da Hollywood, credo dall’Europa. In Francia c’è un forte sostegno pubblico e una grande attenzione culturale. Esiste un sistema virtuoso, una catena che si autoalimenta. E poi c’è un orgoglio culturale autentico, non solo simbolico. Il cinema è considerato arte e anche risorsa economica.

Quanto ha contato Bologna nella sua formazione?

Moltissimo. È una città dove si respira cultura fin da piccoli. La Cineteca, i film, le videoteche… tutto contribuiva a creare uno sguardo. Io, da bambina, restavo a guardare i titoli di coda: volevo capire chi faceva cosa. Solo dopo ho capito che era già un interesse per la produzione. Ancora oggi Bologna è una città del cinema, dove si sente l’amore per il cinema.

Quando torna a Bologna, qual è la prima cosa che fa? Il primo posto dove va?

Cerco subito di mangiare il gelato, perché per me Bologna ha i migliori del mondo. E poi vado a vedere i miei amici.

Dopo tanti anni di vita personale e professionale all’estero, si sente ancora legata alla scena culturale italiana?

No, non mi sento molto inserita.

Le piacerebbe tornare a lavorare più stabilmente in Italia?

Mi farebbe molto piacere lavorare con l’Italia. Stando qui è bello, ma ancora non è successo. Spero che succeda.

Dopo un riconoscimento così importante come l’Oscar, pensa che cambierà il suo ruolo di produttrice? Si sentirà più libera o più esposta alle aspettative dell’industria?

Le aspettative non le sento. Probabilmente mi sentirò più libera nelle scelte. E spero che non si aprano solo porte, ma portoni per i progetti futuri. Però bisogna battere il ferro finché è caldo: è un ambiente in cui tutto passa veloce e ci si dimentica in fretta.

Da produttrice, qual è l’elemento che non può mancare in un buon film?

La necessità, da parte dello sceneggiatore o del regista, di fare quel film. Deve esserci un fuoco interno che lo rende inevitabile.

Le viene in mente un esempio di questo “fuoco”?

Sì. Un caso è quello di Oliver Laxe con Sirat.

Restando sul settore: dal punto di vista delle donne nel cinema, non solo attrici ma professioniste a tutti i livelli, a che punto siamo oggi?

In Italia non so dire con precisione. Qui in Francia vedo dei passi avanti: esistono collettivi come 50/50 che monitorano la parità, anche nei numeri. Il movimento Me Too poi ha avuto un impatto forte. Non siamo ancora a una vera parità, ma si sta progredendo.

Se dovesse raccontare questo momento della sua vita come una scena di un film, quale sarebbe l’inquadratura?

È un piano largo. Ci sono io, ma insieme a tantissima gente. Non so se sono proprio al centro, però attorno c’è molta luce, il cielo è blu. Siamo tutti su una nuvola.

Una nuvola affollata, quindi.

Sì, una nuvola molto affollata.

Il “bacio rivoluzionario”, l’anima del suo film, a chi la dedica?

Ai giovani, alle future generazioni. Non gli stiamo lasciando un mondo semplice, ma spero possano resistere e costruire qualcosa di meglio.

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Continua la visita diplomatica del Ministro della Cultura Alessandro Giuli, a New York da ieri dove, tra le cose, ha deposto una corona al monumento dedicato a Cristoforo Colombo al Columbus Circle accompagnato da una breve cerimonia, per poi finalizzare l’acquisto dell’Ecce Homo di Antonello Da Messina presso la casa ‘aste Sotheby’s.

Dopo questi incontri, nella serata di ieri, il ministro ha partecipato all’inaugurazione della mostra Raphael: Sublime Poetry, presso il Metropolitan Museum of Art, uno dei principali poli museali al mondo. Il progetto riunisce oltre 200 opere tra disegni, dipinti, arazzi e oggetti di arti decorative, con prestiti provenienti da importanti istituzioni internazionali e collezioni private. Il percorso segue in ordine tematico e cronologico la parabola di Raffaello Sanzio, dalla formazione nella corte di Urbino fino agli anni romani, quando l’artista diventa una figura centrale nella produzione artistica legata alla committenza papale.

Il ministro, ai microfoni dei giornalisti presenti, ha sottolineato il valore sistemico dell’operazione: «di ricerca e contributo dei più importanti musei italiani per una mostra che nei 250 anni che si festeggia l’indipendenza degli Stati Uniti ha come effigie principale Raffaello. L’Italia dà un contributo storico, artistico, eccezionale, in una mostra all’interno della quale compaiono pezzi da collezioni private, contributi dai più importanti musei del mondo e questo rende ancora più importante e significativo il fatto che sia Raffaello a rappresentare questo momento magico della cultura italiana e questa relazione speciale che unisce l’Italia agli Stati Uniti»

Giuli ha anche insistito su un aspetto meno immediato del racconto contemporaneo su Raffaello: la sua capacità organizzativa e imprenditoriale. Nelle sue parole, l’artista non è solo autore di opere iconiche ma anche figura capace di strutturare una bottega complessa, lavorare con grandi committenze e costruire una rete produttiva che oggi si potrebbe leggere come un modello proto-industriale della creazione artistica. Qualcosa che strizza molto l’occhio all’idea di sogno americano, in un certo qual modo.

Raffaello è stato un uomo molto capace: ha creato una scuola, è stato un uomo che ci ha donato un’arte dolce e dedicata ma ha vissuto anche una vita molto opulenta e ha saputo lavorare con committenze molto importanti di banchieri privati, per esempio Agostino Figi. Ha costruito realmente una ricchezza culturale per se stesso, ed una ricchezza immateriale e materiale eterna per tutti coloro che ancora oggi l’ammirano

La mostra sarà aperta al pubblico dal 29 marzo al 28 giugno e, come detto, sarà la prima grande mostra internazionale di prestiti negli Stati Uniti dedicata a Raffaello (Raffaello di Giovanni Santi; 1483–1520), considerato uno dei più grandi artisti di tutti i tempi.

Tra i principali capolavori in mostra figurano La Madonna col Bambino e san Giovannino in un paesaggio (Madonna Alba) della National Gallery of Art, uno degli esempi più emblematici della maestria di Raffaello negli ideali di armonia e bellezza classica dell’Alto Rinascimento, che sarà messa in dialogo con i disegni preparatori conservati al Museo di Belle Arti di Lille, e il Ritratto di Baldassarre Castiglione, oggi al Louvre, ampiamente considerato uno dei più grandi ritratti dell’Alto Rinascimento.

Nonostante sia vissuto appena 37 anni, Raffaello raggiunse un successo così profondo come pittore, progettista e architetto da essere considerato, per secoli dopo la sua morte, il vertice della perfezione artistica. Figlio di un pittore e poeta, Raffaello entrò in contatto con i principali scrittori e pensatori del suo tempo a Roma, mostrando una sensibilità poetica che affascinò i contemporanei e le generazioni successive. Unendo ambizione e lirismo, creò opere dotate di grande spessore intellettuale e profondità emotiva, qualità essenziali nel complesso panorama politico delle corti rinascimentali.

Tra gli enti prestatori italiano figurano, tra gli altri: Accademia Carrara (Bergamo), Galleria Borghese (Roma), Gallerie Nazionali Barberini Corsini (Roma), Galleria Nazionale delle Marche (Urbino), Galleria Nazionale dell’Umbria (Perugia), Fondazione Brescia Musei (Brescia), Museo Nazionale di Capodimonte (Napoli), Pinacoteca Comunale di Città di Castello, Pinacoteca Nazionale (Bologna), Gallerie degli Uffizi (Firenze) e i Musei Vaticani.

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L’annuncio è stato dato...

Nella mattinata di lunedì 23 marzo, un grave incidente ha coinvolto un aereo di linea all’aeroporto LaGuardia Airport, uno degli scali più trafficati degli Stati Uniti per i voli interni. L’incidente ha causato la morte del comandante e del primo ufficiale dell’aereo – che sarebbero il pilota e il copilota – e ha portato alla chiusura temporanea dell’intero aeroporto.

Secondo le informazioni riportate dal New York Times, il velivolo coinvolto è un jet regionale operato da Jazz Aviation per Air Canada Express, in arrivo da Montréal. Durante le fasi di avvicinamento o di rullaggio – la dinamica è ancora in fase di accertamento – l’aereo si è scontrato con un mezzo dei vigili del fuoco presente sulla pista. A bordo dell’aereo, partito da Montreal alle 22:30 locali ed atterrato a New York un’ora dopo, vi erano 72 passeggeri e 4 membri dell’equipaggio.

L’impatto ha interessato in modo significativo la parte anteriore del velivolo, causando danni strutturali gravi alla fusoliera e alla cabina di pilotaggio, comportando la morte del pilota e del copilota. Anche 41 persone tra membri dell’equipaggio, passeggeri e i due uomini a bordo del mezzo di servizio scontratosi con l’aereo sono state ferite e portate in ospedale. La maggior parte è stata dimessa, ma 9 persone sono ancora in ospedale per accertamenti dovuti a ferite più gravi.

Immediatamente dopo l’incidente, la Federal Aviation Administration (FAA) ha disposto un “ground stop”, bloccando tutti i voli in partenza e in arrivo verso LaGuardia. È una misura standard in situazioni di emergenza, necessaria per consentire l’intervento dei soccorsi e mettere in sicurezza l’area operativa.

La chiusura temporanea ha avuto effetti sull’intero sistema aeroportuale dell’area metropolitana di New York. Diversi voli sono stati dirottati verso il John F. Kennedy International Airport e il Newark Liberty International Airport, mentre altri sono stati cancellati o ritardati, con conseguenze a catena su numerose tratte nazionali. LaGuardia gestisce ogni giorno centinaia di movimenti, soprattutto su rotte interne agli Stati Uniti.

Le autorità federali hanno avviato un’indagine per ricostruire con precisione la dinamica dell’incidente. In questi casi interviene il National Transportation Safety Board (NTSB), l’agenzia indipendente che negli Stati Uniti si occupa di analizzare gli incidenti nei trasporti e individuare eventuali responsabilità o criticità nei protocolli operativi.

Uno degli aspetti centrali dell’indagine riguarda il coordinamento tra il traffico aereo e i mezzi di servizio a terra, una delle fasi più delicate nelle operazioni aeroportuali. Gli aeroporti ad alta densità come LaGuardia richiedono una gestione estremamente precisa degli spazi e dei tempi, dove ogni errore può avere conseguenze rilevanti.

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Netflix ha annunciato a Roma l’inizio delle riprese della serie live-action Assassin’s Creed, ambientata nel 64 d.C., durante il regno di Nerone. La produzione si muoverà soprattutto a Cinecittà, dove esiste già un set di Roma antica che verrà ampliato. Non è solo una questione estetica: è una scelta che tiene insieme racconto e produzione.

Assassin’s Creed ha sempre funzionato così. Non parte da una storia da adattare, ma da un contesto storico che regge da solo. Poi ci inserisce sopra il suo schema, Assassini contro Templari, libero arbitrio contro controllo, che a questo punto è più un dispositivo narrativo che un’idea originale. Il risultato dipende quasi sempre da quanto l’ambientazione riesce a sostenere tutto il resto.

Roma, in questo senso, è difficile da sbagliare. Nel 64 d.C. l’Impero è formalmente stabile, ma il potere è nervoso. Nerone governa in un clima di sospetto, tra repressioni e costruzione del consenso. Dopo l’incendio, che la serie quasi certamente userà, anche solo come sfondo, la città diventa ancora più controllata e allo stesso tempo più fragile. È un equilibrio che si presta bene a una storia fatta di infiltrazioni, reti clandestine, operazioni nell’ombra.

Non serve forzare troppo: molte delle dinamiche che Assassin’s Creed mette in scena, sorveglianza, propaganda, gestione del dissenso, sono già lì.

C’è anche un altro livello, più pratico. Oggi portare a termine produzioni di questo tipo è complicato. Budget alti, tempi lunghi, pubblico globale. Uno dei responsabili di Assassin’s Creed Shadows, uscito nel 2025 e ambientato nel Giappone del XVI secolo, ha detto di essere “semplicemente orgoglioso che il gioco sia uscito”, parlando dello sviluppo come di “un piccolo miracolo”. È una frase che vale anche per una serie del genere.

Girare a Roma, in un set già esistente e modulabile, riduce una parte del rischio. Non elimina i problemi, ma li rende più gestibili.

Intanto il franchise continua a espandersi. Più di 230 milioni di copie vendute, decine di ambientazioni diverse, un’identità che ormai è riconoscibile anche fuori dai videogiochi. La serie Netflix si inserisce qui: non come adattamento diretto, ma come un altro tassello.

Il cast è internazionale, da Lola Petticrew a Noomi Rapace, fino a Sean Harris e Corrado Invernizzi, e gli showrunner, Roberto Patino e David Wiener, arrivano da produzioni televisive già abituate a lavorare su scala ampia. Anche questo dice qualcosa: non è un esperimento, è un investimento.

Alla fine, Roma è stata scelta perché tiene insieme più cose senza sforzo. Ha una struttura urbana che funziona per una storia di movimento e controllo, un contesto politico leggibile, e una presenza visiva che non ha bisogno di essere spiegata.

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C’è una linea che collega la tradizione teatrale italiana alla sua capacità di raccontarsi nel mondo, ed è quella del teatro popolare, fatto di maschere, burattini e narrazione orale. Si collega a questa tradizione il terzo appuntamento della serie “On the Italian Stage”, in programma il 25 marzo 2026 alle 17:00 in formato digitale, all’interno della Zoom Lecture Series ospitata da Casa Italiana Zerilli-Marimò. Il ciclo, ideato e condotto da Laura Caparrotti, direttrice artistica della Kairos Italy Theater di New York, è pensato per analizzare in chiave storica e culturale il ruolo del teatro italiano nella formazione dell’identità nazionale e nella sua diffusione internazionale.

L’incontro, intitolato “Pinocchio Is Born”, si concentra su uno dei personaggi più importanti e celebri della cultura italiana: Pinocchio, protagonista del romanzo pubblicato a puntate tra il 1881 e il 1883 da Carlo Collodi, pseudonimo del giornalista fiorentino Carlo Lorenzini. L’evento celebra anche un doppio anniversario simbolico: i 200 anni dalla nascita di Collodi e i 100 anni dalla nascita di Dario Fo, attore, autore e premio Nobel per la Letteratura nel 1997, che ha costruito gran parte della sua ricerca teatrale proprio sulla riscoperta delle forme popolari e giullaresche.

Il focus dell’incontro non è tanto il personaggio in sé, quanto il contesto teatrale da cui nasce. Collodi scrive Pinocchio in un’Italia da poco unificata, dove il teatro dei burattini rappresentava una delle forme di intrattenimento più diffuse, soprattutto tra le classi popolari. Figure come Arlecchino, Pulcinella e le maschere della commedia dell’arte avevano già codificato un linguaggio scenico fatto di gestualità, improvvisazione e satira sociale. Pinocchio fa parte di questa tradizione, ma ne amplia la portata: da burattino da palcoscenico diventa personaggio letterario, e da lì icona globale, tradotta in oltre 250 lingue e adattata in numerosi contesti teatrali e cinematografici, dal film animato della Disney del 1940 fino alle versioni più recenti, come quella diretta da Matteo Garrone nel 2019.

L’approccio della lecture, come nelle precedenti tappe del ciclo, punta a ricostruire il legame tra teatro e società. Il teatro dei burattini non era solo intrattenimento, ma anche uno strumento di commento politico e sociale, spesso capace di aggirare la censura attraverso il linguaggio allegorico. In questo senso, il confronto implicito con Dario Fo è quasi naturale: le sue opere, da “Mistero Buffo” a “Morte accidentale di un anarchico”, hanno recuperato proprio quella tradizione per raccontare le contraddizioni contemporanee.

La partecipazione all’evento è gratuita, ma richiede registrazione obbligatoria.

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Prospect Park è uno dei parchi più importanti di Brooklyn, sia per dimensioni che per valore storico. Progettato nella seconda metà dell’Ottocento dagli architetti paesaggisti Frederick Law Olmsted e Calvert Vaux, è lo stesso parco che i due avevano immaginato come evoluzione del modello di Central Park: più naturalistico, meno monumentale. All’interno di questo impianto, la Vale of Cashmere – un’area di circa 26 acri nel quadrante nord-est, vicino a Grand Army Plaza – rappresentava una delle zone più curate, con giardini ornamentali, percorsi sinuosi e fontane. Negli ultimi decenni, però, questa porzione è progressivamente stata abbandonata a se stessa, senza alcuna manutenzione ordinaria, presa della vegetazione invasiva e piena di strutture deteriorate.

Il Comune di New York ha così deciso di avviare un intervento di riqualificazione da 37,5 milioni di dollari che punta a invertire questa traiettoria. Si tratta del primo restauro organico della Vale of Cashmere da oltre cinquant’anni e, per entità economica, del più rilevante investimento a Prospect Park dai lavori sul Lakeside Center completati nel 2013. Il progetto, sviluppato da Prospect Park Alliance insieme al Dipartimento Parks & Recreation, prevede un recupero strutturale del paesaggio storico, non una semplice manutenzione superficiale. I fondi provengono in gran parte da stanziamenti municipali approvati durante l’amministrazione di Bill de Blasio, con un contributo aggiuntivo dello Stato di New York destinato al rimboschimento urbano.

Il restauro si concentra su due elementi chiave: la Children’s Pool, una fontana ottocentesca ormai fuori uso, sarà completamente ricostruita con un nuovo sistema idrico e piantumazioni pensate per favorire la biodiversità, in particolare specie di uccelli e insetti impollinatori. L’area dell’ex roseto verrà invece riconfigurata in tre paesaggi distinti ma collegati, con l’obiettivo di recuperare la stratificazione vegetale tipica dei progetti di Olmsted e Vaux. Accanto alla componente storica, il piano introduce nuovi dispositivi d’uso: un giardino per impollinatori, spazi di gioco naturalistici per bambini basati su elementi non artificiali, un prato per picnic e un padiglione in legno dotato di servizi igienici a basso impatto ambientale. È previsto inoltre il recupero di circa tre acri di area boschiva, che rafforzerà uno dei corridoi ecologici interni al parco.

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Barbara Pelachin Marciandi è la nuova guida del Comites di New York. È stata eletta all’unanimità nel corso della 29ª assemblea, alla quale ha partecipato anche il Console Generale d’Italia a New York, Giuseppe Pastorelli. Quando la chiamo, la sua emozione è ancora fortissima e mi trasmette tutta l’energia con cui, insieme al suo team, si è già messa al lavoro.

Dalla visione alle priorità del suo mandato, in questa intervista la nuova presidente del Comites di New York racconta, anche attraverso la propria vicenda personale, la centralità del networking, l’importanza del dialogo con le nuove generazioni e con le diverse ondate migratorie, fino alle azioni per valorizzare sempre di più l’identità italiana in un contesto globale.

L’obiettivo, come dice Marciandi, “è rafforzare, con un approccio pragmatico e inclusivo, una comunità ampia e articolata, trasformando esperienze personali in strumenti utili per chi oggi costruisce il proprio futuro negli Stati Uniti”.

Partiamo dall’inizio: che emozione è stata l’elezione e a chi è andato il primo pensiero?

È stata una grande soddisfazione, che non vivo solo come un risultato personale: è un traguardo di squadra. Questo percorso non l’ho iniziato da sola, ma insieme a Ornella Fado e Leide Porcu, con cui abbiamo costruito fin dall’inizio la lista “Italia nel Cuore”, guidata dalla Cavaliera Giuliana Ridolfi Cardillo. Siamo partite insieme e insieme siamo arrivate fin qui. Il primo pensiero, poi, è andato alla mia famiglia: a mio marito e ai miei quattro figli. Loro sono la mia forza. Senza il loro supporto non sarebbe possibile affrontare un impegno di questo tipo, che non è solo lavoro ma anche responsabilità verso una comunità ampia e complessa.

Il lavoro di squadra sembra dunque centrale: è una prerogativa del Comites?

Assolutamente sì. Io non guardo ai colori politici: il Comites non è e non deve essere un’arena politica. Deve essere un gruppo di persone che collaborano per la comunità. Da soli non si va da nessuna parte. In queste prime ore abbiamo già iniziato a strutturare gruppi di lavoro interni, ma con un’apertura chiara: ogni membro dovrà collaborare anche con persone esterne. La comunità italiana è fatta di competenze, caratteri e background diversi, ed è proprio questa la nostra forza.

Quali saranno le prime azioni concrete del vostro mandato?

Abbiamo già un calendario molto fitto. Continueremo i progetti avviati negli anni precedenti, come la parata del Columbus Day, il programma di Mentorship, il progetto contro la violenza domestica, il Pride e quello dedicato al fumetto. Le riunioni del Comites saranno itineranti: dopo quella al Consolato, la prossima sarà in New Jersey, poi nel Queens e a Brooklyn. Vogliamo essere presenti sul territorio, nelle associazioni, dentro la comunità. Ci saranno anche nuovi progetti, già emersi nelle ultime riunioni, ma preferisco parlarne quando saranno definiti. Dovremo poi entrare in contatto con i consolati onorari e con le associazioni che vorranno collaborare.

In che modo il Comites guarda alle nuove generazioni?

I giovani sono fondamentali: sono il futuro. Non possiamo ignorarli. Il progetto Mentorship nasce proprio da questa esigenza: creare uno scambio tra generazioni, dai 18 anni in su. Io sono insegnante e madre: so che il rapporto è reciproco. Non sono solo gli adulti a insegnare ai giovani, ma anche il contrario. È uno scambio continuo. Questa attenzione nasce anche da un’esperienza personale. Quando siamo arrivati a New York, dieci anni e mezzo fa, con quattro figli piccoli, ci siamo trovati completamente soli. Capire come funzionano scuola, sanità, assicurazioni e affitti è stato complicato. Da lì è nata l’idea di costruire qualcosa che possa aiutare chi arriva oggi.

Che ruolo può avere il Comites rispetto a queste difficoltà pratiche?

Non possiamo e non dobbiamo sostituirci al Consolato, ma possiamo renderci disponibili. Il nostro ruolo è diverso: possiamo orientare, informare, creare rete. Ad esempio, indirizzare le persone verso servizi come Fast IT o Prenot@Mi e spiegare come muoversi. Ma soprattutto fare networking: mettere in contatto le persone. Non siamo un job center, ma possiamo facilitare opportunità. E oggi il network è tutto.

E il rapporto con le associazioni e le altre realtà italiane a New York?

È fondamentale. Siamo aperti a collaborazioni: chiunque abbia un progetto può contattarci. L’idea è lavorare insieme, creando gruppi di lavoro misti. Il Comites può avere un ruolo di coordinamento, ma i progetti devono essere condivisi. È così che si costruisce qualcosa di solido.

Per la prima volta il Comites vede due donne ai vertici, con lei presidente e Ornella Fado vicepresidente. Che valore ha questa leadership?

Non lo vedo come una questione di genere. Non sono femminista in quel senso: per me contano le capacità, la serietà e la lealtà. Se oggi ci sono due donne ai vertici è perché abbiamo lavorato bene insieme. Io e Ornella siamo diverse, ma proprio per questo complementari. È questo che ha fatto la differenza. Certo, è un segnale di cambiamento. E forse non è un caso che sia successo a New York, una città che spesso anticipa certe dinamiche.

Quali sono oggi le principali esigenze per la comunità italiana negli Stati Uniti?

Dipende molto dalle generazioni. Per la comunità italoamericana storica, il tema centrale è la cittadinanza, in particolare il riacquisto. È una questione molto sentita. Per i nuovi arrivati, invece, il problema principale è restare: visti, permessi di lavoro, costo della vita e sanità. Parliamo spesso di ragazzi molto preparati, che arrivano per studiare, master, PhD, medicina, MBA, e vorrebbero costruire qui il proprio futuro. Il nostro compito è aiutarli a orientarsi, anche attraverso il networking.

Può succedere, a volte, che chi ha costruito il proprio percorso con fatica sia più restio a condividere. È una resistenza che capisco, ma credo che sia fondamentale fare uno sforzo in più e aiutarci di più. La comunità italiana è forte, preparata, capace. Dobbiamo solo diventare più collaborativi.

Da cosa può derivare, per alcuni, la difficoltà di condividere?

È umano. Chi ha fatto tanta fatica, chi è arrivato senza supporto, a volte tende a chiudersi. Lo capisco. Però non possiamo restare lì. Io stessa ho vissuto quella fase. Quando siamo arrivati, non conoscevamo nessuno. È stato difficile. Poi, nel 2017, ho sentito l’esigenza di rimettermi in gioco: ho iniziato a insegnare italiano presso Collina Italiana e, grazie a una collega, sono entrata in contatto con un gruppo di donne italiane a New York, il NYIW. Da lì ho iniziato a costruire una rete. Poi è arrivato il Covid, che ha interrotto tutto. E solo nel 2021 sono stata coinvolta nel progetto del Comites da Fucsia Nissoli. In quel momento ho capito che potevo trasformare quella difficoltà personale in qualcosa di utile anche per gli altri.

Quindi l’ingresso nel Comites nasce da un’esperienza diretta?

Sì, completamente. È nato da un bisogno concreto. E infatti, quando sono stata eletta la prima volta, ho capito che la comunità cercava qualcosa di nuovo. Il mio messaggio era chiaro: essere un ponte tra Italia e Stati Uniti. Un bridge, come si dice qui. E credo che questa idea sia ancora attuale.

In che modo cambia l’esperienza migratoria tra chi arriva come expat e chi invece arriva da solo?

Cambia tantissimo. Chi arriva come expat ha già una struttura: casa, scuola, assicurazione, tutto organizzato dall’azienda o dall’università. Chi arriva da solo, studenti e giovani professionisti, deve costruirsi tutto. Ed è lì che la comunità diventa fondamentale. Avere qualcuno a cui chiedere fa risparmiare tempo ed energie e aiuta a evitare errori.

Allo stesso tempo, la comunità è anche un modo per mantenere le proprie radici?

Sì, assolutamente. Poter condividere le tradizioni e continuare a parlare la propria lingua è importantissimo. È la prima cosa da preservare, perché è il ponte con la famiglia e con le origini. È così che si può vivere pienamente l’opportunità del biculturalismo: essere italiani e americani insieme, che non significa solo parlare due lingue, ma vivere due culture. Questo ti dà un’elasticità mentale enorme.

New York è probabilmente il simbolo di questa pluralità. Come si inserisce l’identità italiana in un contesto così complesso?

New York è tutto multi: multiculturale, multietnica, multireligiosa. È proprio questo che ti arricchisce.

Il punto è valorizzare l’eredità italiana senza trasformarla in qualcosa di nostalgico o, peggio, artificiale. Le tradizioni devono restare autentiche, ma adattarsi ai tempi. Puoi modernizzare la forma, la comunicazione, i linguaggi, ma non puoi cambiare la sostanza. Se stravolgi, perdi autenticità e diventa qualcosa di finto.

Quindi innovazione sì, ma senza perdere identità?

Esatto. È un equilibrio. Anche le grandi organizzazioni italoamericane lo stanno facendo: si aprono ai giovani, si aggiornano, ma mantengono la loro identità. La sostanza non cambia. Cambia il modo in cui la racconti.

La sua professione di insegnante di italiano e storia quanto influisce nel suo approccio istituzionale?

Tantissimo. Dalla storia impari che devi conoscere il passato per capire il presente e costruire il futuro. Dall’italiano e dalla letteratura impari la profondità. Io amo Dante: è incredibilmente attuale. Racconta esperienze che tutti attraversiamo, anche oggi. Queste due dimensioni, memoria e consapevolezza, guidano molto il mio modo di lavorare.

Il volontariato è un altro elemento centrale del suo percorso. Che ruolo ha oggi, soprattutto per i giovani?

È fondamentale. Il volontariato ti forma come persona. Ti insegna a metterti nei panni degli altri. Io l’ho sempre fatto, fin da ragazza, e lo fanno anche i miei figli. Non deve essere qualcosa fatto per apparire: deve essere autentico. Chi fa volontariato impara molto più di quanto dà. È un’esperienza che ti cambia.

Esiste spazio per il volontariato anche all’interno del Comites?

In realtà il Comites è già volontariato. Noi siamo al servizio della comunità. Progetti come Mentorship o quelli legati al supporto alle persone sono forme di volontariato. E molti membri del Comites sono già impegnati anche in diverse associazioni.

Guardando al futuro, qual è il segno concreto che vorrebbe lasciare con il suo mandato?

Vorrei portare a termine tutti i progetti in modo efficace e lasciare un buon ricordo. Non di me, ma del Comites. Negli ultimi mesi ci sono state divisioni e abbandoni. Il nostro obiettivo è chiudere questo percorso con un lavoro che sia davvero di squadra. Perché, come ho detto fin dall’inizio, da soli non si va da nessuna parte.

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L’Istituto Italiano di Cultura di New York prosegue la programmazione dedicata all’opera italiana con un appuntamento Mercoledì 25 marzo 2026, dalle 18:30 alle 20:30, è in calendario la proiezione di Viva Verdi!, inserita nel ciclo “Adventures in Italian Opera”, curato dal critico e divulgatore Fred Plotkin. L’iniziativa rientra in una linea di programmazione che negli ultimi anni ha puntato a rendere accessibile il repertorio operistico italiano anche a un pubblico non specialistico, attraverso incontri, proiezioni e conversazioni con addetti ai lavori.

Il documentario, diretto da Yvonne Russo e scritto insieme a Christine La Monte, dura 78 minuti ed è presentato in lingua inglese e italiana con sottotitoli in inglese. Il film ha ottenuto una candidatura agli Oscar per la migliore canzone originale, un elemento che ne ha ampliato la visibilità anche fuori dai circuiti strettamente musicali. Al centro del racconto c’è la quotidianità degli artisti che vivono alla Casa Verdi, struttura milanese fondata nel 1896 da Giuseppe Verdi come casa di riposo per musicisti in difficoltà.

Il film segue un gruppo di cantanti lirici e musicisti che si trovano nella cosiddetta “terza età” della carriera, documentando il loro ruolo di mentori per giovani studenti. La Casa di Riposo per Musicisti, ancora oggi attiva a Milano, è un’istituzione unica nel panorama internazionale: non solo offre assistenza agli artisti anziani, ma mantiene vivo un modello di trasmissione diretta del sapere musicale. Nel documentario, le prove musicali, le lezioni e i momenti di vita quotidiana diventano materiale narrativo per raccontare come la tradizione operistica venga conservata e reinterpretata attraverso il contatto tra generazioni.

Dopo la proiezione è previsto un incontro con Russo e La Monte, in dialogo con Plotkin, che guiderà la discussione in inglese. Negli Stati Uniti il repertorio di Verdi resta tra i più rappresentati nei principali teatri – dal Metropolitan Opera di New York alla Lyric Opera of Chicago – trasformandosi in uno dei principali asset culturali italiani all’estero.

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Abbiamo avuto il piacere di conversare con Claudio Pagliara, Direttore dell’Istituto Italiano di Cultura di New York, in merito a SuperBook, un’iniziativa ambiziosa volta a promuovere la letteratura italiana negli Stati Uniti. L’evento si terrà dal 26 al 29 marzo 2026 presso l’Istituto e vedrà otto scrittori italiani vincitori di alcuni tra i più importanti premi letterari nazionali dell’ultimo anno competere per aggiudicarsi un premio in denaro di 10.000 dollari volto a tradurre in inglese e promuovere la propria opera negli Stati Uniti.

A selezionare l’opera vincitrice, che verrà annunciata a Settembre, una giuria presieduta dal direttore d’orchestra Daniele Rustioni, recentemente nominato Principal Guest Conductor del Metropolitan Opera, uno degli incarichi più prestigiosi della scena lirica internazionale.

Direttore Pagliara, cos’è esattamente SuperBook, spiegato in modo conciso per chi ha poco tempo?

SuperBook è stato concepito come il “premio dei premi”, il vero e proprio “Super Bowl del libro”. La nostra iniziativa consiste nel riunire i vincitori dei più prestigiosi premi letterari italiani dell’anno precedente e sottoporli al giudizio di una qualificata giuria americana. L’obiettivo primario è dare visibilità internazionale a queste opere e valutarne l’attrattiva per il pubblico statunitense.

Questa iniziativa è una provocazione o piuttosto una visione strategica?

È senza dubbio una visione strategica. Paesi come Francia e Germania hanno già implementato iniziative simili con successo. L’Italia, purtroppo, è in ritardo, con appena il 3% della sua produzione letteraria tradotta e diffusa negli Stati Uniti. SuperBook mira a colmare questo divario, aumentando la nostra competitività culturale e la presenza nel mercato americano, ponendo le basi per un ecosistema più strutturato per la nostra letteratura.

Quanto è arduo oggi introdurre la narrativa italiana nel mercato statunitense?

a sfida principale risiede nel marketing. È indispensabile investire maggiormente e adottare strategie mirate, cosa che finora non è stata fatta in maniera adeguata. Siamo fiduciosi che SuperBook otterrà ottimi risultati; ne è prova il fatto che sta già riscuotendo un’eco significativa sulla stampa americana, più che su quella italiana, il che era precisamente il nostro obiettivo.

La giuria è orientata a selezionare il miglior libro in assoluto o quello con maggiori possibilità di successo nel mercato americano?

I newyorkesi, come molti americani, conoscono e amano l’Italia per le sue città d’arte e la sua cultura. Tuttavia, esiste un deficit nello scambio letterario: gli italiani spesso portano un grande romanzo americano in valigia quando viaggiano, ma non sempre accade il contrario. SuperBook vuole colmare questa lacuna, offrendo un’occasione unica per scoprire autori e opere contemporanee. Per garantire la massima accessibilità, tutti gli eventi prevedono la traduzione simultanea, rendendoli fruibili anche a chi non parla italiano.

SuperBook è concepito come un evento isolato o come il punto di partenza per qualcosa di più ampio?

SuperBook è l’inizio di un percorso ben più ampio. Nasce con un solido sostegno istituzionale, inclusi il Centro per il Libro e la Letteratura, il patrocinio del Salone del Libro di Torino e dell’Associazione Italiana Editori, oltre a partnership con numerose università e consolati. È il primo di una serie di premi annuali, con l’ambizione di costruire un vero e proprio ecosistema che faciliti l’ingresso e l’affermazione della letteratura italiana nel mercato americano, come merita.

Guardando a cinque anni da oggi, cosa si augura che si possa dire di SuperBook?

Il mio auspicio è che, tra quattro o cinque anni, potremo affermare di aver significativamente aumentato la percentuale di libri italiani tradotti in inglese e che hanno riscosso successo in America. Il mercato è maturo per accogliere questa evoluzione, come dimostrato dal “caso Ferrante” che ha riacceso l’interesse per la letteratura italiana. Credo fermamente che SuperBook possa diventare il vero “Super Bowl della letteratura” per il nostro Paese.

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L’Italia di Gennaro Gattuso entra nella fase decisiva del proprio cammino verso il Mondiale. A pochi giorni dalla sfida contro l’Irlanda del Nord a Bergamo, il commissario tecnico ha parlato in conferenza stampa a Coverciano, lanciando messaggi chiari: niente alibi, concentrazione massima e fiducia totale nel gruppo.

“Pensavo di arrivare a questo momento senza alibi. Dovremo scendere in campo e dare il massimo. Per noi quella di giovedì è la gara più importante”.

Nessun riferimento al passato, né ai successi storici né alle recenti delusioni: l’obiettivo è uno solo, conquistare l’accesso al Mondiale.

Il ct ha fatto il punto sulle condizioni della rosa, tra acciacchi e situazioni da monitorare. Da Bastoni a Scamacca, passando per Tonali e Calafiori, il gruppo azzurro convive con qualche problema fisico, ma senza drammi.

Su Federico Chiesa, invece, Gattuso è stato molto diretto:
“Se uno è titubante devo fare delle scelte. Posso convincere per un po’, ma se uno non sta bene non puoi insistere troppo. Abbiamo deciso insieme: non era al 100% ed è giusto che sia tornato a casa”.

Un concetto ribadito anche sul piano generale:
“Non possiamo fare i kamikaze e buttare dentro un giocatore rischiando di perderlo dopo cinque minuti”.

Gattuso ha difeso con forza le scelte fatte per il ritiro, puntando sulla continuità del gruppo:
“Sono contento e soddisfatto. Questo gruppo merita una gioia per l’attaccamento che ha dimostrato”.

Anche l’assenza di alcuni nomi noti non è casuale:
“Era giusto andare avanti con chi ha cominciato questo percorso, senza dover spiegare tutto da capo”.

Il commissario tecnico ha insistito molto sull’aspetto mentale. Niente pressione eccessiva, ma lucidità e capacità di leggere i momenti della partita:
“I ragazzi vanno alleggeriti, non bisogna creare stress inutile”.

E ancora:
“Un episodio negativo può succedere, ma dobbiamo essere bravi a gestirlo. Dobbiamo arrivare a giovedì con voglia, lucidità e capacità di annusare il pericolo”.

Sull’avversario:
“L’Irlanda del Nord corre tantissimo e sui calci piazzati può fare paura”.

Gattuso ha poi respinto qualsiasi dubbio sulla maturità della squadra:
“Non trattateci come scappati di casa…Non bisogna soffocare i ragazzi. Sennò sembra che i nostri siano scappati di casa e non è così”.

E ha ricordato il livello internazionale del gruppo:
“Abbiamo giocatori che hanno vinto l’Europeo e disputato finali di Champions. Io credo in loro”.

Spazio anche ai singoli, in particolare ai giocatori dell’Inter:
“Dimarco ha numeri incredibili, Barella è uno forte da cui ci si aspetta sempre tanto”.

Sulla scelta di giocare a Bergamo:
“È stata una mia scelta, e ringrazio la Federazione di avermi permesso di farla. Se giochi a San Siro e le cose non vanno bene cominci a sentire i primi fischi…In uno stadio più raccolto si crea un ambiente migliore. Alla mia prima partita qui ci hanno applaudito anche sullo 0-0”.

Gattuso ha chiuso con uno sguardo al percorso fatto e alla missione finale:
“In questi mesi abbiamo visto 380 partite dal vivo. È stato un lavoro incredibile”.

E infine:
“Abbiamo la possibilità di centrare il Mondiale. Ho grande orgoglio e sono fiero di essere italiano”.

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Nella giornata di oggi, il Ministro della Cultura italiano Alessandro Giuli, in visita a New York, ha deciso di celebrare la figura di Cristoforo Colombo, navigatore ed esploratore italiano famoso per essere soprattutto il primo ad aver intrapreso la rotta atlantica attraverso la quale venne scoperta l’America.

Durante la visita alla statua di Cristoforo Colombo, realizzata nel 1892 e che dà anche il nome alla piazza circolare dove si trova, la Columbus Circle a Manhattan, il ministro Giuli, in compagnia del Console Generale a New York Giuseppe Pastorelli e dell’Ambasciatore d’Italia a Washington Marco Peronaci, ha deposto una corona con una breve cerimonia ufficiale accompagnata dal saluto militare di alcuni Carabinieri presenti.

Ai microfoni de ilNewyorkese, Giuli ha commentato come colombo sia «un elemento di grande ricchezza per gli Stati Uniti. La presenza e la memoria di Cristoforo Colombo viene riconosciuta ai più alti livelli in America dal popolo americano e dalle sue istituzioni. Ma è il popolo americano che vede in Colombo e negli italiani che vivono in America una presenza che ha arricchito l’identità americana da secoli e questo ci rende tutti molto felici: è la cosa giusta a momento giusto, quella che stiamo facendo».

Negli Stati Uniti, la figura di Cristoforo Colombo è da tempo al centro di un dibattito riguardo il modo in cui vengono rappresentati alcuni passaggi della storia nazionale. A partire dagli anni Novanta, e con maggiore intensità negli ultimi anni, una parte della storiografia e della scena politica americana ha rimesso in discussione la celebrazione di Colombo come figura esclusivamente positiva, sottolineandone il ruolo nell’avvio della colonizzazione europea e le conseguenze per le popolazioni indigene.

In molte città statunitensi, soprattutto dopo il 2020, alcune statue dedicate a Colombo sono state vandalizzate e, in alcuni casi, addirittura rimosse dai comuni stessi perché considerate controverse. Allo stesso tempo, il Columbus Day, festività federale degli Stati Uniti che, dal 1937, commemora l’arrivo di Cristoforo Colombo nel continente americano ed è una festività molto sentita dalle comunità italoamericane negli USA, è stato in alcuni casi – e comunque non a livello federale – sostituito o affiancato dall’Indigenous Peoples’ Day, una ricorrenza per riconoscere e preservare la storia delle comunità native americane.

Cristoforo Colombo continua a rappresentare un simbolo storico di grande orgoglio per le comunità italoamericane, perché si lega a tutti quei processi di integrazione e riconoscimento sociale che le nostre comunità hanno affrontato tra l’Ottocento e il Novecento. Ed ecco perché la visita e la breve cerimonia del ministro Giuli assume particolare importanza, per la memoria storica e l’identità delle decine di migliaia di italiani e italoamericani presenti a New York così come negli Stati Uniti.

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“Oggi più che mai è necessario che arte e cultura tornino al centro del discorso pubblico, come elementi di fruizione universale, di confronto e di dialogo. L’arte parla una lingua che supera ogni confine – come la musica – ed è per sua natura uno strumento di unione.” Con queste parole il Ministro della Cultura Alessandro Giuli ha aperto una giornata dal forte valore simbolico, culminata presso Sotheby’s con la finalizzazione dell’acquisto dell’Ecce Homo di Antonello da Messina.

Accanto al Ministro, presenti il Console Generale d’Italia a New York Giuseppe Pastorelli e l’Ambasciatore d’Italia a Washington Marco Peronaci, a testimonianza di un’operazione che unisce dimensione culturale e istituzionale. L’opera, tra le più intense e riconoscibili del maestro siciliano, rappresenta uno dei vertici della pittura rinascimentale e segna oggi un passaggio fondamentale: il ritorno nel perimetro pubblico italiano di un capolavoro finora custodito in una collezione privata.

Alla presenza delle autorità italiane è intervenuto anche Christopher Apostle, tra i vertici della casa d’aste, che ha sottolineato il valore storico e culturale dell’operazione: “Antonello da Messina è uno dei più grandi maestri del Rinascimento italiano. Quest’opera eccezionale incarna il suo genio e rappresenta una delle più alte espressioni artistiche della storia. Il suo ritorno in un’istituzione pubblica garantirà che possa essere ammirata dalle generazioni future, nel contesto culturale e storico che le appartiene.” Apostle ha inoltre evidenziato come l’Ecce Homo rappresenti un patrimonio culturale di valore universale, destinato a continuare a ispirare come simbolo di bellezza, identità e dialogo tra passato e presente.

Nel suo intervento, Giuli ha poi ribadito il ruolo attivo delle istituzioni italiane nella gestione del patrimonio: “È fondamentale continuare a movimentare le opere d’arte, renderle accessibili e riportarle, quando possibile, nei luoghi a cui appartengono per storia e identità.” Un processo che, come sottolineato dal Ministro, richiede tempestività e capacità decisionale, soprattutto in contesti altamente competitivi come quello delle grandi case d’asta internazionali: “Abbiamo agito con grande rapidità. In contesti come questo, caratterizzati da interessi internazionali – sia pubblici che privati – è necessario essere estremamente tempestivi per garantire il buon esito dell’operazione.”

Giuli ha infine richiamato la responsabilità specifica dell’Italia nel custodire e valorizzare il proprio patrimonio: “L’Italia ha una responsabilità particolare: quella di tutelare e valorizzare un patrimonio culturale unico al mondo. Non si tratta solo di conservarlo, ma di renderlo vivo, accessibile, parte integrante della dimensione pubblica”. L’Ecce Homo tornerà dunque in Italia, dove sarà destinato alla fruizione pubblica attraverso mostre e iniziative culturali, restituendo al pubblico un’opera che appartiene profondamente alla storia artistica del Paese.

Un’operazione che va oltre l’acquisizione: rappresenta una chiara dichiarazione di intenti, in cui tutela, valorizzazione e posizionamento internazionale del patrimonio artistico italiano tornano al centro dell’azione istituzionale.

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A New York un gruppo di italiani che nella vita fa tutt’altro – chi lavora negli eventi, chi nella ricerca, chi in azienda -porta in scena uno spettacolo teatrale in lingua italiana. Si chiama “Le Relazioni” ed è il primo progetto di Italian Stage Collective, iniziativa fondata da Ivana Di Giacomo e Ilaria Ceglia.

Di Giacomo si occupa di travel management e organizzazione di eventi internazionali; Ceglia è neuroscienziata e Senior Program Manager alla Icahn School of Medicine at Mount Sinai. Il teatro, per entrambe, non è un lavoro ma una valvola di sfogo parallela che, adesso, può anche far del bene alla comunità. “Le Relazioni” nasce da lì: dall’idea di costruire uno spazio espressivo fuori dai percorsi professionali, ma con una struttura definita e una produzione organizzata.

Lo spettacolo è costruito per quadri e mette in fila scene brevi che raccontano situazioni riconoscibili: relazioni di coppia, rapporti familiari, differenze generazionali, momenti di frizione quotidiana. Il riferimento iniziale è il musical “I Love You, You’re Perfect, Now Change”, già adattato anche in Italia, ma il legame è solo spirituale. I testi sono stati riscritti quasi interamente da Di Giacomo e Ceglia, con l’unica eccezione del monologo sugli immigrati, scritto e interpretato da Barbara Guardigli. L’impianto è quindi originale e si allarga oltre il tema sentimentale, includendo una gamma più ampia di relazioni.

Il cast segue la stessa logica del progetto: nessuno è attore professionista. In scena, insieme alle ideatrici, ci sono Carlotta Jarach, Dario Sirabella, Mara Clemente, Barbara Guardigli, Daniela Ronchi, Sergio Castellari, Giusy Speranza, Mari Carminati, Francesca Pisano e Carol Degetto. Il lavoro si è sviluppato nel tempo come un laboratorio, più vicino a una pratica comunitaria che a una produzione tradizionale.

Accanto al gruppo, però, ci sono alcune figure professionali che tengono insieme la parte artistica. La componente musicale è affidata alla cantante Amira Casetti, mentre la regia è di Vanessa Innocenti, attrice e regista che ha lavorato sull’equilibrio tra i diversi registri dello spettacolo. Il lavoro vocale è stato seguito da Sandro Naglia, con un percorso specifico sulla resa interpretativa di un cast non professionista.

La struttura narrativa è guidata da due narratori che collegano le scene attraverso un dispositivo simbolico – un “libro della vita” – che tiene insieme i diversi episodi. Le canzoni, tratte da un repertorio pop, intervengono in modo intermittente per scandire il ritmo e amplificare alcuni passaggi.

L’evento, che si terrà oggi 21 marzo dalle 7:30PM presso la Lang Recital Hall di New York e che è già andato sold-out, ha anche una dimensione solidale ed il ricavato dei biglietti sarà destinato alla Grow Together Foundation, fondazione impegnata in due progetti: la costruzione di un oratorio e quella di una struttura per persone senza dimora.

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Negli Stati Uniti, la stagione dei ciliegi in fiore viene spesso associata a Washington D.C., dove il Tidal Basin è diventato negli anni un simbolo turistico consolidato. Ma il primato numerico, negli Stati Uniti, non è nella capitale federale: si trova a Newark, nel New Jersey, a meno di mezz’ora da Manhattan. Qui, all’interno di Branch Brook Park, è concentrata la più grande collezione di alberi di ciliegio del Paese, un dato poco noto anche tra i frequentatori abituali della East Coast.

Branch Brook Park si estende per circa 360 acri (oltre 145 ettari) ed è considerato il primo parco pubblico di contea degli Stati Uniti, inaugurato nel 1895. Il progetto fu sviluppato anche dallo studio degli Olmsted Brothers, eredi del lavoro di Frederick Law Olmsted, tra i principali architetti paesaggisti americani e già coinvolti nella realizzazione di Central Park. All’interno del parco si trovano oltre 5.300 alberi di ciliegio, distribuiti in 18 varietà diverse: un numero superiore di circa 1.600 unità rispetto a quello del Tidal Basin di Washington.

La varietà botanica incide direttamente sulla durata dello spettacolo. A differenza di altri luoghi in cui la fioritura è concentrata in pochi giorni, qui il calendario è più esteso perché le specie non sbocciano simultaneamente. Le prime fioriture iniziano generalmente a fine marzo, mentre il picco è previsto – per il 2026 – tra il 9 e il 16 aprile. Tra le specie più diffuse ci sono gli Yoshino, caratterizzati da fiori chiari tendenti al bianco, e i Kwanzan, riconoscibili per il colore rosa intenso e la struttura più compatta dei petali.

Attorno a questa fioritura si è sviluppato negli anni anche un evento, l’Essex County Cherry Blossom Festival, che nel 2026 celebra il cinquantesimo anniversario. Il programma include esibizioni legate alla cultura giapponese, mercati artigianali e aree food, con una partecipazione che, nelle edizioni recenti, ha superato le centinaia di migliaia di visitatori complessivi. Nonostante i numeri, la distribuzione su un’area ampia rende l’esperienza meno congestionata rispetto ai punti più iconici di Washington, dove la concentrazione turistica è più elevata.

Il parco si trova tra Newark e Belleville e offre anche altre destinazioni suggestive raggiungibili in pochi minuti. Tra queste, la Cathedral Basilica of the Sacred Heart, una delle più grandi cattedrali neogotiche del Nord America, e il Newark Museum of Art, il principale museo del New Jersey, noto anche per la collezione dedicata all’arte tibetana e per il planetario. A breve distanza si trova inoltre l’Ironbound District, quartiere conosciuto per l’offerta gastronomica portoghese, spagnola e brasiliana.

Dal punto di vista logistico, Branch Brook Park è accessibile anche senza auto. Da New York si può raggiungere Newark Penn Station tramite NJ Transit o PATH e proseguire con la Newark Light Rail fino alle fermate interne al parco, come Branch Brook Park o Davenport Avenue. In alternativa, in auto il tragitto da Lower Manhattan richiede circa 20-30 minuti via Holland Tunnel, ma nei giorni di maggiore affluenza il parcheggio tende a saturarsi rapidamente. In un’area metropolitana dove la primavera è spesso raccontata attraverso Central Park, questo spazio rappresenta una variante meno evidente ma più estesa, che negli ultimi anni sta attirando un interesse crescente anche fuori dal circuito locale.

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Sulla costa nord di Long Island, a meno di un’ora da Manhattan, c’è un castello che sembra fuori posto. Non è un set cinematografico né una ricostruzione recente: è una struttura di oltre cento anni, costruita durante la cosiddetta Gilded Age americana e oggi parte del Sands Point Preserve, un’area pubblica che conserva alcune delle residenze più rappresentative dell’élite industriale statunitense di inizio Novecento.

Il complesso ruota attorno a Castle Gould, edificio in pietra calcarea commissionato nei primi anni del XX secolo da Howard Gould, membro della famiglia Guggenheim, una delle dinastie più influenti dell’industria e della finanza americana. Il progetto si ispira esplicitamente al Kilkenny Castle irlandese, uno dei modelli architettonici medievali più famosi d’Europa. In origine l’edificio doveva avere una funzione pratica – stalle e rimessa per carrozze – ma le dimensioni e la complessità del risultato finale lo hanno trasformato in un elemento centrale del paesaggio della North Shore.

Questa zona di Long Island, caratterizzata da grandi tenute affacciate sul Long Island Sound, è la stessa che ha ispirato a Francis Scott Fitzgerald l’ambientazione di “East Egg” ne Il grande Gatsby, pubblicato nel 1925. Il legame non è solo letterario: molte delle residenze costruite in quegli anni rispondevano a un’estetica europea reinterpretata in chiave americana, pensata per rappresentare prestigio e continuità culturale con il Vecchio Continente.

Dal punto di vista architettonico, Castle Gould combina elementi tipici del revival medievale con soluzioni scenografiche pensate per impressionare. Archi in pietra, soffitti con travi a vista e dettagli in ferro battuto definiscono gli interni, mentre la Great Hall – una grande sala centrale con finestre panoramiche – richiama esplicitamente le sale di rappresentanza dei castelli europei. La posizione su una scogliera, con vista diretta sul mare, rafforza l’effetto visivo, rendendo l’intero complesso particolarmente utilizzato per produzioni cinematografiche, servizi fotografici e campagne di moda.

Accanto al castello si trova Falaise, una villa costruita negli anni Venti e arredata con una collezione di oggetti e opere d’arte europee, tra cui mobili spagnoli del XVI secolo. L’intero Sands Point Preserve è oggi accessibile al pubblico e ospita eventi stagionali a tema storico e culturale, come festival ispirati al folklore europeo o giornate immersive dedicate a famiglie e visitatori. Il sito si trova al 127 di Middle Neck Road, a Sands Point, ed è raggiungibile in circa 45 minuti da Midtown Manhattan o tramite la linea ferroviaria LIRR fino a Port Washington. I giardini sono aperti tutto l’anno, mentre le visite guidate agli interni seguono un calendario stagionale.

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In occasione della Giornata mondiale dell’acqua, che si celebra ogni anno il 22 marzo su iniziativa delle Nazioni Unite, la Casa Italiana Zerilli Marimò ospiterà un appuntamento tra teatro e divulgazione scientifica per affrontare uno dei temi più discussi anche nel mondo dello sport contemporaneo: la gestione delle risorse idriche e l’impatto della crisi climatica. Martedì 24 marzo 2026, alle 18:30, va così in scena una lettura teatrale organizzata in collaborazione con AIRIcerca New York Chapter e Kairos Italy Theater, realtà attive nella promozione della cultura scientifica e artistica italiana negli Stati Uniti.

Il progetto, intitolato Adele’s Daisy e scritto nel 2013 da Marco Vignudelli con il supporto scientifico dei climatologi Sergio Castellari e Carlo Cacciamani, immagina uno scenario ambientato nel 2055 nel delta del Po, uno dei territori italiani più esposti al rischio di siccità e intrusione salina. In questa ricostruzione futura, l’acqua è diventata una risorsa razionata e privatizzata, e una parte della popolazione sopravvive ai margini del sistema, trasformandosi in “ladri d’acqua”. Il testo si basa su modelli climatici considerati plausibili dalla comunità scientifica e traduce dati e proiezioni in maniera accessibile.

La lettura è affidata alle attrici Laura Caparrotti e Sonia Villani, con accompagnamento musicale dal vivo di Matteo Rini e Melissa Guardiola-Bijur. L’introduzione è curata da Pietro G. Mazzara di AIRI, mentre a seguire è previsto un confronto pubblico con esperti di ambiti diversi: lo stesso Castellari, oggi tra i riferimenti europei per lo studio degli impatti climatici, Michela Biasutti della Columbia University, e Caparrotti in qualità di direttrice artistica del Kairos Italy Theater. La discussione sarà moderata da Alessandro Melis del New York Institute of Technology, con l’obiettivo di collegare la dimensione narrativa con le implicazioni scientifiche e politiche.

È possibile prenotarsi a questo link.

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Non sempre la moda nasce nei salotti; alcune volte compare nei momenti in cui la storia si spezza. Essa però non si spacca mai in maniera netta ma si frantuma in piccoli pezzi, in microstorie. Alcune di queste, la moda le indossa senza dichiararle, cucite tra le pieghe di un tessuto o nascoste sotto il bavero di una giacca o dietro la leggerezza di una stampa.

La storia di Emilio Pucci appartiene senza esitazioni a questa seconda categoria, ad una dimensione sospesa, in cui l’eleganza non è mai soltanto estetica, ma il risultato di un attraversamento storico complesso e spesso drammatico. Non un’eleganza apparente, ma quella in cui lo stile affonda le radici nel rischio, nella scelta e nella responsabilità.

Prima di diventare il Principe delle stampe che avrebbero conquistato il mondo, egli fu un uomo immerso fino in fondo nelle contraddizioni dell’Italia del Novecento.

Aristocratico fiorentino, aviatore e asso della Regia Aeronautica, instancabile viaggiatore di mondo, testimone diretto degli eventi cruciali della Seconda guerra mondiale, Pucci incarna una figura in cui biografia personale e storia collettiva si intrecciano profondamente.

Nell’Italia attraversata dal conflitto bellico, dalla caduta del fascismo e dalla difficile ricostruzione del dopoguerra, anche la moda diventa linguaggio di rinascita, identità e proiezione internazionale. In questo contesto, la traiettoria di Pucci — che da esperienze segnate da rischio, prigionia e responsabilità politiche approda alla creazione di un immaginario visivo libero, dinamico e sorprendentemente moderno — riflette le tensioni e le aspirazioni di un intero Paese.

Dopo la caduta del regime fascista, mentre l’Italia è dilaniata e costretta a fare i conti con l’occupazione nazista, la guerra civile e la sua ridefinizione politica, Emilio si trova coinvolto in una delle vicende più delicate e controverse di quel periodo: la salvaguardia dei diari di Ciano.

Ciò che è apparso per molte decadi un episodio marginale, è in realtà un passaggio cruciale nella costruzione della memoria storica italiana: custodire, proteggere, far arrivare quei documenti fuori dall’Italia significava esporsi a rischi concreti, muoversi in un territorio ambiguo, teatro di spionaggio, trattative e pericoli costanti.

È qui che emerge un Pucci lontano da ogni immagine patinata: un uomo che agisce, prende posizione, attraversa la guerra non da spettatore ma da protagonista, pagando in prima persona le conseguenze delle proprie scelte.

Quest’esperienza, segnata da tensione, mobilità e contatto con mondi diversi, non resta confinata nella storia personale, ma si riflette — in modo forse inatteso — anche nella sua visione creativa. Quando, nel dopoguerra, Emilio entra nel mondo della moda, lo fa portando con sé un immaginario già attraversato dal movimento, dal viaggio e dall’incontro con altre culture.

Le sue linee fluide, i colori vibranti, le geometrie dinamiche non sono soltanto una rivoluzione estetica: sono l’espressione di uno sguardo che si è formato ben oltre i confini italiani, contaminato da suggestioni africane, da atmosfere mediterranee e da influenze raccolte nei suoi viaggi fino all’Indonesia.

In un’Italia che cerca di reinventarsi e di proiettarsi sulla scena internazionale, Pucci contribuisce a costruire un’idea nuova di modernità: leggera, libera, cosmopolita. La moda diventa così non un’evasione dalla storia, ma una prosecuzione di essa sotto altre forme.

È proprio in questo spazio di confine tra memoria e stile che si inserisce il lavoro di Terence Ward e Idanna Pucci (nipote di Emilio), che nel loro libro restituiscono una figura lontana dalla visione miope dello stereotipo dello stilista. Attraverso documenti, testimonianze e un racconto che ha il ritmo di un romanzo, emerge un protagonista immerso nella storia del suo tempo, capace di trasformare esperienze estreme in visione creativa.

Il suo coraggio individuale e la creazione artistica finiscono sorprendentemente per coincidere.

L’intervista con gli autori diventa così l’occasione per interrogarsi su quanto la moda possa essere letta non solo come espressione di gusto, ma come traccia viva di un’epoca e delle sue contraddizioni.

La conversazione con gli autori ha avuto la stessa densità della loro indagine durata anni. Non è stata una semplice intervista, quanto piuttosto l’apertura di un archivio: un racconto fatto di ostacoli, deviazioni e intuizioni che restituiscono tutta la complessità del loro lavoro.

Terence Ward e Idanna Pucci hanno parlato di una ricerca tutt’altro che lineare. Le fonti, innanzitutto: frammentarie, disperse, a volte contraddittorie. Ricostruire la figura di Emilio Pucci ha significato muoversi tra documenti difficili da reperire, testimonianze indirette e zone d’ombra della storia italiana che ancora oggi resistono ad una narrazione univoca.

A questo si è aggiunto un primo progetto, un documentario, che avrebbe dovuto raccontare questa storia e che invece non ha mai visto la luce. Un tentativo fallito che, però, non ha chiuso la ricerca — semmai l’ha resa più ostinata.

È proprio in questa risolutezza che si misura il valore del loro lavoro. Gli autori non si sono mai fermati: tra Stati Uniti e Italia hanno continuato a inseguire tracce, a verificare versioni, a colmare lacune. Archivi pubblici e privati, memorie familiari, carte dimenticate: ogni elemento è stato messo alla prova, in un processo che somiglia più ad un’inchiesta che a una biografia tradizionale.

Quello che emerge dalla loro voce è il ritratto di un percorso costruito contro la dispersione e il silenzio, in cui la scrittura diventa il punto di arrivo di una lunga resistenza alla perdita della memoria. Ed è forse proprio questa tensione — tra ciò che è stato nascosto, dimenticato o mai raccontato fino in fondo — a dare al libro la sua forza più incisiva.

Pucci non è stato un partigiano, almeno non nel senso più puro che la storia ha codificato. Eppure, leggendo il racconto degli autori, questa definizione sembra improvvisamente ingiusta.

Nel cuore della guerra e della Resistenza, le sue azioni — legate alla protezione e al trasferimento dei diari affidatigli da Edda Mussolini, moglie di Galeazzo Ciano, Ministro degli Esteri in quegli anni cruciali — assumono i contorni di un impegno che, pur privo di appartenenza formale, è carico dello stesso rischio e della stessa urgenza morale.

Spionaggio, fuga, clandestinità: e poi la cattura, le torture, il silenzio ostinato. Giorni in cui non cede, non rivela, non tradisce.

È in questo spazio ambiguo, fuori dalle categorie più nette, che la figura dello stilista si fa ancor più interessante. Perché la Resistenza non è stata soltanto un movimento armato organizzato che ha affrontato Nazisti e Repubblicani, ma anche una costellazione di scelte individuali, spesso isolate, che hanno contribuito a ridefinire l’immagine di un Paese travolto dal fascismo che cercava in quell’esatto momento di redimersi da quegli anni di disonore.

In questo senso, pensare a Pucci come una forma atipica di partigiano non è un’operazione forzata, ma una chiave di lettura possibile: il segno di un’Italia che, proprio mentre crolla, prova a distinguersi da ciò che è stata, a opporsi, a riscattarsi.

Nel corso dell’intervista, Idanna Pucci ha riconosciuto tale interpretazione, ricordando come un’intuizione simile fosse già emersa in un confronto tra suo zio e la giornalista e scrittrice Oriana Fallaci.

Un passaggio, quindi, che non serve tanto a legittimare una definizione, quanto a confermare una tensione: quella tra identità ufficiale e verità vissuta, tra etichette storiche e traiettorie individuali che le attraversano e le complicano.

Leggendo tutto di un fiato l’astonishing odyssey di Emilio Pucci, resta, alla fine, una sensazione precisa: che la sua storia non possa essere contenuta in una sola narrazione. Né soltanto moda, né soltanto guerra, ma un intreccio irregolare di esperienze che obbliga a rivedere categorie e semplificazioni.

È forse proprio qui la caratura più forte del lavoro di Terence e Idanna: aver restituito complessità a una figura che il tempo aveva reso icona, riportandola invece dentro le tensioni vive del suo secolo e ricordando che, a volte, anche dietro la leggerezza di una stampa si nasconde il peso della storia.

Perché, in certi casi, ciò che appare leggero non è altro che la forma più sofisticata della resistenza… o della Resistenza.

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Che rapporto c’è tra la memoria storica di un Paese e le sue città, soprattutto quando quella memoria riguarda il colonialismo e le migrazioni? È quello che si indagherà durante la rassegna “Race, Migration, Italy”, ciclo di incontri promosso dalla Casa Italiana Zerilli-Marimò in collaborazione con il NYU Department of Italian Studies, che lunedì 23 marzo 2026 ospiterà a New York una lecture dedicata al rapporto tra eredità coloniale italiana e spazio urbano contemporaneo.

L’incontro, intitolato “Rethinking Rome. Colonial Markers, Black Activism, and the Struggle for Resignification”, sarà tenuto da Kwanza Musi Dos Santos, attivista ed educatrice impegnata sui temi dell’antirazzismo e della giustizia ambientale. La lecture analizzerà come la città di Roma, attraverso monumenti, toponomastica e architetture pubbliche, continui a riflettere – spesso in modo implicito – la storia coloniale italiana, rimasta a lungo marginale nel dibattito pubblico e anche nella memoria storica nazionale. Il punto di partenza è un’osservazione ormai consolidata anche in ambito accademico: lo spazio urbano non è neutrale, ma contribuisce a costruire e trasmettere narrazioni storiche e identitarie.

Il lavoro di Dos Santos si inserisce in un filone di studi e pratiche che negli ultimi anni ha acquisito visibilità anche in Italia, soprattutto dopo il 2020 e la diffusione globale delle mobilitazioni legate al movimento Black Lives Matter. In questo quadro, l’Italia ha iniziato a confrontarsi più apertamente con il proprio passato coloniale – che include l’occupazione di territori come Eritrea, Somalia, Libia ed Etiopia tra la fine dell’Ottocento e il periodo fascista – e con le sue conseguenze culturali e sociali. L’intervento metterà in evidenza le forme di attivismo sviluppate da comunità afrodiscendenti e ricercatori, tra cui pratiche di “risignificazione” degli spazi urbani, come campagne per la rimozione o contestualizzazione di statue e nomi di vie legati al colonialismo.

Dos Santos, formatasi tra l’Università Roma Tre, la Friedrich Schiller University Jena e la Tilburg University, è cofondatrice dell’associazione interculturale QuestaèRoma e membro dell’Advisory Board di Union of Justice, organizzazione europea guidata da persone di colore attiva sui temi della giustizia climatica e razziale. Il suo lavoro si colloca all’incrocio tra ricerca accademica e attivismo, con interventi in contesti internazionali come la Black Europe Summer School di Amsterdam e la partecipazione a produzioni mediatiche, tra cui un documentario di Vice News dedicato al movimento Black Lives Matter in Italia. L’evento è aperto al pubblico su registrazione e sarà interamente in lingua inglese.

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Il sistema della metropolitana di New York, tra i più estesi e utilizzati al mondo, si prepara ad un lifting mastodontico. La Metropolitan Transportation Authority (MTA), l’ente che gestisce il trasporto pubblico nell’area metropolitana, ha annunciato un piano per sostituire fino a un terzo degli attuali circa 6.500 vagoni in servizio. Una parte significativa della flotta risale agli anni Ottanta, quando alla Casa Bianca c’era Ronald Reagan, e oggi mostra segni evidenti di obsolescenza sia in termini tecnici sia di affidabilità.

Il primo lotto dell’operazione riguarda 1.140 carrozze destinate alle linee 1, 3 e 6, con un’opzione per ulteriori 1.250 unità sulle linee 2, 4 e 5. Il progetto, identificato con la sigla R262, rappresenta il più grande ordine di treni mai pianificato dall’MTA. Le nuove vetture, che dovrebbero entrare in servizio all’inizio degli anni Trenta, saranno progettate con standard aggiornati: sistemi audio più chiari, impianti frenanti migliorati e, in una quota che potrebbe arrivare al 60%, configurazioni “open gangway”, già diffuse in molte reti europee, che consentono ai passeggeri di muoversi liberamente lungo l’intero convoglio, aumentando capacità e sicurezza.

Il rinnovo fa parte di un piano infrastrutturale da 68 miliardi di dollari approvato dallo Stato di New York, che include interventi su metropolitane, autobus e linee ferroviarie suburbane. Entro il 2029 sono già stati allocati 11 miliardi per l’acquisto di nuovi treni. La gara per i produttori è in corso, con offerte attese entro settembre e assegnazione del contratto prevista nei primi mesi del 2028. Il tema è particolarmente sensibile perché l’affidabilità del servizio resta un nodo critico: nel 2024 quasi 487.000 corse su 2,7 milioni – circa una su cinque – hanno registrato ritardi, spesso legati proprio a guasti dei vagoni.

Tra i principali candidati alla dismissione ci sono i treni R62, entrati in servizio negli anni Ottanta e ormai oltre o al limite della loro vita operativa, stimata in circa 40 anni. Oltre all’impatto estetico – carrozze in acciaio con sedute arancioni e gialle ormai iconiche – il problema è soprattutto tecnico: questi convogli registrano un guasto ogni circa 89.000 miglia percorse, mentre i nuovi modelli promettono intervalli più che doppi. In una rete che nei giorni feriali trasporta oltre quattro milioni di passeggeri, ancora sotto i livelli pre-pandemia ma in crescita (oltre l’85% dei volumi del 2019 a fine 2024), la sostituzione del materiale rotabile è considerata una delle leve principali per migliorare puntualità e qualità del servizio.

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A distanza di oltre un secolo dagli esordi del cinema italiano, la figura di Elvira Notari resta una delle più importanti e meno conosciute della storia audiovisiva nazionale. Nata a Salerno nel 1875 e attiva soprattutto a Napoli, Notari è considerata la prima regista donna italiana e una pioniera del cinema muto europeo. Della sua produzione – circa 60 lungometraggi realizzati tra gli anni Dieci e Venti – oggi sopravvivono poco più di 160 minuti di immagini, tra tre film completi, due documentari brevi e alcuni frammenti.

Questa lacuna materiale non è solo il risultato della fragilità del supporto cinematografico dell’epoca, ma anche di una rimozione culturale più ampia. I film di Notari, incentrati su storie popolari ambientate nei vicoli di Napoli e su protagoniste femminili autonome e spesso controcorrente, furono progressivamente marginalizzati, nascosti o distrutti durante il regime fascista, che promuoveva un’immagine più uniforme, controllata e machista del Paese. A questa esclusione si è aggiunto, nei decenni successivi, un ritardo della storiografia ufficiale nel riconoscerne il contributo.

Il documentario Elvira Notari: Beyond Silence, diretto da Valerio Ciriaci, fa parte di un vero e proprio lavoro di recupero dell’eredità della regista. Presentato all’82ª Mostra del Cinema di Venezia nella sezione Venice Classics e candidato ai Nastri d’Argento, il film ricostruisce il percorso artistico della regista attraverso materiali d’archivio, testimonianze critiche e una riflessione sul tema della memoria culturale. Il film è una co-produzione tra Stati Uniti e Italia che coinvolge, tra gli altri, Luce Cinecittà, custode di una parte significativa del patrimonio audiovisivo nazionale.

Il film avrà la sua prima statunitense il 6 aprile 2026 al Film Forum, sala indipendente di riferimento per il cinema d’autore a New York, seguita da un incontro con il regista, la produttrice Antonella Di Nocera e la storica del cinema Giuliana Bruno. Una seconda proiezione è prevista l’8 aprile alla Casa Italiana Zerilli-Marimò della New York University, centro dedicato alla promozione della cultura italiana negli Stati Uniti. Altri incontri sono previsti nel resto degli Stati Uniti:

8 aprile 2026 — Cleveland, Ohio (Case Western Reserve University, Italian Film Festival USA)

8 aprile 2026 — Rochester, New York (Rochester Institute of Technology)

9 aprile 2026 — Rochester, New York (George Eastman Museum)

10 aprile 2026 — Pittsburgh, Pennsylvania (University of Pittsburgh, Italian Film Festival USA)

12 aprile 2026 — Los Angeles, California (UCLA)

12 aprile 2026 — Indianapolis, Indiana (Indiana University, Italian Film Festival USA)

15 aprile 2026 — San Diego, California (Digital Gym Cinema, San Diego Italian Film Festival)

16 aprile 2026 — Los Angeles, California (USC)

17 aprile 2026 — Orange, California (Chapman University)

18 aprile 2026 — St. Louis, Missouri (Washington University, Italian Film Festival USA)

19 aprile 2026 — Detroit, Michigan (Detroit Film Theatre, Italian Film Festival USA)

25 aprile 2026 — Rhinebeck, New York (Upstate Cinemas, New Italian Cinema Showcase)

Accanto al documentario, il Film Forum ospiterà anche una proiezione speciale di È Piccerella (1922), uno dei tre lungometraggi sopravvissuti di Notari, con accompagnamento musicale dal vivo al pianoforte. Il film è un esempio rappresentativo del suo stile: narrazione radicata nella cultura popolare napoletana, uso di attori non professionisti e attenzione ai dettagli della vita quotidiana. Elementi che, secondo parte della critica, anticipano alcune caratteristiche del neorealismo italiano sviluppatosi dopo la Seconda guerra mondiale.

Il percorso americano del documentario proseguirà poi in diverse città – da Los Angeles a Detroit, passando per università e festival come l’Italian Film Festival USA – confermando l’interesse internazionale per una figura che ebbe già, in forma indiretta, un legame con gli Stati Uniti. I film della Dora Film, la casa di produzione fondata da Notari con il marito Nicola, venivano infatti distribuiti nelle Little Italies americane negli anni Venti, intercettando il pubblico degli emigrati italiani. E questo spiega anche perché, oggi, il recupero della sua opera passi anche da New York, città che la regista non visitò mai ma che rappresentò uno dei principali mercati per il suo cinema.

Il caso Notari non riguarda solo la riscoperta di un’autrice dimenticata, ma apre dei quesiti su come si costruisce la memoria culturale e su quali criteri determinano cosa viene conservato e cosa viene escluso. In Italia, negli ultimi anni, il suo nome è tornato al centro di studi accademici, restauri e programmazioni festivaliere, ma resta ancora poco presente nella divulgazione. La distribuzione internazionale del documentario potrebbe contribuire a colmare questo divario, riportando al centro una figura che ha inciso in modo significativo sulla nascita del cinema italiano.

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Un campo da calcio come terreno miracoloso sul quale far moltiplicare il tesoro di un quartiere, come raccontato da Collodi nella storia di Pinocchio, ma, questa volta a fiorire sono i valori e le persone del quartiere Corviale di Roma e i volontari di un’associazione calcistica. Si sviluppa su questo filo narrativo Il Campo dei Miracoli – l’Oro di Corviale il docufilm coprodotto da Luckyhorn Entertainment e dall’azienda TP Italia che racconta di ‘Calciosociale’, l’associazione sportiva dilettantistica senza scopo di lucro fondata venti anni fa da Massimo Vallati, e del centro sportivo di Corviale, nella periferia sud ovest della capitale.

Il film, attualmente in gara al premio ‘Film Impresa’ di Unindustria, racconta l’idea alla base dell’associazione: promuovere un calcio fondato sui valori, che sia inclusivo e partecipato, libero dalla violenza. Lo sport è diventato poi un aggregatore di persone e idee, unite dalla voglia di creare un posto nel quale far crescere i bambini e ragazzi del quartiere di Corviale all’insegna della legalità, ma pure offrire agli adulti un posto nel quale mettere a frutto tempo e abilità per condividere esperienze e bellezza. 

Il film è parte del programma a supporto del centro sportivo promosso da TP Italia, azienda leader nella customer experience con sedi a Roma, Fiumicino e Taranto, che due anni fa ha incontrato questa realtà associativa e ha deciso di inserirla nei suoi progetti di responsabilità sociale. La presentazione, tenutasi nella sede di ‘Civita’, rientra nella ‘TP4i+ on the road’, l’iniziativa promossa da cinque anni da TP Italia per favorire la crescita personale dei propri dipendenti: incontri, seminari e corsi per riflettere sui temi dell’inclusione, della diversità, dell’empowerment femminile. Per l’edizione 2026, la programmazione prevede eventi sui territori nei quali ha sede l’azienda, per condividere valori ed esperienze con le comunità locali; la presentazione del docufilm è la prima tra quelle in programma a Roma.

“Quando abbiamo incontrato Massimo Vallati e le persone che con lui collaborano a ‘Camposociale’ – ha spiegato l’amministratore delegato di TP Italia, Diego Pisa – ci siamo ritrovati a condividere idee e valori ed è stato naturale cominciare a collaborare e progettare iniziative condivise. Qui abbiamo organizzato eventi di team building per i nostri dipendenti e, da allora, Calciosociale e ‘Campo dei miracoli’ sono diventati una componente importante per la nostra comunità, dentro e fuori le mura dell’azienda”.

Sulla scia del motto che campeggia nel centro sportivo ‘Campo dei miracoli’ (ovvero: “Vince solo chi custodisce”), nel film si susseguono le testimonianze dei volontari che si occupano della gestione del centro, ma anche di allenatori e giovani atleti. Dalle loro parole emerge la voglia di custodire un centro sportivo per farne occasione di crescita e condivisione, nonostante gli attacchi e gli attentati come il rogo appiccato dieci anni fa.

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Pensavo che L’ultima missione: Project Hail Mary sarebbe stato uno di quei film destinati a deludere, non perché mancassero i nomi giusti – anzi – ma proprio per quello. Il romanzo di Andy Weir, già di per sé divisivo, nelle mani di Phil Lord e Christopher Miller, con Ryan Gosling protagonista, sembrava il classico caso di aspettative fuori scala, uno di quei progetti che rischiano di funzionare perfettamente solo sulla carta.

Le aspettative, invece, non sono state solo soddisfatte, ma nettamente superate. Project Hail Mary, al cinema dal 19 marzo, parte da una premessa che potrebbe sembrare familiare – un uomo si risveglia su un’astronave senza memoria, incaricato di salvare il Sole da una minaccia invisibile – e la trasforma in qualcosa di meno prevedibile, perché non ha fretta di arrivare al punto e preferisce costruire il proprio racconto attraverso il processo, la scoperta e la ricostruzione.

Ryan Gosling qui gioca una partita delicata, perché deve essere credibile allo stesso tempo come scienziato, come uomo qualunque e come qualcuno che, in fondo, non voleva affatto trovarsi lì. Il risultato è un personaggio che non scivola mai nel cliché: niente genio infallibile, niente eroe brillante, ma una figura che prova a capire quello che gli sta succedendo, spesso con un passo di ritardo rispetto agli eventi, e proprio per questo risulta convincente.

Il film trova però il suo vero equilibrio quando introduce Rocky. Sarebbe facile ridurre questo incontro al classico schema dell’umano che entra in contatto con un alieno, ma qui la questione è più complessa, perché il primo contatto è fatto di suoni, tentativi, errori, e di una logica che continuamente si scontra con qualcosa di incomprensibile. È in questa difficoltà che il film diventa davvero coinvolgente, non perché cerchi la battuta, ma perché prende sul serio l’idea che comunicare sia un processo complicato e tutt’altro che immediato.

Rocky non è umano e non prova mai a sembrarlo, ed è proprio questo a renderlo efficace. È una forma di vita difficile da definire, qualcosa a metà tra organismo e struttura, ma dopo pochi minuti smette di avere importanza come sia fatto, perché l’attenzione si sposta su ciò che pensa e su come interagisce. Il rapporto con Grace cresce lentamente, senza scorciatoie, passando da problema tecnico a qualcosa che somiglia a un legame vero, anche se il film non sente mai il bisogno di definirlo esplicitamente.

La narrazione continua a muoversi tra presente e passato, tra lo spazio e la Terra, non per riempire vuoti ma per complicare il personaggio. Grace non è solo ciò che vediamo sulla nave, ma anche il risultato delle scelte – o delle mancate scelte – che lo hanno portato lì, e il film insiste su questa ambiguità invece di semplificarla.

In questo senso, più che costruire un eroe, il film costruisce una domanda che rimane sospesa per buona parte della durata: chi sei quando nessuno ti guarda e, soprattutto, chi diventi quando non hai più la possibilità di sottrarti a quello che devi fare.

Dal punto di vista visivo tutto è estremamente controllato, senza mai scivolare nel caos gratuito. Anche nei momenti più spettacolari si percepisce una precisione costante, e la nave non è mai un semplice sfondo ma una presenza concreta, una macchina da cui dipende ogni gesto e ogni decisione.

Il ritmo segue questa logica e non cerca una regolarità forzata, perché alterna accelerazioni e pause, momenti di tensione e altri più distesi, dando l’impressione di prendersi il tempo necessario per lasciare respirare le scene e le idee. Questo equilibrio, però, a un certo punto si incrina leggermente, perché il film tende ad allungarsi più del necessario, soprattutto nella parte finale, dove sembra esitare prima di chiudere davvero il suo percorso.

Non si tratta di un cedimento strutturale, quanto piuttosto di una difficoltà nel rinunciare a qualcosa, come se ogni elemento fosse troppo importante per essere sacrificato. Una mezz’ora in meno probabilmente lo avrebbe reso più incisivo, ma resta anche la sensazione che non sia facile individuare con precisione cosa eliminare senza impoverirlo.

È proprio questa abbondanza a definirlo. L’ultima missione: Project Hail Mary non si regge su un singolo momento decisivo, ma su una serie di passaggi che, messi insieme, costruiscono un’esperienza più che un semplice racconto. Non cerca il colpo di scena che ribalta tutto, ma lavora per accumulo, fino a trascinare lo spettatore dentro il suo mondo.

La cosa più inattesa, però, è un’altra. Nonostante la minaccia globale, le stelle che si spengono e l’urgenza della missione, il film non è pessimista. Non nega il disastro, ma sceglie di guardarlo da una prospettiva diversa, puntando sulla collaborazione, sull’intelligenza e sulla possibilità che, messi alle strette, gli esseri umani possano ancora fare la cosa giusta.

Non è una posizione scontata, soprattutto oggi, ed è probabilmente questo – più di qualsiasi elemento spettacolare – a rendere L’ultima missione: Project Hail Mary qualcosa di meno prevedibile e, in un certo senso, più necessario.

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Il Salone del Mobile.Milano è tornato negli Stati Uniti con una nuova edizione del roadshow internazionale, tassello cruciale della strategia di proiezione globale della Manifestazione che, dal 21 al 26 aprile 2026, porterà in scena a Fiera Milano Rho la sua 64ª edizione.

Il tour americano ha preso il via il 24 febbraio da Los Angeles, è proseguito il 26 febbraio a Chicago e si conclude a New York: tre città che rappresentano altrettanti epicentri della progettazione, dell’architettura e dell’economia immobiliare nordamericana, e che incarnano la pluralità di un mercato, quello statunitense, che si conferma tra i più rilevanti per l’industria italiana del legno-arredo.

Nel 2025, infatti, gli Stati Uniti confermano il loro ruolo strategico per la filiera legno-arredo italiana, posizionandosi nella top ten per numero di visitatori professionali al Salone del Mobile.Milano. Questo dato riflette un legame profondo e strutturale con la community progettuale americana, testimoniando l’attrattività della Manifestazione e la capacità del sistema produttivo italiano di dialogare con una domanda evoluta, attenta a qualità, innovazione e sostenibilità. Parallelamente, le esportazioni verso gli USA, nel periodo gennaio-novembre 2025, si attestano a 1,9 miliardi di euro, confermando gli Stati Uniti come secondo Paese per valore esportato dopo la Francia.

Nel contesto internazionale attuale, caratterizzato da crescenti complessità geopolitiche e commerciali, con queste tre tappe il Salone del Mobile.Milano ratifica il proprio ruolo di piattaforma strategica a supporto del settore. La Manifestazione contribuisce a monitorare l’evoluzione dei mercati internazionali e ad accompagnare le imprese nel rafforzamento delle strategie di diversificazione dell’export, favorendo l’esplorazione di nuove geografie commerciali anche attraverso la collaborazione con il MAECI e l’Agenzia ICE. Accanto al consolidamento delle relazioni con il mercato statunitense, il Salone promuove una crescente attenzione verso mercati emergenti in Medio Oriente e Asia, con l’obiettivo di ampliare le opportunità di crescita e ridurre la dipendenza da singoli mercati di riferimento.

La 64ª edizione del Salone del Mobile.Milano si presenta agli Stati Uniti con numeri che ne confermano la leadership mondiale: oltre 1.900 espositori da 32 Paesi (il 36,6% dall’estero), 227 brand tra debutti e ritorni, più di 169.000 mq di superficie espositiva netta interamente sold out. Al centro dell’edizione, l’atteso ritorno delle Biennali: EuroCucina con FTK – Technology For the Kitchen (106 brand da 17 Paesi) e il Salone Internazionale del Bagno (163 brand da 14 Paesi), insieme a SaloneSatellite con 700 designer under 35 e 23 scuole e università internazionali.

Ma l’edizione 2026 è anche quella che segna un’evoluzione nei contenuti e nell’architettura della Manifestazione. Debutta Salone Raritas (Padiglione 9), nuova piattaforma dedicata a design da collezione, edizioni limitate, antiquariato e alta manifattura, con la curatela di Annalisa Rosso e l’exhibition design di Formafantasma: un ponte inedito tra produzione speciale e mercato del progetto.

Tra i protagonisti figurano Nilufar Gallery (Milano), Side Gallery (Barcellona), Hering Berlin, Mercado Moderno (Rio de Janeiro), Brun Fine Art (Londra–Milano) e Paradiso Terrestre (Bologna), insieme a collaborazioni come Herzog & de Meuron con Marta Sala Éditions e Salviati con Draga & Aurel. Il progetto include inoltre la partecipazione di Mouromtsev Design Editions con Job Smeets (Dubai), Studio Stefan Scholten | Materia Collective (Paesi Bassi), Xavier Lust (Belgio) e Parasite 2.0 con Bianco67 (Carrara).

Attraverso queste presenze, Salone Raritas mette in dialogo il mondo del collectible design con quello dell’architettura, dell’hospitality e dei progetti contract contemporanei, evidenziando il ruolo sempre più rilevante di pezzi unici ed edizioni limitate nella definizione dell’identità degli spazi. Gli Stati Uniti rappresentano uno dei mercati più maturi per il collectible design, dove gallerie, designer, sviluppatori immobiliari e istituzioni culturali contribuiscono a integrare pezzi unici ed edizioni limitate all’interno di progetti architettonici e spazi pubblici.

Il 2026 segna anche l’avvio del percorso verso il Salone Contract — il cui masterplan è affidato a Rem Koolhaas e David Gianotten (OMA) — che nel 2027 aprirà ufficialmente con un nuovo sguardo sulle direttrici dedicate a hospitality, retail, marine e real estate: settori in forte espansione a livello globale e di particolare interesse per il mercato nordamericano.

Il progetto nasce per dialogare con il mercato globale dei grandi progetti integrati, un settore che oggi supera i 1.000 miliardi di dollari di valore a livello internazionale. In questo scenario, gli Stati Uniti rappresentano uno dei laboratori più avanzati di questo modello, dove architettura, sviluppo immobiliare e industria del design operano in modo profondamente interconnesso.

Maria Porro, presidente del Salone del Mobile.Milano, dichiara:
«In una fase di incertezza globale, il Salone del Mobile.Milano consolida il proprio ruolo di piattaforma strategica per le imprese e per il mercato, garantendo continuità, affidabilità e una visione di lungo periodo per l’intero sistema del design. Gli Stati Uniti sono un interlocutore fondamentale: da sempre presenti nella top ten per numero di visitatori professionali al Salone, confermano la solidità del legame con la community progettuale americana. Il roadshow a Los Angeles, Chicago e New York rafforza relazioni consolidate e accompagna il racconto di un’edizione che evolve nei contenuti e nei formati, in un confronto aperto con un mercato chiave che, nei primi dieci mesi del 2025, si conferma secondo Paese di destinazione della filiera italiana del legno-arredo, con 1,9 miliardi di euro di export. Con Salone Raritas e il percorso verso Salone Contract ampliamo il perimetro del progetto Salone, aprendo nuove traiettorie e rafforzando il ruolo del Made in Italy come partner affidabile a livello internazionale».

Commenta Marco Verna, direttore di ICE Miami:
«La sinergia tra ICE e il Salone del Mobile rappresenta molto più di una semplice collaborazione promozionale: è uno strumento strategico di diplomazia economica. In un contesto internazionale segnato da nuove tensioni commerciali, ridefinizione delle catene del valore e crescente competizione globale, il mercato americano resta un terreno fondamentale per l’affermazione del design italiano. Iniziative come questi roadshow consentono di rafforzare la presenza del Made in Italy negli Stati Uniti, valorizzando identità, qualità e capacità innovativa, e la collaborazione tra ICE e Salone del Mobile diventa un modello di promozione integrata, capace di sostenere la competitività delle imprese italiane e di consolidare il ruolo del design come ambasciatore del Made in Italy nel mondo».

Il roadshow negli Stati Uniti si inserisce nella più ampia strategia di internazionalizzazione del Salone del Mobile.Milano, che nel corso del 2025 e del 2026 ha già toccato Regno Unito, Germania, Francia e Spagna, e che guarda con crescente attenzione a mercati emergenti come India e Arabia Saudita, oltre al consolidamento della partnership con Art Basel — avviata a Miami e destinata a proseguire a Hong Kong — che rappresenta un’alleanza inedita tra due piattaforme leader della creatività contemporanea.

In ciascuna delle tre tappe americane, il Salone del Mobile.Milano, in collaborazione con ICE – Agenzia per la promozione all’estero e l’internazionalizzazione delle imprese italiane — e con le principali associazioni americane di architetti, designer e costruttori — darà vita a momenti di incontro dedicati al racconto delle novità, dei contenuti e della visione strategica della 64ª edizione: un’occasione per condividere il valore di una Manifestazione che non è soltanto il più importante appuntamento fieristico internazionale dell’arredo e del design, ma una piattaforma che produce valore, impatto sulla manifattura e rigenerazione per l’intero ecosistema del progetto contemporaneo.

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Il 2 marzo, gli spazi del Campari Venue presso il Grace Building di New York, hanno ospitato un incontro speciale della comunità Bocconi. Alumni, sostenitori e autorità si sono riuniti per un evento che non ha rappresentato solo networking internazionale, ma un omaggio alla visione di Leonardo Del Vecchio. A raccontarla, è stata la voce di Nicoletta Zampillo Del Vecchio, Presidente della Fondazione a lui titolata, che ne custodisce i valori e lo spirito filantropico traducendoli in progetti capaci di generare valore sociale. L’iniziativa, organizzata dalla Bocconi Alumni Community insieme a Friends of Bocconi University, ha messo al centro il tema dell’istruzione l’eccellenza per tutti come strumento per abbattere le barriere sociali. Un impegno che per la Fondazione Leonardo Del Vecchio non è solo una missione, ma un dovere morale radicato nella storia personale del fondatore di Luxottica

Ad aprire i lavori sono stati i saluti istituzionali di Mariafrancesca Carli (Presidente di Friends of Bocconi), Francesca Coloni (Chapter Leader degli Alumni a New York) ed Erika Zancan (Director, Alumni & Fundraising di Università Bocconi).

L’evento, moderato dai giornalisti Mario Calvo Platero e Maria Silvia Sacchi, ha visto come protagonista Nicoletta Zampillo Del Vecchio che guida la Fondazione con l’obiettivo di dare continuità ai valori del fondatore di Luxottica. Sotto la sua presidenza, l’ente ha rafforzato il proprio ruolo attraverso solide partnership con istituzioni accademiche e interventi mirati in ambito sanitario e sociale. «Leonardo ha sempre creduto nei giovani e nel loro potenziale», ha spiegato durante l’intervista. «Siamo determinati a sostenere i talenti di oggi abbattendo per loro  ogni barriera economica allo studio nella convinzione che questo li porterà domani a disegnare una società meritocratica e più giusta».

Al centro del dibattito il tema della “restituzione”, un principio che la Fondazione ha trasformato in investimenti concreti sull’istruzione con l’obiettivo di democratizzare l’accesso a una formazione di alto livello.

A dare un volto a queste opportunità è stato Riccardo Cornaggia, studente al terzo anno di BIEF (Bachelor in Economics and Finance). Cornaggia, attualmente impegnato in un semestre di scambio alla Princeton University, ha raccontato come il sostegno della Fondazione sia stato fondamentale per un percorso accademico che lo ha portato dai banchi di Milano a una delle istituzioni più prestigiose della Ivy League.

L’iniziativa ha confermato come il modello della Fondazione Leonardo Del Vecchio punti a generare un impatto duraturo. Non si tratta solo di onorare una memoria, ma di costruire un sistema dove il successo imprenditoriale torna alla società civile sotto forma di istruzione, ricerca scientifica e inclusione, con l’obiettivo di lasciare un segno duraturo nel tessuto sociale costruendo opportunità reali.

Oltre ai simboli, ci sono i dati concreti. Il fondo Leonardo Del Vecchio Students Award garantisce infatti a un minimo di dieci studenti ogni anno la possibilità di iniziare il proprio percorso in Bocconi, coprendo dei costi che altrimenti le famiglie non potrebbero permettersi.

Ma ciò che lega l’Università Bocconi alla figura di Leonardo Del Vecchio va anche oltre, tanto che per la prima volta dalla sua fondazione, lo scorso 22 maggio, nel giorno della nascita dell’imprenditore, gli ha intitolato uno degli edifici più iconici del campus: quello di Piazza Sraffa 13, rinominato Leonardo Del Vecchio Building, a simboleggiare l’impatto del Cavaliere nel mondo dell’impresa e della formazione, e per ricordare – come sottolineò il rettore Billari – come la sua storia personale e professionale incarni i valori centrali dell’ateneo:impegno, merito, inclusione, fiducia nel talento dei giovani.  

L’evento si è concluso con una sessione di Q&A lasciando alla platea newyorkese l’immagine di una filantropia che non si limita a celebrare il passato, ma che usa le risorse del presente per costruire la classe dirigente del futuro.

Attraverso il sostegno concreto al merito e all’istruzione, la vita  di Leonardo Del Vecchio si conferma non solo come memoria di un successo imprenditoriale senza precedenti, ma come un convinto credo nelle persone su cui la Fondazione  continuerà a investire per generare valore e mobilità sociale per le generazioni a venire.

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Pensare che un libro su Mussolini appartenga inevitabilmente alla sfera della saggistica più accademica è un pregiudizio che M. Il figlio del secolo di Antonio Scurati smentisce con decisione. In Italia il volume è stato un caso editoriale di grande rilievo, ha vinto il Premio Strega nel 2019 e ha alimentato un ampio dibattito pubblico, perché non si limita a essere un romanzo storico in senso tradizionale. L’opera combina infatti racconto e ricostruzione documentaria, intrecciando narrazione, articoli, fonti d’epoca e materiali d’archivio. Ne emerge un ibrido che molti hanno definito “romanzo documentario” e che obbliga il lettore a considerare il fascismo non come una realtà remota e cristallizzata, ma come un processo storico costruito progressivamente, le cui implicazioni continuano a parlare al presente.

Una delle osservazioni più ricorrenti nelle recensioni riguarda proprio la capacità del libro di restituire vitalità al passato senza indulgere in alcuna nostalgia. Il romanzo non si propone come una semplice rievocazione, ma come una rilettura che rimette in movimento la materia storica e la rende immediatamente percepibile nella sua urgenza contemporanea. La forza del testo sta nel mostrare come quella vicenda non appartenga soltanto alla memoria nazionale, ma interroghi ancora il lettore di oggi.

Al centro dell’operazione narrativa di Scurati vi è la scelta di raccontare l’ascesa di Mussolini dall’interno. Il punto di vista adottato segue il protagonista nei suoi calcoli, nella sua spregiudicatezza, nella sua capacità di seduzione politica e nella progressiva costruzione del consenso. Non si tratta, tuttavia, di un tentativo di attenuazione o di giustificazione. Al contrario, il romanzo procede come una vera dissezione del potere e dei suoi meccanismi. È anche per questo che molti critici hanno letto l’opera come un intervento profondamente antifascista: non una condanna astratta, ma la dimostrazione concreta di come il fascismo si formi, si diffonda e finisca per apparire normale.

Uno degli aspetti più discussi del libro è il principio dichiarato dall’autore secondo cui “nulla è inventato”. Scurati costruisce il testo come un’opera narrativa fondata però su documenti, giornali e testimonianze storiche. Questa impostazione conferisce al romanzo una tensione particolare: quando il lettore viene catturato dal ritmo del racconto, il peso delle fonti lo richiama costantemente alla realtà dei fatti. La narrazione non si allontana mai del tutto dal terreno storico da cui trae origine.

Per questa ragione M. Il figlio del secolo è stato spesso accostato ad altre opere che esplorano il confine tra invenzione letteraria e verità documentaria. Anche in questo caso, tuttavia, Scurati imprime al materiale una fisionomia propria, con una scrittura che conserva il rigore dell’archivio ma lo trasforma in energia narrativa. Il risultato è un’opera che, pur nella sua densità, possiede una forza di trascinamento rara.

Il romanzo ricostruisce gli anni compresi tra il 1919 e il 1925, cioè la fase in cui il fascismo consolida la propria presa e Mussolini passa da figura emergente a dominatore della scena politica italiana. Questo passaggio è decisivo, perché il libro non osserva un regime già compiuto, ma segue il suo processo di formazione. Il fascismo appare così non come un blocco monolitico, bensì come una costruzione graduale fatta di decisioni, complicità, violenza e consenso.

Accanto a Mussolini si muovono figure centrali come Matteotti, D’Annunzio e Balbo, in un quadro corale che restituisce la complessità del contesto storico. Il fascismo, in questa prospettiva, non appare come il prodotto di un solo individuo, ma come il risultato di una rete di interessi, ambizioni e responsabilità condivise. È proprio questa dimensione collettiva a rendere il romanzo particolarmente efficace nel chiarire le origini del fenomeno.

Molte recensioni hanno insistito sul fatto che il libro illumina la nascita del fascismo con una precisione tanto maggiore quanto più inquietante. Il regime non viene presentato come un’anomalia incomprensibile o irripetibile, ma come l’esito di condizioni riconoscibili: esasperazione sociale, rancore politico, propaganda sistematica, uso crescente della violenza e progressiva assuefazione pubblica. In questa capacità di mostrare la genesi del fenomeno risiede una delle ragioni per cui il romanzo è stato definito necessario e attuale.

Tra le osservazioni critiche più frequenti vi è quella relativa all’avvio del libro, giudicato da alcuni lettori particolarmente denso e talvolta impegnativo. Le prime pagine possono dare l’impressione di una maggiore prossimità al saggio che al romanzo, e l’inserimento dei documenti può rallentare a tratti la fluidità della lettura. Tuttavia, molte di queste stesse valutazioni riconoscono che, superata la soglia iniziale, il testo acquisisce un ritmo più serrato e coinvolgente. Nonostante l’ampiezza del volume, il romanzo è stato spesso descritto come un’opera di forte tensione narrativa, sostenuta da scene e dialoghi di notevole efficacia.

La dichiarazione programmatica secondo cui nulla sarebbe inventato ha inevitabilmente esposto il libro a un intenso scrutinio critico. Alcuni storici hanno segnalato imprecisioni documentali relative a date, luoghi e dettagli specifici. Ernesto Galli della Loggia, tra gli altri, ha contestato al romanzo diversi errori puntuali. Scurati ha replicato rivendicando la libertà propria della forma romanzesca, purché rispettosa della sostanza storica. Da questo confronto è nato un dibattito culturale di grande ampiezza. Eppure, anche tra coloro che hanno individuato limiti o inesattezze, è rimasto spesso fermo il riconoscimento del valore letterario dell’opera e della sua capacità di restituire con efficacia il clima politico e morale dell’Italia del tempo.

Dal successo del romanzo è nata anche la serie Sky Original diretta da Joe Wright, con Luca Marinelli nel ruolo di Mussolini, distribuita negli Stati Uniti anche attraverso MUBI. L’adattamento televisivo ha accentuato la dimensione stilistica e ha scelto un linguaggio visivo fortemente contemporaneo, cupo e deformante. Alcuni commentatori hanno sottolineato la natura volutamente anti-naturalistica della serie, accompagnata dalla colonna sonora dei Chemical Brothers, che sposta la percezione dello spettatore verso un incubo moderno più che verso una semplice ricostruzione storica.

L’elemento più divisivo dell’adattamento è probabilmente la rottura della quarta parete: Mussolini si rivolge direttamente allo spettatore, lo fissa, lo coinvolge, tenta di sedurlo. È una scelta efficace nel rappresentare il potere come performance e la propaganda come forma di spettacolo, ma solleva anche un interrogativo cruciale. Quando il protagonista viene reso così scenicamente magnetico, l’effetto finale è una demolizione del mito oppure, almeno in parte, una sua rinnovata attrazione?

Le reazioni alla serie sono state infatti più contrastate rispetto a quelle registrate dal romanzo. Da un lato sono arrivati apprezzamenti per la regia, la costruzione visiva e l’ambizione formale del progetto. Dall’altro non sono mancate critiche rivolte al tono giudicato eccessivamente grottesco, alle libertà prese rispetto all’opera originaria e al rischio che lo shock visivo finisca per prevalere sulla riflessione storica. Lo stesso Scurati ha espresso riserve sull’adattamento, temendo che potesse alterare il nucleo antifascista del libro. In questo risiede il punto centrale della discussione: il romanzo entra nella logica del fascismo per smontarla, mentre la serie, secondo alcuni, corre il rischio di trasformare quella stessa operazione in spettacolo.

L’adattamento accentua inoltre la violenza e insiste su una rappresentazione del potere più fisica, carnale e talvolta prossima all’eccesso. I personaggi assumono in diversi momenti tratti quasi espressionisti. Là dove il romanzo cercava di restituire una tragicità umana e storicamente riconoscibile, la serie spinge verso una stilizzazione più marcata. Alcuni critici, come Giordano Bruno Guerri, hanno parlato di forzature e di una spettacolarizzazione capace di alterare il rapporto con la realtà dei fatti. Lo storico Marco Mondini ha sintetizzato questa impressione con un’espressione destinata a restare: il “Mussolini Marvel”, cioè un Mussolini costruito come antagonista da fumetto. Per alcuni è una chiave utile a chiarire che non si tratta di un documentario, ma di una lettura autoriale; per altri rappresenta una semplificazione eccessiva, potenzialmente incline a produrre un effetto di fascinazione involontaria.

Il confronto tra libro e serie, dunque, non si risolve facilmente in una preferenza netta. Il romanzo offre una ricostruzione poderosa, sostenuta dalla documentazione e al tempo stesso animata da una forte energia narrativa. La serie, invece, traduce quella stessa materia in un’esperienza visiva popolare, perturbante e fortemente stilizzata. Per alcuni questa trasformazione è un’intuizione felice; per altri un tradimento del tono e della finalità dell’opera di partenza. In ogni caso, non si tratta di un adattamento didascalico, ma di un’interpretazione che punta a provocare una reazione e accetta, per questo, di dividere il pubblico.

Forse è proprio questo il motivo per cui M. Il figlio del secolo continua a suscitare discussioni. Il romanzo, e con esso il dibattito nato attorno alla sua trasposizione televisiva, non si limita a raccontare una stagione conclusa della storia italiana. Rimette quel passato in circolo, lo sottrae alla distanza rassicurante della memoria e costringe a osservare il fascismo per ciò che fu realmente: non un mostro astratto, ma un fenomeno storico nato dentro le fratture della società, alimentato da meccanismi che restano, ancora oggi, riconoscibili.

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Nel marzo 2026 PERSONE NYC festeggia dieci anni di attività. Un traguardo che racconta il percorso del suo fondatore, James Marcolin, e di un’idea nata lavorando nella ristorazione di New York City: costruire un servizio di recruiting capace di riportare al centro dell’ospitalità ciò che spesso si perde nei processi di selezione, le persone. “Ogni sera pensavo la stessa cosa: deve esserci un modo migliore”, ricorda oggi.

La storia di James Marcolin comincia molto lontano dai grattacieli di Manhattan, in un piccolo paese vicino a Venezia, cresciuto a Carmignano di Brenta (in provincia di Padova). È lì che cresce in una famiglia italiana tradizionale, dove il rapporto tra cibo, accoglienza e relazioni umane fa parte della vita quotidiana.

“Fin da bambino ho sviluppato un amore fortissimo per le persone e per il cibo”, racconta. Due elementi che nella cultura italiana sono profondamente legati e che, negli anni, diventeranno anche la base della sua visione professionale.

Una delle storie che più hanno segnato la sua vita riguarda i suoi nonni. La famiglia della nonna gestiva una piccola struttura ricettiva a Venezia e lei iniziò a lavorare molto giovane, senza poter proseguire gli studi. Un giorno servì un piatto di pasta fresca a un cliente del ristorante di famiglia.

Quel cliente sarebbe diventato suo marito.

“Per mio nonno fu amore a prima vista”, racconta Marcolin. “Continuò a tornare al ristorante per rivederla finché anche lei si innamorò”. È da loro che ha imparato cosa significa davvero ospitalità. Non solo un lavoro, ma un modo di vivere fatto di rispetto, dedizione e attenzione per gli altri. Tra gli insegnamenti più importanti ricevuti dalla nonna ce n’è uno che ricorda ancora oggi: “Mi diceva sempre: puoi sempre aiutare qualcuno, anche quando pensi di non avere nulla da offrire“.

Crescendo, quella passione è diventata una scelta professionale. Marcolin decide di studiare hospitality e si diploma con il massimo dei voti in Hospitality Management all’istituto superiore Almerico da Schio di Vicenza. Prosegue poi gli studi in Comunicazione e Traduzione all’Università di Padova e successivamente a Oxford.

Il suo percorso diventa presto internazionale. Vive e lavora tra Inghilterra, Francia, Spagna e Canada, accumulando esperienze nel settore dell’ospitalità. “Quegli anni mi hanno insegnato a vedere l’hospitality da prospettive diverse”, spiega.

La svolta arriva quando si trasferisce a New York City, una delle capitali mondiali della ristorazione. Qui costruisce la sua carriera lavorando nel settore dai piccoli passi, e come tanti immigrati cominciando da lavori piccoli e lavorando due/tre alvori allo stesso tempo come cameriere, busser e host, fino a ricoprire il ruolo di General Manager.

È proprio durante quegli anni che inizia a notare una criticità ricorrente nel settore: il processo di selezione del personale è spesso inefficiente e dispendioso. Annunci di lavoro che attirano centinaia di candidature non qualificate, email casuali, colloqui poco produttivi. Molti ristoratori finiscono per perdere tempo ed energie preziose. “Il problema non era solo organizzativo”, spiega. “La sensazione era che si stesse perdendo di vista l’aspetto umano dell’ospitalità”.

Quella riflessione diventa sempre più insistente. “Ogni sera tornavo a casa pensando la stessa cosa: deve esserci un modo migliore”.

Dopo anni lavorando nel settore, Da quell’idea, nel 2016, nasce PERSONE NYC. Il progetto parte da una convinzione semplice: nel mondo dell’ospitalità il fattore umano deve tornare al centro. Non solo competenze tecniche o curriculum, ma relazioni, personalità, visione. “Ho voluto creare un servizio di recruiting che mettesse davvero al centro le persone”, racconta Marcolin. Non a caso il nome dell’azienda è una parola italiana. “PERSONE significa esattamente questo”.

In dieci anni PERSONE NYC ha aiutato centinaia di ristoranti e professionisti dell’hospitality a incontrarsi e crescere insieme. L’azienda si è costruita una reputazione solida nel panorama del recruiting a New York City, distinguendosi per le recensioni a cinque stelle ricevute sia da clienti sia da candidati.

Accanto all’attività imprenditoriale, Marcolin mantiene anche un forte impegno civico. È coinvolto in diverse organizzazioni che sostengono piccole imprese, diritti civili e sostenibilità ambientale, tra cui New York Immigration Coalition, Immigration Equality, NYC Homeless Coalition, City Harvest, God’s Love We Deliver e The Ocean Cleanup. “Credo molto nell’idea di restituire qualcosa alla comunità”, spiega.

Guardando indietro a questi primi dieci anni di attività, Marcolin riconosce quanto il suo percorso sia stato influenzato dalle radici italiane e dagli insegnamenti ricevuti in famiglia. “Sono molto grato delle mie radici, che mi hanno guidato in molte delle mie scelte nella vita e per veramente capire cosa vuol dire essere un Italiano all’estero e fiero delle mie origini”, dice. E la convinzione che lo accompagna è la stessa da cui è nato tutto il progetto: “L’ospitalità è, prima di tutto, una questione di passione per l’umanità dell’hospitality: le persone”.

Oggi James vive a Brooklyn e dopo quasi vent’anni e New york continua il suo american dream.

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Si riunisce alla Farnesina dal 24 al 26 marzo il Comitato di Presidenza del Consiglio Generale degli italiani all’estero.

Fitta l’agenda dei lavori, a cominciare dall’incontro con il Direttore Generale per i servizi ai cittadini all’estero e le politiche migratorie del MAECI, min. plen. Silvia Limoncini, durante il quale sarà illustrata la Relazione di Governo, che fornirà l’occasione per un aggiornamento sulla situazione dei connazionali nelle aree coinvolte dal conflitto in Medioriente, per fare il punto a caldo sui dati della consultazione referendaria all’estero e per analizzare gli esiti della recente sentenza della Corte Costituzionale sulla riforma della cittadinanza.

In vista delle prossime elezioni per il rinnovo dei Com.It.Es., il confronto servirà inoltre a verificare che il processo organizzativo della rete diplomatico-consolare garantisca la massima partecipazione al voto, anche dal punto di vista del corretto funzionamento delle piattaforme informatiche e di un’efficace campagna informativa. Si lavorerà inoltre con l’Ufficio V della DGIT per definire la costituzione del tavolo di lavoro informale e operativo richiesto dal CGIE in tema di enti gestori dei corsi di lingua e cultura italiana, rispetto al quale la Direzione generale ha dimostrato disponibilità, e per approfondire il progetto di creazione di un portale per la semplificazione delle procedure burocratiche a carico di tali enti, da tempo invocata dal Consiglio Generale.

Il programma prevede poi una sezione di lavoro con il vicepresidente del CNEL Claudio Risso per proseguire la collaborazione tra le due istituzioni e sviluppare i punti di interesse comune individuati nell’Accordo interistituzionale firmato lo scorso anno. Prevista inoltre la cerimonia della firma del protocollo d’intesa con il Museo dell’Emigrazione Italiana, con il quale sarà esaminato un elenco di progetti comuni.

Al centro dei lavori anche l’organizzazione dell’Assemblea plenaria, convocata per la settimana dall’11 al 15 maggio, in cui sarà portato a sintesi il lavoro delle Commissioni sui temi prioritari impostati nel secondo trimestre dell’anno scorso: promozione della lingua e cultura, insegnamento della storia dell’emigrazione nelle scuole italiane e riforma del Consiglio Generale. Punto, quest’ultimo, che formerà oggetto di un incontro con gli esperti del CGIE, con i quali si intende rilanciare la collaborazione.

Saranno inoltre esaminate le candidature pervenute per la partecipazione al bando del Premio Michele Schiavone, il cui vincitore sarà designato dalla Giuria in chiusura dei lavori, per poi essere premiato ufficialmente in occasione dell’Assemblea plenaria.

Le risultanze dei lavori del Comitato di Presidenza saranno illustrate nel corso di una conferenza stampa giovedì 26 marzo alle ore 14 presso la sala Gaja (II piano) del MAECI.

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New York è una città che accelera tutto: carriere, incontri, opportunità. Ma c’è una cosa che non può essere accelerata: il senso di orientamento. È lì che nasce il valore di iniziative come il Mentorship Program del Comites, giunto alla sua terza edizione.

Non è un progetto che vuole creare rumore o alla ricerca di visibilità facile. Funziona perché si fonda su un principio antico e spesso dimenticato: qualcuno che ha già attraversato un percorso si ferma, si volta indietro e tende la mano.

L’avvio della nuova edizione ha avuto il tono sobrio delle cose serie. Dopo i saluti della Console Generale Aggiunta Laura Pirino, della neo eletta Presidente del Comites Barbara Marciandi, e della Vicepresidente Ornella Fado, la coordinatrice Francesca Carelli ha riportato l’attenzione sulle persone. Mentori e Mentee. Volontari, tutti.

Nella città dove il tempo è la risorsa più scarsa, scegliere di donarlo è già una dichiarazione di intenti.

Il programma è strutturato, ma più che nella struttura il suo valore sta nella qualità della relazione che si crea. Chi ha più esperienza negli Stati Uniti condivide strumenti pratici e consigli, ma anche errori, passaggi critici, momenti di incertezza. Chi è in una fase di esplorazione porta domande, energia, prospettive nuove. Il risultato è uno scambio che funziona davvero quando smette di essere unidirezionale.

Durante l’incontro si sono presentati i partecipanti, mettendo volti e storie dietro un progetto che altrimenti rischierebbe di restare astratto e prendendo forma nelle biografie che si incrociano.

Una novità importante è arrivata da Alexandra Buccarella, che ha annunciato una serie di workshop pensati per rispondere in modo concreto ai bisogni dei partecipanti. Non moduli standardizzati, ma momenti costruiti su misura dopo l’erogazione di un questionario. L’obiettivo è chiaro: creare comunità, facilitare lo scambio esperienziale, generare ispirazione e opportunità, aiutare ciascuno a mettere a fuoco la propria direzione.

Il programma segna un’evoluzione chiara: la comunità italiana a New York sta diventando più consapevole di sé. Cresce nella capacità di organizzarsi, di creare valore interno e di costruire relazioni che abbiano continuità.

Il lavoro del Com.it.es si muove in questa direzione. È l’organismo elettivo che rappresenta gli italiani all’estero e che prova a tradurre esigenze diffuse in iniziative concrete, creando connessioni tra persone e istituzioni.

Il networking, in questo contesto, cambia natura. Diventa un’assunzione di responsabilità reciproca, un modo per condividere competenze, tempo ed esperienza. La serata si è chiusa con una performance di danza e un aperitivo, proseguendo in modo informale quanto avviato durante la presentazione.

A New York la vera sfida è qui: la capacità di costruire legami che restano e che, nel tempo, generano altro valore.

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L’Istituto Italiano di Cultura di New York è lieto di annunciare la prima edizione di “SuperBook”, una nuova competizione letteraria che porterà a New York, dal 26 al 29 marzo 2026, otto scrittori italiani vincitori di alcuni tra i più importanti premi letterari nazionali dell’ultimo anno.

Le opere selezionate saranno sottoposte al giudizio di una giuria composta da autorevoli personalità del mondo della cultura, della letteratura e dell’editoria, profondamente legate agli Stati Uniti. Il verdetto finale sarà proclamato entro la metà di settembre 2026.

L’iniziativa nasce con un obiettivo preciso: accrescere la conoscenza della narrativa italiana negli Stati Uniti, favorendone la traduzione in inglese e la diffusione in un mercato vasto, competitivo e strategico come quello americano.

Al vincitore del SuperBook sarà assegnato un premio di 10.000 dollari, destinato a sostenere la traduzione in inglese e la promozione dell’opera negli Stati Uniti.

A presiedere la giuria di questa prima edizione sarà il direttore d’orchestra Daniele Rustioni, recentemente nominato Principal Guest Conductor del Metropolitan Opera, uno degli incarichi più prestigiosi della scena lirica internazionale. Di seguito gli autori in concorso:

• Andrea Bajani, L’anniversario, Feltrinelli — Premio Strega
• Nicolò Cavallaro, Il lama dell’Alabama, Hacca Edizioni — Premio POP, Premio Opera Prima
• Teresa Ciabatti, Donnaregina, Mondadori — Premio BPER Donna Scrittrice, sezione Narrativa
• Nicola H. Cosentino, C’è molta speranza (ma nessuna per noi), Guanda — Premio Flaiano

• Diego De Silva, I titoli di coda di una vita insieme, Einaudi — Premio Viareggio-Rèpaci
• Anna Mallamo, Col buio me la vedo io, Einaudi — Premio Mondello
• Wanda Marasco, Di spalle a questo mondo, Neri Pozza — Premio Campiello
• Leonardo San Pietro, Festa con casuario, Sellerio — Premio Mondello Giovani

«Il nostro obiettivo è aumentare la presenza della narrativa italiana tradotta in inglese negli Stati Uniti, dove la quota di letteratura straniera resta ancora molto contenuta», ha dichiarato Claudio Pagliara, Direttore dell’Istituto Italiano di Cultura di New York.«SuperBook è un progetto nuovo sotto molti aspetti: è un “premio dei premi”, ispirato simbolicamente al modello del Super Bowl. Siamo convinti che una giuria radicata negli Stati Uniti e capace di leggere in italiano sia nella posizione ideale per individuare il libro con le maggiori possibilità di affermarsi nel mercato americano. L’autorevolezza del suo Presidente, Daniele Rustioni, che ringrazio per aver accolto il mio invito, conferma il valore e l’ambizione di questa iniziativa, nata per promuovere con forza la letteratura italiana negli Stati Uniti».

Il SuperBook ha ricevuto il sostegno finanziario del CEPELL – Centro per il libro e la lettura ed è promosso con il supporto di AIE – Associazione Italiana Editori e del Salone Internazionale del Libro di Torino.

Sono partner dell’iniziativa i Consolati Generali d’Italia a New York e a Boston, numerose università della circoscrizione, le librerie Rizzoli di New York e I AM Books di Boston.

Nel corso di una vera e propria maratona letteraria di quattro giorni, gli autori dialogheranno con giornalisti, critici letterari e altre figure di rilievo del panorama culturale. Il 26, 27 e 28 marzo gli incontri si terranno presso l’Istituto Italiano di Cultura di New York, mentre il 29 marzo tutti gli autori saranno presenti alla libreria Rizzoli per un “Aperitivo with the Authors”.

L’Istituto è a disposizione dei giornalisti interessati per organizzare interviste con i singoli autori.

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È inutile, che sia l’Italia o l’America, le prime due cose che ci vengono in mente quando pensiamo a qualcosa che sia in grado di unire il popolo italiano sono il calcio e il cibo – in questo caso, la pizza!

Devono essere state le stesse due cose che hanno pensato I Love Italian Food e la Columbus Citizen Foundation quando hanno deciso di lanciare Pizza da Campioni, il format pensato per avvicinarsi ai Mondiali di calcio del 2026, che si giocheranno tra Stati Uniti, Canada e Messico, segnando un ritorno del torneo sul suolo nordamericano a distanza di trent’anni dall’edizione del 1994,

Durante Pizza da Campioni, cinque pizzaioli tra i più rinomati a New York realizzeranno altrettante pizze dedicate a cinque protagonisti delle vittorie dell’Italia ai Mondiali del 1982 in Spagna e del 2006 in Germania, due momenti che rappresentano ancora oggi i principali riferimenti della storia sportiva recente della Nazionale. Quelle due competizioni hanno contribuito a consolidare l’immaginario internazionale dell’Italia calcistica, anche grazie alle figure di Paolo Rossi, Fabio Cannavaro e Andrea Pirlo, diventate veri e propri simboli dell’italianità anche fuori dall’ambito sportivo.

Certo, la Nazionale italiana sta attraversando una fase di ricostruzione anche a livello internazionale dopo questi due cicli vincenti, ma Pizza da Campioni è anche un modo per valorizzare il calcio in generale, soprattutto in un momento in cui negli Stati Uniti il movimento sta andando incontro ad una crescita significativa da una decina d’anni, anche grazie alla Major League Soccer e all’arrivo di giocatori europei.

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In occasione della notte degli Oscar a Hollywood, abbiamo incontrato Francesco Melzi d’Eril, co-produttore del film The Voice of Hind Rajab, candidato agli Academy Awards come film presentato dalla Tunisia.
L’Oscar della categoria è stato assegnato a Sentimental Value, ma il film racconta una storia intensa e necessaria, capace di lasciare un segno profondo e di ricordare quanto il cinema possa ancora essere uno strumento potente per raccontare l’umanità.

Che cosa significa essere qui a Hollywood con una nomination all’Oscar per il film internazionale?

Io sono uno dei tanti produttori del film. Ho già vissuto momenti simili in passato, ad esempio con Io sono l’amore di Guadagnino e con Call Me by Your Name. Devo dire che la cosa più bella è sentirsi parte, anche solo per qualche giorno, di questa grande comunità di filmmaker e artisti. Al di là della competizione – che alla fine è quasi un gioco – è davvero speciale condividere questi momenti con altri registi, produttori e creativi. È una celebrazione del cinema.

Come è nato il progetto di The Voice of Hind Rajab?

Sono stato contattato da una delle produttrici e poi anche Joaquin Phoenix, che è un amico e partecipa al progetto. Da lì abbiamo deciso di intraprendere questa avventura insieme.

Qual è stata la sfida più grande nella produzione di un film come questo?

Le sfide sono state soprattutto per la regista e per il produttore principale, che si trovavano direttamente sul luogo delle riprese. Fare cinema è sempre molto difficile: siamo tutti un po’ dei cowboy. Portare a casa un film è quasi sempre un miracolo. Io ho prodotto molti film come produttore principale e so bene quanto siano enormi le difficoltà. In questo caso la mia partecipazione è stata più collaterale, quindi non voglio prendermi meriti che appartengono ad altri. Ci sono stati comunque momenti molto delicati. È un film politicamente sensibile e ci sono state situazioni drammatiche, come quando si è dovuto aiutare la madre di Hind a lasciare la sua casa. Anche solo ieri ci sono stati problemi per l’ingresso negli Stati Uniti di uno degli attori, con cui avevo già lavorato nel film 200 Meters. In produzioni come questa gli ostacoli sono sempre molti.

Ci sono state difficoltà anche legate ai visti per entrare negli Stati Uniti?

Sì, purtroppo sì. In questo momento i visti per i palestinesi verso gli Stati Uniti sono bloccati e questo ha creato diversi problemi. Di conseguenza alcune persone coinvolte nel film non hanno potuto partecipare agli Oscar.

Il film racconta una storia molto forte. Qual è il messaggio che sperate arrivi al pubblico?

Racconta una situazione difficile e una storia drammatica, ma porta anche un messaggio importante. Il cinema dovrebbe forse più spesso farsi portatore di messaggi di umanità. Il cinema lo fa spesso, anche se poi non è sempre detto che venga ascoltato. Però è importante continuare a raccontare queste storie.

In questi giorni agli Oscar hai visto anche altri film che ti hanno colpito particolarmente?

Sì, c’è un documentario molto bello in concorso, Mr. Nobody Against Putin. Racconta la storia di un giovane maestro russo in un piccolo villaggio degli Urali che documenta, con i suoi video, quattro anni di guerra con l’Ucraina e come la società russa sia cambiata. È un film straordinario. Guardandolo senti una grande vicinanza e affetto per questo insegnante che rischia la vita per raccontare la verità. È una storia che ti dà fiducia nell’umanità.

Che cosa ti lascia questa esperienza agli Oscar?

Ieri sera eravamo a un panel dedicato ai film internazionali ed è stato molto interessante. C’erano molti registi, tra cui anche Jafar Panahi, che ha parlato della sua esperienza come intellettuale sotto il regime iraniano. In momenti come questi capisci davvero quanto il cinema possa essere un simbolo di libertà. È qualcosa che senti molto forte qui agli Oscar e forse è proprio questo che ci spinge a continuare a fare film che abbiano un significato.

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È una scena molto newyorkese, anche se nessuno la trova particolarmente insolita. Un tavolo apparecchiato, un ristorante pieno, il brusio della sala. Un cliente entra con una bottiglia di vino sotto il braccio. Non la nasconde, non la giustifica. La posa sul tavolo con la stessa naturalezza con cui si appoggerebbero le chiavi o il telefono.

Il cameriere la prende, la osserva un istante, poi torna con i calici. Il cavatappi fa il suo piccolo scatto metallico. La bottiglia si apre. La cena può cominciare. Negli Stati Uniti questo gesto ha persino un nome: BYOB, Bring Your Own Bottle o, nella versione più informale, Bring Your Own Booze. È una pratica diffusa nella ristorazione americana e racconta molto del modo pragmatico con cui il paese ha costruito il proprio rapporto con il vino.

A prima vista potrebbe sembrare un’abitudine eccentrica, o magari un espediente per evitare i ricarichi delle carte dei vini. In realtà le sue origini sono molto più pratiche. In molti stati americani ottenere una licenza per vendere alcolici è complesso, costoso o limitato nel numero. In città come New York o Philadelphia queste licenze possono diventare beni rari, spesso fuori portata per i ristoranti più piccoli o appena aperti.

La soluzione che molti trovano è sorprendentemente semplice: non vendere alcolici. Ma questo non significa rinunciare al vino, significa lasciare che siano i clienti a portarlo. Così nasce il BYOB: prima come soluzione amministrativa, poi come piccola tradizione gastronomica.

Naturalmente il ristorante non resta del tutto estraneo alla bottiglia. Quando si porta il proprio vino è comune pagare una corkage fee, una tariffa che copre il servizio: i calici, l’apertura della bottiglia, talvolta il secchiello del ghiaccio. Nei locali più informali può essere una cifra modesta; nei ristoranti più strutturati può diventare una voce piuttosto visibile nel conto. È una sorta di pedaggio simbolico che mantiene l’equilibrio tra chi porta il vino da casa e chi invece sceglie dalla carta del ristorante.

Come spesso accade negli Stati Uniti quando si parla di alcol, però, le regole cambiano molto da stato a stato. In New Jersey il Bring Your Own Bottle è estremamente diffuso e molti ristoranti senza licenza incoraggiano apertamente i clienti a portare il proprio vino. In California la pratica esiste ma è meno centrale, perché ottenere una licenza è generalmente più semplice e la maggior parte dei ristoranti possiede già una carta dei vini ben sviluppata. A New York il BYOB è presente ma più regolato e spesso accompagnato da corkage fee piuttosto consistenti.

Queste differenze sono il risultato di un sistema legislativo che, dopo la fine del proibizionismo, ha lasciato ai singoli stati grande autonomia nella regolamentazione dell’alcol. Il risultato è un mosaico normativo complesso che ancora oggi influenza perfino il modo in cui si beve una bottiglia a cena.

Con il tempo il BYOB ha assunto anche un’altra dimensione. Per molti appassionati di vino è diventato un piccolo rituale. Si arriva al ristorante con una bottiglia speciale: una vecchia annata, un’etichetta rara, qualcosa che difficilmente comparirebbe in una carta dei vini. Alcuni locali sono diventati punti di riferimento proprio per questo motivo: cucine interessanti accompagnate dalla libertà di portare il proprio vino. In questi casi la cena assume quasi la forma di una collaborazione. Il ristorante offre il cibo, il servizio e l’atmosfera; il cliente contribuisce con la bottiglia.

Per chi viene dall’Italia tutto questo può sembrare leggermente dissonante. Nel contesto italiano portarsi il vino al ristorante è ancora percepito come un gesto ambiguo, quasi una piccola violazione del galateo non scritto della ristorazione. Non è necessariamente proibito, ma culturalmente resta raro. La carta dei vini, in Italia, è parte integrante dell’identità del ristorante e spesso il risultato di una selezione accurata.

Negli Stati Uniti il rapporto con il vino tende invece a essere più elastico. Il BYOB non viene sempre interpretato come una perdita di controllo sull’esperienza gastronomica, ma come una forma di flessibilità che può rendere la tavola più informale e partecipata. Così può capitare che una bottiglia attraversi la città nella borsa di qualcuno, salga su una metropolitana, passi da una cucina di ristorante e arrivi infine su un tavolo tra amici…Un piccolo viaggio urbano.

Perché in America, a volte, la bottiglia migliore non è quella nella carta dei vini ma quella che arriva con il cliente.

Alla prossima!

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A migliaia di chilometri di distanza si sono appena svolti due degli eventi più importanti dell’anno. Da un lato il Festival di Sanremo, rito collettivo italiano che per cinque serate trasforma la musica in teatro nazionale. Dall’altro gli Oscar (Academy Awards) apice dell’industria cinematografica americana, una sola notte capace di influenzare tendenze globali. Due eventi, due culture, due ritmi diversi, ma una stessa verità: la moda. 

In televisione e sui social vediamo solo il risultato finale di un lavoro continuo e meticoloso: un artista che scende una scalinata, un’attrice che posa davanti a un muro di flash. Sembra naturale, inevitabile, perfino semplice. Ma l’abito che cade perfettamente sulle spalle è il prodotto di giorni di fitting, trattative, scambi di email, spedizioni.

Non mi stancherò mai di dire che la moda è linguaggio, è costruzione d’immagine, strategia e questi due eventi ne sono la prova più esplicita. A Sanremo, ogni cantante racconta una storia sia con la canzone che porta in gara, che con la forma, il colore e il tessuto dei look che indossa. Negli Oscar l’abito diventa dichiarazione globale, una rivendicazione identitaria, un’alleanza con una maison storica.

Non solo nelle sfilate, ma anche dietro ogni zip chiusa prima di salire su un palco, c’è un esercito silenzioso di stylist e assistenti, agenzie di pubbliche relazioni, responsabili di showroom, corrieri internazionali, addetti stampa. Ogni abito visto in diretta è il risultato di decine di nomi che probabilmente non compariranno mai nei titoli di coda.

Gli stylist diventano mediatori tra desiderio artistico e strategia commerciale. L’abito scelto non rappresenta solo chi lo indossa, ma anche la visione e il posizionamento di un brand. Il compito dello stylist non è semplicemente scegliere un bel vestito, ma interpretare una persona. Deve valorizzare il corpo, rispettare la personalità, anticipare la reazione dei media, proteggere l’immagine, perché un abito ha il potere di consacrare una carriera o allo stesso tempo distrarla.

Soprattutto in occasione di questi due eventi il pubblico commenta in tempo reale, ogni scelta viene immediatamente analizzata, applaudita o criticata.

La moda non si esaurisce nell’evento stesso, è un lavoro che non conosce realmente pausa. Le valigie degli stylist si svuotano per essere riempite di nuovo per l’evento successivo. Il glamour è solo la parte esterna e luminosa di una macchina complessa. Sotto c’è disciplina, fatica, precisione e tanto lavoro. C’è la responsabilità di raccontare un artista, di amplificarne la voce senza sovrastarla.

Ci tengo particolarmente a nominare tuti gli stylist del Festival di Sanremo. Anche quest’anno, dietro la scelta di ogni look c’è stata una regia precisa.

Carlotta Aloisi è stata la stylist di Sayf e Serena Brancale; Rebecca Baglini di Malika Ayane, Dargen D’Amico e Arisa; Lorenzo Oddo di Levante e Ditonellapiaga; Simone Folco di Patty Pravo; Antonio Pulvirenti di Samurai Jay; Caterina Adele Michi di Enrico Nigiotti; Kristi Veliaj di Nayt; Stefania Sciortino di Leo Gassman; Ylenia Puglia di J-Ax, LDA e Aka 7even; Marco Ferra e Ellen Mirck di Elettra Lamborghini; Francesca Piovano di Maria Antonietta e Colombre; Nicolò Grossi di Ermal Meta; Francesco Mautone di Chiello; Carlo Valerio di Eddie Brock; Gaia Bonfiglio di Mara Mattei e Tredici Pietro; Susanna Ausoni di Michele Bravi, Tommaso Paradiso e Bambole di Pezza. Nomi che sono parte integrante e fondamentale della narrazione visiva dell’evento.

Quando le luci del palco di Sanremo si spengono e quando l’ultima statuetta degli Oscar viene consegnata, ciò che resta non è solo un ricordo estetico, ma molto di più. È la prova che la moda, soprattutto in questi contesti, è un atto collettivo. Un’orchestra invisibile che lavora ininterrottamente perché tutto sembri naturale e bellissimo.

E forse è proprio questa la vera definizione di eleganza, disciplina e dedizione: è tutto ciò che lavora instancabilmente nell’ombra perché quella luce possa esistere.

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L’edizione Primavera 2026 di JA New York si è svolta presso il Jacob K. Javits Convention Center, riunendo designer, produttori e retailer provenienti da tutto il settore della gioielleria.

Tra le iniziative più rilevanti della fiera si è distinto il Padiglione Italiano organizzato da Piazza Italia, sviluppato in collaborazione con gli organizzatori dell’evento per rafforzare la presenza della gioielleria italiana all’interno della manifestazione.

Il padiglione è stato coordinato da Marco Giovanelli, con l’obiettivo di ristabilire una presenza italiana riconoscibile all’interno della fiera, presentando un gruppo selezionato di produttori in un unico ambiente condiviso. Lo spazio includeva anche una lounge dedicata ai buyer, progettata per favorire incontri, scoperta dei prodotti e un’esperienza di acquisto più rilassata durante la visita agli espositori italiani.

Espositori

Boom by Daniele
Boom by Daniele ha presentato un’interpretazione contemporanea del design della gioielleria italiana, combinando materiali pregiati con colori vivaci ed estetiche giocose. Il brand si concentra su pezzi versatili che uniscono artigianalità e individualità, offrendo ai buyer collezioni che portano una prospettiva fresca ed energica alla tradizionale gioielleria in oro italiana.

Collaro
Collaro ha presentato collezioni eleganti incentrate su perle coltivate e raffinate montature in oro. Il brand è riconosciuto per la capacità di unire tecniche tradizionali della gioielleria italiana a un design contemporaneo essenziale, creando pezzi che valorizzano sofisticazione, portabilità e il fascino senza tempo delle perle.

Hasbani
Fondata nel 1948, Hasbani Gioielli è una maison a conduzione familiare nota per combinare pietre preziose rare con un design italiano raffinato. Al padiglione l’azienda ha presentato creazioni eleganti con diamanti, smeraldi, rubini e zaffiri, mettendo in evidenza la propria lunga esperienza nella selezione delle gemme e nella produzione di alta gioielleria.

Micheletto
Micheletto rappresenta generazioni di tradizione orafa italiana. Le sue collezioni fondono artigianalità storica e forme contemporanee, dando vita a gioielli scultorei in oro caratterizzati da finiture precise e da un design raffinato radicato nella cultura artigianale italiana.

Novecentonovantanove
Il brand fiorentino Novecentonovantanove bilancia tecniche orafe tradizionali con un’estetica moderna. Le sue collezioni riflettono l’eredità artigianale di Firenze introducendo linee contemporanee e dettagli distintivi, dando vita a gioielli che uniscono ispirazione storica e design italiano attuale.

Tessitore
Fondata nel 1888, Tessitore 1888 è rinomata per la sua maestria nella tecnica tubogas, lavorazione flessibile dell’oro diventata uno dei segni distintivi della gioielleria italiana. Il brand ha presentato interpretazioni raffinate di questo design iconico, dimostrando come le tecniche tradizionali possano continuare a evolversi nelle collezioni di lusso contemporanee.

Una presenza italiana curata

Il Padiglione Italiano ha evidenziato il valore di presentare i brand italiani in un contesto coordinato. Riunendo produttori che rappresentano diverse sfaccettature della gioielleria italiana — dalle botteghe storiche ai designer contemporanei — Piazza Italia ha creato una destinazione riconoscibile per i buyer alla ricerca dell’autentica artigianalità Made in Italy.

Attraverso questa iniziativa, Piazza Italia ha ribadito la propria missione più ampia: supportare i brand italiani negli Stati Uniti e rafforzare la visibilità della gioielleria italiana all’interno delle principali fiere internazionali come JA New York.

L'articolo JA New York Spring 2026, il Padiglione Italiano a cura di Piazza Italia proviene da IlNewyorkese.

Il Rappresentante Permanente dell’Italia presso le Nazioni Unite, Ambasciatore Giorgio Marrapodi, è intervenuto il 17 marzo in Assemblea Generale al dibattito della 70esima Commissione sullo Stato delle Donne (CSD), incentrata quest’anno sulla promozione di giustizia, dei diritti e della piena partecipazione di tutte le donne e bambine, nonché sul rafforzamento dei sistemi giuridici per il contrasto alla discriminazione e violenza.

L’Ambasciatore ha valorizzato l’impegno di lunga data dell’Italia e gli interventi varati, più di recente, dal Governo italiano per consolidare il quadro normativo e contrastare ogni forma di violenza contro le donne. Marrapodi ha, in particolare, sottolineato l’approvazione all’unanimità in Parlamento dell’introduzione del reato di femminicidio come fattispecie autonoma, avvenuta lo scorso 25 novembre, in occasione della Giornata internazionale per il contrasto alla violenza sulle donne.

Nel corso di una settimana molto densa di incontri tra le delegazioni e le organizzazioni della società civile intervenute, l’Italia ha organizzato e co-sponsorizzato numerose iniziative.

Il 13 marzo ha avuto luogo la conferenza dedicata al contrasto alle mutilazioni genitali femminili, organizzata con UNFPA, UNICEF, Canada, Burkina Faso, Eritrea, Svezia per condividere e valutare i progressi normativi e le buone prassi a tutela dei diritti di donne e bambine. Giovedì 12 marzo la Ministra per la Famiglia, la Natalità e le Pari Opportunità Eugenia Roccella è intervenuta in videomessaggio all’evento “Protezione delle donne e dei bambini: contrastare la violenza e lo sfruttamento nella maternità surrogata”, organizzato con Santa Sede, Paraguay e Turchia sul tema della maternità surrogata, sulle sue implicazioni etiche e normative, alla luce dell’impegno dell’Italia per proteggere la dignità umana e prevenire ogni forma di sfruttamento del corpo e della vita delle donne.

Durante la CSD, l’Italia ha altresì organizzato iniziative con UNIDO, l’11 marzo, sulla promozione del ruolo delle donne e dei giovani nelle filiere del caffè, in particolare in Africa; con FAO, il 12 marzo, per incentivare leadership femminile e pari opportunità nel settore agroalimentare; con ACNUR e UN Women sul sostegno alle donne e alle bambine in situazioni di conflitto; con IDLO sul tema specifico dell’accesso alla giustizia per le donne.

Della Delegazione italiana hanno fatto parte le Onorevoli Annarita Patriarca, Valentina Ghio, Catia Polidori e il Direttore del Dipartimento per la Famiglia, la Natalità e le Pari opportunità, Stefano Pizzicannella.

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Il tassello che mancava è finalmente al suo posto. Jannik Sinner conquista per la prima volta in carriera il titolo dell’Indian Wells Masters, superando in finale Daniil Medvedev al termine di una sfida durissima decisa da due tie-break. Il successo in California vale il 25° titolo ATP per il fuoriclasse altoatesino e completa simbolicamente la sua collezione di grandi tornei sul cemento.

La finale è stata una partita di altissimo livello, giocata sul filo dell’equilibrio e decisa soprattutto nei momenti chiave.

Nel primo set nessuno dei due ha concesso spazio al servizio e tutto si è risolto al tie-break, dove Sinner ha mostrato grande lucidità, trovando le giocate decisive per chiudere il parziale.

Anche il secondo set è rimasto in bilico fino alla fine, ma nel tie-break è arrivata la svolta che ha cambiato il match: Medvedev è scappato avanti 4-0 e sembrava poter portare la partita al terzo set. È proprio lì che Sinner ha cambiato marcia.

“Sotto 0-4 nel tie-break con Medvedev sapevo che potevo rimontare”.

Il numero uno italiano è rimasto concentrato, recuperando i mini-break e ribaltando completamente l’inerzia del parziale decisivo, infilando sette punti consecutivi. Una rimonta che sintetizza perfettamente la crescita mentale dell’azzurro, ormai sempre più solido nei momenti di maggiore pressione.

“Sul 4-0 ho cercato di tenere: andare 5-0 è diverso rispetto a 4-1. Poi sono riuscito a strappargli il servizio due volte per arrivare 4-3. Ho continuato a crederci e ho spinto un po’ di più, che oggi era la chiave”.

Con questo successo Sinner scrive un’altra pagina importante della sua carriera. Il trionfo a Indian Wells gli consente infatti di diventare il più giovane giocatore ad aver vinto tutti i grandi tornei sul cemento: Australian Open, US Open, le ATP Finals e ora anche l’ultimo Masters 1000 che mancava nella sua bacheca.

La vittoria è arrivata anche grazie a una preparazione meticolosa. Sinner ha scelto di arrivare in California con largo anticipo per adattarsi alle condizioni climatiche e al campo.

“Faceva caldo, ma non era umido e questo fa una grande differenza. Sono arrivato qui una settimana prima dell’inizio del torneo e mi sono sentito ben preparato. Fa parte del percorso che sto cercando di fare per diventare l’atleta migliore possibile”.

Oltre al successo sportivo, la giornata ha avuto anche un significato speciale per lo sport italiano. Dopo il match point, Sinner ha indicato il cuore e ha dedicato la vittoria a Kimi Antonelli, protagonista nello stesso weekend in Formula 1.

“Appena sveglio gli ho scritto. Ho visto gli highlights della gara: avere un pilota italiano così talentuoso, così giovane, è bellissimo”.

Il torneo californiano rappresenta la prima tappa del cosiddetto Sunshine Double, la doppietta di tornei americani sul cemento che proseguirà ora con il Miami Open. Un obiettivo ambizioso che negli ultimi anni pochissimi giocatori sono riusciti a centrare.

“Quando hai questo tipo di ritmo non vuoi perderlo. Ora mi prendo due giorni per staccare un attimo, poi si parte per Miami. Le condizioni lì saranno diverse, probabilmente più veloci e molto più umide”.

La stagione 2026 di Sinner decolla quindi con un titolo pesante, arrivato dopo settimane in cui l’azzurro aveva sfiorato il successo senza riuscire a concretizzarlo. Indian Wells segna il ritorno del campione altoatesino sul gradino più alto del podio e rilancia le sue ambizioni per il resto dell’anno. Se il ritmo resterà questo, il Sunshine Double non è più soltanto un sogno.

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Sono passati 48 anni. Di luci e di ombre. Né la storia, né la giustizia ci hanno mai dato una verità del tutto accettabile su quello che accadde nella primavera tragica del 1978.

Il 16 marzo alle 9 del mattino un commando delle Brigate Rosse entra in azione in via Fani, quartiere Trionfale di Roma. Assalta due macchine stringendole in una trappola mortale prima di un semaforo e bersagliandole poi con decine e decine di colpi di mitra. Rapiscono Aldo Moro e uccidono i cinque membri della scorta: Giulio Rivera, Oreste Leonardi, Raffaele Iozzino, Domenico Ricci, Francesco Zizzi.

A loro e a tutti gli uomini e le donne delle forze dell’ordine che ogni giorno sono in prima linea per difendere la nostra sicurezza, a tutti i servitori dello Stato che difendono le nostre istituzioni, è andato il primo pensiero del premier Giorgia Meloni.

Delle varie inchieste che ho dedicato al caso Moro in uno dei programmi che considero più importanti nella mia lunga storia a Mediaset, ovvero Top Secret, una l’ho girata interamente in via Fani.

Non solo perché fu una tragedia in sé e l’inizio di una tragedia terribile che coinvolse poi un intero Paese e non solo, ma proprio per rendere omaggio in primis a quelle cinque vite innocenti di cui si parla sempre e nello stesso tempo sempre troppo poco.

Il leader della Dc fu poi tenuto prigioniero per 55 giorni e dopo una lunga ed estenuante trattativa piena di colpi di scena e di misteri, di covi sconosciuti e fin troppo conosciuti, di sedute spiritiche e battute di caccia all’uomo inutili e fuorvianti, fu giustiziato dalle Brigate Rosse. Così almeno dicono i terroristi pentiti che avrebbero sparato.

Certo è che quel povero corpo indifeso e rannicchiato nel baule di una Renault rossa in via Caetani nel centro della capitale segnava, il 9 maggio di quel 1978, uno spartiacque nella storia della Repubblica.

Quel sacrificio, e uso questa parola non a caso, di cui oltretutto Moro era perfettamente consapevole nelle sue lettere (la cui scomparsa e ricomparsa sono un mistero nel mistero) permise la sconfitta di quell’organizzazione estremista e allontanava per sempre quello che nel gergo si definiva “compromesso storico” (Dc + Pci).

Moro poteva essere salvato? Certo. Ma non fu salvato.

Il cosiddetto consulente americano dell’allora ministro degli Interni Cossiga, Steve Pieczenik, in una straordinaria intervista rilasciata a New York al mio Top Secret nel maggio del 2008 (era lo speciale per i 30 anni dalla morte) disse con chiarezza le ragioni politiche di quel sacrificio senza ovviamente fare nomi o spingerci nell’aula dell’ennesimo, quasi inutile, processo con la numerazione latina.

Approfondiremo al momento giusto, ma anticipo che per le mie fonti la versione ufficiale della morte del presidente della Dc non regge, come non regge la versione ufficiale di quello che accadde in via Fani. Quella mattina a sparare c’erano più persone e più esperte con le armi automatiche di quattro intellettuali ideologizzati.

Vi siete mai chiesti perché 5 agenti della scorta furono uccisi in pochi secondi senza neanche avere il tempo di reagire e Moro rimase “miracolosamente” illeso? Alla prox puntata….

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Per oltre un secolo e mezzo la cittadinanza italiana si è basata sul principio dello ius sanguinis: è cittadino chi nasce da un cittadino italiano. Lo ius sanguinis è stato uno dei pilastri giuridici dello Stato fin dalla nascita dell’Italia unita e ha legato il paese alla propria diaspora. Questo sistema potrebbe adesso cambiare in modo significativo dopo l’intervento della Corte costituzionale italiana, che ha respinto gran parte delle contestazioni contro la legge introdotta nel 2025 dal governo guidato da Giorgia Meloni.

La norma, approvata con decreto nel marzo 2025, restringe in modo sostanziale il diritto alla cittadinanza per chi nasce all’estero. In base alla nuova disciplina, potranno essere riconosciuti cittadini italiani solo i discendenti con almeno un genitore o un nonno nato in Italia. Inoltre viene introdotto un ulteriore requisito: quell’antenato deve aver mantenuto esclusivamente la cittadinanza italiana al momento della nascita del discendente, oppure al momento della propria morte se avvenuta prima.

Il ricorso esaminato dalla Corte era stato presentato da alcuni giudici del Tribunale di Torino, che avevano sollevato dubbi sulla legittimità costituzionale della riforma. Dopo la prima udienza, però, la Corte ha dichiarato le questioni “in parte infondate e in parte inammissibili”, anticipando di fatto il sostegno alla posizione del governo. La motivazione completa della sentenza dovrebbe essere pubblicata nelle prossime settimane, ma l’indicazione arrivata dalla Corte ha già ridotto drasticamente le aspettative di chi sperava in un annullamento della norma.

Il sistema dello ius sanguinis ha accompagnato la storia dell’emigrazione italiana. Tra il 1861 e il 1918 circa 16 milioni di italiani lasciarono il paese per cercare lavoro e opportunità altrove, soprattutto nelle Americhe. Molti di loro conservarono la cittadinanza italiana anche dopo aver ottenuto un’altra nazionalità, trasmettendola ai figli e ai nipoti. Il principio fu formalizzato nel codice civile del 1865, poi confermato dalla legge sulla cittadinanza del 1912 e dalla riforma del 1992.

Negli ultimi anni, tuttavia, il sistema è stato messo spesso sotto pressione: le richieste di riconoscimento della cittadinanza da parte dei discendenti all’estero sono aumentate rapidamente, soprattutto in paesi con forte presenza di origine italiana come Argentina, Brasile e Stati Uniti. Secondo dati del ministero degli Esteri, tra il 2014 e il 2024 il numero di cittadini italiani residenti all’estero è passato da 4,6 a 6,4 milioni. Solo nel 2024 i consolati italiani in Argentina hanno gestito circa 30 mila domande di cittadinanza, diecimila in più rispetto all’anno precedente.

Il processo di riconoscimento era già complesso prima della riforma: i richiedenti dovevano ricostruire l’intera linea genealogica, recuperare certificati di nascita, matrimonio e morte dagli archivi italiani – spesso con costi che arrivano a circa 300 euro per documento – e dimostrare che nessun antenato avesse perso la cittadinanza. A questo si aggiungevano liste di attesa consolari che in alcune sedi superavano i dieci anni. Per accelerare la procedura molte famiglie si rivolgevano ai tribunali italiani, contribuendo però a congestionare ulteriormente il sistema giudiziario.

Alcuni giuristi, come Marco Mellone, sostengono che la partita non sia definitivamente chiusa e che nuovi ricorsi possano arrivare alla Corte di Cassazione o alle istituzioni europee.

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La Giornata dell’Unità Nazionale si apre con una dichiarazione del presidente della Repubblica, Sergio Mattarella: “Il 17 marzo celebra il raggiungimento dell’Unità nazionale, il riconoscimento dell’Italia come Stato sovrano, il coronamento delle aspirazioni e dell’impegno civile che caratterizzarono la stagione del Risorgimento, solennemente riaffermati poi nella lotta di Liberazione, che ha consentito al Paese di riconquistare con la propria unità la propria libertà, ricomponendo la frattura istituzionale e politica determinata dall’occupazione nazifascista, costruendo l’Italia contemporanea.

La “Giornata dell’Unità Nazionale, della Costituzione, dell’Inno e della Bandiera” richiama elementi fondanti dell‘identità della Repubblica: indipendenza, sovranità popolare, libertà, giustizia e pace. Si tratta di valori maturati lungo un percorso storico complesso e non privo di afflizioni, che trova la sua più alta e compiuta espressione nella Costituzione, autentico presidio dei diritti e delle responsabilità che definiscono la nostra comunità nazionale. L’unità non costituisce soltanto un assetto politico-istituzionale, bensì è un ideale profondo e condiviso, che attraversa e interpreta l’intera vicenda storica del nostro Paese. Costituzione, Canto degli Italiani e Tricolore sono simboli di una comunità fondata sulla partecipazione, sulla solidarietà e sul rispetto delle istituzioni democratiche e di ogni persona.

È questo patrimonio di valori che la ricorrenza del 17 marzo invita a rinnovare e a trasmettere, in particolare alle giovani generazioni, in un dialogo costante e aperto. A loro, chiamate ad affrontare trasformazioni profonde e sfide globali di inedita complessità, le istituzioni sono tenute a offrire orientamento, fiducia e responsabilità, affinché possano contribuire con piena consapevolezza alla costruzione del futuro del Paese. In un contesto internazionale segnato da tensioni, conflitti e dal riemergere di dinamiche di contrapposizione e di aspirazioni egemoniche che turbano l’equilibrio mondiale, i principi che hanno ispirato la nascita della Repubblica e che trovano espressione nella nostra Carta costituzionale e si ancorano alla Carta delle Nazioni Unite sono saldo punto di riferimento.

Il 17 marzo è Giornata che rinnova l’appello all’impegno civile. Invito a custodire e attuare, con coerenza e lungimiranza, i principi di libertà, giustizia e pace su cui si fonda la Repubblica, affinché essi continuino a guidare l’azione delle istituzioni e della società nel perseguimento di una convivenza pacifica, solidale e autenticamente democratica, in Italia e nella comunità internazionale”.

(Fonte: © 9Colonne)

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Notte prima degli esami 3.0, diretto da Tommaso Renzoni e scritto insieme a Fausto Brizzi, parte da un’immagine familiare: gli ultimi giorni di scuola prima della maturità. Nei corridoi del liceo si parla dell’esame come di qualcosa che incombe. Non è soltanto la prova conclusiva di un ciclo di studi, ma una soglia riconoscibile per tutti. Nei dialoghi ritorna spesso la stessa impressione: il tempo trascorso tra quelle aule sembra comprimersi nelle settimane finali.

Il film, al cinema dal 19 marzo, segue una classe negli ultimi giorni prima delle prove tra studio, amicizie e relazioni sentimentali. Il clima è quello tipico della fine dell’anno: interrogazioni improvvise, discussioni sul futuro, la sensazione che il gruppo stia per disperdersi. Alcuni parlano della maturità come di una liberazione, altri la vivono come un passaggio che obbliga a immaginare cosa verrà dopo. In mezzo c’è quella sospensione che spesso accompagna la fine della scuola: il presente è ancora definito, mentre il futuro resta vago.

Durante la presentazione del film, i giovani interpreti hanno insistito proprio su questa condizione di transizione. Negli ultimi mesi di scuola si concentrano molte cose: la fine di una routine quotidiana, la prospettiva di separarsi dagli amici, le prime scelte su università o lavoro. Nei loro interventi emergeva soprattutto l’importanza delle relazioni. Per molti il liceo non è soltanto un luogo di formazione, ma lo spazio in cui si consolidano amicizie e identità.

Anche gli autori partono da questa osservazione. L’idea di tornare a Notte prima degli esami nasce dal tentativo di osservare la maturità attraverso lo sguardo dei liceali di oggi. Il contesto è cambiato rispetto ai film usciti quasi vent’anni fa: mutano linguaggi, abitudini e aspettative. Alcuni elementi restano sorprendentemente riconoscibili. La vigilia dell’esame continua a funzionare come una scena collettiva attraversata da generazioni diverse.

Attorno alla classe si muovono anche gli adulti della scuola. Tra loro c’è la professoressa interpretata da Sabrina Ferilli, insegnante di italiano soprannominata dagli studenti “la Belva”. È una figura familiare nelle storie ambientate tra i banchi: il docente severo che incarna l’autorità dell’istituzione. Ferilli ha raccontato di aver pensato al rapporto reale tra insegnanti e studenti negli anni del liceo, un equilibrio in cui convivono distanza e affetto. Spesso sono proprio quei professori più temuti a restare impressi nella memoria degli studenti anche molto tempo dopo la fine della scuola.

Il cast mescola attori più esperti e interpreti molto giovani. Accanto ai ragazzi compaiono Tommaso Cassissa, Gian Marco Tognazzi e Sebastiano Somma. Tra i nuovi volti c’è anche Ditonellapiaga, al suo debutto come attrice. Parlando del personaggio ha detto di aver riconosciuto qualcosa di vicino alla propria esperienza: una ragazza indipendente, un po’ ribelle, che affronta i rapporti con grande intensità. «Mi somiglia», ha spiegato. «È una che vuole essere indipendente, però ha sempre paura di farsi male».

Negli ultimi mesi Ditonellapiaga è stata al centro dell’attenzione anche per la musica. All’ultimo Festival di Sanremo ha presentato Che fastidio!, classificandosi terza. Il brano, ha raccontato, ha iniziato presto a circolare anche fuori dal contesto musicale: durante alcune manifestazioni per la Giornata della donna il ritornello è stato cantato come uno slogan. «Se viene interpretato come una forma di protesta», ha detto, «vuol dire che la canzone ha trovato una vita propria».

Il titolo del film richiama inevitabilmente Notte prima degli esami, la canzone pubblicata nel 1984 da Antonello Venditti, diventata negli anni una sorta di colonna sonora della maturità italiana. Il riferimento è tornato anche durante l’anteprima romana del film, dove erano presenti molti studenti delle scuole della città. Il cantautore è salito sul palco e ha iniziato a cantare il brano insieme ai ragazzi in sala.  La scena riporta il film dentro una tradizione molto riconoscibile. Per anni il cinema adolescenziale ha costruito figure ricorrenti: il secchione, l’amico brillante, il professore temuto, la cotta improvvisa, l’attesa dell’esame. Notte prima degli esami 3.0 riprende quell’universo e lo osserva attraverso una generazione diversa, con le sue incertezze e il suo modo di immaginare il futuro.

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Chi vive o frequenta New York lo sa: basta alzare lo sguardo per capire che ogni palazzo racconta una storia. Dietro molte facciate eleganti di Manhattan si nascondono appartamenti straordinari, cortili segreti, dettagli architettonici centenari e spesso anche vicende che intrecciano finanza, arte, cinema e alta società.

Negli anni, grazie al real estate a New York, ho avuto la fortuna di entrare in molti di questi edifici. Non solo visitarli, ma spesso vendere appartamenti al loro interno. È un privilegio non scontato, perché la realtà è che la maggior parte di questi palazzi iconici resta invisibile dall’interno: li vediamo dalla strada, magari passandoci davanti ogni giorno, ma solo pochi fortunati hanno l’occasione di attraversarne il portone.

Proprio da questa consapevolezza oggi voglio portarvi dentro alcuni degli edifici più iconici di New York: quelli davanti ai quali forse siete passati durante un viaggio, quelli che magari avete fotografato senza sapere esattamente cosa fossero, o quelli che vi hanno fatto pensare chissà com’è vivere lì dentro – me lo chiedo spesso anche io.

Iniziamo con un edificio non così conosciuto ma che per chi conosce bene Manhattan rappresenta uno degli indirizzi più affascinanti dell’Upper West Side: The Apthorp.

Un po’ di storia: costruito nel 1908 da William Waldorf Astor, The Apthorp è uno degli esempi più eleganti di Italian Renaissance Revival a New York. Quando lo si guarda dalla strada, colpisce subito la facciata monumentale in pietra e la sensazione quasi “romana” dell’edificio. Non è un caso: l’ispirazione è quella dei palazzi rinascimentali italiani. Ma la vera sorpresa arriva quando si entra. The Apthorp occupa un intero isolato tra Broadway, West End Avenue e la 78ª e 79ª strada, e al centro del palazzo si apre un grande cortile interno che mi ricorda molto i cortili della mia Milano. Per Manhattan però è una rarità assoluta. Attraversare il cancello monumentale e ritrovarsi in questo spazio quasi silenzioso dà davvero la sensazione di essere lontani dal traffico della città.

È uno di quei momenti in cui si capisce perché questi edifici siano così speciali: da fuori sembrano “solo” bellissimi palazzi storici, ma dentro si scopre un mondo completamente diverso. The Apthorp è passato da essere un prestigioso edificio residenziale a uno dei progetti di conversione più importanti della città. Negli anni Duemila, infatti, il palazzo è stato trasformato in condominio di lusso, con un’importante ristrutturazione che ha mantenuto il carattere storico degli appartamenti introducendo allo stesso tempo servizi moderni. Oggi l’edificio offre palestra, spa, spazi comuni e servizi di alto livello, pur mantenendo quelle caratteristiche pre-guerra che gli acquirenti internazionali cercano sempre più: soffitti alti, grandi finestre, proporzioni eleganti e dettagli architettonici che oggi sarebbe quasi impossibile replicare.

Dal punto di vista del mercato, The Apthorp continua a essere uno degli indirizzi più solidi dell’Upper West Side. Negli ultimi anni il prezzo medio per piede quadrato si è mosso indicativamente tra 2.500 e 2.800 dollari, con alcune vendite di appartamenti importanti che hanno superato i 20 milioni di dollari. Non è solo questione di dimensioni o finiture: in questi casi è l’indirizzo stesso ad avere valore. Chi compra qui compra anche la storia del palazzo e la sua reputazione nel mercato newyorkese. Personalmente ho avuto la fortuna di vendere un appartamento di questo edificio, e posso dire che ogni volta che entro in un palazzo come questo mi ricordo quanto sia unico il mercato immobiliare di New York. Non si tratta solo di comprare una casa: spesso è come entrare a far parte della storia della città.

Come molti palazzi iconici di Manhattan, anche The Apthorp ha avuto negli anni residenti molto noti. Tra i nomi che sono stati associati al building troviamo Al Pacino, la scrittrice e regista Nora Ephron, la cantante Cyndi Lauper e l’attrice Jennifer Hudson. Una delle storie piu divertenti sul sull’edificio viene proprio dalla regista e scrittrice Nora Ephron. In un suo famoso racconto sulla vita nel palazzo, la Ephron descrive una scena quasi surreale: due vicini di casa, entrambi residenti in questo iconico palazzo, uno dei più eleganti di Manhattan, finirono per litigare ferocemente per una bicicletta lasciata in un corridoio. Arrivarono pure a chiamare la polizia. La scrittrice racconta che mentre tutto questo succedeva, lei osservava la scena dal suo appartamento pensando quanto fosse paradossale vivere in uno degli edifici più prestigiosi di Manhattan e trovarsi comunque nelle stesse dinamiche di condominio di qualsiasi palazzo al mondo. Come diciamo noi: tutto il mondo è paese.

Ma al di là delle celebrità, uno degli aspetti più interessanti di questi edifici è la continuità: non è raro che alcune famiglie vivano qui da decenni, a volte da generazioni. Questo crea un senso di comunità. E poi ci sono le piccole chicche che spesso non si leggono nelle brochure immobiliari: il cortile che in passato è stato usato per eventi privati dei residenti, i dettagli architettonici nascosti nei corridoi o gli appartamenti con proporzioni quasi “palazziali” che oggi difficilmente si trovano nelle nuove costruzioni.

La prossima volta che passerete davanti a un edificio elegante a Manhattan, magari vi verrà spontaneo chiedervi: chi vive lì? come sono gli appartamenti dentro? Vi prometto che nei prossimi articoli proveremo a scoprirlo insieme.

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Grande partecipazione e entusiasmo per l’esposizione di Carlo D’Orta e Arvedo Arvedi alla D’Orta Gallery di piazza Crati a Roma, sempre più punto di riferimento dell’arte contemporanea nella Capitale. Un dialogo intenso tra immagini, colori e movimento che fonde culture e linguaggi artistici diversi, conquistando visitatori e appassionati, anche oltreconfine.

La mostra, promossa dall’Associazione Veneti a Roma, inaugurata il 5 marzo scorso, continuerà fino al 28 marzo. L’Art Studio di Carlo D’Orta si conferma con questa mostra, un trionfo di  architettura,  un’esplosione di colori, con splendide immagini in movimento. Tutto grazie sia ai “Guerrieri Danzanti”di Arvedo Arvedi che alla fotografia ricca di vibrazioni di Carlo D’Orta. Una forte mescolanza di stili e prospettive che vivono e si trasformano nei due artisti, catturando l’attenzione di tanti visitatori e appassionati di arte, anche stranieri, di passaggio a Roma, come la anchorwoman Ornella Fado, direttamente da New York, rimasta entusiasta della mostra.

Le opere di Arvedo Arvedi traggono ispirazione da una ricerca globale che spazia dall’arte aborigena australiana all’arte africana, dalle incisioni rupestri della Val Camonica, alla mitologia nordica. Protagonisti assoluti sono i guerrieri, raffigu ben rati in pose dinamiche e pulsanti di energia, come danzatori ancestrali che evocano un passato mitico, non rinnovato nel presente e che incrociano i movimenti dei corpi di “Liquidance” dell’arte fotografica di Carlo D’Orta dove L’occhio, gli sguardi e poi lo scatto, ci regalano momenti unici e immagini particolari: il racconto di una danza contemporanea dei ballerini in movimento. Con la fotografia emergono la fluidità della danza, le ombre e le luci in una molteplicità di forme. Questo è molto altro alla D’Orta Gallery. 

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In occasione del Festival Los Angeles Italia, abbiamo incontrato Mark, autore della canzone “Golden”, premiata con l’Oscar come Best Original Song. In questa intervista racconta il processo creativo dietro il brano, nato all’interno del film K-Pop Demon Hunters, e il sorprendente successo internazionale della canzone.

Il cinema è un linguaggio universale. Che cosa significa per te vedere una canzone del film arrivare a un pubblico così globale?

Il cinema è davvero internazionale. Quando hai la possibilità di lavorare a qualcosa che non parla solo alle persone del tuo Paese ma riesce a raggiungere il pubblico di tutto il mondo, ti senti estremamente fortunato a farne parte. Credo che tutto il team di K-Pop Demon Hunters provi questa sensazione. Vedere le reazioni del pubblico internazionale, anche in Paesi come l’Italia, è qualcosa di molto speciale.

Come è nata la canzone “Golden”?

Tutto è iniziato con i registi del film, Maggie Kang e Chris Appelhans, che avevano una storia molto chiara da raccontare attraverso questi personaggi. In questo film ogni canzone nasce prima di tutto dalla storia. Bisogna capire cosa sta accadendo ai personaggi e quale emozione deve emergere in quel momento.

Per “Golden” siamo partiti dal momento narrativo che riguarda Rumi, Mira e Zoe. Avevamo anche una bellissima traccia musicale proveniente da The Black Label, scritta da Teddy, 24 e IDO.

Da lì io ed EJ, lavorando con i registi, con il direttore musicale Ian Eisendrath e con la nostra produttrice Michelle, abbiamo cercato di costruire la canzone attorno al percorso emotivo di Rumi. È un personaggio che, da una parte, sembra essere al vertice del successo, ma allo stesso tempo nasconde una parte di sé molto fragile. Ed è proprio questo conflitto che dà il via a tutto ciò che accadrà nel resto del film.

Vi aspettavate un successo così grande per la canzone?

Onestamente no. Amavamo molto il film che stavamo realizzando ed eravamo tutti entusiasti di farne parte, ma non immaginavamo un successo di questa portata.

A volte succede che tanti elementi si allineino nello stesso momento: la storia, la musica, il pubblico che la scopre e la condivide. Anche il passaparola dei fan è stato fondamentale. Quindi se qualcuno dice di aver sostenuto il progetto fin dal primo giorno, posso solo dire grazie.

Quanto è stato complesso il processo di scrittura di “Golden”?

Molto più di quanto si possa immaginare. Quando lavori per un film devi trovare qualcosa che funzioni perfettamente con la storia. Per questo abbiamo riscritto la canzone diverse volte.

La versione finale di “Golden” che si sente nel film è probabilmente la terza o quarta versione. Prima di arrivare a quella definitiva avevamo scritto sei o sette canzoni diverse e fatto molti cambiamenti lungo il percorso.

Qual è stata la parte più difficile da scrivere?

Sicuramente la bridge della canzone, il momento in cui Rumi si trova da sola nella stanza. Dovevamo trovare il giusto equilibrio: da un lato doveva rimanere una vera canzone pop, dall’altro il pubblico doveva sentire chiaramente ciò che il personaggio sta provando nel profondo.

È stato un lavoro molto delicato, ma sono davvero orgoglioso di quello che siamo riusciti a creare insieme a tutto il team del film.

Che cosa significa per te aver vinto l’Oscar per Best Original Song?

È un’emozione incredibile. Alla fine noi facciamo questo lavoro per raccontare storie e per connetterci con le persone. Vedere che una canzone riesce a toccare il pubblico e ricevere un riconoscimento come l’Oscar è qualcosa che non dimenticherò mai.

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Nella notte tra lunedì e martedì, allo stadio loanDepot Park di Miami, la Nazionale italiana di baseball è stata eliminata dal World Baseball Classic dopo la sconfitta per 4-2 contro il Venezuela nella semifinale del torneo. Gli azzurri erano passati in vantaggio nelle prime fasi della partita, ma il Venezuela ha ribaltato il risultato con un decisivo inning da tre punti nel settimo, grazie a una serie di battute valide tra cui i singoli di Luis Arraez e Maikel Garcia che hanno portato definitivamente avanti la squadra sudamericana. Il successo consente al Venezuela di accedere alla finale contro gli Stati Uniti, mentre per l’Italia si chiude un percorso che resta comunque il migliore nella storia della competizione.

Il World Baseball Classic è il principale torneo internazionale di baseball organizzato dalla federazione mondiale insieme alla Major League Baseball e riunisce venti nazionali con molti dei migliori giocatori professionisti del mondo. L’edizione 2026 si è disputata tra Stati Uniti, Porto Rico e Giappone dal 5 al 17 marzo. L’Italia era arrivata alla semifinale dopo un torneo sorprendente: aveva chiuso imbattuta la fase a gironi disputata a Houston, superando tra le altre anche gli Stati Uniti, e aveva poi eliminato Porto Rico nei quarti di finale con il punteggio di 8-6. Prima di questa edizione gli azzurri non erano mai andati oltre i quarti, raggiunti nel 2013 e nel 2023.

Una caratteristica della Nazionale italiana di baseball è la forte presenza di giocatori cresciuti negli Stati Uniti ma convocabili nella Nazionale grazie alle origini familiari italiane. Molti di loro giocano o hanno giocato nella Major League Baseball, il campionato professionistico nordamericano considerato il più importante al mondo. Per questo motivo la squadra riunisce spesso atleti che hanno un legame culturale o genealogico con l’Italia ma che hanno sviluppato la propria carriera sportiva negli Stati Uniti. Durante il torneo questa componente è stata evidente anche nell’immaginario e nei gesti dei giocatori, che spesso hanno richiamato simboli o stereotipi della cultura italoamericana, diventati parte della narrazione mediatica della squadra.

La semifinale rappresenta comunque il punto più alto mai raggiunto dall’Italia nel torneo. L’edizione 2026 ha mostrato una squadra competitiva anche contro le tradizionali potenze del baseball come Stati Uniti, Giappone, Venezuela o Repubblica Dominicana. Il prossimo grande appuntamento internazionale sarà il ritorno del baseball ai Giochi olimpici di Los Angeles 2028: alle Olimpiadi prenderanno parte solo sei nazionali e i regolamenti per la convocazione sono più restrittivi rispetto al World Baseball Classic, dove è sufficiente avere i requisiti per ottenere la cittadinanza del paese rappresentato. Inoltre resta da capire se le squadre di Major League concederanno facilmente i propri giocatori, un fattore che potrebbe incidere molto sulla composizione futura della Nazionale italiana.

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Nel 2026 l’America si prepara a vivere un momento storico: il primo secolo di vita della festa dedicata alla Madonna dei Martiri, il 100th Anniversary Hoboken Italian Festival. Un traguardo che non appartiene solo a Hoboken, ma a ogni molfettese nel mondo, a ogni famiglia che ha portato con sè l’identità della nostra terra attraversando l’oceano.

Da vent’anni, noi dell’Associazione Oll Muvi – I Love Molfetta, camminiamo accanto alla grande comunità dei molfettesi negli States. Con la Society Madonna dei Martiri e l’HIF, abbiamo realizzato un nuovo video promo che racconta l’anima di questo evento unico, un invito a vivere un settembre che entrerà nella storia.

Nel suo anno più importante, la Society Madonna dei Martiri sta costruendo un programma ricchissimo, con la presenza di istituzioni e personalità di grande rilievo sia dagli Stati Uniti che dall’Italia. L’Hoboken Italian Festival, già riconosciuto come il più grande evento italiano del New Jersey, ogni anno accoglie tra le 120.000 e le 200.000 persone.

Ma il 2026 non è un anno qualunque: è un secolo di fede, tradizione, radici e orgoglio. L’obiettivo è ambizioso e simbolico: raggiungere 250.000 partecipanti. Un quarto di milione di cuori uniti sotto gli stessi colori, la stessa storia, la stessa emozione. Il video che abbiamo lanciato vuole essere più di una semplice promozione: è un ponte tra passato e futuro, tra Molfetta e Hoboken, tra chi è partito e chi non ha mai smesso di sentirsi parte della stessa comunità.

Il centenario non è solo un anniversario. È un abbraccio lungo cento anni.

L'articolo Un video promo per i 100 anni dell’Hoboken Italian Festival proviene da IlNewyorkese.

Daniele De Rossi ha aperto il vaso di Pandora, prendendo pubblicamente di petto un tema che, sottotraccia, aleggia nel calcio italiano da sempre: la cultura del sospetto.

Le parole del tecnico del Genoa nella conferenza stampa di presentazione della gara contro il Verona sono diventate virali, postate, ripostate e condivise sul web, fino ad arrivare a milioni di utenti.

“Ho letto quello che in tanti hanno scritto sui social tra l’uscita delle formazioni e la fine della partita…” ha tuonato DDR.

“E’ vergognoso che si possa dubitare così di uno che sta da oltre vent’anni nel calcio…”.

De Rossi era stato preso di mira la settimana scorsa all’uscita delle formazioni ufficiali della gara, poi vinta, contro la “sua” Roma perché aveva cambiato cinque titolari rispetto al solito: per molti era la prova che volesse avvantaggiare la sua ex squadra, schierando le riserve.

Cultura del sospetto, radicata nel DNA del tifoso italiano medio.

Poi il Genoa quella gara l’ha vinta, ma De Rossi non ci sta: “Se avessimo perso, e ci poteva stare, adesso starei qui a dovermi giustificare…”

Ha ragione, da vendere. Come spesso gli capita. Personaggio pulito e schietto, mai banale.

Diceva Giulio Andreotti che “a pensar male si fa peccato, ma spesso ci si indovina”. Questa citazione rispecchia pienamente la tendenza, tipicamente italiana, a cercare sempre del marcio, in tutto.

Il calcio, specchio fedele della vita e della cultura di un popolo, non fa altro, nel suo essere popolare, che rispecchiare e acuire questo aspetto culturale.

Arrivare anche solo a pensare, figuriamoci a scrivere, che un allenatore possa intenzionalmente compromettere il proprio lavoro per favorire un avversario è folle.

Dalla salvezza del Genoa passa una fetta importante della carriera da allenatore di De Rossi, che viene da anni visto come predestinato ma che ancora non è riuscito ad ottenere quei risultati tangibili che possano metterlo in rampa di lancio, anche perché le opportunità sono state poche.

Il mondo calcistico e le chiacchiere che se ne fanno, un tempo al bar oggi sui social, sono da sempre immersi nella cultura del sospetto: si può dire che il sospetto sia esso stesso parte integrante del successo del calcio, perché alimenta dibattiti, crea schieramenti, costruisce storie.

Se un arbitro sbaglia è perché è corrotto. Se un giocatore fallisce un gol è perché è venduto. Se una squadra vince sempre è perché il suo dirigente è potente “nel palazzo”. Se un allenatore schiera una formazione a sorpresa è perché vuole facilitare l’avversario.

La dicotomia tra colpevolisti e innocentisti, alimenta storie e narrazioni calcistiche, da sempre. Ed è parte integrante della fortuna del calcio in Italia, perché nel nostro Paese il complottismo tira, sempre. Crea hype.

Lo vediamo anche nelle storie di cronaca nera, molte delle quali anche a distanza di anni ancora campeggiano sulle pagine di tutti i giornali.

A volte, purtroppo, le teorie complottiste hanno avuto riscontri reali: basti pensare a Calciopoli, che ha dimostrato che a volte è vero che le trame di palazzo possano essere determinanti e che gli arbitri possano perdere la propria imparzialità nei confronti dei protagonisti del pallone.

Gli scandali del Totonero e del Calcioscommesse, a più riprese, hanno dimostrato che, a volte, i giocatori possono effettivamente essere venduti.

Il sistema, insomma, non ha dimostrato di essere sempre inattaccabile, e questo ha dato forza e legittimità agli attacchi.

Ma la linea di confine tra l’eccezione e il “sempre” è difficile da tracciare, come quella tra il legittimo dubbio e la stupidità.

Pensare che un allenatore possa mettere in campo una formazione sbagliata per perdere la partita è semplicemente stupido.

Iniziare a smontare le tesi stupide è il primo passo per cercare di contrastare la cultura del sospetto, che paradossalmente diventa essa stessa uno strumento potenzialmente vantaggioso per il marcio vero.

Se tutto è marcio significa che poi niente lo è davvero. Perché il marcio diventa sistemico, e finisce per alimentare una contrapposizione ideologica tra due schieramenti.

Il classico caso di “al lupo al lupo!”: se si grida sempre al complotto quando poi ci viene fatto sotto il naso o non ce ne accorgiamo o, se lo denunciamo, il nostro grido sarà destinato a perdersi nelle eco delle urla lanciate a caso precedentemente.

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Ispirazione, tempismo e puro istinto. È la combinazione di questi tre elementi – più una buona dose di fortuna e di coraggio – che caratterizza la figura del produttore, almeno come la vorrei interpretare io stesso. Se mi avessero detto dieci anni fa che un giorno avrei intrapreso la strada del cinema, avrei scommesso che si sbagliavano. E avrei brutalmente perso. Non credevo, venendo dal mondo accademico e dalla progettazione Europea, di poter vestire i panni del produttore cinematografico. Invece è stata proprio la mia provenienza lavorativa il valore aggiunto per una figura tanto complessa quanto interessante. Quando parlo di valore aggiunto, rispetto ad un background come il mio, mi riferisco al fatto che pensare per così dire “out of the box”, non possa che essere il modo migliore per innovare il ruolo produttivo, partendo da punti di vista in qualche modo meno comuni e quindi meno esplorati.

Ho capito molto presto che essere produttore in America, soprattutto per un italiano, significa entrare in un’industria che funziona secondo logiche radicalmente diverse da quelle italiane: non solo più competitive e più inclini a superare i propri confini di distribuzione, ma soprattutto strutturali. Il cinema indipendente Americano si fonda, nell’ambito di schemi economici più dinamici, sulla raccolta di investimenti privati, che in Italia non sono il primo riferimento. Senza il sostegno pubblico la produzione cinematografica italiana non é sostenibile. Ma per uno sportivo e amante della competizione come me, è proprio questa sfida che rende il ruolo stimolante. 

Il mercato cinematografico americano è completamente diverso da quello italiano. Interamente orientato ai risultati, è un’industria che funziona, nel senso che è strutturata, misurabile, capace di generare ritorni economici significativi, all’interno della quale il produttore è chiamato a essere non solo imprenditore e abile nel gestire le strategie finanziarie, ma anche mediatore culturale allo stesso tempo; aspetto quest’ultimo che amo profondamente, mantenendo comunque particolare attenzione alla sostenibilità produttiva che i grandi Studios sembrano aver perso di vista.

Il mercato americano sicuramente mette alla prova ogni scelta e lo fa attraverso uno scrutinio meticoloso e indiscriminato, spesso crudele. Una pressione che costringe a pensare in grande. A immaginare storie che possano parlare a un ampio pubblico, senza perdere autenticità. A trovare un equilibrio identitario comprensibile ma trasversale e replicabile nell’ottica di un cinema internazionale, in costante crescita perché richiesto da un pubblico sempre più interessato a guardare oltre i limiti della politica locale e verso storie che semplicemente appassionano. 

Per un produttore italiano, abituato a un sistema più sostenuto da fondi pubblici e meno orientato al box office internazionale, significa affrontare una trasformazione profonda, che richiede l’apprendimento di una nuova grammatica produttiva.

È nel confronto con un sistema così esigente che il produttore diventa davvero autore di una visione, una sorta di regista occulto, e leader di un team di valore. E ancor più nel caso della missione di N41 Studios, un riferimento per la creazione di un ponte culturale tra Stati Uniti e Italia.

Nel caso dell’ identità italo-americana, la prima immagine che emerge è spesso quella romanzata dal cinema stesso: famiglie patriarcali, ristoranti, criminalità organizzata, accenti marcati, folklore. Capolavori come The Godfather o serie iconiche come The Sopranos hanno segnato la storia del cinema e della televisione mondiale, ma hanno anche consolidato un paradigma narrativo molto forte: l’italo-americano come figura legata al crimine, alla famiglia chiusa, a un codice d’onore arcaico.

Sono opere leggendarie. Non si tratta di rinnegarle in alcun modo. Anzi. Hanno contribuito a rendere iconico il valore aggiunto dell’italianità in un’epoca in cui quella narrazione era aderente alla realtà in cui nasceva: a metà tra la delusione italiana post-seconda guerra mondiale e la promessa del sogno americano. Ma ogni grande racconto, quando diventa dominante, rischia di trasformarsi in stereotipo, in lente unica. E quando una comunità viene raccontata quasi esclusivamente attraverso una sola lente, quello stereotipo finisce per diventare identità.

La nostra storia negli Stati Uniti è molto più ampia e complessa. È fatta di donne che hanno lavorato nelle fabbriche tessili, di uomini che hanno costruito ponti e grattacieli, di intellettuali, sindacalisti, imprenditori, scienziati, religiose, attivisti. Ognuna di questa è una storia di sacrificio, di coraggio, di ambizione, di comunità, di ispirazione e di riscatto sociale. È una storia d’immigrazione. 

Allora è necessario porsi una domanda precisa: quali storie non sono ancora state raccontate? Quali angolature ed esperienze sono rimaste ai margini? Quali figure femminili, quali protagonisti dimenticati, quali vicende di emancipazione, di solidarietà, di successo e non solo possono oggi restituire al cinema quella capacità di ispirare ed emozionare il pubblico, attraverso la magia del racconto?

Ce ne sono tante che aspettano solo di essere raccontate. 

L’obiettivo di un produttore è scovarle e riportarle alla luce, e così facendo, restituire diversità e nuova complessità a una comunità che è stata fondamentale nella costruzione dell’America moderna.

E non mi riferisco solo a storie del passato, che pure sarebbe riduttivo. Esistono anche storie contemporanee, relative alle prime e seconde generazioni di famiglie italiane emigrate negli Stati Uniti, che posseggono il potere di arricchire la narrazione, tra passato e presente. Storie che non si limitano semplicemente a rappresentare, ma servono ad ispirare le nuove generazioni. 

Per essere di ispirazione oggi, e mi concedo di essere molto critico, l’obiettivo principale non può essere il successo narcisistico del singolo o l’autoreferenzialità di un gruppo elitario, ma la creazione di fondamenta solide per un cambiamento collettivo in favore delle generazioni future.

L’ispirazione non è retorica. È un atto politico. In un’epoca in cui l’identità viene spesso utilizzata come strumento divisivo, raccontare storie che mostrano la forza dell’incontro e la contaminazione culturale è alla base della proposta di un modello alternativo.

La comunità italo-americana è nata da una ferita: la povertà, la necessità di partire, la separazione dalle radici. Ma è cresciuta e si è trasformata insieme agli stessi Stati Uniti: mentre New York cresceva, mentre venivano eretti grattacieli, si espandevano quartieri e imprese, si fondavano istituzioni culturali, così facevano gli italo-americani, la cui identità si integrava con quella statunitense. Le loro sono storie sì di dolore, ma soprattutto di orgoglio. Certo di marginalità, ma senza dubbio di integrazione.

Produrre cinema in America fornisce l’opportunità di offrire questi racconti ad un tipo di distribuzione in grado davvero di influenzare la narrazione e diffonderla nel mondo.

Questo vuol dire automaticamente aggiungere valore concreto alla comunità italo-americana, brandizzandola sotto una luce nuova, per restituirle una gloria rinnovata in quella che potrebbe essere definita come una sorta di Rinascimento identitario. Questo è il potere del cinema, che non si limita solo a rappresentare sterilmente una realtà ma ne è il simbolo, è memoria collettiva, è proiezione nel futuro. Solo così si può ambire ad una unione comunitaria solida e forte. Va da sé, che non si intende minimamente ridurla ad un racconto autocelebrativo, ma al contrario l’ambizione è quella di mostrare la sua pluralità interna, aprendo così il dialogo ad altre comunità.  

Oltretutto, trovo che nello spazio intermedio in cui un italiano in America vive, ci sia un potenziale non sfruttato abbastanza, perché sottovalutato da inutili campanilismi che tendono a disunire, piuttosto che unire le forze. Ma quello spazio intermedio, in cui siamo tutti uguali, è potenzialmente molto fertile. La doppia appartenenza sicuramente permette di comprendere sfumature culturali di entrambi i mondi, aiutando a non tradire nessuno dei due contesti; una responsabilità che non può essere ignorata e che non può essere tradotta solo attraverso parametri finanziari, come la facile commercializzazione di un prodotto. Ma altresì rappresenta la ricerca di eccellenze italiane, spesso già emigrate e integrate nel tessuto sociale americano, per valorizzarle e promuoverle facendo emergere i loro talenti in un’ottica più strutturata, coesa e fortemente identitaria. 

Esiste una colonia di emigrati italiani negli Stati Uniti legati all’industria del cinema, che tradita dal sistema italiano, ha cercato qui realizzazione. Non facendo sufficientemente rete però, si rischia di perdere il potenziale che un tale gruppo possiede. Farsi sostenitore e promotore delle loro carriere, in qualità di produttore, è una delle missioni di N41 Studios. 

Entrambe la comunità italo-americana e italiana in America, faranno così automaticamente da traino per tutti gli americani amanti dell’Italia, che spesso investono o vogliono investire nel nostro paese, poiché i loro racconti fungeranno da ponte di connessione narrativo fra le due realtà, promuovendo una nuova e ispirata immagine dell’Italia. 

Tutto ciò sembra difficile? Si, lo è. Non è assolutamente scontato. Ma se non inseguiamo ciò che non è scontato e che sembra troppo difficile, con ambizione e la capacità di sognare, non saremo mai in grado di ridisegnare la realtà, di renderla sempre migliore. Questo vuol dire ispirare: raccogliere la sfida e mostrare che un’alternativa è realizzabile e che tutto è possibile.

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C’è un dato che, più di tutti, racconta il legame profondo tra l’Italia e gli Academy Awards: il nostro Paese è quello che ha vinto più statuette per il Miglior Film Straniero (oggi Miglior Film Internazionale). Dal 1957, anno in cui la categoria è stata istituita, il cinema italiano ha conquistato 11 Oscar, affermandosi come una delle cinematografie più amate e celebrate al mondo.

Un primato che non è solo numerico, ma culturale. Perché dietro ogni statuetta c’è un pezzo di storia, un volto, una voce, una visione che ha contribuito a ridefinire il linguaggio della settima arte.

Prima ancora che nascesse la categoria del Miglior Film Straniero, l’Italia aveva già iniziato a farsi notare a Hollywood.

Nel 1948 Vittorio De Sica conquista un Oscar speciale con Sciuscià. Due anni dopo, nel 1950, replica con Ladri di biciclette, manifesto universale del Neorealismo. Nel 1951 è la volta di Le mura di Malapaga di René Clément, coproduzione franco-italiana che consolida il prestigio internazionale della nostra industria.

È l’alba di un’epoca irripetibile.

Quando la categoria diventa ufficiale, l’Italia la trasforma in un terreno di dominio artistico.

Il nome che risuona più forte è quello di Federico Fellini, capace di vincere quattro Oscar con La strada (1957), Le notti di Cabiria (1958), 8½ (1964) e Amarcord (1975).  Accanto a Fellini, ancora De Sica con Ieri, oggi, domani (1965) e Il giardino dei Finzi-Contini (1972), mentre nel 1971 Elio Petri conquista Hollywood con Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto. Proseguiamo con Giuseppe Tornatore e Nuovo Cinema Paradiso (1990), struggente dichiarazione d’amore al grande schermo; Gabriele Salvatores con Mediterraneo (1992); Roberto Benigni con La vita è bella (1999); fino a Paolo Sorrentino che nel 2014 vince con La grande bellezza.

Negli ultimi anni le nomination di È stata la mano di Dio (2022) e Io, Capitano (2024) hanno confermato la vitalità del nostro cinema ma non è bastato.

Tra le pagine più significative, impossibile non ricordare Lina Wertmüller, prima donna nella storia a ottenere una nomination all’Oscar per la regia nel 1977 con Pasqualino Settebellezze. Un traguardo che ha fatto epoca. 

Nella categoria Miglior Regista, l’unico italiano ad aver vinto è Bernardo Bertolucci per L’ultimo imperatore nel 1988, kolossal che conquistò nove statuette.

Sul fronte della recitazione brillano i nomi di Anna Magnani per La rosa tatuata (1955), Sophia Loren per La ciociara (1962) con il primo Oscar assegnato a un’attrice per un’interpretazione in lingua non inglese e di Roberto Benigni per La vita è bella (1999), in una delle cerimonie più emozionanti di sempre.

Nel tempo, l’Academy ha celebrato con l’Oscar Onorario quelle figure che con il loro contributo hanno saputo plasmare il cinema mondiale: Sophia Loren (1991), Federico Fellini (1993), Michelangelo Antonioni (1995), Ennio Morricone (2007), Piero Tosi (2014), Lina Wertmüller (2020).

Riconoscimenti, questi, che parlano di carriere leggendarie, di linguaggi rivoluzionari e di un’influenza che non ha confini.

Ma non ci sono solo i registi e gli attori. L’Italia ha brillato anche nei mestieri invisibili ma fondamentali del cinema.

Vittorio Storaro ha vinto tre Oscar per la fotografia di Apocalypse Now, Reds e L’ultimo imperatore. Milena Canonero ha conquistato quattro statuette per Barry Lyndon, Momenti di gloria, Marie Antoinette e The Grand Budapest Hotel. Carlo Rambaldi ha dato vita ai mostri di King Kong, Alien ed E.T. l’extra-terrestre. Giorgio Moroder ha portato l’elettronica agli Oscar con Fuga di mezzanotte, Flashdance e Top Gun. E poi Dante Ferretti e Francesca Lo Schiavo, Ennio Morricone (premiato anche per The Hateful Eight), Nicola Piovani, Dario Marianelli, Mauro Fiore e molti altri artigiani eccellenti che hanno trasformato il talento italiano in un marchio di qualità globale.

Dai set polverosi del Neorealismo alle produzioni internazionali più ambiziose, gli italiani agli Oscar hanno scritto una storia di talento, visione e coraggio creativo. Una storia che non si esaurisce in una statuetta ma che vive in ogni inquadratura illuminata da Storaro, in ogni nota di Morricone, in ogni volto scolpito dalla Magnani o dalla Loren.

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Nel contesto raffinato della Sala ZuccaridelSenato della Repubblica, dove gli affreschi sembrano custodire secoli di parole e di eventi istituzionali, il 12 marzo 2026 si è celebrata una cerimonia pubblica che non è soltanto un evento, ma un rito civile: il Premio Internazionale d’Eccellenza “Divinamente Donna”, promosso e organizzato dall’associazione culturale VerbumlandiArt. Un appuntamento che, anno dopo anno, si è trasformato in un luogo simbolico in cui il talento femminile non viene semplicemente riconosciuto, ma narrato, condiviso, restituito alla comunità come patrimonio collettivo. 

Tra le donne insignite per il 2026 – tutte Personalità eccellenti che illustrano e testimoniano nella società lo straordinario valore dell’impegno femminile – una figura spicca per la sua capacità di trasformare i numeri in storie, le statistiche in volti, le migrazioni in un racconto umano: Delfina Licata, sociologa della Fondazione Migrantes, da quasi vent’anni voce e mente del Rapporto Italiani nel Mondo (RIM).

Delfina Licata non studia solo la mobilità e l’emigrazione: la ascolta. La segue nei suoi percorsi tortuosi, nelle partenze improvvise e nei ritorni desiderati, nelle nostalgie che attraversano gli oceani e nelle nuove radici che si intrecciano altrove. Il suo lavoro è un ponte tra generazioni e geografie, un atlante sentimentale dell’Italia che cambia e si sposta. Dal 2006 coordina una redazione transnazionale che ogni anno ricostruisce la mappa dell’emigrazione italiana contemporanea. Prima ancora, ha lavorato per oltre un decennio ai principali dossier sull’immigrazione in Italia, affinando una metodologia rigorosa sul fenomeno delle migrazioni e una sensibilità rara, quella di chi sa che dietro ogni dato c’è una vita che merita di essere compresa e raccontata.

La sua carriera è densa di incarichi significativi che raccontano un impegno costante. Può descriversi, in sintesi, dal Festival della Migrazione di Modena ai progetti del Ministero dell’Istruzione, dal Tavolo del Ministero degli Affari Esteri sul Turismo delle Radici alla recente nomina nella Commissione parlamentare d’inchiesta sulla transizione demografica, cui si aggiunge una rilevante partecipazione a convegni e seminari di studio sul fenomeno migratorio italiano, del quale lei è un’esperta d’eccellenza. Ruoli diversi e un unico filo rosso: la volontà di dare un riscontro analitico e scientifico su chi si muove dall’Italia, chi parte, chi torna, chi cerca un altrove possibile. Un Rapporto che è punto di riferimento imprescindibile per chiunque voglia studiare, conoscere e comprendere l’emigrazione italiana.

Durante la cerimonia, presieduta dalla madrina Marisa Manzini, Sostituto Procuratore Generale della Repubblica a Catanzaro, guidata dalla presidente del Premio Regina Resta e dalla presidente del Comitato Scientifico Maria Pia Turiello, che con Mirella Cristina ed Eugenio Bisceglia ha anche condotto l’evento, il nome di Delfina Licata è risuonato come quello d’una donna che ha saputo trasformare la ricerca in un gesto di cura verso il Paese. Una donna che non osserva da lontano, ma entra nelle storie, le attraversa, le restituisce nel loro insieme con rispetto e profondità nell’annuale Rapporto Italiani nel Mondo. Ne ha dato chiara percezione la motivazione del conferimento che ha accompagnato la consegna del premio.

MOTIVAZIONE

Alla sociologa Delfina Licata, studiosa delle dinamiche migratorie e voce autorevole nel panorama della ricerca sociale contemporanea, per il suo prezioso impegno scientifico e culturale dedicato allo studio della mobilità umana e delle comunità italiane nel mondo. Attraverso il suo lavoro presso la Fondazione Migrantes, e in particolare come curatrice e caporedattrice del Rapporto Italiani nel Mondo, ha contribuito a dare profondità analitica e valore umano alla narrazione delle migrazioni italiane, trasformando dati e statistiche in storie di persone, identità e futuro. Per la sua capacità di unire rigore scientifico e sensibilità sociale, offrendo una lettura lucida e umana dei fenomeni migratori contemporanei e favorendo una maggiore consapevolezza culturale e civile sulle trasformazioni della società globale. Con il suo pensiero e la sua attività di ricerca, Delfina Licata rappresenta una voce femminile autorevole che illumina il dibattito pubblico sulle migrazioni, promuovendo dialogo, conoscenza e responsabilità verso le comunità italiane nel mondo.

Il Premio “Divinamente Donna” non è, dunque, un semplice riconoscimento, è un invito a guardare il mondo con occhi nuovi. A riconoscere nelle biografie femminili non solo eccellenza, ma visione. A comprendere che la cultura, quando è vissuta come responsabilità, può davvero cambiare il modo in cui una società si racconta. In questo senso, la presenza di Delfina Licata tra le insignite non è solo meritata, è necessaria. Perché raccontare le migrazioni significa raccontare l’Italia. E farlo con la sua competenza, la sua delicatezza e la sua tenacia significa restituire al Paese una consapevolezza più profonda di sé.

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Sabato 14 marzo la Casa Italiana Zerilli‑Marimò, centro culturale dell’New York University situato al 24 West 12th Street, ospita il primo Pesto Workshop for Youths, laboratorio pratico dedicato a bambini e ragazzi tra gli 8 e i 16 anni. L’appuntamento fa parte del programma pomeridiano “Casa Afternoons” e segna il lancio di La Casa dei Ragazzi, una nuova serie di attività educative organizzate in collaborazione con Allora – Creative Cultural Center per avvicinare i più giovani alla lingua e alla cultura italiane attraverso esperienze pratiche.

Il laboratorio è diviso in due sessioni: la prima, dalle 15 alle 16, per i partecipanti tra gli 8 e gli 11 anni; la seconda, dalle 16:30 alle 17:30, per i ragazzi tra i 12 e i 16 anni. A guidare l’incontro è Gemma Carrani Richardson, fondatrice del progetto gastronomico Love, Annamaria, che introduce i partecipanti alla storia e alle caratteristiche di uno dei condimenti più riconoscibili della cucina italiana: il pesto alla genovese. Durante l’incontro vengono spiegate le origini liguri della ricetta e il ruolo degli ingredienti tradizionali – basilico fresco, Parmigiano Reggiano, pecorino, pinoli e olio extravergine di oliva – oltre alle tecniche di preparazione manuale con mortaio di marmo e pestello, metodo storicamente utilizzato prima della diffusione dei frullatori domestici.

Il pesto, oggi tra le salse italiane più diffuse a livello internazionale, nasce infatti a Genova e nelle aree costiere della Liguria almeno dal XIX secolo, come evoluzione di preparazioni più antiche a base di erbe aromatiche pestate. Secondo studi e ricettari storici, la prima descrizione moderna della salsa compare nel 1863 nel libro “La Cuciniera Genovese” di Giovanni Battista Ratto. Negli ultimi decenni il pesto è diventato un prodotto simbolo della cucina italiana nel mondo: l’Italia è tra i principali esportatori di salse pronte a base di basilico e negli Stati Uniti il pesto è ormai stabilmente presente nella ristorazione e nella grande distribuzione, spesso utilizzato anche in ricette che si discostano dalla tradizione ligure.

Nel workshop i partecipanti lavorano in piccoli gruppi, assaggiando separatamente gli ingredienti, riconoscendone aromi e consistenze e sperimentando direttamente la preparazione della salsa. L’attività è pensata come esperienza sensoriale e didattica insieme: i ragazzi osservano il procedimento tradizionale e preparano a mano la propria versione di pesto, guidati passo dopo passo. L’iniziativa rientra nel programma La Casa dei Piccoli, una serie di eventi gratuiti promossi dalla Casa Italiana Zerilli-Marimò e coordinati dalla responsabile media e comunicazione Chiara Basso, con l’obiettivo di offrire ai bambini e alle famiglie attività culturali che favoriscano l’apprendimento e l’uso della lingua italiana attraverso musica, arte e cucina.

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Ogni volta che un film italiano resta fuori dalla corsa all’Oscar per il Miglior Film Internazionale si riapre una discussione che, ormai, ha smesso di essere episodica ed è diventata strutturale. L’esclusione di Familia di Francesco Costabile dalla shortlist 2026 dell’Academy of Motion Picture Arts and Sciences non ha provocato uno scandalo, ma una presa d’atto. Non si è parlato di torto subito, bensì di occasione mancata. È una differenza sostanziale, perché segnala uno spostamento di percezione: non ci consideriamo più tra i favoriti naturali, ma tra i partecipanti eventuali.

La relazione tra l’Italia e l’Academy non nasce oggi e non nasce in posizione marginale. Ancora prima che Vittorio De Sica ricevesse il riconoscimento per Sciuscià nel 1947, un italiano aveva già inciso il proprio nome nella storia degli Oscar. Gaetano Gaudio, emigrato dalla Calabria all’inizio del Novecento, vinse nel 1937 come direttore della fotografia. Non fu un episodio folkloristico, ma un segnale della presenza italiana dentro la costruzione stessa dell’immaginario hollywoodiano. Gaudio contribuì a definire un linguaggio visivo che sarebbe diventato modello per il cinema classico americano. L’Italia, dunque, non era soltanto oggetto di rappresentazione: era parte attiva dell’invenzione formale del cinema moderno.

Poi arrivò quella che, senza enfasi, possiamo definire l’età dell’oro. Federico Fellini vinse quattro Oscar per La strada (1957), Le notti di Cabiria (1958), 8½ (1964) e Amarcord (1975), imponendosi come autore centrale nel panorama internazionale. Il suo successo consolidò l’idea che il cinema italiano potesse essere profondamente radicato nella propria cultura e al tempo stesso universalmente comprensibile. Accanto a lui, Vittorio De Sica ottenne due riconoscimenti per Ieri, oggi e domani (1965) e Il giardino dei Finzi Contini (1972), dimostrando che il realismo italiano non era una corrente locale ma un paradigma capace di influenzare il mondo. 

Davanti alla cinepresa, intanto, brillavano Anna Magnani, ruvida e luminosa, premiata nel 1956 per La rosa tatuata, e soprattutto Sophia Loren, che nel 1962 vinse per La ciociara, prima attrice a essere premiata per un’interpretazione in lingua non inglese. 

Quando nel 1999 Roberto Benigni saltò sulle poltrone del Dolby Theatre stringendo l’Oscar per La vita è bella, sembrò che quella tradizione non si fosse mai interrotta. Gli anni Novanta avevano già riportato l’Italia al centro con Nuovo Cinema Paradiso di Giuseppe Tornatore e Mediterraneo di Gabriele Salvatores. Fino al 2014, quando Paolo Sorrentino con La grande bellezza sembrò riannodare il filo con Fellini, con Roma, con l’idea stessa di cinema come sguardo che abbaglia. Dietro le quinte, musicisti, costumisti, scenografi, direttori della fotografia: Ennio Morricone due volte premiato, Vittorio Storaro, Milena Canonero, Dante Ferretti.

In tutti questi casi non si trattava semplicemente di vittorie individuali, ma dell’affermazione di un’identità cinematografica riconoscibile. Il cinema italiano riusciva a trasformare contesti locali in simboli condivisibili, a partire da storie profondamente situate per raggiungere una dimensione universale. L’equilibrio tra radicamento e apertura costituiva la sua forza.

Negli ultimi anni solo due film hanno superato davvero la barriera della shortlist: È stata la mano di Dio di Sorrentino e Io Capitano di Matteo Garrone. Nessuna vittoria. Il primo tornava alla Napoli del 1984, trasformando un trauma privato in un racconto di formazione; il secondo ribaltava lo sguardo sulla migrazione, seguendo il viaggio prima dell’approdo in Europa e costruendo un percorso epico di crescita. Nel 2025 Vermiglio di Maura Delpero si è fermato prima della nomination finale. Un film di grande finezza, ambientato in un microcosmo di frontiera con la guerra fuori campo e una comunità montana osservata con misura. E poi Familia, un’opera intensa nel racconto della violenza domestica, senza però riuscire a estendere il racconto oltre quel nucleo. Sono film coerenti e personali, ma oggi non basta. Per affermarsi occorre che un’opera sia sostenuta da un sistema capace di darle continuità, peso, riconoscibilità. Ed è qui che emerge una fragilità.

Produciamo molto, ma raramente concentriamo risorse e strategie su pochi titoli capaci di rappresentarci all’estero. Altri paesi europei hanno trovato un equilibrio tra identità nazionale e presenza globale; noi restiamo spesso legati al mercato interno e a modelli che non favoriscono una reale proiezione internazionale. Anche il ricorso alla nostra storia pesa: non è un limite in sé, ma lo diventa quando il passato si trasforma in rifugio e l’apertura verso l’esterno resta secondaria.

Restiamo il Paese di Fellini e De Sica. Ma il prestigio non si conserva per inerzia. Senza una visione industriale e culturale capace di sostenere davvero il nostro cinema nel mondo, l’eredità rischia di restare solo memoria.

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Agostino De Laurentiis, detto Dino, nato a Torre Annunziata nel 1919 e deceduto a Beverly Hills nel 2010, è stato il produttore cinematografico italiano, naturalizzato statunitense, più influente del Novecento. Fratello di Luigi De Laurentiis e zio di Aurelio De Laurentiis, ha fondato con Carlo Ponti la Ponti-De Laurentiis e ha prodotto capolavori come La strada e Le notti di Cabiria (Oscar), La grande guerra e successi internazionali come Hannibal

Il ricordo di Francesco Zimone

Ho conosciuto Dino De Laurentiis nel 2004, agli Universal Studios, e ho avuto il privilegio di lavorare con lui. Quando l’ho incontrato aveva già circa 85–90 anni, ma portava con sé oltre mezzo secolo di storia del cinema, fatto di personaggi e produzioni che hanno lasciato un segno indelebile. Per tutti era il “Dottor Dino”. Aveva una voce inconfondibile, quel timbro pieno, autorevole, tipico della famiglia De Laurentiis: bastava sentirlo parlare per riconoscerlo a occhi chiusi. Io ero il più giovane in azienda e proponevo progetti decisamente più moderni rispetto alla linea tradizionale della società. Lui, con grande curiosità, li passava alle figlie, che allora avevano appena 14 e 16 anni, Dina e Carolina, per avere anche il loro punto di vista. Lavorava solo al mattino e andava via all’ora di pranzo. Le rare volte in cui si tratteneva più a lungo e non aveva l’autista, mi chiedeva di chiamargli un taxi. Nel frattempo avevo imparato a imitare perfettamente la sua voce, tanto che, quando usciva, in ufficio mi chiedevano di “fare il Dottor Dino”. Ancora oggi, quando incontro qualcuno della famiglia, mi capita di scherzare ripetendo quella frase che diceva sempre con il suo accento inconfondibile: “Francesco… mi prendi un tassi per andare a casa”. Un modo di parlare che ritrovo ancora oggi anche in Aurelio. Avrei molti altri aneddoti da raccontare, ma alcuni appartengono alla sfera personale e preferisco custodirli con discrezione. Se dovessi descriverlo con tre aggettivi direi: affettuoso, tradizionale, instancabile. Era affettuosissimo con la moglie e con le figlie, un uomo di vecchio stampo, serio, con una certa eleganza nei modi. Amava guardare le partite di calcio – era tifoso dell’Inter – e, nonostante l’età, il business era ancora parte integrante della sua anima. Non aveva mai smesso di essere produttore. Di lui conservo un ricordo molto bello, sincero. E custodisco anche delle fotografie splendide, che lo ritraggono insieme a sua moglie: immagini che, per me, raccontano non solo un gigante del cinema, ma anche un uomo profondamente legato alla sua famiglia.

Il ricordo di Jonathan Sanger

Ho lavorato con Dino De Laurentiis per la prima volta in un film intitolato Crazy Joe, di cui lui era produttore e diretto dal regista italiano Carlo Lizzani, che non parlava inglese. Lui e il direttore della fotografia Aldo Tonti vennero a New York per girare il film. Io ero un assistente junior, una specie di aiuto regista. Dino era lì solo per assicurarsi che tutto andasse liscio, ma lui non era poi così interessato al film, stava girando due film contemporaneamente. Crazy Joe, ma stava anche girando Serpico, un film molto più grande con Al Pacino, ed è quello a cui ha dedicato la maggior parte del suo tempo. L’altra cosa che ho fatto con Dino è stato un film diretto da William Friedkin, intitolato the The Brink’s Job, girato a Boston e anche in questo caso Dino veniva sempre. Era adorabile quando era lì, ma era interessato al volume di cose da girare. Cercava di fare molti film contemporaneamente e cercava anche di trovare il modo di non usare troppe persone sindacalizzate, quindi veniva e mandava i suoi uomini a cercare location e mentre loro cercavano lui girava con la sua troupe italiana senza dire niente a nessuno e poi diceva “Oh, non riusciamo a trovare la location, quindi non gireremo qui” e tornavano in Italia e avevano già girato per tre giorni. Era il suo modo di fare le cose. Era davvero un personaggio ma affascinante.

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In un contesto internazionale complesso ma ricco di opportunità, gli Stati Uniti continuano a rappresentare un mercato strategico per il Made in Italy. Ne parliamo con Giosafat Riganò, che dall’ufficio ICE di Los Angeles segue da vicino l’evoluzione dei flussi commerciali, i progetti di promozione e il supporto alle imprese italiane tra innovazione, startup e grandi eventi globali.

Partiamo dall’inizio: quali sono le competenze dell’Ufficio ICE di Los Angeles e come operate sul territorio?

L’Ufficio ICE di Los Angeles ha competenza geografica su undici Stati federali, dall’Alaska al Nuovo Messico, fino alle Hawaii, coprendo di fatto tutta la West Coast. A questa si affianca una competenza settoriale estesa all’intero territorio statunitense per ambiti chiave come farmaceutico e medicale, innovazione e startup, industrie creative, due ruote e macchinari per l’enologia.

Si tratta quindi di un portafoglio molto ampio di attività e iniziative. Negli Stati Uniti la rete ICE è composta da cinque uffici, coordinati da New York, con competenze ripartite sia geograficamente sia per settore. 

Quali sono i principali progetti per rafforzare la presenza del Made in Italy negli Stati Uniti, in particolare in California?

Le iniziative sono numerose e quest’anno, grazie all’aumento degli stanziamenti promozionali, l’impegno della rete ICE sarà ancora piu’ intenso.

Solo nel mese di gennaio siamo stati presenti al CES di Las Vegas, ad AIMExpo per il settore delle due ruote, all’evento Italy on the Move legato al biotech in occasione della J.P. Morgan Healthcare Conference e allo SPIE Photonics di San Francisco. A Sacramento abbiamo partecipato allo United Wine & Grape Symposium dedicato alle tecnologie per la vinificazione.

Nel corso del primo semestre dell’anno seguiranno attività nei festival italiani in California, eventi su gaming e cybersicurezza, appuntamenti nel mondo della bicicletta, fiere medicali a Miami e iniziative biotech a San Diego. 

Che tipo di supporto offrite alle startup italiane che vogliono entrare nel mercato statunitense?

Per noi le startup sono fondamentali. Da anni promuoviamo il Global Startup Program, che accompagna giovani imprese innovative italiane in percorsi di formazione, insediamento e radicamento negli Stati Uniti, con particolare attenzione anche all’imprenditoria femminile.

A questo si aggiunge il lavoro svolto insieme a INNOVIT, il Centro di Innovazione e Cultura Italiano di San Francisco, oggi punto di riferimento per l’ecosistema italiano sulla West Coast. 

Quali errori non devono commettere le aziende italiane quando provano a espandersi negli Stati Uniti? 

L’errore principale da evitare è l’improvvisazione: affrontare un mercato complesso senza un’adeguata preparazione.

È fondamentale conoscere in anticipo il contesto e non rivolgersi alle istituzioni solo nel momento del bisogno. Proprio per questo, su impulso del Consolato Generale italiano a Los Angeles e d’intesa con quello di San Francisco, abbiamo realizzato la Guida Paese Smart, uno strumento operativo per orientare le aziende negli 11 Stati federali della West Coast e ridurre così il rischio di imprevisti. 

In quali settori vede oggi le maggiori opportunità di crescita?

I settori tradizionali restano importanti, ma emergono con forza ambiti come farmaceutico, medicale, biotech, innovazione e aerospazio, che rappresentano aree strategiche per l’export italiano verso gli Stati Uniti. 

Quanto conta la collaborazione con istituzioni locali, università e hub di innovazione californiani?

È essenziale: sono loro ad aprire le porte, facilitare il dialogo e creare opportunità di conoscenza e business per le aziende italiane. La collaborazione con questi attori rende possibile trasmettere il valore dell’Italia e favorire nuove relazioni economiche. 

 Come si inseriscono sostenibilità e transizione digitale nelle strategie di promozione dell’ICE?

Sono temi centrali. Partecipiamo da anni a eventi come il Next Climate Campus di New York e saremo presenti a RE+ di Las Vegas dedicato alle energie rinnovabili.

Guardiamo inoltre con grande attenzione a innovazione, biotech, medicale, farmaceutico e manifattura avanzata, incluse robotica, fotonica e cybersicurezza, ambiti che offrono ampie possibilità di partnership industriali. 

Esistono storie di successo di startup italiane supportate a Los Angeles?

Sì, diverse startup innovative hanno trovato spazio di affermazione negli Stati Uniti grazie al Global Startup Program e alle attività di INNOVIT, espandendosi anche su mercati europei ed extraeuropei. Questo dimostra l’efficacia di questi progetti e il valore aggiunto riconosciuto alla tecnologia italiana. 

Qual è oggi il valore distintivo del Made in Italy?

Qualità, prezzo, affidabilità e assistenza post-vendita.

Dietro il Made in Italy ci sono lavoro, tecnologia, impegno e sicurezza: elementi che continuano a renderlo molto richiesto e apprezzato anche negli Stati Uniti. 

Quali sono le priorità future, anche in vista di grandi eventi come Mondiali e Olimpiadi?

L’ICE continuerà a operare trasversalmente su tutto il territorio statunitense, sfruttando anche grandi eventi internazionali come occasione per promuovere il Made in Italy e coinvolgere interlocutori imprenditoriali come istituzionali. 

In un momento segnato da tensioni internazionali e dazi, qual è la sua visione sull’export italiano negli Stati Uniti?

I dati ISTAT restano incoraggianti: nei primi dieci mesi del 2025 l’export italiano verso gli Stati Uniti ha raggiunto **57,4 miliardi di euro**, in crescita del **9%** rispetto allo stesso periodo dell’anno precedente.

Nonostante le difficoltà, le aziende italiane continuano quindi a operare con risultati positivi in un mercato che rimane strategico e caratterizzato da legami economico-commerciali molto forti e indissolubili con l’Italia. 

A livello personale, cosa la motiva nel suo ruolo?

La curiosità, l’attenzione, l’impegno e il desiderio di essere utile alle aziende italiane.

Ricevere il loro “grazie” è la motivazione più forte, la stessa che ha accompagnato il mio lavoro in diversi Paesi del mondo e che continua oggi negli Stati Uniti.

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A New York molti sport si praticano nei parchi. Dai campi da basket nei playground di quartiere ai prati dove si gioca a calcio improvvisando due porte con gli zaini, i parchi sono uno dei luoghi principali in cui lo sport prende forma. In una metropoli dove gli spazi privati sono limitati e spesso costosi, questi luoghi funzionano come palestre all’aperto accessibili a tutti, frequentate ogni giorno da famiglie, ragazzi e associazioni locali.

Il 5 marzo l’amministrazione di New York City ha annunciato un nuovo investimento pubblico da 50 milioni di dollari per la riqualificazione di dieci parchi distribuiti nei cinque distretti della città. Il progetto rientra nella Community Parks Initiative, il programma municipale lanciato nel 2014 con l’obiettivo di migliorare gli spazi verdi nei quartieri storicamente meno serviti da investimenti pubblici. Secondo il comunicato diffuso dal municipio, gli interventi dovrebbero portare benefici diretti a oltre 116 mila residenti.

Il piano prevede il rifacimento di aree gioco, campi sportivi e spazi ricreativi, oltre alla sistemazione del verde e delle zone di sosta. Una parte centrale del progetto riguarda proprio le strutture utilizzate per lo sport di quartiere: playground per il basket, spazi multifunzionali per calcio e attività ricreative, e attrezzature per l’attività fisica all’aperto. Nei quartieri più densi della città questi luoghi sono spesso l’unico spazio disponibile per praticare sport gratuitamente, e per questo vengono utilizzati intensamente durante tutto l’anno.

Gli interventi saranno distribuiti in tutti i distretti. Nel Bronx sono previsti lavori al Mott Playground nella zona di Concourse, al Fountain of Youth Playground tra Mott Haven e Longwood e al Morris Mesa Playground a Mount Hope. A Brooklyn i cantieri interesseranno il Van Dyke Playground a Brownsville, il Roebling Playground a South Williamsburg e l’Elizabeth Stroud Playground a Bedford–Stuyvesant. A Manhattan verranno rinnovati il Vladeck Park nel Lower East Side e il playground della 133rd Street all’interno di St. Nicholas Park ad Harlem. Il piano include inoltre il Corona Health Sanctuary nel Queens e il Kaltenmeier Playground a Staten Island.

Il programma prevede un processo di progettazione partecipata dai residenti dei quartieri, che saranno nella definizione delle nuove strutture attraverso incontri pubblici e consultazioni locali. Dal suo avvio nel 2014 la Community Parks Initiative ha già contribuito alla riqualificazione di circa 70 parchi di quartiere. Alcune ricerche condotte dalla City University of New York indicano che i parchi rinnovati registrano un aumento significativo dell’utilizzo quotidiano, soprattutto per attività sportive informali, e una maggiore soddisfazione dei residenti per la qualità degli spazi pubblici.

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Una serata all’insegna dello sport e della comunità italiana negli Stati Uniti ha animato Los Angeles con il debutto nella città californiana dell’Italy-America All Star Game, la partita di basket della comunità italoamericana, disputata per la prima volta all’Intuit Dome, la nuova arena dei Los Angeles Clippers.

Nato come momento di incontro e celebrazione della comunità italoamericana, l’Italy-America All Star Game negli anni si è trasformato in un appuntamento capace di riunire istituzioni, professionisti, imprenditori e protagonisti del mondo culturale, contribuendo a rafforzare i legami tra Italia e Stati Uniti attraverso il linguaggio universale dello sport. Nel pre-partita l’esibizione del cantautore Cristiano Cosa che ha interpretato un medley della canzone d’autore italiana, molto apprezzato dagli spettatori.

Alla serata hanno preso parte numerose personalità del mondo istituzionale e dello spettacolo, tra cui la Console Generale d’Italia a Los Angeles Raffaella Valentini, il premio Oscar Jonathan Sanger, l’attrice Cristiana Dell’Anna, la cantante Shelea, l’attore Jacopo Rampini e il campione olimpico Alessandro Campagna.

La tappa di Los Angeles, che segue le due precedenti edizioni organizzate a Detroit, assume un valore particolarmente significativo. Oltre alla sfida sportiva sul parquet di un’arena NBA, l’evento si è confermato come un importante momento di networking tra istituzioni, imprenditori e professionisti impegnati ogni giorno nella realizzazione di progetti culturali e creativi tra i due Paesi, in una città che rappresenta uno dei principali centri globali dell’industria cinematografica.

«Eventi come questo dimostrano quanto lo sport possa essere uno straordinario strumento di connessione tra le comunità», ha dichiarato la Console Generale d’Italia a Los Angeles, Raffaella Valentini. «L’Italy-America All Star Game rappresenta un momento di incontro per la comunità italoamericana e allo stesso tempo un’occasione preziosa per rafforzare il dialogo tra Italia e Stati Uniti, anche attraverso i mondi della cultura, dell’impresa e dell’industria creativa».

Grande soddisfazione anche da parte dell’organizzatore Emanuele Scamardella, promotore dell’iniziativa: «Sono molto orgoglioso di essere qui sul campo dei Los Angeles Clippers durante la settimana degli Oscar. Subito dopo la partita NBA è stato il nostro turno di giocare. In campo c’era un mix di italiani, italoamericani e americani, tutti rappresentanti di una stessa comunità. Il nostro obiettivo è esportare questo modello di comunità costruita intorno allo sport e alla salute. In questa occasione, infatti, abbiamo anche offerto alla comunità la possibilità di effettuare screening sanitari gratuiti grazie alla collaborazione con Campus Salute».

Il debutto dell’Italy-America All Star Game all’Intuit Dome rappresenta così un nuovo e significativo tassello nel percorso di consolidamento della comunità italiana e italoamericana negli Stati Uniti, aprendo una nuova stagione in cui lo sport si conferma uno strumento centrale per rafforzare il dialogo e la collaborazione tra Stati Uniti e Italia.

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Anna Manunza, che è intervenuta ai microfoni de ilNewyorkese nel podcast Ritratti di Claudio Brachino ha raccontato un percorso personale diventato, nel tempo, un vero progetto collettivo.

Un cammino fatto di radici profonde e di uno sguardo sempre rivolto oltre l’orizzonte, «con l’idea costante di costruire ponti e non muri», come lei stessa ama ripetere.

«Sono nata in Sardegna, nella provincia di Oristano, in un paese che si chiama Cabras, a cui sono ancora profondamente legata», racconta Anna, ripercorrendo le tappe iniziali di una vita segnata fin da subito dal movimento e dall’apertura al mondo. Gli studi universitari a Cagliari, l’Erasmus in Germania, l’incontro con John, futuro marito, segnano l’inizio di un’esistenza internazionale.

«È stato un incontro che mi ha letteralmente cambiato la vita», confessa, ricordando come da lì siano iniziati anni di spostamenti, tra Germania, Europa e infine Stati Uniti.

«In questi ventitré anni insieme abbiamo vissuto in tantissimi Paesi», spiega, sottolineando come l’identità, per lei, non sia mai stata una gabbia ma una bussola.

L’approdo a Los Angeles, però, non è stato indolore. Anna lo ricorda senza filtri, con una sincerità rara. «Per me è stato un vero trauma all’inizio, sono una persona che ha bisogno di tempo per adattarsi ai cambiamenti e questo è stato particolarmente difficile».

La distanza dall’Europa, la sensazione di aver perso punti di riferimento, la malinconia: «Per i primi sei mesi sono stata anche un po’ depressa, lo dico con sincerità».

Poi l’incontro decisivo, quasi casuale, con un connazionale che l’ha introdotta al “sistema Italia” di Los Angeles: «Mi ha portata agli eventi dell’Istituto Italiano di Cultura e da lì è nata la mia passione per le attività comunitarie».

È da quel momento che il percorso personale di Anna Manunza si è intrecciato indissolubilmente con quello della comunità italiana e italo-americana: «Quell’incontro fortuito è stato il motore di tutto».

Vivere a Rancho Palos Verdes, a pochi passi da San Pedro, significa entrare in contatto con «la comunità italo-americana più grande della California», composta in larga parte da famiglie di origine ischitana e siciliana. «Attraverso San Pedro sono entrata a far parte della Little Italy of Los Angeles Association e da lì il mio coinvolgimento è diventato sempre più intenso.

Accanto al lavoro comunitario, Anna porta avanti una carriera professionale di primo piano: «Lavoro come manager e sono responsabile del mercato europeo dell’azienda», racconta, spiegando come il suo ruolo la porti a viaggiare costantemente tra Stati Uniti ed Europa.

Un equilibrio non sempre semplice, ma che riflette perfettamente la sua identità: «Mi sento profondamente italiana, ma anche cittadina del mondo».

Dalle sue parole emergere una visione moderna dell’emigrazione, lontana dagli stereotipi.

Il riconoscimento ufficiale di questo impegno è arrivato nel 2025, con l’onorificenza di Cavaliere dell’Ordine della Stella d’Italia, conferita dal Presidente Mattarella: «È stato uno dei momenti più belli della mia vita, un riconoscimento totalmente inaspettato».

Un titolo che per lei non rappresenta un traguardo personale, ma «la conferma che il lavoro fatto in silenzio, giorno dopo giorno, può davvero fare la differenza». Negli ultimi dieci anni, spiega, «sono stata molto attiva nella comunità italo-americana di Los Angeles, sempre con l’idea di fare da ponte culturale».

Tra i progetti più significativi che ha contribuito a sviluppare c’è stato il Villaggio Italia realizzato in occasione della tappa a Los Angeles dell’Amerigo Vespucci: «Ho collaborato come contatto e ponte durante il tour mondiale. È stato un lavoro straordinario, perché ha mostrato un’Italia capace di presentarsi al mondo in modo moderno, inclusivo, orgoglioso della propria storia».

Lo stesso spirito che ha animato un’altra iniziativa diventata simbolica: la stella di Luciano Pavarotti sulla Walk of Fame.

«Mi sembrava impossibile che non ci fosse», ricorda, raccontando come, da un’idea nata quasi per caso, sia scaturito un progetto internazionale. «Per me, che amo profondamente la musica classica, è stato un momento davvero speciale».

L’impegno con la Little Italy of Los Angeles Association si è tradotto anche in eventi popolari di grande impatto: «Quando abbiamo iniziato partecipavano poche migliaia di persone, l’anno scorso siamo arrivati a 35 mila».

Numeri che testimoniano una fame di identità e condivisione: «Vedere persone correre per le strade di Los Angeles con la bandiera italiana addosso è qualcosa che mi riempie di orgoglio».

Lo sguardo di Anna Manunza è però già rivolto al futuro: «Sto lavorando a un’altra stella sulla Walk of Fame, e sto scrivendo un libro sull’immigrazione italiana in California».

Un’opera che nasce dall’ascolto, dall’empatia, dalla consapevolezza che «ogni persona che incontro ha una storia degna di un libro». Come quella della famiglia sopravvissuta al naufragio dell’Andrea Doria: «Aiutarli a riacquisire la cittadinanza italiana è stato uno dei momenti più emozionanti della mia vita».

Alla fine, il senso di tutto questo percorso emerge con chiarezza nelle sue parole: «Un grande privilegio. Raccontare queste storie significa dare senso al nostro passato e costruire ponti per il futuro».

È forse questa la cifra più autentica del suo impegno: trasformare la memoria in azione, l’identità in dialogo, l’emigrazione in una ricchezza condivisa.

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La sua ultima grande “fatica mondana” sono stati i Golden Globes e adesso si prepara per gli Oscar. Per Renato Campora, hairstylist palermitano trapiantato a Los Angeles da oltre vent’anni, lavorare con le star del cinema è ormai una consuetudine consolidata. Nel suo portfolio figurano nomi come Jessica Chastain, Selena Gomez, Angelina Jolie, Kate Hudson, Amanda Seyfried, Rosé, Halle Berry, Michelle Yeoh, Naomi Watts, Gal Gadot, Kate Winslet, Jennifer Lopez, Charlize Theron, Jessica Alba, Demi Moore. Figlio d’arte – il padre aveva un salone a Palermo – Campora ha costruito il suo percorso tra Parigi, New York e infine Hollywood, trasformando una passione nata giovanissimo in una carriera internazionale.

Renato, quando nasce il suo “sogno americano”?

Nasce a Parigi. Mi sono trasferito lì da Palermo alla fine degli anni ’80 e ho vissuto dieci anni immerso nella moda. È stato lì che ho scoperto il mondo degli hairstylist da backstage, delle sfilate, degli shooting fotografici. Io ero già parrucchiere, ma Parigi mi ha aperto un universo nuovo. Ho iniziato come assistente, osservando e imparando dai grandi. È lì che ho capito che volevo fare questo mestiere a un livello più alto.

E poi l’incontro con Hollywood?

Nel 2000 mi sono trasferito a New York. Lavoravo ancora nella moda quando ho incontrato Liv Tyler per uno shooting. Da quel momento è iniziato il mio percorso nel cinema. Hollywood mi ha cambiato la direzione del cammino. Lavorare con le attrici è diverso: c’è più pressione, più visibilità, ma anche una soddisfazione enorme nel contribuire alla costruzione della loro immagine pubblica.

Che differenza c’è tra moda e cinema?

La moda può essere più concettuale, più estrema. Il cinema richiede un glamour più narrativo, più iconico. Quando ho iniziato a lavorare con attrici come Jessica Chastain mi sono chiesto dove fosse finito il vero Hollywood look: le onde lucide, la femminilità cinematografica, quell’aura che avevano le grandi dive. Ho ripreso quell’eleganza classica e l’ho resa contemporanea.

Come nasce un look come il caschetto di Selena Gomez?

Il caschetto di Selena è stato un vero cambio di personalità. Non è solo un taglio, è un messaggio. Quando si decide un look così netto, si studia la persona, il momento che sta vivendo, il progetto che sta promuovendo. Quel tipo di bob ha influenzato anche i trend successivi. Quando una figura come Selena Gomez cambia immagine, il pubblico la segue.

E con attrici come Angelina Jolie?

Con donne come Angelina Jolie il lavoro è ancora più delicato. Hanno una presenza fortissima, quasi iconica. Il compito dell’hairstylist non è stravolgere, ma esaltare. Con lei lavori su dettagli minimi: la texture, il movimento, la lucentezza. A volte basta un’onda più morbida o una riga diversa per cambiare completamente l’effetto.

Quanto dialogano abito, make-up e capelli sul red carpet?

È un lavoro di squadra. Spesso l’abito si decide all’ultimo momento. Con Jessica Chastain, ad esempio, valutiamo sempre il colore, la silhouette, l’effetto finale sotto le luci. I capelli sono il tocco conclusivo: devono armonizzare tutto e allo stesso tempo definire la personalità.

Le star sono davvero capricciose?

Non parlerei di capricci. È un ambiente stressante. C’è una pressione enorme prima di uscire su un red carpet. Io ho imparato a mantenere la calma, a parlare poco e a creare un’atmosfera serena. La tranquillità è parte del mio lavoro.

Quanto contano le sue radici siciliane?

Moltissimo. Ho iniziato a lavorare a 12 anni nel salone di famiglia. Palermo mi ha insegnato disciplina e sacrificio. Non ho mai avuto dubbi: sono cresciuto parrucchiere e morirò parrucchiere.

Quanto è importante la cultura nel suo lavoro?

Fondamentale. Studio arte, fotografia, cinema. Conoscere il passato ti permette di innovare. Le onde ispirate al cinema classico, il glamour senza tempo, tutto nasce da lì.

Che consiglio darebbe a un giovane che sogna Hollywood?

Credere sempre in quello che fa, soprattutto nei momenti difficili. Essere costante, serio, preparato. Questo è un lavoro di passione ma anche di disciplina. Quando impari davvero il mestiere, nessuno può togliertelo.

Dalla Palermo degli anni Ottanta ai red carpet accanto a Selena Gomez, Jessica Chastain e Angelina Jolie, Renato Campora rappresenta l’eleganza italiana che ha saputo conquistare Hollywood senza perdere le proprie radici.

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Alla guida dell’Istituto Italiano di Cultura di Los Angeles, il direttore racconta la sfida di promuovere l’Italia in una metropoli che produce immaginari planetari. Tra cinema, design, lingua e nuove generazioni, la missione è chiara: fare dell’Italia non un ospite di passaggio, ma un interlocutore stabile nel sistema culturale di Los Angeles.

Quali sono oggi le principali attività che l’Istituto Italiano di Cultura sta portando avanti a Los Angeles?

L’Istituto Italiano di Cultura di Los Angeles è oggi una piattaforma culturale che opera su più livelli. Da un lato c’è la programmazione “classica”: mostre, rassegne cinematografiche, concerti, incontri letterari, dialoghi su design e architettura. Dall’altro c’è un lavoro meno visibile ma altrettanto fondamentale: la costruzione di reti, partnership e collaborazioni strutturate con università, musei, festival, istituzioni creative e realtà produttive del territorio.

Negli ultimi anni abbiamo lavorato molto per rendere l’Istituto non solo un luogo di eventi, ma un nodo stabile nel sistema culturale di Los Angeles. Questo significa dialogare con il mondo accademico, con l’industria audiovisiva, con il settore del design e con la comunità italo-americana, ma anche intercettare pubblici nuovi, soprattutto le nuove generazioni. Per noi è essenziale coinvolgere studenti, giovani professionisti, creativi emergenti: non soltanto come spettatori, ma come interlocutori attivi. Organizziamo incontri nelle università, programmiamo eventi che parlano il linguaggio del contemporaneo e cerchiamo di costruire occasioni concrete di confronto e networking.

Un asse centrale rimane la promozione della lingua italiana. I corsi che offriamo non sono semplicemente un servizio didattico: rappresentano un investimento culturale di lungo periodo. Ogni studente è un potenziale ponte tra Italia e Stati Uniti. Attorno alla lingua costruiamo attività culturali, presentazioni, incontri con autori, progetti interdisciplinari che rafforzano l’idea dell’italiano come lingua viva, capace di parlare al presente.

Qual è la missione dell’Istituto Italiano di Cultura?

L’Istituto Italiano di Cultura è uno strumento della diplomazia culturale italiana. Fa parte della rete del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale, che conta oltre 80 Istituti Italiani di Cultura nel mondo, distribuiti nei principali Paesi partner dell’Italia.

La nostra missione è promuovere la cultura italiana all’estero e favorire il dialogo tra l’Italia e il Paese ospitante. Promuovere cultura non significa semplicemente “esportare” contenuti. Significa creare relazioni, facilitare scambi tra artisti, studiosi, professionisti, studenti; sostenere la circolazione delle idee; accompagnare progetti che generano collaborazione concreta.

In una città come Los Angeles, questa missione assume una dimensione particolare. Qui operiamo in un ecosistema creativo globale, dove ciò che nasce può avere un impatto internazionale immediato. Inserirsi in questo contesto significa dialogare con l’industria culturale, con il mondo accademico, con le piattaforme creative che influenzano il discorso pubblico globale. Il nostro compito è far sì che l’Italia sia parte di questa conversazione, non come ospite occasionale, ma come interlocutore autorevole e continuo.

Cosa rende Los Angeles diversa da altre città del mondo dal punto di vista culturale?

Los Angeles è una città profondamente policentrica. Non esiste un unico centro culturale, ma una costellazione di spazi, comunità, università, musei, studi creativi e quartieri con identità forti e distinte. Questa frammentazione è in realtà una ricchezza: consente a molte voci di coesistere e di generare contaminazioni.

È anche una città che produce immaginari globali. Ciò che nasce qui – specialmente nel cinema, ma anche nella musica, nelle arti visive e nel mondo della creazione di contenuti – spesso influenza il mondo intero. Ma Los Angeles non è solo industria dell’intrattenimento: è anche ricerca, sperimentazione, innovazione tecnologica e riflessione accademica.

Per un Istituto di Cultura questo significa operare in un contesto altamente competitivo ma anche estremamente dinamico, dove la qualità, la credibilità e la capacità di costruire alleanze sono fondamentali.

In una città simbolo dell’industria dell’intrattenimento, l’attenzione si concentra soprattutto su cinema e musica?

Cinema e musica sono inevitabilmente centrali. Sarebbe miope non riconoscerlo. L’audiovisivo è il linguaggio comune di questa città e rappresenta un canale privilegiato per raccontare l’Italia contemporanea.

Tuttavia, limitarsi a questo sarebbe riduttivo. Abbiamo investito molto anche in architettura e design, in fotografia, in arti visive, in dialoghi interdisciplinari che connettono cultura e attualità – dal cibo alla sostenibilità, dalla scienza allo sport. L’obiettivo è offrire un’immagine dell’Italia coerente con la sua realtà: un Paese in cui patrimonio e innovazione convivono, e in cui la tradizione è sempre anche reinterpretazione.

Come sei arrivato a Los Angeles e qual è stato il tuo percorso professionale fino a qui?

Ho iniziato il mio percorso al Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale nel 2014 e ho potuto lavorare fin da subito in ambito culturale. Prima di arrivare a Los Angeles nel gennaio 2022, ho avuto l’onore di dirigere l’Istituto Italiano di Cultura a Washington.

La diplomazia culturale costruisce ponti e crea fiducia. I suoi risultati non sono sempre immediati, ma nel lungo periodo sono profondi e duraturi. È una componente strategica della politica estera italiana: semina relazioni, consolida dialoghi, rafforza la presenza del Paese attraverso la cultura, che rimane uno degli strumenti più efficaci e credibili per parlare della nostra identità e dei nostri valori.

Che rapporto personale hai con questa città?

Los Angeles è una città che ti mette alla prova. Le distanze sono fisiche, ma anche simboliche. È una città grande, competitiva, che richiede energia e costanza. Ma proprio per questo, quando un progetto funziona, quando una collaborazione prende forma, la soddisfazione è enorme.

LA è anche una città di incontri e di possibilità. A Los Angeles può capitare che una conversazione si trasformi rapidamente in un’iniziativa concreta. Questa capacità di accelerazione, questa apertura al nuovo, è uno degli aspetti che ho imparato ad apprezzare di più.

Che cosa ti piace di più di Los Angeles?

Mi colpisce la sua apertura mentale. Qui non esiste un unico canone culturale dominante. C’è spazio per la sperimentazione, per il dialogo tra discipline, per contaminazioni inattese.

Mi piace anche la dimensione internazionale: parlare d’Italia a Los Angeles significa parlare a un pubblico estremamente vario, con background culturali diversi. È una palestra straordinaria che obbliga a essere chiari, credibili e contemporanei.

Quali sono i progetti realizzati in questi anni di cui vai più fiero?

Sono particolarmente orgoglioso dei progetti che hanno saputo generare continuità e dialogo nel tempo. Penso, ad esempio, alla mostra dedicata al Renzo Piano Building Workshop, che ha intrecciato architettura, cinema e città, mettendo in luce il lavoro di uno dei grandi protagonisti dell’architettura italiana contemporanea e coinvolgendo professionisti, accademici e interlocutori legati all’Academy Museum. È stato un modo concreto per valorizzare una delle tante tracce italiane nel tessuto urbano californiano.

Quella mostra non è stata soltanto un’esposizione, ma un momento di riflessione sul contributo dell’architettura italiana alla trasformazione dello spazio pubblico di Los Angeles e, più in generale, sul dialogo tra creatività italiana e paesaggio culturale americano.

Sono orgoglioso anche dei programmi cinematografici che hanno avvicinato il pubblico professionale e l’industria all’Italia contemporanea, così come delle iniziative legate alla lingua, che hanno consolidato una comunità attiva e partecipe. In fondo, la vera soddisfazione non risiede nel singolo evento, ma nella rete di relazioni, collaborazioni e opportunità che quell’evento riesce a generare e a far crescere nel tempo.

L’Istituto è stato protagonista dei principali festival di cinema italiano a Los Angeles: come sono andate le recenti edizioni di Filming Italy e Los Angeles Italia?

Le recenti edizioni hanno confermato il ruolo di Los Angeles come snodo strategico per il cinema italiano. Negli anni, entrambi i festival hanno costruito un dialogo efficace tra creatività e industria, coinvolgendo pubblico, addetti ai lavori e nuove generazioni.

Continuano a rappresentare una vetrina importante per il nostro cinema, con una forte capacità di attrarre attenzione mediatica e professionale. Il valore aggiunto, però, sta nella dimensione relazionale: non solo proiezioni, ma incontri, conversazioni, opportunità concrete di collaborazione. È quanto ci sforziamo di fare con ogni attività promossa dall’Istituto.

Avete ospitato artisti come Giovanni Allevi, celebrato Anna Magnani e la stella sulla Walk of Fame di Franco Nero: che valore hanno questi momenti simbolici?

Sono momenti altamente simbolici, ma mai fini a se stessi. Figure come queste rappresentano un patrimonio condiviso e un punto di accesso immediato all’immaginario italiano.

La stella di Franco Nero sulla Walk of Fame va oltre il riconoscimento personale: è la testimonianza visibile di un dialogo culturale tra Italia e Stati Uniti che dura da decenni. Questi momenti riaffermano la presenza italiana nello spazio pubblico americano e rafforzano la consapevolezza di un legame storico e contemporaneo tra i due Paesi.

Come viene percepita oggi l’italianità a Los Angeles e negli Stati Uniti?

L’italianità è percepita in modo estremamente positivo: qualità, creatività, stile, patrimonio culturale. È un capitale reputazionale importante.

La sfida è aggiornarlo continuamente. Accanto all’Italia iconica dobbiamo raccontare l’Italia della ricerca, dell’innovazione, dei giovani artisti e dei nuovi linguaggi. Solo così la presenza culturale resta viva, credibile e rilevante nel tempo.

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Domenica 15 marzo New York ospiterà la United Airlines NYC Half, la mezza maratona organizzata dai New York Road Runners che ogni anno richiama decine di migliaia di corridori tra professionisti e amatori. L’edizione 2026 prevede oltre 30.000 partecipanti, confermando la corsa tra gli appuntamenti più rilevanti del calendario podistico statunitense insieme alla più nota New York City Marathon. La distanza è quella classica della mezza maratona, 13,1 miglia (circa 21,1 chilometri), e attraversa alcuni dei luoghi più famosi della città, trasformando per alcune ore strade e arterie principali in un percorso sportivo che unisce Brooklyn e Manhattan.

La gara prevede una partenza scaglionata per gestire il grande numero di iscritti. Le competizioni iniziano nelle prime ore del mattino con la divisione carrozzine intorno alle 7:00, seguita dagli atleti élite circa venti minuti più tardi. I corridori non professionisti partono invece in diverse ondate tra le 7:20 e le 9:00, una modalità ormai comune nelle grandi corse su strada perché consente di distribuire meglio i partecipanti lungo il percorso. In parallelo è previsto anche un evento dedicato ai più giovani, il Times Square Kids Run, che porta centinaia di bambini a correre nel cuore di Manhattan.

Il tracciato è uno degli elementi distintivi della NYC Half perché attraversa due distretti e alcuni dei punti più iconici della città. La partenza avviene su Washington Avenue, nei pressi del Brooklyn Museum, con i corridori che affrontano subito le salite di Prospect Park, tra cui la nota Battle Pass Hill. Dopo aver lasciato il parco e superato l’area del Barclays Center, il percorso si dirige verso Manhattan attraversando il Brooklyn Bridge, uno dei momenti più fotografati della gara.

Una volta raggiunta Manhattan, i corridori percorrono diversi chilometri sulla FDR Drive, con vista sull’East River e sul complesso delle United Nations. Il tracciato prosegue poi verso Midtown passando davanti al Grand Central Terminal e alla New York Public Library. Uno dei passaggi più caratteristici è quello su Times Square, che per l’occasione viene chiusa al traffico e trasformata in un corridoio per gli atleti tra due ali di spettatori.

L’ultima parte della gara porta i partecipanti verso Central Park, dove il percorso entra dalla 59ª strada e prosegue tra le salite del parco fino al traguardo sulla West Drive, vicino alla 72ª strada. Il finale è tradizionalmente uno dei momenti più affollati della gara, anche perché l’accesso diretto alla linea di arrivo è limitato e molti spettatori si dispongono lungo gli ultimi centinaia di metri del tracciato.

Un evento di queste dimensioni ha inevitabili conseguenze sulla viabilità urbana. Diverse strade di Brooklyn e Manhattan vengono chiuse già nelle ore precedenti alla partenza, mentre la FDR Drive resta parzialmente interdetta al traffico fino a metà giornata. Le limitazioni riguardano anche alcune arterie di Midtown e l’area di Central Park South. Come per altre grandi corse cittadine, gli organizzatori mettono a disposizione sistemi di tracciamento tramite app ufficiale per permettere a familiari e spettatori di seguire i corridori lungo il percorso.

Negli ultimi anni la mezza maratona di New York è diventata anche una gara sempre più internazionale, con partecipanti provenienti da decine di paesi. Tra questi non mancano corridori italiani, sia professionisti sia amatori, attratti dal percorso suggestivo che unisce sport e turismo.

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A New York ci sono artisti che arrivano per studiare e ripartono dopo pochi mesi. Altri restano. Ottavia Giola è arrivata dalla Torino per studiare fotografia all’International Center of Photography. Qualche anno dopo vive ancora lì. La città, dice, è diventata casa.

In questi giorni espone a Brooklyn nella collettiva Unveiled, insieme ad altre fotografe che hanno studiato all’ICP. Il progetto mette insieme lavori molto diversi tra loro, ma uniti da una stessa idea: usare la fotografia per raccontare qualcosa di personale, quasi confidenziale. Non è la prima volta che Giola presenta il suo lavoro a New York. Negli ultimi anni ha partecipato a varie mostre, tra cui una dedicata ai diplomati dell’ICP e un duo show nel 2025. Nel frattempo, è stata inserita anche tra i 30 Photographers Under 30 selezionati da Artpil, una delle piattaforme che seguono i nuovi talenti della fotografia contemporanea.

Quando ha iniziato, il suo approccio era diverso. «All’inizio ero molto più concentrata sull’aspetto estetico», dice Giola. «Mi interessava costruire scatti forti dal punto di vista visivo». Composizione, luce, equilibrio: tutto ruotava intorno alla forma. Col tempo però quel modo di lavorare ha iniziato a starle stretto. «Oggi cerco sempre di catturare una storia dietro ogni scatto. Mi interessa che chi guarda senta che c’è qualcosa oltre quello che vede».

Il cambiamento è arrivato lentamente, lavorando e vivendo in un posto che ti costringe continuamente a rimettere in discussione quello che fai. New York può essere destabilizzante: i ritmi sono veloci, la scena artistica enorme e trovare il proprio spazio non è immediato.

Ad un certo punto la città smette di essere un luogo da osservare e diventa parte della vita quotidiana. «È una fase tranquilla della mia vita, anche se qui tutto può diventare intenso molto velocemente, proprio come succede nel posto dove sei cresciuto. Ogni tanto mi fermo e realizzo dove sono. E mi vengono ancora i brividi pensando che vivo qui».

Con gli anni è mutato anche il rapporto con il lavoro. Nei primi tempi la difficoltà era orientarsi: capire come muoversi, costruire relazioni, trovare occasioni per esporre ed entrare davvero nella scena artistica della città. «Adesso sento più libertà», ammette Giola. «La pressione non è sparita, ma è diversa: è più una spinta a migliorare». Esporre resta una delle cose che la motivano di più.

Ripensando agli ultimi anni, Giola individua anche un’altra svolta nel suo percorso. Per molto tempo ha sperimentato molto, provando stili e linguaggi diversi. «Era una fase inevitabile», ammette. A un certo punto, però, quel bisogno si è esaurito e il suo lavoro segue una linea più definita. «Ho capito che non era quello che serviva davvero alla mia visione. Perché non si tratta più di cambiare continuamente linguaggio, ma di costruire uno stile personale e portarlo avanti con coerenza nei diversi lavori che faccio».

In una città come New York viene spontaneo chiedersi se arrivi mai il momento in cui si può dire di aver trovato il proprio posto. Per Giola le due cose convivono. «Sento di essere sulla mia strada», dice. «Ma allo stesso tempo sono ancora in ricerca». Perché, alla fine, è proprio questo il lavoro di un artista.

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Alla Casa Italiana Zerilli-Marimò, centro culturale della New York University dedicato alla diffusione della cultura italiana negli Stati Uniti, è in programma oggi, 13 marzo, la presentazione del libro Emilio Pucci: The Astonishing Odyssey of a Fashion Icon (St. Martin’s Press, 2026). Il volume è scritto da Terence Ward e Idanna Pucci, figlia dello stilista, e sarà poi oggetto di una conversazione con la storica Ruth Ben-Ghiat, docente alla stessa università e studiosa del fascismo italiano. L’incontro, previsto dalle 18:30 alle 20:00, ricostruisce la figura di Emilio Pucci, uno dei nomi più di spicco della moda italiana del Novecento.

Pucci è noto soprattutto per le sue stampe dai colori vivaci e per gli abiti leggeri che negli anni Cinquanta e Sessanta contribuirono a definire l’estetica internazionale associata alla “dolce vita”. Il suo marchio divenne rapidamente popolare tra attrici e figure pubbliche, da Sophia Loren a Jacqueline Kennedy Onassis, e contribuì alla diffusione globale dell’immagine di un’Italia elegante, moderna e legata al turismo mediterraneo. Il libro, tuttavia, concentra l’attenzione su una fase della sua vita meno conosciuta, precedente alla carriera nella moda.

Secondo la ricostruzione proposta dagli autori, durante la Seconda guerra mondiale Pucci partecipò ad attività di collegamento con gli Alleati e contribuì a far uscire dall’Italia documenti ritenuti rilevanti per l’intelligence occidentale. In quel contesto entrò in contatto con ambienti diplomatici e con figure come Allen Dulles, che in quegli anni dirigeva in Europa le operazioni dell’Office of Strategic Services, il servizio di intelligence statunitense precursore della CIA. Questa vicenda, spesso rimasta ai margini della storia sulla sua carriera, costituisce uno degli elementi centrali del libro.

Dopo la guerra Pucci tornò a Firenze, città in cui la sua famiglia era documentata da secoli e che usciva dal conflitto con gravi danni. Lì iniziò la sua attività nel settore della moda, contribuendo alla crescita internazionale dello stile italiano nel dopoguerra. Tra gli anni Cinquanta e Sessanta l’Italia diventò progressivamente uno dei principali centri globali della moda, accanto a Parigi e New York, ed il lavoro di stilisti come Pucci contribuì a costruire l’immagine del Made in Italy come fenomeno culturale oltre che commerciale.

Per partecipare alla presentazione del libro è possibile registrarsi a questo link.

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Negli Stati Uniti il baseball non è soltanto uno sport, ma fa parte dell’immaginario culturale e sportivo nazionale, un rituale collettivo che attraversa più di un secolo di storia. La Major League Baseball, fondata alla fine dell’Ottocento, è considerata il campionato più competitivo del mondo e continua a produrre alcune delle figure sportive più importanti e celebrate del paese. Anche per questo la Nazionale statunitense parte quasi sempre come favorita nelle competizioni internazionali. E anche per questo, la vittoria dell’Italia contro gli Stati Uniti al World Baseball Classic – il torneo che dal 2006 riunisce le migliori nazionali del baseball mondiale – è stata accolta come una delle sorprese più inattese nella storia recente di questo sport.

Nella notte italiana tra martedì e mercoledì, l’Italia ha infatti battuto gli Stati Uniti 8-6 a Houston, in Texas, davanti al pubblico di casa degli statunitensi. Il risultato è eccezionale, non solo per il punteggio: gli Stati Uniti erano tra i principali favoriti del torneo e presentavano la squadra più forte e completa della propria storia sportiva. La Nazionale americana è infatti composta da numerosi giocatori della Major League Baseball, molti dei quali considerati delle vere e proprie star dello sport, come Aaron Judge, probabilmente il battitore più potente della Major League e capitano dei New York Yankees, e Mike Trout, considerato tra i giocatori di baseball più forti di sempre. Per una nazionale come quella italiana, proveniente da un paese in cui il baseball è uno sport minoritario rispetto al calcio o alla pallavolo, ottenere una vittoria del genere rappresenta un evento raro.

Jac Caglianone 2-run blast puts Italy up 5-0

110.4 MPH, 403 feetpic.twitter.com/V1g6SblOwU

— Underdog MLB (@UnderdogMLB) March 11, 2026

In altri sport esistono egemonie nazionali piuttosto consolidate come quella degli Stati Uniti nel baseball. La Nuova Zelanda domina il rugby union con la nazionale degli All Blacks, mentre nel cricket paesi come India, Australia e Inghilterra hanno storicamente un vantaggio competitivo legato alla diffusione capillare dello sport. Negli Stati Uniti il sistema professionistico del baseball è estremamente sviluppato e questo fa sì che si producano ogni anno centinaia di giocatori di alto livello. Per questo motivo, quando una nazionale con meno tradizione batte gli statunitensi, il risultato assume un significato che va oltre la singola partita.

Non è comunque la prima volta che l’Italia riesce nell’impresa: un precedente risale al 2007, ai vecchi Mondiali di baseball, quando l’Italia batté gli Stati Uniti 6-2 segnando i sei punti nei primi attimi della partita: il torneo lo vinsero comunque gli Stati Uniti, ma all’epoca gli stessi USA avevano un approccio diverso ai Mondiali, dove preferivano schierare giocatori meno conosciuti per preservare i campioni della Major League. Anche per questo la vittoria di Houston ha tutto un altro sapore, e arriva in una fase molto diversa per il movimento italiano: negli ultimi anni la Nazionale ha progressivamente migliorato il proprio livello competitivo, anche grazie alla presenza di diversi giocatori con doppia cittadinanza cresciuti nel sistema statunitense. Nel World Baseball Classic del 2023 l’Italia era arrivata ai quarti di finale, uno dei migliori risultati della sua storia.

Il successo contro gli Stati Uniti è stato costruito soprattutto in attacco, con tre fuoricampo – l’azione più spettacolare e produttiva del baseball, perché garantisce almeno un punto – e con una buona prestazione del reparto dei lanciatori. Nel finale il lanciatore italiano Greg Weissert è riuscito a eliminare Aaron Judge, contribuendo a chiudere definitivamente la partita. Il dirigente della Nazionale italiana, Ned Colletti, che in carriera ha vinto le World Series come dirigente dei Los Angeles Dodgers, ha detto che «una cosa così non l’avevo mai vista».

Greg Weissert strikes out Aaron Judge to complete the upset for Team Italypic.twitter.com/BIYLnbw0SM

— Underdog MLB (@UnderdogMLB) March 11, 2026

Un elemento distintivo della Nazionale italiana è proprio la composizione del roster. Come dicevamo, molti giocatori sono italoamericani cresciuti negli Stati Uniti, ma scelgono di rappresentare l’Italia grazie alle proprie origini familiari. È una dimensione identitaria che nel tempo è diventata parte dello storytelling della Nazionale: durante la partita, il capitano Vinnie Pasquantino ha celebrato i fuoricampo dei compagni offrendo loro del caffè espresso o porgendogli una giacca Armani da indossare, prima di salutarli con il tradizionale doppio bacio sulle guance.

La vittoria ha avuto conseguenze importanti anche per la classifica del girone B, un girone molto difficile visto che comprende, oltre agli Stati Uniti, anche il Messico, il Brasile e il Regno Unito. Dopo tre partite l’Italia è in testa con tre vittorie e nessuna sconfitta, seguita dagli Stati Uniti con tre vittorie e una sconfitta e dal Messico con due vittorie e una sconfitta. La partita tra Italia e Messico, prevista per oggi, diventa decisiva per stabilire la qualificazione ai quarti di finale, a cui accedono le prime due squadre del gruppo.

Se l’Italia dovesse vincere contro il Messico passerebbe il girone al primo posto, affiancata dagli Stati Uniti. In caso contrario si creerebbe una situazione di parità tra tre squadre, da risolvere con i criteri di spareggio basati sui punti concessi. Se il Messico segnasse quattro punti o meno passerebbero Italia e Messico, mentre con cinque o più punti sarebbero gli Stati Uniti a qualificarsi al posto degli italiani. Chiudere il girone al primo posto significherebbe inoltre affrontare un avversario teoricamente meno forte ai quarti di finale.

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Raccontare l’Italia attraverso il cinema. È questa la mission di N41 Studios, nuova casa di produzione indipendente che punta a ridefinire la narrazione degli italiani in America, superando stereotipi sedimentati e offrendo uno sguardo contemporaneo sull’italianità.

L’idea nasce dall’incontro tra i produttori Emanuele Scamardella e Davide Ippolito, con il sostegno di un nome che a Hollywood pesa: il premio Oscar Jonathan Sanger, produttore di film come The Elephant Man, Vanilla Sky e del più recente Cabrini, dedicato alla figura di Francesca Cabrini, prima santa americana di origini italiane. Un segnale chiaro: il progetto nasce con un respiro internazionale e con un dialogo diretto con l’industria statunitense.

Il nome N41 richiama il 41° parallelo, linea immaginaria che unisce Napoli e New York. Non solo una suggestione geografica, ma un manifesto culturale: creare un ponte narrativo tra due mondi che condividono radici, migrazioni, contaminazioni. In un’epoca in cui il racconto delle comunità è spesso polarizzato tra folklore e cronaca nera, la scommessa è quella di costruire storie capaci di restituire complessità, talento, innovazione.

L’obiettivo dichiarato è produrre film e serie che parlino a un pubblico globale senza tradire l’identità italiana e italoamericana. Non più soltanto mafia e nostalgia caricaturale, ma eccellenza, scienza, impresa, arte, impegno civile. In altre parole: un’Italia contemporanea, plurale, che dialoga con il mondo e non si limita a evocare il passato.

«Vogliamo portare sullo schermo storie nuove, che parlino di eccellenza, coraggio, creatività e identità senza dover ricorrere a logiche distorte o retoriche abusate. Credo sia il momento di costruire una rete di talenti che condividano una visione: riportare l’italianità nel cinema internazionale come valore, non come folklore», ha detto Emanuele Scamardella, innovatore sociale e progettista culturale. 

Per Davide Ippolito, già editore de ilNewyorkese, riferimento della comunità italiana negli Stati Uniti: «La reputazione di un popolo si costruisce anche attraverso il cinema e oggi più che mai è necessario raccontare un’Italia contemporanea, capace di ispirare. N41 Studios segna per me un ritorno alle origini: alla scrittura, al cinema, alla voglia di raccontare storie che lascino un segno. Dopo anni dedicati a progetti indipendenti, oggi questo percorso approda a Hollywood, con la stessa passione di sempre e una visione ancora più chiara: dare voce a un’Italia capace di ispirare, sorprendere e andare oltre gli stereotipi».

Con sedi operative tra Los Angeles e New York e un’identità saldamente ancorata all’Italia, N41 Studios si inserisce in un momento cruciale per il cinema internazionale, con l’ambizione di diventare un nuovo punto di riferimento per chi crede che raccontare storie significative sia ancora possibile e necessario.

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L’asse Roma – Los Angeles è stato sempre molto forte. Basti pensare che i più grandi attori e produttori italiani hanno vissuto lunghi periodi a Hollywood. I primi due che mi vengono in mente sono Sofia Loren e Dino De Laurentiis. Ma anche Roma, tra gli anni ‘50 e ‘60 è stata crocevia del jet set internazionale, rappresentata dalla splendida Via Veneto e raccontata da uno dei nostri registi più celebri, Federico Fellini ne “La Dolce vita”.  Cinecittà rappresentava una Hollywood sul Tevere. 

Certo, il tempo passa e le cose cambiano naturalmente, ma il cinema italiano è una storia che ha interessato tutto il mondo e, nonostante i cambiamenti, possiamo ritenerci ancora molto soddisfatti. Il box office italiano ci offre dati in continuo miglioramento in un contesto internazionale attraversato da piattaforme globali, mutamenti tecnologici e nuove abitudini di consumo. Ma il dato più significativo riguarda la produzione nazionale. Nel 2025 i film italiani hanno raggiunto il 32,7% degli incassi e il 33,3% delle presenze. Una buona notizia sul piano economico e non solo, è la prova che il pubblico ama l’arte cinematografica. 

Per comprendere fino in fondo il valore di questi numeri bisogna ricordare che il cinema italiano ha attraversato stagioni di grandi battaglie. “Non si interrompe un’emozione” è lo slogan coniato da Fellini contro le interruzioni pubblicitarie nei film trasmessi dalle tv private negli anni ’80. Mentre Hollywood consolidava il proprio dominio industriale e la televisione commerciale cambiava radicalmente il panorama mediatico, questo slogan divenne il manifesto di una generazione di autori. Il film, sosteneva il regista, non è un contenitore da spezzare a piacimento, ma un flusso di emozioni, con un proprio ritmo e una propria musica interiore. In quegli anni, la televisione libera si stava affermando grazie all’intuizione di Silvio Berlusconi, all’epoca imprenditore visionario capace di costruire in pochi anni un impero mediatico con Canale 5, Italia 1 e Retequattro. Poi con l’acquisizione del catalogo Cineriz da Rizzoli, nel 1983, segnò uno spartiacque: intere library cinematografiche passavano sotto il controllo di un soggetto televisivo privato, libero di programmarle e interromperle secondo logiche di mercato. Il conflitto esplose apertamente nel 1985, quando Fellini denunciò Canale 5 per la messa in onda dei suoi film con inserti pubblicitari. La sua battaglia trovò consenso anche in una parte politica: il Partito Comunista Italiano prima, e il Partito Democratico della Sinistra poi, fecero proprio lo slogan nella campagna referendaria del 1995 contro le interruzioni nei film. L’esito chiaramente fu a favore degli spot con il 55,77% degli italiani che scelsero il no. Fellini morì nel 1993, e dunque non poté assistere a questo epilogo. Del resto, con l’avvento della tv libera, anche i film diventarono così accessibili a tutti. Senza alcun costo. 

A pensarci oggi sembra quasi un film pensare a quella battaglia. Eppure, la storia ha riservato sviluppi inattesi. Negli anni successivi, il gruppo Mediaset ha promosso importanti restauri dei grandi classici italiani, riportando in sala e nei musei internazionali capolavori di registi come Rossellini, Visconti, Pasolini, oltre allo stesso Fellini. Uno di questi è il progetto “Cinema Forever”, che ha consentito un’operazione di valorizzazione culturale di alto impatto. I film restaurati hanno viaggiato fino al Moma di New York, riaffermando il ruolo dell’Italia come riferimento imprescindibile nella storia del cinema mondiale.

Osservando lo scenario attuale, probabilmente il cinema italiano avrebbe bisogno di maggiori investitori privati che affianchino il sistema di agevolazioni pubbliche in modo da incentivare la produzione e dare uno sprint maggiore al volano economico virtuoso che ruota intorno all’arte cinematografica. 

Se da un lato l’America ha rappresentato per decenni il modello produttivo dominante, l’Italia ha offerto uno sguardo autoriale segnato da una certa profondità narrativa, e capacità narrativa che ha influenzato generazioni di cineasti americani e non solo. Il dialogo resta sempre la migliore forma di contaminazione virtuosa.

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Si sono conosciuti sul set di Cabrini, dando vita a un dialogo artistico e umano che continua ancora oggi. Lei è Cristiana Dell’Anna, attrice italiana dal respiro internazionale. Lui è Jonathan Sanger, produttore americano e figura di riferimento nel panorama cinematografico.

In questa conversazione riflettono sul cinema contemporaneo, identità culturale e nuove prospettive narrative.

Jonathan Sanger: Sei ora a New York e presto tornerai a Los Angeles. Hai già lavorato più volte negli Stati Uniti: come vedi questo momento per un attore?

Cristiana Dell’Anna: È un momento complesso e allo stesso tempo molto stimolante. Mi sono chiesta spesso cosa sia cambiato da quando sognavo di diventare attrice. Da bambina immaginavo Hollywood come un luogo quasi mitologico, un punto d’arrivo ben definito. Oggi invece è tutto molto più fluido. Il mercato è cambiato profondamente, così come le storie che vengono raccontate e le modalità di produzione. C’è una varietà molto più ampia di voci, di culture e di punti di vista. Questo rende il panorama più ricco, ma anche più competitivo e meno prevedibile. Il concetto stesso di Hollywood si è trasformato: non è più un luogo fisico, ma un sistema globale diffuso.

Secondo te, come sta cambiando l’industria?

Jonathan Sanger: Sta attraversando una fase di grande trasformazione. I grandi studios si stanno consolidando e stanno cercando nuovi modelli economici sostenibili. I film destinati alle sale sono sempre meno e tendono a essere grandi produzioni spettacolari, pensate per attirare il pubblico su larga scala. Questo lascia meno spazio ai progetti più intimi sul grande schermo. Tuttavia, queste storie non scompaiono: trovano una nuova casa nelle piattaforme streaming, dove spesso possono essere raccontate con maggiore profondità, anche in formato seriale. In questo senso, le opportunità non sono diminuite, ma si sono semplicemente spostate. E una cosa resta immutata: il bisogno di grandi storie e di grandi interpreti capaci di renderle autentiche.

Tu sei un’attrice molto versatile. Come scegli i tuoi ruoli?

Cristiana Dell’Anna: Cerco sempre di evitare la ripetizione. Per me ogni ruolo deve rappresentare una sfida, un territorio nuovo da esplorare. Essendo italiana ma con un background bilingue e internazionale, mi trovo spesso in una posizione particolare: porto con me un’identità precisa, ma allo stesso tempo non sono facilmente incasellabile. Questo può essere complesso, ma è anche una grande opportunità. Credo che oggi sia fondamentale contribuire a costruire una nuova narrativa italiana, più contemporanea e aderente alla realtà attuale. I grandi maestri del passato restano un punto di riferimento, ma non possiamo limitarci a replicare quei modelli. Serve uno sguardo nuovo, e Cabrini è stato, per me, un esempio di come si possa raccontare la nostra storia in modo diverso.

Cabrini racconta anche una storia di immigrazione. Quanto è attuale questo tema?

Jonathan Sanger: È estremamente attuale, forse più che mai. L’immigrazione è alla base della costruzione degli Stati Uniti, eppure oggi è diventata un tema molto divisivo. C’è una sorta di dimenticanza collettiva rispetto al fatto che intere comunità, tra cui quella italiana, hanno contribuito in modo determinante allo sviluppo del Paese. Film come Cabrini hanno il merito di riportare l’attenzione su queste radici e di offrire una prospettiva più complessa e umana. Credo che ci siano ancora moltissime storie da raccontare su questo tema, storie che possono aiutare a creare un dialogo più consapevole.

Oggi il cinema è sempre più internazionale. Come lo vedi?

Cristiana Dell’Anna: Lo vedo come un’evoluzione naturale. Viviamo in un mondo completamente interconnesso, dove le storie viaggiano rapidamente e attraversano i confini. Non ha più senso pensare in termini rigidi di nazionalità. Le produzioni sono sempre più ibride, multinazionali, e questo permette una contaminazione molto interessante tra culture diverse. L’Italia, negli ultimi anni, è tornata ad attirare l’attenzione delle produzioni internazionali, sia per le location che per il talento artistico. È un momento importante, che potrebbe portare a una nuova fase di crescita.

Negli ultimi anni vediamo molti biopic e storie vere. Perché secondo te?

Jonathan Sanger: Credo che il pubblico oggi senta il bisogno di riconnettersi con la realtà, ma in modo ispirazionale. In un periodo storico complesso, segnato da incertezze e tensioni, le storie di persone reali che hanno superato difficoltà straordinarie diventano un punto di riferimento. Offrono speranza e dimostrano che è possibile cambiare il proprio destino. Non significa che la fantasia non abbia più spazio, ma quando si racconta la realtà, il pubblico cerca esempi concreti di resilienza e coraggio. E questo tipo di narrazione ha un impatto molto forte.

Tu non sei solo attrice, ma potresti essere anche produttrice o autrice. Ti interessa?

Cristiana Dell’Anna: Sì, moltissimo. È un percorso che mi affascina sempre di più. Mi ispira molto il modello di alcune realtà americane, come quella di Reese Witherspoon, che ha costruito una casa di produzione partendo da una visione molto chiara: scegliere storie forti, spesso tratte da libri, e dare spazio a personaggi femminili complessi. Mi piace l’idea di poter avere un controllo più ampio sul processo creativo, dalla scelta della storia fino alla realizzazione. Allo stesso tempo, però, la recitazione resta il mio primo amore e non vorrei mai abbandonarla. L’ideale sarebbe riuscire a unire queste dimensioni.

E tu, come scegli i progetti oggi?

Jonathan Sanger: Oggi sono molto più selettivo rispetto al passato. Fare un film è sempre un processo complesso e impegnativo, quindi sento il bisogno di dedicarmi solo a progetti che abbiano un significato profondo per me. Non mi interessa più lavorare su qualcosa che non mi coinvolga realmente. Cerco storie che possano lasciare un segno, che abbiano una rilevanza emotiva o culturale. E soprattutto cerco collaborazioni autentiche, con artisti con cui condividere una visione. È questo che rende il lavoro davvero gratificante.

Ricordi quando sul set parlavamo di libri?

Cristiana Dell’Anna: Sì, è stato il nostro primo vero punto di connessione. Passavamo molto tempo a confrontarci su letture, idee, suggestioni. È raro trovare qualcuno con cui si crea subito questo tipo di dialogo. Ricordo in particolare Aleph di Borges, che è stato il libro da cui è partito tutto. Da lì la conversazione si è allargata a molti altri temi, ed è diventata una vera e propria sintonia anche sul piano creativo.

Prima di salutarli, abbiamo chiesto a Jonathan Sanger e Cristiana Dell’Anna quali sono i loro progetti futuri.

Jonathan Sanger: Sto lavorando a diversi progetti molto diversi tra loro. Uno riguarda Frederick Douglass, una figura storica straordinaria, ma voglio raccontare un momento specifico della sua vita, quello trascorso in Irlanda, che ha cambiato profondamente la sua visione del mondo. Poi c’è un progetto su una donna imprenditrice legata al marchio Maidenform, una storia che unisce elementi di business, femminismo e cultura pop. E naturalmente spero di poter trovare presto un progetto da realizzare insieme a Cristiana, perché il nostro incontro artistico è stato davvero speciale.

Cristiana Dell’Anna: Anch’io sto lavorando a progetti molto interessanti. Uscirà a breve una serie su BritBox America, e poi un film ambientato durante il panico finanziario del 1907, un periodo storico molto affascinante. Sono storie diverse tra loro, ma entrambe molto intense. E sì, l’idea di lavorare di nuovo insieme è qualcosa che mi entusiasma molto: quando c’è una sintonia artistica così forte, è naturale volerla continuare.

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Il film Final Broadcast, diretto da Davide Ippolito e prodotto da N41 Studios, è stato presentato a Los Angeles in occasione della Oscar Week, presso l’Eastwood Performing Arts Center.

L’evento ha rappresentato la prima proiezione ufficiale del film fuori dal circuito dei festival e una nuova tappa del suo percorso internazionale, dopo il debutto al Big Apple Film Festival di New York. L’opera ha inoltre partecipato e ottenuto riconoscimenti in numerosi festival nel mondo, tra cui Tokyo, Atene, Denver, Nashville, Seattle, Miami e New Orleans.
Final Broadcast segna anche la prima produzione della casa italo-americana N41 Studios, fondata dallo stesso Davide Ippolito insieme a Emanuele Scamardella. I due firmano il progetto come produttori esecutivi insieme a Simone D’Andria.

Il film si distingue per una struttura narrativa essenziale e claustrofobica che richiama l’estetica del cinema “found footage”, combinando tempo reale, linguaggio televisivo e un’ambientazione apocalittica. La storia si sviluppa interamente all’interno di uno studio televisivo durante una diretta che racconta le ultime ore del mondo. Attraverso questo dispositivo narrativo, Final Broadcast riflette sul ruolo dei media in un’epoca dominata dall’informazione continua, mettendo al centro temi come la costruzione della realtà attraverso la televisione, la paura collettiva amplificata dai media e la fragilità delle verità che ci vengono raccontate, sullo sfondo delle grandi tensioni contemporanee tra crisi geopolitiche, minacce nucleari e emergenze globali.

La colonna sonora è firmata dal compositore Davide Pannozzo, mentre Jacopo Rampini è tra gli interpreti principali.

«Portare Final Broadcast a Los Angeles è un momento molto importante per noi», ha dichiarato Davide Ippolito, regista e produttore del film. «Questo progetto nasce dal desiderio di raccontare il nostro rapporto con l’informazione e con la paura collettiva in un’epoca dominata dai media. Il linguaggio del film è volutamente diretto e immersivo, quasi come se lo spettatore stesse assistendo a una trasmissione che non dovrebbe mai andare in onda».

Per Emanuele Scamardella, cofondatore di N41 Studios e produttore esecutivo, la presentazione rappresenta anche un passaggio simbolico per la casa di produzione: «Final Broadcast non rappresenta solo il primo passo di N41 Studios, ma é uno “statement” deciso e diretto per affermare una nuova visione di produzione internazionale e multiculturale, lontana dai vecchi stereotipi, senza timore di sperimentare e indagare la realtà attraverso nuovi punti di vista».

Dopo l’anteprima newyorkese al Big Apple Film Festival e la partecipazione a numerosi festival internazionali, la presentazione di Los Angeles consolida la presenza dell’opera nel circuito cinematografico statunitense. L’uscita globale di Final Broadcast è prevista prima dell’estate, al termine della stagione dei festival.

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Il 12 marzo Il Testamento di Ann Lee arriva nelle sale italiane dopo essere già passato dai festival e dal circuito cinematografico statunitense. Negli Stati Uniti il film ha avuto una risonanza particolare soprattutto a New York, lo stato dove alla fine del Settecento Ann Lee e i suoi seguaci stabilirono una delle prime comunità shaker dopo aver lasciato l’Inghilterra.

Il film racconta proprio la nascita di quel movimento religioso. La protagonista, interpretata da Amanda Seyfried, cresce in una filanda di Manchester e si avvicina alla Wardley Society, un gruppo legato al quaccherismo che esprime la fede attraverso grida, tremori e stati di esaltazione collettiva. Con il tempo Ann Lee sviluppa una convinzione destinata a guidare la sua vita: la seconda venuta di Cristo potrebbe manifestarsi in forma femminile. Intorno a questa idea prende forma una piccola comunità di fedeli che vede in lei una guida spirituale.

La regia di Mona Fastvold e Brady Corbet mette al centro le assemblee religiose degli Shaker, rappresentate come momenti di intensa partecipazione collettiva. I fedeli cantano, girano su se stessi e battono il ritmo con il corpo, trasformando la preghiera in un rituale fatto di movimento. Le sequenze di danza e canto attraversano gran parte del film e gli danno a tratti il ritmo di un musical, dove la dimensione spirituale prende forma nei gesti e nella ripetizione dei cori. La macchina da presa segue da vicino i movimenti dei corpi e costruisce immagini basate su forti contrasti di luce e ombra, mantenendo uno stile visivo rigoroso.

Il viaggio verso l’America rappresenta il momento di svolta della storia. Durante la traversata il gruppo continua a cantare e pregare, trasformando la nave in uno spazio di devozione collettiva. Una volta arrivati nello stato di New York fondano una comunità organizzata attorno a principi di pacifismo, lavoro condiviso e uguaglianza tra uomini e donne.

Oggi il movimento sopravvive quasi solo come memoria storica: l’ultima comunità shaker attiva si trova nel Maine e conta pochissimi membri. L’uscita del film ha comunque riportato l’attenzione su questo capitolo poco conosciuto della storia del nord-est degli Stati Uniti. Negli ultimi mesi alcuni musei e istituzioni culturali dello stato di New York hanno registrato un aumento di visite e ricerche dedicate agli Shaker e ai villaggi che tra Settecento e Ottocento sorsero nella regione.

Quelle comunità erano fondate su un modello di vita collettiva molto rigoroso: villaggi autosufficienti, lavoro organizzato in modo cooperativo e una produzione artigianale diventata famosa per la sua essenzialità, in particolare i mobili in legno dalle linee semplici. In un paese dove la religione continua ad avere un ruolo visibile nello spazio pubblico, la loro esperienza viene oggi riletta come uno dei molti tentativi storici di costruire una convivenza basata su fede, disciplina comunitaria e autonomia individuale.

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Il cinema ha avuto un ruolo determinante nella diffusione internazionale dello stile italiano. È questo il filo conduttore della mostra Fotogrammi di moda italiana: dagli anni ’50 ad oggi, l’Italia veste il cinema internazionale, ideata e curata dall’esperto di moda Stefano Dominella e ospitata presso l’Istituto Italiano di Cultura di New York.

L’esposizione, che inaugura mercoledì 11 marzo alle ore 18.00, racconta il dialogo profondo tra cinema e moda, mostrando come il grande schermo abbia contribuito a internazionalizzare lo stile italiano e a trasformarlo in una delle immagini più riconoscibili del Made in Italy nel mondo. Il progetto, presentato anche con il titolo internazionale “Fashion Frames: Where Style Becomes Cinema”, esplora questo legame attraverso abiti iconici e opere provenienti da importanti archivi privati, oltre che dall’archivio personale del curatore.

Il percorso espositivo mette in luce l’eleganza, l’artigianalità e la capacità di innovazione che hanno reso la moda italiana un punto di riferimento globale. A partire dagli anni Cinquanta, quando Roma divenne la celebre “Hollywood sul Tevere”, le star internazionali iniziarono a frequentare gli studi di Cinecittà, contribuendo a consacrare le nuove maison italiane e trasformando il cinema in un potente veicolo di stile.

In mostra sono presentati 40 abiti firmati da celebri couturier, stilisti e atelier italiani, indossati da attrici e personalità entrate nell’immaginario internazionale. Tra le protagoniste figurano icone come Lana Turner, Audrey Hepburn e Anita Ekberg, fino a figure più recenti come Monica Bellucci e Scarlett Johansson. Accanto a loro compaiono altre grandi protagoniste della cultura e dello spettacolo, tra cui Beyoncé, Gina Lollobrigida, Céline Dion, Claudia Cardinale, Maria Callas e Sofia Loren.

Il percorso ricostruisce così una storia in cui Roma, Cinecittà e Hollywood si intrecciano nella nascita e nell’affermazione del Made in Italy. Locandine, trailer, fotografie di scena e materiali d’archivio completano l’allestimento, restituendo al visitatore il dialogo continuo tra linguaggio cinematografico e creazione sartoriale.

Una sezione della mostra è dedicata anche al tema dell’ecosostenibilità, con capi realizzati attraverso tecniche di upcycling e il riutilizzo di materiali di scarto, a testimonianza dell’attenzione crescente della moda verso la tutela del pianeta.

In occasione dell’inaugurazione, Stefano Dominella sarà in conversazione con il direttore dell’Istituto, Claudio Pagliara. L’incontro offrirà al pubblico e alla stampa l’opportunità di ripercorrere l’origine dei capi esposti e il contesto storico e culturale in cui sono stati creati, sottolineando come ogni abito rappresenti molto più di un semplice costume di scena: una testimonianza di un immaginario che unisce eleganza, cinema e identità italiana.

“L’esposizione non è solo un tributo alla moda italiana, ma anche un’opportunità per celebrare la nostra cultura e il nostro patrimonio,” dichiara il curatore Stefano Dominella. “Siamo orgogliosi di presentare al mondo le nostre eccellenze, che continuano a ispirare e a definire tendenze”.

“Con questa mostra – afferma Claudio Pagliara, direttore dell’Istituto Italiano di Cultura di New York – intendiamo promuovere due settori chiave dell’economia italiana, la moda e il cinema. La mostra mette in evidenza che l’Italia continua ad eccellere in entrambi i settori”.

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E l’Italia che fa? Fa il suo, con prudenza e attenzione. La guerra in Iran e il Medio Oriente in subbuglio richiedono rapidità ma anche razionalità. Il premier Giorgia Meloni si muove su due assi.

Tiene costante il rapporto con l’Europa, che pensa in questo momento più alla protezione energetica dell’Ue (evitare lo shock di quattro anni fa con l’invasione russa dell’Ucraina) che a trovare una quadra in una politica estera unitaria sempre complessa, e nello stesso tempo tiene i rapporti con l’alleato più importante, ovvero l’America di Trump.

Come sempre nel nostro Paese la politica estera spacca ideologicamente l’opinione pubblica e la politica. Più che cercare una sintesi per la credibilità e l’autorevolezza di una nazione sul banco del mondo, ci si divide e si discute cercando di individuare debolezze e contraddizioni dell’una o dell’altra parte.

Questi invece sono i momenti in cui ci si integra, si mettono le intelligenze e le competenze a disposizione, e il messaggio è rivolto con serenità soprattutto alle opposizioni che debbono aiutare chi governa (varrebbe il discorso anche a parti inverse) a sbrogliare la matassa.

Il governo ha da poco stanziato un bel gruzzolo per famiglie e aziende sul tema del costo dell’energia ed è attento al tema della difesa così come viene posto in primo piano pure da Bruxelles e dalla sensibilità dei cosiddetti cittadini europei (categoria sempre chiara matematicamente e sempre sfuggente culturalmente).

Noi non siamo in guerra, la Costituzione è stata rispettata e sull’uso delle basi americane (che non sono UFO ma frutto degli accordi storici nell’ambito dell’alleanza atlantica) decide il Parlamento.

Poi occhio alle esigenze dei cittadini, alle conseguenze che questo conflitto può portare sulle filiere economiche, sull’inflazione, sugli aumenti non solo di gas e carburante ma anche di tutta una serie di prodotti che risentono del blocco navale nello stretto di Hormuz.

Per dire della delicatezza della situazione e della necessità di una postura unitaria e seria si è messo in movimento il Presidente Mattarella che per venerdì 13 marzo ha convocato il Consiglio supremo di difesa. Tema, l’analisi della situazione internazionale e gli effetti della crisi in Iran.

Ci saranno il premier e i ministri più strettamente coinvolti (Esteri, Difesa, Interni, Economia, Imprese e Made in Italy) e il capo di Stato maggiore della Difesa. Insomma uno schieramento altamente istituzionale come prevede la nostra Costituzione nelle situazioni di emergenza.

Nessuna paura però e nessuna escalation anche da parte di noi comunicatori. Trump, che ha parlato anche con Putin, è parso razionale e più prudente nel delineare un tempo forse più breve dell’attacco a Teheran, la cui situazione bellica e di potere interno rimane in evoluzione e da monitorare con informazioni non schematiche.

Per ora non si può che stare alla finestra, la geopolitica non può essere semplificata in una discussione da bar, luogo che amo nella metafora del calcio ma che non va bene per le complessità di un mondo nuovo che va spiegato ai cittadini con attenzione e onestà. Come non mai negli ultimi decenni.

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Jacopo Rampini è un attore italo-americano che vive e lavora tra Italia e Stati Uniti. Ha una solida esperienza nelle produzioni americane, e nel corso degli anni ha costruito un percorso che tiene insieme lo stile americano con la storia italiana sulla scia di un percorso di vita che lo ha portato a girare il mondo.

Con Final Broadcast, il film di Davide Ippolito, prodotto da N41 Studios, che sarà disponibile in primavera, Rampini ha sperimentato un modello produttivo ibrido, girato in inglese ma con sensibilità italiana, muovendosi tra realismo urbano newyorkese e ambizione internazionale.

Che esperienza è stata Final Broadcast?

È stata un’esperienza molto interessante, soprattutto perché si tratta di un film fuori dai circuiti tradizionali. Ho lavorato spesso su produzioni americane molto strutturate, dove tutto è estremamente efficiente e organizzato nei minimi dettagli. In questo caso abbiamo adottato un approccio più pragmatico adattandoci alle situazioni reali. È un modo di lavorare che si avvicina a un certo realismo contemporaneo, come quello di registi quali Josh Safdie o Sean Baker, che amano mescolare attori e realtà viva.

In che senso realtà viva?

Abbiamo girato anche in una strada di Canal Street, a Chinatown, a New York, dove vivevano persone senza fissa dimora. La nostra storia parla di un mondo sull’orlo di una crisi nucleare: quella realtà era perfetta. Inserire elementi autentici nel contesto ha dato al film una forza particolare.

C’è anche una forte componente internazionale nel progetto.

Sì, ed è una cosa che mi ha entusiasmato molto. Il film è in inglese, con attori americani, ma nasce da una scrittura e da una regia italiana diretta da Davide Ippolito. Io sono l’unico con background italiano nel cast, ma recito in inglese. È un modo di fare cinema americano con una mentalità italiana: unire l’ambizione produttiva statunitense con l’ingegno e la flessibilità europea.

Insomma, una dimensione adatta a te che hai vissuto tra Italia e Stati Uniti.

Assolutamente sì. Mi sento a metà tra i due mondi. Hollywood oggi punta molto sulle grandi produzioni e sull’intrattenimento globale. L’Europa resta più artigianale, più autoriale. In Final Broadcast abbiamo cercato di fondere queste due anime, e io mi trovo perfettamente in questo mix.

Come valuti il cinema italiano rispetto al mercato americano?

È un tema delicato. I nostri film fanno fatica a emergere negli Stati Uniti perché l’offerta è enorme. Però ci sono eccezioni: i film di Paolo Sorrentino, per esempio, trovano distribuzione. E credo molto nelle serie: prodotti come The Young Pope hanno intercettato una nicchia americana di alto livello. Quando proponiamo qualcosa di distintivo e di qualità, possiamo ritagliarci uno spazio, anche se resta un mercato di nicchia.

Quali sono i tuoi prossimi obiettivi?

Continuare a costruire questo legame tra i due continenti. Intercettare produzioni americane che girano in Italia e, quando non esistono, crearle io. È quello che sto cercando di fare anche con il romanzo Il gioco del potere scritto con mio padre (Federico Rampini, ndr), da cui puntiamo a sviluppare una coproduzione internazionale. L’idea è sempre di coniugare l’aspetto americano e quello italiano, anche in modo sperimentale.

Parlando di sperimentazione, non possiamo non affrontare il tema dell’intelligenza artificiale. Che posizione hai a riguardo?

È una questione centrale. Penso al caso del video generato con i volti di Brad Pitt e Tom Cruise senza autorizzazione, che ha provocato molte polemiche. È chiaro che servono regole, ma non la vedo come un nemico e non possiamo ignorarla. Se viene utilizzata per arricchire il linguaggio cinematografico o per migliorare gli effetti speciali, ben venga. Il problema nasce quando sostituisce l’attore. La sfida sarà trovare un equilibrio: non chiudere la porta all’innovazione, ma governarla con responsabilità.

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Claudia Cardinale, una delle ultime grandi dive del Novecento, è stata una vera e propria regina del cinema europeo e internazionale. L’attrice, che ci ha lasciati all’età di 87 anni, malata da tempo, si è spenta nella sua casa di Nemours, nei pressi di Parigi, circondata dall’affetto dei suoi figli. Simbolo di eleganza ed emancipazione femminile, ci lascia in eredità interpretazioni straordinarie nei film più famosi di Visconti, Fellini e Leone.

La sua carriera, durata oltre sessant’anni, ha attraversato generi e continenti, consacrandola come una delle figure più amate e riconosciute del cinema internazionale. Con oltre 150 film alle spalle, ha saputo imporsi grazie al talento, alla bellezza magnetica e a una presenza scenica che l’ha resa unica.

Claude Joséphine Rose Cardinale era nata a Tunisi il 15 aprile 1938 da genitori siciliani. Cresciuta tra due lingue e due culture, portava con sé un fascino esotico che la distingueva dalle altre attrici dell’epoca.

Negli anni Sessanta, mentre Sophia Loren e Gina Lollobrigida dominavano la scena internazionale, Cardinale si impose con uno stile diverso: raffinato, moderno, capace di interpretare donne forti e indipendenti, lontane dai cliché femminili.

La sua avventura nel cinema iniziò a metà anni Cinquanta, ma il vero trampolino di lancio fu I soliti ignoti di Mario Monicelli. Da lì iniziò una carriera straordinaria che l’avrebbe portata a lavorare con i più grandi maestri della settima arte.

Il 1963 fu un anno cruciale per Claudia Cardinale. In pochi mesi recitò in due film destinati a entrare nella storia del cinema: Il Gattopardo di Luchino Visconti, dove vestì i panni di Angelica Sedara accanto a Burt Lancaster e Alain Delon, e 8½ di Federico Fellini, in cui diede corpo e voce a una figura femminile potente e simbolica.

Successivamente arrivarono altri ruoli iconici, come quello di Jill, la misteriosa protagonista di C’era una volta il West di Sergio Leone.

Parallelamente interpretò pellicole memorabili come Il bell’Antonio di Mauro Bolognini, La ragazza con la valigia di Valerio Zurlini, La ragazza di Bube di Luigi Comencini e La pelle di Liliana Cavani.

La Cardinale non si fermò ai confini nazionali. In breve tempo conquistò anche Hollywood e i set internazionali, recitando al fianco di leggende come John Wayne, Sean Connery, Henry Fonda, Burt Lancaster, Orson Welles e Anthony Quinn.

Tra i registi che la diressero figurano Blake Edwards, Werner Herzog, Abel Gance e Manoel de Oliveira.

La sua versatilità le permise di muoversi tra commedie, drammi, kolossal storici e western, mantenendo sempre intatta la sua eleganza e la sua forza espressiva.

Nel corso della sua carriera Claudia Cardinale ha ricevuto numerosi riconoscimenti: cinque David di Donatello, cinque Nastri d’Argento e tre Globi d’oro, oltre a premi alla carriera come il Leone d’oro e l’Orso d’oro. Nel 2011 il Los Angeles Times la inserì tra le 50 donne più belle della storia del cinema.

Il suo volto e la sua voce hanno raccontato un’epoca di cambiamenti sociali e culturali, incarnando il sogno di emancipazione femminile e l’apertura del cinema italiano al mondo.

Con la sua scomparsa si chiude un capitolo irripetibile della storia del cinema. Claudia Cardinale lascia un’eredità artistica e umana che continuerà a ispirare generazioni di spettatori e attori.

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In Italia siamo cresciuti con il mito del cinema americano. Le strade di New York, i grattacieli, le periferie, le storie di riscatto, i conflitti familiari. Prima ancora di conoscere davvero l’America, l’avevamo vista al cinema. Io stesso, se oggi vivo a New York, lo devo anche a quell’immaginario. Il cinema non si limita a raccontare i luoghi: li anticipa, li rende desiderabili, li trasforma in possibilità.

Per decenni è stato un’industria verticale. Pochi studi, capitali enormi, star riconoscibili, distribuzione globale. L’immaginario era nelle mani di chi aveva la forza economica per produrlo. Hollywood decideva cosa il mondo avrebbe visto.

Oggi quel modello si sta trasformando.

I costi di produzione si sono abbattuti grazie alla tecnologia digitale. Gli strumenti sono più accessibili. Le piattaforme hanno moltiplicato le possibilità di distribuzione.

Negli ultimi anni film con budget inferiori ai 10 milioni di dollari hanno vinto l’Oscar come miglior film, battendo produzioni da centinaia di milioni. Parasite nel 2020 ha riscritto una regola che sembrava intoccabile, portando per la prima volta una storia locale e non anglofona al centro dell’Academy. CODA ha confermato che autenticità e radicamento possono prevalere su dimensioni industriali. L’attenzione culturale si sta spostando.

Il pubblico e l’Academy stanno premiando identità, emozione, verità narrativa. Le storie non devono più essere neutrali per funzionare globalmente. Devono essere specifiche. Devono avere radici. Questo passaggio cambia il ruolo dei Paesi nel racconto globale.

Se il cinema plasma la percezione dei luoghi, e se oggi l’accesso a quel linguaggio non è più concentrato in poche mani, allora si apre uno spazio anche per noi. Non per rincorrere Hollywood. Per tornare a raccontarsi.

Il cinema italiano nel Novecento ha costruito un immaginario potente, riconoscibile e universale. Oggi può tornare centrale se sceglie di raccontare le identità contemporanee: la doppia appartenenza, le comunità italiane nel mondo, le nuove generazioni che cercano un legame con la propria origine, le traiettorie di chi è partito e di chi è tornato.

Le radici non sono nostalgia, sono materia narrativa. In America esiste un’intera generazione di professionisti di origine italiana che sta incidendo sull’industria globale.

Il sogno americano non è scomparso. Ha cambiato forma. Non è più solo conquista economica. È possibilità di espressione, mobilità creativa, capacità di contaminazione. È il luogo dove le storie trovano spazio quando hanno forza.

Questo numero celebra gli Oscar, ma non è un numero da red carpet. È una riflessione su dove sta andando il cinema e su dove può tornare l’Italia. Rendiamo omaggio al cinema che ci ha fatto sognare, partire, immaginare un altrove. Rendiamo omaggio al ruolo dell’Italia, che ha insegnato al mondo che il cinema può essere sguardo e coscienza oltre che intrattenimento.

La sfida oggi non è tornare a vincere un premio, ma tornare a essere necessari.

Se sapremo fare squadra, unendo chi crea in Italia con chi ha già lasciato un segno nell’industria americana, se smetteremo di lavorare in modo frammentato e inizieremo a sostenerci come sistema, l’Italia tornerà agli Oscar da protagonista.

Il mondo ha bisogno delle nostre storie. E questa volta, se saremo uniti, potremo salirci insieme su quel palco.

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Massimiliano Allegri è un vincente: lo dice il suo curriculum, ed è storia, lo dimostra ancora oggi col Milan, ed è un presente fortemente votato al futuro.

Per la seconda volta il tecnico rossonero ha imbrigliato Chivu e l’Inter, destinati (probabilmente) a vincere il campionato con diverse giornate d’anticipo e imbattuti proprio dal derby d’andata.

La settimana scorsa, con un reel diventato virale sulla nostra pagina Instagram di SMIT, abbiamo giocato sul fatto che il Tocco di Allegri, novello Re Mida del calcio, avesse contribuito alla vittoria del Festival di Sanremo da parte di Sal Da Vinci: Allegri, infatti, aveva dichiarato in conferenza stampa che il pezzo gli era molto piaciuto, proprio poche ore prima della serata finale.

Quello era un accostamento di due episodi molto efficace sui social (in termini di engagement) ma molto difficile da dimostrare, se non facendo appello al soprannaturale. Quel Tocco di Allegri era un “gioco”, se vogliamo chiamarlo così.

Un gioco destinato a diventare qualcosa di diverso: oggi, il giorno dopo il derby di Milano, il Tocco di Allegri può essere riproposto in termini diversi, più attinenti al calcio che al sovrannaturale.

Sui Social lo riproponiamo come un Format, e non può che funzionare, ma nella realtà il tocco magico del tecnico livornese c’è stato eccome, ed è una “magia” frutto di lavoro, intuizione, esperienza e anche un pizzico di fortuna….che non guasta mai.

Quando Fofana ha lanciato nello spazio Estupinian la corsa inarrestabile dell’esterno ecuadoriano (spesso criticato da commentatori e tifosi) e la sua conclusione potente e precisa sotto la traversa hanno cristallizzato nella memoria collettiva un prodigio destinato a rimanere nella storia delle stracittadina milanese.

Il protagonista che nessuno si aspettava, scelto a sorpresa negli 11 titolari da Allegri, ha colpito e affondato la portaerei nerazzurra, con una giocata di atletismo, tecnica e potenza tali da scomodare paragoni che, fino a pochi istanti prima, sarebbero stati irriverenti, calcisticamente sacrileghi.

Il tutto pochi minuti dopo che Allegri, dalla panchina, aveva mostrato all’ex figliol prodigo proveniente dal Sudamerica la retta via, urlandogli di andare ad attaccare lo spazio in area.

Non è stata magia, o per lo meno la magia non può esaurire l’analisi: il “Tocco di Allegri” su Estupinian è stato al tempo stesso visione, esperienza, fiducia e un pizzico di incoscienza, forse….

Perchè l’Estupinian che tante volte avevamo visto in questa stagione avrebbe potuto anche diventare un problema per il Milan al derby, invece è diventato la soluzione.

Il brutto anatroccolo è diventato un cigno meraviglioso, tanto da rubare la scena anche per il resto della partita, sembrando un calciatore completamente diverso da quello che avevamo visto finora.

E qui l’accostamento social. Da impatto, certo. Da like e condivisioni. Impensabile, volutamente forzato e forse ancora un po’ blasfemo calcisticamente. Ma sorprendentemente verosimile.

Accostamento con chi? Beh, se siete arrivati fin qui, il minimo è guardarlo con i vostri occhi, magari mettendo un like anche voi, e seguendo il profilo di SMIT.

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Direttore d’orchestra, compositore e membro dell’Academy, Fabrizio Mancinelli è una delle voci italiane più riconosciute nella musica per il cinema internazionale. A Hollywood ha diretto e collaborato a grandi produzioni, tra cui Green Book, contribuendo a colonne sonore che lo hanno portato nel circuito degli Academy Awards. Lo scorso anno ha ricevuto una nomination per Anuja, confermando una carriera che unisce radici italiane, formazione classica e uno sguardo globale. Lo abbiamo incontrato in uno dei momenti più intensi del calendario cinematografico: la stagione degli Oscar.

Siamo nel pieno della stagione degli Oscar. Lei è membro dell’Academy e lo scorso anno ha ricevuto una nomination. Che cosa rappresenta questo momento per lei?

Essere nel mezzo della stagione degli Oscar significa soprattutto guardare molti film, per poter votare in modo responsabile, basandosi su ciò che ogni opera comunica davvero. Il valore di un film è sempre soggettivo, quindi cerco di dedicare a ogni titolo la stessa attenzione che vorrei fosse riservata al mio lavoro quando viene giudicato: guardo tutto, recupero ciò che potrei aver perso e ascolto con grande attenzione, soprattutto nelle prime fasi della selezione. In ogni caso, le nomination restano qualcosa di unico e di estremamente importante.

È diventato membro dell’Academy. Che cosa ha significato per lei questo riconoscimento?

È un grande onore far parte di un gruppo selezionato di artisti e poter imparare da chi ha aperto la strada prima di noi. Confrontarsi con figure come Diane Warren o con altri compositori che diventano anche amici è un privilegio straordinario. Allo stesso tempo sento una forte responsabilità nel contribuire. L’Academy non è soltanto un simbolo di prestigio, ma un’istituzione che lavora per migliorare il settore e lasciare qualcosa di significativo alle generazioni future.

Da Green Book ad altri importanti progetti internazionali: come è cambiato il suo approccio alla musica?

Ho avuto l’onore di dirigere partiture per colleghi come Chris Bowers, trascorrendo molto tempo in studio. Mi considero un musicista versatile: compositore, ma anche direttore d’orchestra. Ogni esperienza amplia il vocabolario musicale. Essere a stretto contatto con musicisti diversi aiuta a rimanere contemporanei pur restando fedeli a sé stessi.

I suoi progetti spaziano molto, dall’animazione internazionale al cinema italiano. Come cambia il suo approccio alla composizione?

Ogni film richiede un linguaggio diverso. Per Out of the Nest ho lavorato con grande libertà creativa, studiando la cultura musicale thailandese per creare qualcosa di credibile sia per il pubblico orientale sia per quello occidentale. Per Rossovolante, invece, ho cercato quello che chiamo “il suono delle Dolomiti”: un dialogo tra il mondo interiore del protagonista — rappresentato da un violino solista — e la maestosità delle montagne, evocata dall’orchestra e dai sintetizzatori. Il budget, gli strumenti disponibili e la storia determinano sempre la direzione musicale.

Il suo percorso iniziale non era nella musica. Quando è arrivato il momento decisivo?

La passione per la musica c’è sempre stata fin dall’infanzia. Tuttavia ho seguito anche una strada più “sicura”, laureandomi in giurisprudenza e ottenendo l’abilitazione da avvocato. La vera svolta è arrivata con una borsa Fulbright che mi ha portato negli Stati Uniti. Da quel momento ho scelto definitivamente la musica, anche grazie alla guida di Giancarlo Menotti, di cui sono stato assistente.

Tra le sue ispirazioni c’è Ennio Morricone.

Morricone è la mia più grande ispirazione nella musica per il cinema. Il mio mentore diretto è stato Luis Bacalov, ma Morricone resta un genio assoluto: non solo un maestro del tema musicale, ma qualcuno capace di inventare nuovi suoni e di comprendere istintivamente ciò di cui un film ha davvero bisogno.

Come trova l’ispirazione quando inizia un nuovo progetto?

Cerco sempre la chiave narrativa. In Out of the Nest la sfida era creare una musica che rispettasse la cultura locale pur restando universale. In Rossovolante ho lavorato sul rapporto tra uomo e montagna, traducendo emozioni e paesaggio in suono.

Anche l’intelligenza artificiale sta entrando nel mondo della musica. Qual è la sua posizione?

Sono piuttosto scettico sugli usi generativi nel processo creativo, soprattutto per le questioni legali legate alla proprietà delle opere. Detto questo, credo che l’IA possa essere utile come strumento tecnico per accelerare alcuni processi. La paragono al fast food: può servire a qualcosa, ma non sostituirà mai l’esperienza di un grande ristorante. Se mai, potrebbe spingere gli artisti a essere ancora più originali.

Il suo legame con L’Aquila è molto forte. Che cosa ha significato tornarci per un evento così importante?

È stato molto emozionante dirigere un brano dedicato anche alla memoria delle tragedie dell’Abruzzo. Tornare con la mia famiglia e esibirmi davanti al Presidente della Repubblica è stato un momento di grande unità e orgoglio. Tutto ciò che faccio è anche un tributo agli amici che non ci sono più.

Progetti futuri?

Posso dire poco. Rossovolante andrà presto in onda su Rai 1 e sto lavorando a nuovi progetti di animazione, oltre che a una serie. Scrivere musica per l’animazione è particolarmente complesso, perché spesso accompagna quasi ogni minuto del film. Ma è anche una delle sfide più affascinanti.

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Cristiano Cosa annuncia nuove date del TOUR 2026, tra cui due eventi speciali a Los Angeles durante la Oscar Week, per poi approdare nelle città italiane: un viaggio musicale che conserva il mood della ricerca e della scoperta.  

Per questa occasione, l’artista pubblica anche il videoclip di “Vivere per Me” girato interamente nelle strade di New York:

Polistrumentista tarantino classe 1995, Cristiano Cosa, ha aperto i concerti di artisti come Ornella Vanoni, Fast Animals and Slow Kids, Fabrizio Moro, Tre Allegri Ragazzi Morti e Santi Francesi, e preso parte a centinaia di festival in tutta Italia. Nel 2023 ha firmato il brano “L’Ultima Sera”, colonna sonora del docufilm “New York Solo Andata” di Davide Ippolito, con oltre 2 milioni di visualizzazioni su Prime Video, che ha presentato dal vivo all’Istituto Italiano di Cultura di New York. Finalista ad Arezzo Wave 2024, nello stesso anno sale sul palco dell’Uno Maggio Taranto e nel 2025 debutta con il suo spettacolo solista “Piano con le Parole” in cui presenta live i singoli che hanno anticipato “Cosa sono io”, il suo album d’esordio realizzato in due anni e mezzo di lavoro, tra Italia e Stati Uniti.

Cristiano Cosa afferma sul tour: «Sento che si chiude un ciclo. Cosa Sono Io è stato un periodo di ricerca esistenziale profondo: mi ha messo davanti a sfide, domande, e a quella cosa strana per cui un punto interrogativo e un’affermazione possono essere figli della stessa persona. Sto imparando ad accettarlo.

Per trovare le risposte, però, non basta pensare: bisogna guardarsi dentro e intorno. Così ho deciso di fare un altro giro. Si parte da Los Angeles e poi si torna in quelle città italiane a cui sono legato, con il cuore aperto a chi avrà voglia di ascoltare e perdersi.»

Pubblicato il 12 settembre 2025, “Cosa sono io” (LuckyHorn Entertainment/The Orchard) è un concept album esistenzialista di undici tracce che si muove tra pop, echi di canzone d’autore, influenze brit, ballad, funk e rock. Un viaggio alla ricerca della propria identità, attraverso il confronto con le proprie fragilità e con il desiderio di trovare un proprio posto nel mondo. Le emozioni affiorano senza filtri, sostenute da una dimensione sonora, guidata dal pianoforte, che amplifica, colora e abita le parole. Registrato durante una residenza intensiva “vecchio stile” di cinque giorni tra lo StudioGaudio di Taranto e il SudEstStudio di Guagnano (LE), il suono dell’album è completato dall’intervento di Roberto Angelini che, con chitarre e lapsteel, contribuisce in modo decisivo a definire l’identità del disco.

La loro collaborazione è poi proseguita anche per The Loft Session, EP acustico pubblicato nel dicembre 2025 a doppia firma Cristiano Cosa & Roberto Angelini, una rilettura intima e minimale di tre brani tratti dall’album, registrato in un unico take e interamente documentato con una video-session disponibile su Youtube.

Cosa sono io è stato presentato in programmi radiofonici nazionali di qualità, come La nota del giorno dopo di Rai Radio1 e Crossover di Rai Isoradio, in televisione, a TeleAmbiente eTele Norba, e in radio regionali distribuite su tutto il territorio italiano, come Radio Roma Sound, RID 96.8, Radio Bari, Radio Magenta, Radio AKR, Radio Beckwith, Radio Spazio Smile, Radio Kaos e molte altre.

Accolto positivamente dalla critica specializzata, l’album ha ottenuto numerosi articoli, interviste e recensioni da parte di agenzie di stampa, come AdnKronos, e testate come Nuovo Quotidiano di Puglia, Rockit, AllMusic, Mescalina, Loudd, Ondalternativa, Inside Music, Relics-Controsuoni, IndieLife, MusicMap, Il Newyorkese, ShockWave Magazine, 4quartimagazine, Ukizero, IndieLife, Reputation Review e molte altre.

Il tour è prodotto da LuckyHorn Entertainment e media partner IlNewyorkese.

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Settantasei anni fa, il 9 marzo 1950, Robert Doisneau camminava per le strade di Parigi con un incarico preciso: raccontare per la rivista americana Life magazine la vita sentimentale della capitale francese nel dopoguerra. Tra i tavolini dei caffè e il flusso dei passanti davanti all’Hôtel de Ville nacque così Le Baiser de l’Hôtel de Ville, il bacio di due giovani attori destinato a diventare una delle immagini più iconiche della fotografia del Novecento. A distanza di decenni, quello scatto continua a incarnare la Parigi dell’amore e torna oggi al centro dell’attenzione con la grande retrospettiva dedicata all’autore al Museo del Genio, che ripercorre la carriera di uno dei maestri della fotografia umanista europea.

Dal 5 marzo al 19 luglio 2026 il Museo del Genio di Roma ospita una grande retrospettiva dedicata a Robert Doisneau, uno dei fotografi più importanti del Novecento europeo. L’esposizione riporta l’attenzione su un autore che, anche negli Stati Uniti, è spesso associato a una precisa idea di “life photography”: quella tradizione visiva che racconta la vita quotidiana con uno sguardo documentario, vicino al linguaggio dei grandi magazine illustrati del secondo dopoguerra, tra cui la rivista americana Life, che nel 1950 pubblicò appunto “Le Baiser de l’Hôtel de Ville”, una delle sue immagini più celebri ed alla quale è sempre stato poi legato il suo nome.

La mostra, organizzata dalla società culturale Arthemisia e curata dall’Atelier Robert Doisneau insieme allo storico dell’arte Gabriele Accornero, presenta oltre 140 fotografie che attraversano tutta la carriera del fotografo francese. Il progetto è realizzato con il patrocinio dell’Ambasciata di Francia in Italia, della Regione Lazio e del Comune di Roma, e nasce anche da una collaborazione con il Ministero della Difesa italiano e Difesa Servizi, impegnati da alcuni anni in un programma di valorizzazione e apertura al pubblico dei musei militari italiani attraverso iniziative culturali e mostre temporanee. Tra i partner figurano inoltre la Fondazione Terzo Pilastro – Internazionale e il programma Generali Valore Cultura.

Robert Doisneau nacque nel 1912 a Gentilly, nella periferia sud di Parigi, e nel corso della sua carriera divenne uno dei principali esponenti della cosiddetta fotografia umanista francese. Questo filone fotografico, sviluppatosi soprattutto tra gli anni Trenta e gli anni Sessanta, si concentrava sulla vita quotidiana delle persone comuni: operai, bambini che giocano per strada, passanti, piccoli gesti urbani. Il bianco e nero di Doisneau, spesso caratterizzato da composizioni semplici e scene spontanee, contribuì a definire l’immaginario visivo della Parigi del dopoguerra, affiancandosi al lavoro di fotografi come Henri Cartier-Bresson. Le sue immagini non cercavano eventi eccezionali, ma momenti ordinari capaci di raccontare la dimensione umana della città.

Tra le fotografie presenti in mostra compare, come dicevamo sopra, anche “Le Baiser de l’Hôtel de Ville”, lo scatto realizzato nel 1950 davanti al municipio di Parigi. L’immagine, oggi considerata una delle fotografie più riprodotte del XX secolo, fu realizzata durante un reportage commissionato proprio dalla rivista statunitense Life, che voleva raccontare gli innamorati nella capitale francese pochi anni dopo la fine della Seconda guerra mondiale. Contrariamente a quanto si pensò per decenni, la scena non era spontanea: Doisneau chiese a due giovani attori, Françoise Bornet e Jacques Carteaud, di baciarsi davanti all’obiettivo per ricreare un gesto naturale nel flusso della città. Pubblicata inizialmente in formato ridotto all’interno del reportage, la fotografia diventò un’icona globale solo negli anni Settanta, quando iniziò a circolare in poster, cartoline e libri.

Negli anni Novanta lo scatto fu al centro di una controversia legale sui diritti all’immagine, quando diverse persone sostennero di essere i protagonisti della fotografia. Il caso contribuì a chiarire alcuni aspetti giuridici legati alla riproduzione delle immagini fotografiche e all’identificazione dei soggetti ritratti. Anche questa vicenda rafforzò la notorietà dell’opera, trasformando definitivamente il bacio davanti all’Hôtel de Ville in uno dei simboli più diffusi della Parigi romantica nel mondo.

La retrospettiva romana non si limita però alle immagini più famose. Il percorso espositivo include fotografie di strada, scene di vita nei quartieri popolari, bambini che giocano nelle periferie e scorci urbani meno conosciuti della capitale francese. Accanto a questi scatti compaiono anche ritratti di figure centrali della cultura del Novecento: artisti come Pablo Picasso e Alberto Giacometti, scrittori e intellettuali come Jean Cocteau, fino a personaggi legati al cinema e alla moda. In tutti i casi Doisneau mantiene lo stesso approccio: evitare la posa celebrativa e restituire i soggetti in situazioni quotidiane.

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Durante la settimana più attesa dell’anno per il cinema mondiale, quella degli Oscar, il network editoriale de ilNewyorkese approda a Los Angeles con una serie di eventi esclusivi, incontri e iniziative che celebrano il dialogo tra Italia e Stati Uniti. Tra gli appuntamenti di punta della programmazione spicca la presentazione ufficiale del primo numero cartaceo de ilCaliforniano, il nuovo progetto editoriale dedicato alla comunità italiana e italoamericana della West Coast.

L’iniziativa si inserisce in una vera e propria “settimana italiana” nel cuore di Hollywood, pensata per creare connessioni tra artisti, produttori, giornalisti, imprenditori e professionisti che operano tra le due sponde dell’Atlantico. Un’occasione di incontro e networking in uno dei momenti più prestigiosi e mediatici dell’anno per l’industria cinematografica internazionale.

Il numero inaugurale della rivista è interamente dedicato al fascino di Hollywood e all’energia dell’industria cinematografica, con interviste, storie e approfondimenti che raccontano come il cinema continui a plasmare identità, carriere e immaginari globali.

Tra i protagonisti delle interviste figurano grandi nomi del cinema italiano e internazionale, tra cui Cristiana Dell’Anna, Franco Nero, Fabrizio Mancinelli, Jacopo Rampini, il produttore premio Oscar Jonathan Sanger, Juliette Binoche e Robert Davi. Un mosaico di voci e prospettive che restituisce la vitalità e l’influenza globale della cultura cinematografica.

Accanto ai grandi protagonisti dello spettacolo, il giornale dedica ampio spazio anche alle storie della comunità italoamericana della California meridionale, tra cui il recente progetto della Little Italy of Los Angeles Association che ha portato all’inaugurazione di Piazza Miramare, la prima piazza italiana nello Stato della California.

La serata di presentazione sarà moderata dal giornalista Mattia Iovane, seguita da un’esibizione musicale del cantautore Cristiano Cosa, performance che contribuirà a rendere, ancor di più l’evento un momento di incontro tra informazione, arte e spettacolo.

Con questo programma di iniziative, il network de ilNewyorkese porta a Los Angeles una settimana di appuntamenti dedicati al dialogo culturale tra Italia e Stati Uniti, proprio nei giorni in cui Hollywood diventa il centro nevralgico dell’industria cinematografica mondiale. Un palcoscenico ideale per celebrare la creatività italiana, rafforzare le relazioni tra le due comunità e presentare ufficialmente al pubblico il nuovo capitolo editoriale rappresentato da ilCaliforniano.

L'articolo ilCaliforniano debutta a Los Angeles: è il nuovo progetto editoriale del network ilNewyorkese proviene da IlNewyorkese.

Da fitness guru a testimonial della lotta contro il tumore al seno. La storia di Ilaria Montagnani affonda le sue radici nell’esercizio fisico. Atleta di professione, Ilaria, fiorentina trapiantata a New York da oltre trent’anni e top fitness instructor della catena di palestre Equinox, ha sempre sempre basato la sua filosofia di vita sulla convinzione che l’esercizio fisico renda più forti nella vita, anche mentalmente. Una decina di anni fa la sua vita era un modello di perfezione, salute e carriera ai massimi livelli, nulla lasciava presagire che una diagnosi scioccante avrebbe sconvolto la sua esistenza, un cancro al seno. 

“Pur avendo dei fastidi – ha spiegato – non pensavo affatto al cancro, poi invece una biopsia rivelò il contrario e dovetti sottopormi ad una mastectomia”. Ilaria ha documentato tutto il suo percorso, scendendo molto nel personale, tra ospedali, terapie, momenti di sconforto, sofferenza, in un documentario, ‘Stronger for Life’. Non è solo la sua battaglia personale per sconfiggere il male ma anche un appello a fare prevenzione anche quando si è convinti di essere in ottima salute. Stronger for Life è indirettamente, e senza pretese mediche, una sorta di analisi scientifica su come reagisce al cancro e alle cure una persona che, come lei ha sottolineato, “ha vissuto per 25 anni in modo sano, che fa di lavoro l’atleta, come risponde il corpo ad una mastectomia, senza tralasciare la reazione mentale”.

“Il nocciolo del documentario – continua Ilaria –  non sono tanto io, che tra l’altro sono sopravvissuta, ma sono il pretesto per parlare di quanto mi abbia aiutato l’esercizio fisico in quel momento. Nel mio caso particolare, inoltre, da martial artist, ne ha beneficiato anche la mente e mi ha aiutata a riprendermi meglio. Ovviamente l’esercizio fisico non impedisce che ci si ammali, io purtroppo mi sono ammalata, ma sicuramente ti aiuta ad affrontare il dopo, le terapie, e la ripresa fisica e mentale è più rapida”.

E quando pensava di essersi sbarazzata definitivamente del cancro, nel 2024 un altro fulmine a ciel sereno. “Il cancro è tornato all’altro seno – dice – e il primo è diventato metastasi, quarto stadio, come una sentenza di morte per me. Mi hanno tolto il femore e l’anca e mi hanno dato un anno forse due di vita, dovrò fare chemio per sempre, almeno finché il mio fisico la sosterrà. Fortunatamente sono ancora qui e riesco ad essere attiva fisicamente e per me è una cosa meravigliosa, mi aiuta a non deprimermi e ancora di più rispetto alla prima volta. All’epoca del primo tumore non ero in pericolo di vita, ora sì”.

Nonostante la metastasi e le cure intensive, Ilaria riesce ancora ad insegnare anche quattro corsi di alta intensità al giorno. Riesce ad ‘ingannare’ bene perché a vederla nulla lascia sospettare la sua vera condizione. Quando il tempo glielo permetterà, vorrebbe condividere la sua esperienza per parlare dell’importanza dell’esercizio fisico per i malati di cancro. “Anche a livello medico – spiega – solo ora si sta iniziando a parlare dell’argomento, l’esercizio fisico è importante come l’alimentazione per i malati di cancro e il mio sogno è di poter continuare ad ‘ingannare’”.

Ilaria Montagnani ha creato i format, Impact, Forza, Atletica, Powerstrike Kickboxing, Bodystrikes e Definitions. Nel 2019 i suoi corsi a Equinox hanno registrato quasi 43 mila partecipazioni in un anno, il numero più alto in assoluto per quell’anno. Le è stato inoltre conferito il titolo di ‘Lifetime Achievement Award Instructor’ e può vantare la più alta partecipazione non solo a New York ma anche in tutti i club Equinox al mondo.

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Alcune canzoni non sono pensate per stare al centro del palco, ma per raccontare ciò che accade dopo. “L’uscita degli artisti”, scritta da Martina Attili e interpretata insieme a Pierdavide Carone, è una di queste: una riflessione sul momento in cui le luci si spengono e l’artista torna a essere una persona. Noi, Marta e Riccardo, abbiamo parlato con entrambi gli artisti della loro musica, della loro collaborazione e di cosa li porta alla Scuola d’Italia.

Questa intervista è stata condotta da M. Cappuccinello e R. Tagliabue, in occasione dello speciale cartaceo “School of Record” a cura degli studenti de La Scuola D’Italia Guglielmo Marconi.

Come è nata questa collaborazione?

Pierdavide Carone: Quando stavo lavorando al mio album CARONE, volevo che fosse un viaggio attraverso voci e storie diverse. La canzone di Martina si inseriva perfettamente in questa idea. La sua scrittura è sincera, senza artifici, e questo è raro. Nel momento in cui ho ascoltato “L’uscita degli artisti” ho capito che volevo farne parte. Cantare le parole di qualcun altro è un atto di fiducia: devi sentirle davvero.

Martina Attili: Lavorare con Pierdavide è stato per me un passo di crescita, sia artisticamente che personalmente. Porta nella canzone una profondità e una sensibilità incredibili. Non è solo un duetto: è l’incontro di due mondi musicali che si riconoscono nella stessa attenzione per le parole, per l’emozione e per il silenzio.

Martina, cosa ti ha ispirato a scrivere “L’uscita degli artisti”?

Martina: La canzone è nata osservando ciò che succede dopo la fine di un’esibizione: quando l’adrenalina svanisce e resti solo con te stesso. Parla di quel momento vulnerabile in cui l’artista scompare e rimane la persona. Volevo raccontare la fragilità e l’onestà di quell’“uscita”. Quando Pierdavide ha deciso di cantarla con me, è diventata qualcosa di ancora più potente: un dialogo tra due prospettive, due generazioni.

Pierdavide, hai collaborato con leggende come Lucio Dalla, Franco Battiato e molti altri. Cosa ti ha spinto ad accettare l’invito al Gala della Scuola?

Pierdavide: La cultura e l’educazione italiane sono sempre state al centro del mio percorso artistico. Quando ho scoperto la Scuola d’Italia e la sua missione di preservare la lingua e la cultura italiane a New York, ho sentito subito una connessione. Esibirmi al Gala del 27 febbraio al Cipriani non significa solo fare musica: significa celebrare i valori che mi hanno formato come artista e come persona.

Durante la serata eseguirai anche “Caruso” di Lucio Dalla e “Di Notte”. Perché proprio queste canzoni?

Pierdavide: Lucio Dalla non è stato solo un maestro della canzone italiana, ma anche qualcuno che ha influenzato profondamente la mia formazione musicale e umana. “Caruso” è una delle canzoni più belle mai scritte: parla di amore, perdita e del potere dell’arte di superare il tempo. “Di Notte” mi ha dato grande visibilità, ma rappresenta soprattutto un punto di svolta nel mio percorso. Cantarle entrambe al Gala è come portare a New York un pezzo della mia storia — e dell’anima dell’Italia.

Cosa significa esibirsi davanti a una comunità scolastica come la nostra?

Martina: È qualcosa di davvero speciale. Non siete solo studenti: siete giovani che crescono tra due culture, due lingue, due modi di vedere il mondo. Ed è esattamente quello che fa la musica: costruire ponti. Esibirmi per voi mi ricorda perché faccio questo lavoro: per connettere le persone, condividere storie e far sentire gli altri meno soli.

Pierdavide: Esatto. E a dire il vero sogniamo entrambi di tornare a New York per un concerto vero e proprio: una serata in cui portare tutte le nostre canzoni, le collaborazioni, e celebrare questo dialogo tra generazioni e storie musicali. Chissà, magari qualcuno di voi sarà tra il pubblico.

Il 27 febbraio “L’uscita degli artisti” troverà una nuova casa al Gala della Scuola d’Italia: non come una conclusione, ma come uno spazio condiviso in cui la musica continua a raccontare ciò che resta dopo che gli applausi si sono spenti.

Intervista è stata condotta da M. Cappuccinello e R. Tagliabue,

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Tartuflanghe, storica azienda italiana con sede ad Alba e riconosciuta a livello internazionale come punto di riferimento per i prodotti premium a base di tartufo, torna a Expo West 2026 (Stand N1416) presentando una serie di importanti innovazioni pensate per il mercato retail statunitense.

Con oltre 50 anni di esperienza nel mondo del tartufo e una presenza negli Stati Uniti che risale al 1992, Tartuflanghe continua a rafforzare la propria posizione nel panorama gourmet e specialty retail americano attraverso un percorso di innovazione radicato nella tradizione.

In occasione di Expo West, l’azienda introduce per la prima volta nel canale retail su larga scala negli Stati Uniti una nuova linea di salse al tartufo clean-label, sviluppata appositamente per i consumatori contemporanei che cercano prodotti premium caratterizzati da trasparenza e semplicità negli ingredienti.

La nuova gamma comprende tre ricette ispirate alla tradizione italiana e arricchite con tartufo: Carbonara, Alfredo e Cacio e Pepe.

Prodotte in Italia con materie prime selezionate, queste salse non contengono aromi artificiali, conservanti né coloranti. Sono prodotti a lunga conservazione e pronti all’uso, pensati per portare risultati gourmet nella cucina quotidiana, mantenendo allo stesso tempo l’impegno di Tartuflanghe per l’autenticità e l’integrità degli ingredienti.

Il packaging è stato inoltre riprogettato con un’estetica più leggera e contemporanea e con un approccio più attento alla sostenibilità ambientale. Un aggiornamento che riflette l’evoluzione del marchio, passato dalle boutique specializzate a una distribuzione retail più ampia, pur mantenendo il proprio posizionamento premium.

Expo West sarà anche l’occasione per presentare l’espansione della linea dolce dell’azienda. Debutteranno infatti due nuovi gusti di Trifulot: uno ispirato ai Baci di Dama e uno aromatizzato al Vermouth.

L’offerta dolciaria si arricchisce inoltre con l’introduzione di un Calendario dell’Avvento Trifulot, con due praline per ogni giorno, e di un Panettone ripieno di crema Trifulot alla nocciola e gocce di cioccolato, che unisce la tradizione dolciaria piemontese a un approccio contemporaneo al gusto.

Presente negli Stati Uniti con un ufficio dedicato dal 2018, Tartuflanghe mantiene una presenza fisica nel Paese e ha recentemente inaugurato anche uno showroom loft a Miami. Il marchio è distribuito attraverso rivenditori gourmet specializzati, destinazioni food premium e alcuni partner della grande distribuzione su scala nazionale.

Durante Expo West, Tartuflanghe invita buyer, distributori e professionisti dei media a scoprire come il marchio continui a ridefinire la categoria del tartufo, dai tartufi freschi ai prodotti specialty fino alle nuove innovazioni retail clean-label pensate per un pubblico più ampio.

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Ogni anno gli Oscar vengono raccontati come una gara, e in parte lo sono davvero: ci sono favoriti, sorprese, film che arrivano lanciati dai premi precedenti e altri che crescono all’ultimo. Ma sono anche un buon modo per capire che cosa sta premiando Hollywood, quali autori stanno diventando centrali, quanto peso abbiano oggi le piattaforme e perché certi titoli riescano a uscire dalla nicchia e a imporsi nel discorso pubblico. Per questo una guida agli Oscar serve anche a chi non vuole limitarsi a indovinare i vincitori, ma vuole orientarsi tra i film, le categorie e le stranezze di un’edizione che quest’anno ha parecchie cose da raccontare.

Quella del 2026 è una corsa che tiene insieme cinema di studio, film d’autore, horror, satire eccentriche, adattamenti letterari e produzioni internazionali che non stanno più ai margini ma entrano nel cuore della gara principale. E dentro questa selezione ci sono anche alcune curiosità non da poco: un record storico di nomination, una nuova categoria introdotta per la prima volta, il peso crescente dello streaming e una competizione per il Miglior Film che, almeno sulla carta, è più aperta e meno lineare di quanto sembri a un primo sguardo. I dieci film candidati al premio per il Miglior Film compongono una selezione che mette insieme alcune linee molto diverse: il cinema industriale ad alto budget, l’autorialità riconoscibile, l’adattamento letterario, il film internazionale ormai pienamente integrato nel discorso principale dell’Academy e una crescente disponibilità a premiare opere che fino a pochi anni fa sarebbero rimaste ai margini, come l’horror o la satira più anomala.

Il dato che ha spostato subito il racconto di questa edizione è quello di I peccatori (Sinners), che guida le nomination con 16 candidature. È un numero senza precedenti nella storia degli Oscar, superiore alle 14 ottenute in passato da Eva contro Eva, Titanic e La La Land. Il risultato conta per il record in sé, ma conta soprattutto perché riguarda un film che lavora con elementi di horror, musica e spettacolo popolare, territori che l’Academy ha spesso premiato solo in parte, soprattutto nelle categorie tecniche.

Accanto al primato numerico, c’è poi il quadro generale della gara. I dieci candidati al Miglior Film sono Bugonia, F1, Frankenstein, Hamnet, Marty Supreme, One Battle after Another, The Secret Agent, Sentimental Value, Sinners e Train Dreams. È una lista che tiene insieme Hollywood, piattaforme, cinema europeo e cinema latinoamericano, e che conferma come da alcuni anni la categoria principale sia diventata il luogo dove l’Academy tenta di rappresentare l’industria nel suo complesso più che una sola idea di prestigio.

Tra i titoli più osservati c’è One Battle after Another, tradotto in Italia come Una battaglia dopo l’altra, diretto da Paul Thomas Anderson. È uno dei film che arrivano alla cerimonia con la reputazione più solida nella stagione dei premi e ha il profilo tipico del contendente centrale: autore canonico, cast fortissimo, impianto narrativo ambizioso e una combinazione di tensione politica, ironia e spettacolo che lo rende insieme accessibile e autoriale. Attorno al film si è concentrata anche una parte del discorso critico su Anderson, regista molto riconosciuto ma mai premiato dall’Academy in modo pieno.

La sua posizione nella corsa non dipende solo dal valore attribuito al film, ma anche da un meccanismo abbastanza tipico degli Oscar: quando un autore accumula negli anni prestigio, candidature e consenso trasversale senza vincere, può formarsi una spinta quasi riparativa. Questo non basta da solo a garantire una vittoria, ma conta nel racconto industriale della stagione, e nel caso di Anderson la candidatura del film non è solo nella categoria di Miglior Film, ma anche di Regia e Sceneggiatura adattata, tra quelle più rilevanti.

Il film che più sembra poter contendere quella centralità è però proprio il già citato I peccatori, diretto da Ryan Coogler. La sua forza sta nel modo in cui unisce ambizione formale, riconoscibilità pop e peso tematico. Il doppio ruolo di Michael B. Jordan è diventato uno degli elementi più discussi della stagione, e che gli è valso anche un premio agli ultimi Actor Awards, ma il film ha raccolto attenzione anche per la fotografia, il montaggio, la colonna sonora e l’impianto visivo. In altre parole, non è arrivato fin lì come semplice fenomeno di consenso, ma come titolo capace di mettere d’accordo molti rami dell’Academy.

Se dovesse vincere, I peccatori segnerebbe un passaggio simbolico importante anche per il rapporto tra Oscar e generi. L’horror, salvo rarissime eccezioni, è stato spesso trattato come un linguaggio da riconoscere indirettamente, premiando magari gli interpreti o alcuni aspetti tecnici come trucco e costumi, ma lasciandolo fuori dal centro della gerarchia. Il fatto che un film horror sia oggi il titolo più nominato dell’anno suggerisce che qualcosa si sia spostato, non solo nel gusto dell’Academy ma nel modo in cui il cinema di genere viene percepito dall’industria.

Un’altra linea decisiva della corsa riguarda il peso del cinema internazionale. The Secret Agent di Kleber Mendonça Filho e Sentimental Value di Joachim Trier sono entrambi candidati sia come Miglior Film sia come Miglior Film Internazionale. Una cosa che un tempo era impensabile oggi non è più un’anomalia assoluta, e questo racconta come i film internazionali non vengano più confinati alla loro categoria di provenienza. Per il Brasile, The Secret Agent arriva inoltre dopo la vittoria del 2025 di I’m Still Here come Miglior Film Internazionale, e questo accresce l’attenzione attorno al titolo.

The Secret Agent si presenta come un thriller politico che lavora sulla memoria della repressione e sull’eredità delle dittature, inserendo in una struttura di tensione una materia storica precisa. È il tipo di film che agli Oscar può funzionare bene quando riesce a tenere insieme il controllo stilistico cavalcando il momento storico, e oggi più che mai questo è reale. A ciò si aggiunge anche la candidatura di Wagner Moura come attore protagonista, che ha contribuito a dare slancio al film.

Sentimental Value, invece, ha costruito il suo percorso su un’altra tonalità. È un dramma familiare che ruota attorno all’assenza, al rancore e alla possibilità che l’arte diventi uno strumento imperfetto per rimettere mano a relazioni già compromesse. Joachim Trier, insieme al co-sceneggiatore Eskil Vogt, lavora da anni su personaggi incapaci di semplificare il proprio dolore; qui quel tratto si combina con un cast molto forte, da Renate Reinsve a Stellan Skarsgård fino a Elle Fanning.

E poi c’è Netflix. Frankenstein di Guillermo del Toro è il grande candidato della piattaforma di streaming. Del Toro porta nel progetto il suo repertorio più noto: il mostruoso come forma del tragico, la cura artigianale dell’immagine, l’attenzione per scenografie, costumi e trucco. Il film sembra particolarmente competitivo nelle categorie tecniche, mentre resta meno chiaro se riuscirà a imporsi davvero fino in fondo nella corsa principale.

Diversa, invece, la posizione di F1, il film di Joseph Kosinski con Brad Pitt, Damson Idris, Javier Bardem e Kerry Condon. È il titolo che più di tutti rappresenta il lato classico del cinema da studio hollywoodiano, con la grande star, lo sport dall’altissima dinamica generazionale al centro, il racconto di riscatto e lo spettacolo costruito per un pubblico più generalista possibile. Con la presenza nella cinquina allargata del Miglior Film, mostra come l’Academy dia comunque ancora risalto ai prodotti per il grande pubblico.

Marty Supreme è invece uno dei casi più eccentrici della selezione. Diretto da Josh Safdie e interpretato da Timothée Chalamet, prende la forma del biopic sportivo solo per sabotarla dall’interno. Più che l’ascesa edificante di un campione, racconta un protagonista sgradevole, manipolatorio e spesso respingente. È una deviazione che ha premiato, rendendolo uno dei titoli più discussi e acclamati dalla critica, tenendo benissimo insieme ritmo, disagio e attrazione.

Ancora diverso è Bugonia, il nuovo film di Yorgos Lanthimos. Come spesso accade nel cinema del regista greco, il punto non è tanto la plausibilità dell’intreccio quanto il sistema di tensioni morali e percettive che il film mette in moto. La storia del rapimento di una dirigente d’azienda da parte di un uomo convinto che sia un’aliena serve soprattutto a ragionare sulla paranoia odierna, quella fatta di teorie del complotto e mistificazioni della realtà. È un film divisivo per definizione, ma proprio per questo molto coerente con la traiettoria recente dell’Academy, che negli ultimi anni ha mostrato maggiore tolleranza verso opere spigolose e formalmente non accomodanti.

Hamnet porta invece in gara un’altra delle tendenze forti del cinema premiabile: l’adattamento letterario di alto profilo. Chloé Zhao affronta il romanzo di Maggie O’Farrell spostando il centro del racconto verso Agnes e il lutto familiare che precede, accompagna e supera la figura di Shakespeare. Jessie Buckley è entrata da subito tra le attrici più citate della stagione, e il film nel complesso ha raccolto consensi per la capacità di trasformare una materia storica e letteraria in un dramma intimo leggibile anche da un pubblico non specialistico.

Train Dreams, tratto dal romanzo breve di Denis Johnson e diretto da Clint Bentley, è il titolo meno rumoroso della corsa. La sua candidatura ha sorpreso molti osservatori proprio perché non nasce da una campagna particolarmente appariscente né da un’immediata centralità mediatica. Racconta una vita ordinaria, il lavoro, la perdita e il paesaggio americano. Negli Oscar allargati a dieci titoli, film di questo tipo possono trovare spazio quando intercettano un rispetto diffuso, magari non abbastanza per dominare la serata ma sufficiente per entrare nel gruppo principale.

Questa edizione segna anche il debutto dell’Oscar per il Casting, nuova categoria introdotta a partire dai film usciti nel 2025. I candidati sono Hamnet, Marty Supreme, One Battle after Another, The Secret Agent e Sinners. Riconoscere il casting significa riconoscere che la costruzione di un film passa anche dalla selezione, dalla combinazione e dall’equilibrio degli interpreti, non solo dalla loro performance individuale.

Corsa particolarmente affollata quella degli attori, con Michael B. Jordan per I peccatori, Leonardo DiCaprio per Una battaglia dopo l’altra, Timothée Chalamet per Marty Supreme e Wagner Moura per The Secret Agent che portano nella stessa categoria quattro modi molto diversi di occupare il centro di un film. Tra le attrici, Jessie Buckley per Hamnet, Renate Reinsve per Sentimental Value ed Emma Stone per Bugonia mostrano invece quanto il peso delle interpretazioni femminili quest’anno sia legato a film fortemente costruiti attorno a soggettività fragili, disturbate o ferite.

Per il pubblico italiano, l’edizione 2026 ha almeno due motivi aggiuntivi di interesse. Il primo è la disponibilità ormai rapida di molti candidati sulle piattaforme, che rende la corsa agli Oscar meno distante e più seguita anche fuori dal circuito festivaliero. Il secondo è meno positivo: l’assenza dell’Italia dalle nomination principali. Il film scelto come candidato nazionale per la categoria internazionale, Familia di Francesco Costabile, non è riuscito a entrare nella shortlist e il cinema italiano è rimasto fuori dalla selezione finale.

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Hollywood entra nel vivo della sua settimana più attesa. Nei giorni che precedono la 98ª edizione degli Academy Awards, in programma domenica 15 marzo 2026 al Dolby Theatre di Hollywood, Los Angeles si trasforma in un grande palcoscenico internazionale fatto di gala, eventi di beneficenza, incontri tra professionisti dell’industria e feste esclusive. La cerimonia sarà trasmessa in diretta negli Stati Uniti su ABC e in oltre 200 territori nel mondo.

La cosiddetta “Oscar Week” rappresenta molto più di una premiazione: è una settimana in cui il cinema diventa occasione di incontro tra artisti, produttori, distributori e nuove generazioni di talenti.

Tra gli eventi più attesi della vigilia degli Oscar c’è la tradizionale Chanel & Charles Finch Pre-Oscars Dinner, una delle cene più eleganti e riservate della settimana hollywoodiana. Organizzata ogni anno alla vigilia della cerimonia, riunisce star internazionali, registi, produttori e grandi nomi della moda in un’atmosfera sofisticata che unisce cinema e alta moda.

Accanto a questo appuntamento, anche le grandi agenzie di talenti organizzano le loro feste private, diventate negli anni uno dei momenti più importanti di networking dell’industria cinematografica. Tra le più prestigiose figurano i party organizzati da Creative Artists Agency e William Morris Endeavor, dove attori, registi e dirigenti degli studios si incontrano lontano dai riflettori ufficiali.

Tra gli eventi più significativi della settimana c’è anche il Women in Film Oscar Nominees Party, organizzato dall’organizzazione Women in Film. L’incontro celebra le donne nominate agli Academy Awards e promuove una maggiore rappresentanza femminile nell’industria cinematografica.

La sera prima degli Oscar è tradizionalmente dedicata alla solidarietà con la Night Before the Academy Awards, l’importante gala di beneficenza organizzato dal Motion Picture & Television Fund. L’evento riunisce alcune delle figure più influenti dell’industria cinematografica e raccoglie fondi per sostenere i professionisti del mondo dello spettacolo.

Parallelamente, Hollywood celebra anche il lato più ironico dell’industria con i Golden Raspberry Awards, i cosiddetti Razzie, che ogni anno premiano con sarcasmo i film e le interpretazioni meno riuscite della stagione.

La giornata degli Academy Awards è scandita da numerosi eventi paralleli in tutta Los Angeles. Tra i più prestigiosi figura la Oscar Watch Party dell’Academy Museum of Motion Pictures, dove ospiti e professionisti dell’industria si riuniscono per seguire la cerimonia in diretta.

Tra gli appuntamenti di beneficenza più importanti della serata spicca l’Elton John AIDS Foundation Academy Awards Viewing Party, organizzato dalla Elton John AIDS Foundation. La serata riunisce star del cinema, della musica e della moda per raccogliere fondi destinati alla lotta contro l’HIV.

In tutta la città si svolgono inoltre numerose proiezioni e serate di gala dedicate alla visione collettiva della cerimonia, trasformando Los Angeles in un grande evento diffuso che coinvolge professionisti del cinema, artisti e appassionati.

Una volta terminata la cerimonia al Dolby Theatre, la festa continua nelle celebri after-party degli Oscar, tra cui quelle organizzate nei club e negli hotel più esclusivi di West Hollywood, come lo Skybar del Mondrian Los Angeles.

Ma la festa più iconica resta senza dubbio il Vanity Fair Oscar Party, uno degli eventi mondani più fotografati al mondo. La serata si svolge al Los Angeles County Museum of Art e riunisce vincitori, candidati, registi, stilisti e protagonisti dell’industria cinematografica internazionale.

Accanto a questa festa storica, si svolge anche il Governors Ball, la celebrazione ufficiale organizzata dall’Academy of Motion Picture Arts and Sciences immediatamente dopo la cerimonia. È qui che i vincitori degli Oscar festeggiano il premio appena ricevuto insieme agli altri protagonisti della serata.

In una città dove il cinema è industria, arte e spettacolo, la settimana degli Oscar rappresenta molto più di una premiazione: è il momento in cui Hollywood celebra se stessa e guarda al futuro del grande schermo.

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Alla presentazione romana del film La Lezione, di cui è protagonista, Matilda De Angelis incentra il suo intervento sull’abuso emotivo e lo stalking contro le donne, tematiche centrali del film ma anche della nostra epoca e di cui è fondamentale continuare a parlare, soprattutto oggi che celebriamo la Festa Internazionale della Donna. Perché la mimosa è un bel simbolo, ma non basta, occorre riflettere e tanto.

«La violenza psicologica non è rumorosa, non è palese: scava nella percezione della realtà della vittima fino a farle dubitare di ciò che è vero» ha detto Matilda De Angelis sottolineando come quella forma di abuso che agisce nel silenzio, proprio per questo, può diventare ancora più pericolosa. «È molto diversa da quella fisica”, spiega. «Non c’è il prima e il dopo di uno schiaffo, non c’è il prima e il dopo di un occhio nero o di una costola rotta».

Il problema, continua l’attrice, è che questo tipo di violenza si muove sul terreno della percezione. Non esiste un fatto oggettivo che separa nettamente ciò che accade prima e dopo. Esiste piuttosto un conflitto tra versioni della realtà: «È la mia realtà contro la tua, la mia percezione contro la tua».

È proprio lì che la manipolazione trova spazio. «La violenza psicologica è molto subdola», osserva Matilda De Angelis. «Perché scava nella percezione della realtà della vittima, fino a portarla a dubitare profondamente di ciò che è vero e ciò che è falso». Secondo l’attrice, queste dinamiche sono spesso legate alle relazioni affettive e ai meccanismi tipici dell’abuso narcisistico. Un sistema che si nutre dell’empatia della vittima: della sua capacità di comprendere l’altro, di mettersi in discussione, di cercare spiegazioni.

Ed è proprio questo uno dei punti centrali del film: mettere in crisi l’idea che esista un tipo preciso di donna destinata a cadere vittima di queste dinamiche.

«Mi sono chiesta perché una donna economicamente indipendente, forte, emancipata, con una propria vita possa comunque diventare vittima di un abuso psicologico», racconta De Angelis. La risposta, dice, è semplice quanto scomoda: non esiste un identikit. L’idea della “vittima predestinata” è un bias cognitivo, un modo rassicurante per pensare che certe cose possano accadere solo ad altri. In realtà, insiste l’attrice, può succedere a chiunque. «Chiunque sia dotato di empatia e sia disposto a mettere in discussione il proprio sistema di pensiero può trovarsi in questa condizione».

Nel film, questa dinamica attraversa il personaggio di Elisabetta, una donna apparentemente solida che si trova a fare i conti con il ritorno di un passato segnato da uno stalker e con un crescente senso di minaccia. Ma per De Angelis la storia diventa soprattutto un’occasione per riflettere su ciò che accade dopo l’abuso.

Perché la manipolazione, spiega, spesso non termina con la fine della relazione. «Ha strascichi lunghissimi nel tempo». Molte vittime continuano a interrogarsi su ciò che avrebbero potuto fare diversamente: cosa avrei dovuto capire prima? come avrei dovuto reagire? È un meccanismo di colpevolizzazione che prolunga l’effetto dell’abuso anche quando la relazione è ormai finita. Eppure, secondo l’attrice, esiste un punto fermo: non possiamo controllare la reazione degli altri. «Anche quando facciamo tutto alla perfezione, non abbiamo il controllo della risposta dell’altro».

È proprio da questa consapevolezza che nasce, paradossalmente, una forma di libertà. Lasciare andare il controllo sugli altri significa recuperare il controllo su se stessi.

Per spiegare questa idea De Angelis cita i versi del poeta Aldo Penna: “Di tutte le prigioni che ho abitato, di tutte possedevo la chiave”. Una frase che per lei racchiude il senso più profondo della storia: spesso la consapevolezza arriva solo dopo, quando la verità si ricostruisce a ritroso. Ed è proprio per questo che, sottolinea, «la lezione non è ancora finita».

Il film, attualissimo e ancora di più oggi 8 marzo, è anche un invito a continuare a parlare di violenza psicologica, una forma di abuso ancora troppo invisibile.

Quanto alla sua personale “lezione”, De Angelis sceglie una risposta semplice ma radicale: rimanere fedele a se stessa. «Per me non c’è romanticizzazione», conclude. «Fuori è come dentro, dentro è come fuori». Un principio che, dice, la accompagna da quando aveva diciotto anni: restare esattamente quella che è.

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«Il manipolatore gioca con le parole e normalizza tutto, fino a farti dubitare della tua percezione». Durante la conferenza stampa romana, parlando del film La Lezione, Stefano Accorsi affronta il tema della violenza psicologica e dello stalking, una forma di abuso spesso invisibile che continua a segnare la vita di molte donne.

Nel dibattito sulla violenza di genere si parla spesso di aggressioni fisiche, di episodi eclatanti che riempiono le pagine di cronaca. Più raramente si affronta con la stessa chiarezza un’altra forma di abuso: quella psicologica. È proprio questo il terreno su cui si muove La Lezione, e su cui si sofferma Stefano Accorsi riflettendo sul ruolo della manipolazione nelle relazioni umane.

Secondo l’attore, il manipolatore ha una caratteristica precisa: la capacità di alterare la percezione della realtà dell’altra persona. «Gioca con le parole e normalizza continuamente», spiega. Il risultato è un processo lento e progressivo in cui la vittima finisce per dubitare delle proprie sensazioni e della propria memoria.

È un meccanismo sottile, spesso difficile da riconoscere. E proprio per questo estremamente pericoloso.

Nel film Accorsi interpreta il professor Walder, un uomo ambiguo che destabilizza costantemente la protagonista, interpretata da Matilda De Angelis. La storia non è quella di una relazione sentimentale, precisa l’attore, ma il tema resta lo stesso: il modo in cui qualcuno può insinuarsi nella mente dell’altro fino a incrinare la sua percezione del mondo.

Per Accorsi, comprendere queste dinamiche è fondamentale anche per superare uno dei luoghi comuni più diffusi: l’idea che sia facile riconoscere chi manipola.

«I manipolatori non sono così facilmente conoscibili», osserva.

Anzi, nelle relazioni affettive il problema può diventare ancora più complesso. L’innamoramento, di per sé, modifica già il modo in cui percepiamo la realtà. Se a questo si aggiunge una persona capace di insinuare dubbi e distorcere i fatti, individuare il problema diventa molto difficile. È una riflessione particolarmente significativa nel giorno della Festa Internazionale della Donna, occasione preziosa per parlare di tutte le forme di violenza, anche quelle meno visibili.

Accorsi affronta il tema con una certa sincerità personale. Racconta che in passato gli è capitato di essere possessivo e geloso e che, con il tempo, ha dovuto interrogarsi su questi comportamenti. Un percorso di consapevolezza costruito attraverso le relazioni, le amicizie e la volontà di evolvere.

«Quando si è dentro certe dinamiche è difficile rendersi conto che qualcosa non va», ammette.

Nel costruire il personaggio di Walder, l’attore ha voluto evitare una rappresentazione troppo semplificata del manipolatore. Secondo lui, chi esercita questo tipo di controllo spesso costruisce una narrazione distorta della realtà anche per se stesso. «Non gioca solo con la percezione dell’altra persona», spiega. «In qualche modo gioca anche con la propria».

Dietro questo comportamento, suggerisce Accorsi, ci sono spesso fragilità profonde e il bisogno di coprire limiti che non si vogliono riconoscere. Un meccanismo complesso che il film sceglie di lasciare volutamente ambiguo, senza offrire spiegazioni troppo nette.

Per preparare il ruolo, il lavoro di documentazione è stato intenso. Il regista Stefano Mordini ha condiviso con il cast libri e materiali sul tema dello stalking, mentre la cronaca contemporanea continua purtroppo a fornire numerosi esempi reali.

Accorsi racconta che durante la preparazione hanno analizzato perfino le diverse tipologie di stalker e i comportamenti ricorrenti che emergono in queste situazioni. Ma è stato un incontro reale a colpirlo più di ogni studio. Durante le riprese di un altro film, una donna della troupe gli ha raccontato di aver subito uno stalking molto pesante. Un racconto che lo ha profondamente segnato. «Quando te lo raccontano sembra quasi irreale», dice. «Poi ti rendi conto che è una persona che vedi ogni giorno». Tra le cose che più lo hanno colpito c’è stata una riflessione della donna: il potere dello stalker si alimentava della paura della vittima. Nel momento in cui quella paura ha iniziato a ridursi, anche la sua presenza ha perso forza. «Quando ha cominciato a disinnescare la paura, lui ha iniziato a esistere meno», ricorda Accorsi.

Ma capire come reagire in queste situazioni resta estremamente complesso. Ogni gesto può diventare, paradossalmente, un modo per alimentare l’ossessione del manipolatore.

Proprio per questo La Lezione introduce anche un elemento di reazione e consapevolezza. La protagonista intraprende un percorso che la porta a cercare una verità oggettiva, qualcosa che confermi che ciò che percepisce è reale. Un passaggio che, secondo Accorsi, restituisce forza al personaggio interpretato da Matilda De Angelis e che assume un valore simbolico più ampio: riaffermare la legittimità della propria percezione.

In fondo, conclude l’attore, raccontare queste storie significa anche questo: ricordare che la manipolazione esiste e che può insinuarsi in modo impercettibile nella vita quotidiana. E che riconoscerla, anche attraverso il cinema, può essere il primo passo per spezzarne il potere.

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La Lezione ci offre, ancor più nel giorno della Festa della Donna, l’occasione di riflettere su un fenomeno pericoloso, spesso sottovalutato e purtroppo ancora molto frequente: l’abuso psicologico, lo stalking.

Il film però va oltre questo, mostrando come la consapevolezza e il coraggio possano trasformare la vulnerabilità in forza. Proprio a questo proposito, Laura Mirabella di Vision Distribution, nel corso della conferenza stampa di presentazione del film a Roma, ha sottolineato che il film non racconta solo la violenza, ma il percorso di consapevolezza e di azione. «È importante mostrare alle giovani donne che esiste la possibilità di reagire, di riaffermare il proprio ruolo e le proprie capacità». Il cuore del film, infatti, è proprio l’empowerment della protagonista: «La vediamo come una storia di empowerment femminile. Questa donna così indipendente e forte, come tutti, ha le sue fragilità e può cadere nella trappola di un manipolatore. Ma reagisce, vuole trovare la sua verità e fa tutto da sola». Ha aggiunto.

Il regista Stefano Mordini ha spiegato come il film sia nato dal romanzo di Marco Franzoso e dall’invito del produttore Roberto Sessa: «Il libro affrontava stalking, abuso emotivo e manipolazione nel modo giusto. La sfida era portarlo al cinema, trovare una sintesi visiva e narrativa che rispettasse questa complessità».

Per Mordini, il film è un lavoro di precisione su ogni dettaglio: la collocazione della città, la scelta delle case del Carso sopra Trieste, il vento come elemento di disturbo, persino il suono. «Ogni segnale, anche piccolo, diventa un indizio, un richiamo. Tutto contribuisce a raccontare la tensione interna della protagonista e la sua capacità di affrontarla».

Il regista ha anche studiato a fondo i meccanismi dello stalker, partendo dal modello di Finch (2001), in cui la soddisfazione dell’abusante culmina nel riconoscimento da parte della vittima. «Lo stalker si nasconde, ma il suo obiettivo finale è essere riconosciuto. È un gioco di potere che la protagonista deve imparare a decodificare», ha spiegato Mordini.

Mirabella è tornata poi su quanto sia potente il messaggio del film: la protagonista non resta prigioniera della paura o del dubbio, ma decide di prendere in mano la propria vita. «Non siamo ancora arrivate dove dovremmo arrivare, ma il film mostra che le donne possono trovare le risorse per affrontare situazioni complesse, riaffermando coraggio e autodeterminazione».

Grazie alla forza degli interpreti Matilda De Angelis e Stefano Accorsi, il film riesce a costruire tensione senza ricorrere alla violenza esplicita, concentrandosi sulla psicologia e sulla resilienza della protagonista. «Costruire tensione senza far succedere nulla non è semplice – dice Mirabella – ma il film lo fa con grande efficacia».

Uscito in prossimità dell’8 marzo, La Lezione diventa così un’occasione per riflettere non solo sulla violenza invisibile che molte donne subiscono, ma soprattutto sulla forza necessaria per reagire e riaffermare se stesse. Un invito a riconoscere il coraggio femminile in tutte le sue forme.

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Giusti, il più antico produttore al mondo di Aceto Balsamico di Modena, parteciperà a Expo West 2026 allo stand N1415, presentando un portafoglio che unisce 420 anni di tradizione a innovazioni di prodotto pensate per i mercati retail e food service degli Stati Uniti.

Fondata nel 1605 e oggi guidata da Claudio Stefani Giusti, diciassettesima generazione della famiglia, Acetaia Giusti si è evoluta da una piccola soffitta modenese dedicata all’aceto a un punto di riferimento internazionale dell’eccellenza italiana, con 21 milioni di euro di fatturato nel 2024, 90 dipendenti e distribuzione in oltre 80 paesi. A Expo West, Giusti presenterà due pilastri strategici di crescita per il mercato statunitense.

L’iconica Historical Collection di Giusti, riconoscibile dal numero di medaglie d’oro riportate su ogni etichetta, resta il fondamento dell’identità aziendale.

Realizzati secondo metodi secolari di lento invecchiamento in botti di legni diversi, questi balsamici riflettono gli elementi essenziali definiti da Giuseppe Giusti nel 1863:

• la scelta delle uve
• la qualità delle botti
• il tempo.

La linea continua a riscuotere grande interesse tra buyer del retail specializzato e della grande distribuzione premium alla ricerca di Aceto Balsamico di Modena IGP autentico, con profondità aromatica, tracciabilità e versatilità culinaria.

Dalle versioni premium di uso quotidiano alle espressioni a lungo invecchiamento, la collezione offre opportunità scalabili su diverse fasce di prezzo mantenendo un forte posizionamento artigianale.

Durante Expo West sarà presentato in anteprima anche il Panettone Giusti con Aceto Balsamico di Modena IGP, disponibile nei formati 1 kg e 100 g.

Realizzato con una ricetta tradizionale a lievito madre, il panettone è arricchito dalle note agrodolci del balsamico Giusti, utilizzato sia nell’impasto sia nella macerazione dell’uvetta. Il risultato offre delicati sentori di frutti rossi e un equilibrio raffinato tra morbidezza e profumo.

Il formato mignon da 100 g è pensato per programmi stagionali, regali e opportunità di cross-merchandising nel retail specializzato e premium, offrendo ai rivenditori un prodotto natalizio italiano distintivo con un forte potenziale narrativo.

Durante Expo West, Giusti collaborerà anche con Sammontana Gelati all’Italiana, presente alla fiera, per una degustazione curata presso lo stand.

I visitatori potranno assaggiare gelato italiano abbinato ai balsamici invecchiati Giusti, mostrando come la tradizione artigianale possa arricchire i rituali contemporanei del retail attraverso combinazioni insolite ma armoniose.

«Il nostro lavoro inizia e finisce con il rispetto del tempo», afferma Claudio Stefani Giusti, CEO e rappresentante della 17ª generazione. «A Expo West non presentiamo semplicemente prodotti, ma un sistema di conoscenze che collega storia, artigianalità e cultura gastronomica contemporanea».

I visitatori sono invitati a scoprire l’intera gamma di Aceti Balsamici di Modena e le innovazioni stagionali allo stand N1415.

Fondata nel 1605, Giusti è il più antico produttore al mondo di Aceto Balsamico di Modena. In oltre quattro secoli di storia, l’azienda è passata da piccola realtà familiare a marchio globale di riferimento per l’eccellenza italiana.

Il successo dell’azienda si basa sulla capacità di unire tradizione secolare e approccio innovativo, creando una gamma di balsamici e condimenti di alta qualità apprezzati da appassionati di gastronomia in oltre 80 paesi.

Sotto la guida di Claudio Stefani Giusti, l’azienda ha adottato una visione imprenditoriale fondata su flessibilità, miglioramento continuo e valorizzazione dei talenti.

Questo approccio ha consentito a Giusti di crescere costantemente preservando il proprio patrimonio artigianale. Oggi l’azienda conta:

• oltre 80 dipendenti
• 4 sedi commerciali internazionali (Georgia, Seoul, Hong Kong e Monaco)
• 6 flagship store
• una crescita del fatturato del 25% rispetto al 2023.

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Tina Lagostena Bassi, l’avvocatessa delle donne, l’attrice Eleonora Giorgi, scomparsa appena un anno fa, “la Divina” tennista Lea Pericoli e Rosita Missoni, fondatrice della celebre maison: quattro donne simbolo dell’Italia del Novecento sono protagoniste della nuova stagione di Illuminate, in arrivo su Raitre domenica 8 marzo in seconda serata. 

A ognuna di loro è dedicata una puntata con il supporto di una attrice-narratrice: per Tina c’è Cristiana Capotondi, Ornella Muti racconta l’amica Eleonora, Sveva Alviti interpreta Lea e Greta Ferro ripercorre le orme di Rosita.

Dal Dopoguerra ai nostri giorni, Lagostena Bassi viene ricordata attraverso un episodio cruciale della storia giudiziaria italiana, la difesa di Donatella Colasanti, sopravvissuta al “massacro del Circeo”, e per la sua battaglia per far emergere il problema della violenza sessuale e del trattamento giudiziario delle vittime, culminata nella legge del 1996, una svolta storica per i diritti delle donne nel Paese.

A Giorgi è dedicato un episodio speciale guidato da Ornella Muti che ripercorre la stagione d’oro del cinema italiano degli anni Settanta e Ottanta, di cui entrambe furono protagoniste. Tra i momenti più importanti, il successo del film Borotalco, con la regia di Carlo Verdone, per cui Eleonora vinse un David di Donatello come miglior attrice protagonista.

La puntata su Lea Pericoli è invece costruita come una partita di tennis: un set dopo l’altro prende forma la storia di una campionessa che tra gli anni Cinquanta e Sessanta segnò la storia del tennis italiano, rivoluzionando lo stile in campo e diventando simbolo di eleganza e personalità. Particolarmente toccante il capitolo dedicato alla sua battaglia contro il cancro, che la rese una delle prime testimonial italiane per la prevenzione oncologica.

 L’ultima puntata infine vede Greta Ferro sulle tracce di Rosita Missoni, figura centrale della moda e del design italiano nel mondo, accolta dalla famiglia Missoni nella storica casa-atelier di Sumirago, in provincia di Varese.

Ad arricchire il racconto parteciperanno familiari, colleghi, giornalisti e protagonisti dei diversi settori attraversati dalle quattro donne. Le storie inoltre prendono vita anche attraverso luoghi simbolici: dalla Casa Internazionale delle Donne, frequentata da Tina Lagostena Bassi per la difesa dei diritti femminili, agli studi cinematografici di Roma legati alla carriera di Eleonora Giorgi; dal Foro Italico, teatro delle imprese sportive di Lea Pericoli, fino alla casa-atelier Missoni, cuore creativo della celebre maison.

Illuminate è una docu-serie in 4 puntate prodotta da Gloria Giorgianni per Anele in collaborazione con Rai Cultura. 

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Questa intervista nasce dal desiderio di riflettere sul significato di vivere tra più paesi, lingue e culture in un mondo sempre più interconnesso. Federico Rampini rappresenta un punto di riferimento importante per molti italiani che vivono negli Stati Uniti e, più in generale, per chi ha costruito la propria identità attraversando confini geografici e culturali. Il suo percorso personale e professionale riflette in parte anche l’esperienza di noi studenti della Scuola d’Italia: alcuni arrivati dall’Italia, altri già abituati a contesti internazionali, tutti impegnati a ridefinire la propria identità in nuovi ambienti.

Questa intervista è stata condotta da A. Ferrari, in occasione dello speciale cartaceo “School of Record” a cura degli studenti de La Scuola D’Italia Guglielmo Marconi.

In che modo l’esperienza di culture diverse ha contribuito a formare il “Federico Rampini” che vediamo oggi?

Mi definisco un nomade globale, avendo vissuto in tre continenti. Inoltre il viaggio continua a essere una parte costante della mia vita, anche ora che ho messo radici in America. Come scrittore e autore di programmi televisivi, negli ultimi tempi i miei interessi mi hanno riportato in Cina e Taiwan, in Giappone, in Arabia Saudita, in Sudafrica e in diversi paesi dell’America Latina.

Tra le esperienze più formative della mia vita ricordo: l’infanzia e l’adolescenza in una scuola internazionale a Bruxelles; l’inizio della mia carriera giornalistica nella stampa del Partito Comunista Italiano durante l’epoca di Enrico Berlinguer (1977); il mio primo incarico da corrispondente estero a Parigi; il trasferimento in California all’inizio del nuovo millennio, seguito dal trasferimento in Cina nel 2004; e i viaggi come corrispondente dalla Casa Bianca seguendo tre presidenti: Obama, Trump e Biden.

Con un’esperienza globale così ampia, cosa la richiama sempre a Camogli?

I miei nonni e bisnonni sono sepolti nel cimitero di Camogli: generazioni di antenati che risalgono a secoli fa. Molti erano capitani di nave, fin dall’epoca delle navi a vela; viaggiavano per il mondo quando farlo era molto più difficile e pericoloso di oggi.

Forse il mio DNA familiare mi ha condannato a viaggiare. La Liguria dei miei antenati è uno dei tanti angoli meravigliosi d’Italia dove paesaggi naturali, storia, arte, cultura e gastronomia si fondono insieme. Cerco sempre di trascorrere lì una parte delle mie estati.

Avendo vissuto in molte grandi città del mondo, quale tra queste le ha dato davvero la sensazione di “casa”?

Oggi mi sento a casa a New York, al punto che mi sarebbe difficile cambiare ancora una volta e mettere radici altrove. Adattarmi a nuove culture e modi di vivere non mi ha mai spaventato; anzi, faceva parte dell’avventura che cercavo.

Il vero prezzo da pagare è un altro: è difficile mantenere amicizie per tutta la vita quando c’è un oceano in mezzo.

New York è una concentrazione di tutte le altre città in cui ho vissuto, per la sua varietà e diversità. Inoltre mi sento a casa perché la vita culturale della città non annoia mai: è come un libro infinito da sfogliare.

Ora possiede anche la cittadinanza americana. Cosa l’ha spinta a farlo? E pensa che oggi sia possibile parlare di cittadinanza globale più che di identità nazionale?

Io e mia moglie Stefania abbiamo preso la cittadinanza americana dopo che l’avevano presa i nostri figli, Costanza e Jacopo. A quel punto ci è sembrato logico seguire la loro scelta.

La mia cittadinanza italiana resta comunque la mia nazionalità primaria e la mia identità più forte: rappresenta la lingua, la cultura e la storia che mi hanno trasmesso i miei genitori.

Mi piace vivere in un paese pieno di italo-americani, dove questa identità “con il trattino”, questa fusione tra culture, esiste davvero.

Lei è stato corrispondente in Cina durante anni cruciali di trasformazioni economiche e sociali. Com’è stato fare il giornalista in un contesto spesso frainteso in Occidente?

Ho vissuto stabilmente in Cina dal 2004 al 2009, ma cerco di tornarci spesso perché c’è una cosa che molti occidentali faticano a capire: la Cina cambia continuamente; non la si può fissare in una fotografia di qualche anno fa.

Inoltre è un paese immenso e non si presta a definizioni semplici. Nei miei viaggi recenti sono rimasto colpito da una modernità tecnologica molto più avanzata della nostra.

Resta però un paese difficile e ostile per un giornalista occidentale: il regime ci considera nemici.

Quale lingua esprime meglio la sua identità?

L’italiano resta la mia lingua preferita. A scuola mi piacevano molto anche il latino e il greco classico.

Ho avuto la fortuna di imparare da bambino francese e inglese, quindi li sento anche miei e leggo gli autori francofoni e anglofoni nella lingua originale.

Il mio spagnolo è rudimentale, ma mi permette di fare interviste. Ho provato a studiare anche tedesco, russo e mandarino, ma troppo brevemente: mi dispiace non aver perseverato.

Guardando l’Italia da lontano, che impressione si è fatto? Cosa possono insegnarsi reciprocamente Italia e Stati Uniti?

In uno dei miei libri più venduti, America (Solferino), ho cercato di spiegare questo paese agli italiani. Oggi l’editore vuole ristamparlo e sarà impegnativo aggiornarlo: nel frattempo siamo entrati nel secondo mandato di Trump e tutto è stato stravolto.

In passato gli italiani si illudevano di conoscere l’America perché avevano trascorso qualche vacanza qui o visto molti film. Oggi la situazione è peggiorata: questa presidenza ha provocato esplosioni di antiamericanismo viscerale e isterico.

L’Italia fa molte cose meglio degli Stati Uniti, ma tra queste non includerei la capacità di informarsi sul resto del mondo. Entrambi i paesi soffrono di provincialismo e autoreferenzialità.

Quanto alle opportunità, il giudizio è dato dai tanti giovani italiani che continuano a venire qui per studiare o lavorare. Qualunque cosa si dica, questo esodo continua ed è a senso unico.

Che consiglio darebbe ai giovani che cercano il proprio posto nel mondo, spesso tra più paesi e identità?

Il mio consiglio ai giovani è semplice: spegnete spesso il telefono e cancellate i vostri account sui social media.

Il tempo enorme che guadagnerete investitelo nei viaggi e nella lettura dei libri.

Intervista a cura di A. Ferrari

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Arriva nelle sale il 5 marzo in Italia e il 6 marzo negli Stati Uniti Jumpers – Un salto tra gli animali, il nuovo film Pixar diretto da Daniel Chong. Il film è stato presentato a Roma al The Space Cinema Moderno durante un incontro con la stampa a cui hanno partecipato il regista, la produttrice Nicole Paradis Grindle e le voci italiane Tecla Insolia, Giorgio Panariello, Rossella Izzo e Francesco Prando.

L’idea alla base del film è una delle più eccentriche degli ultimi anni dello studio: una tecnologia sperimentale permette alla coscienza umana di collegarsi a un animale robotico, consentendo di comunicare direttamente con altre specie. La protagonista, Mabel, è una giovane amante della natura che cerca di fermare la costruzione di un’autostrada destinata a distruggere l’ecosistema vicino alla sua città. Quando scopre questo sistema decide di usarlo per infiltrarsi nello stagno dove vivono i castori e provare a organizzare una resistenza.

Per Chong il punto di partenza del film è stato soprattutto il rapporto tra esseri umani e natura. «Per me il film è sempre stato una storia di connessione e coesistenza», ha spiegato il regista durante l’incontro con la stampa. «Siamo tutti animali e siamo tutti connessi con le creature di questo pianeta e con l’ecosistema del mondo».

Il dispositivo narrativo – una sorta di avatar animale che permette di entrare nel corpo di un castoro robotico – consente al film di muoversi tra registri molto diversi. Hoppers alterna momenti di pura commedia, sequenze d’avventura e un sottotesto ambientale che attraversa tutta la storia. La premessa ricorda inevitabilmente quella di Avatar, ma qui viene trattata con uno spirito più ironico e surreale.

Il tema ecologico resta comunque centrale. La storia ruota attorno alla trasformazione del paesaggio naturale e al conflitto tra sviluppo urbano e tutela degli ecosistemi. Chong ha raccontato che il progetto è nato diversi anni fa ma che, nel frattempo, i temi affrontati dal film sono diventati ancora più urgenti.

Durante la conferenza si è parlato anche di tecnologia e del ruolo sempre più importante che essa ha nella vita contemporanea. «La tecnologia può essere uno strumento per migliorare le cose, se usata nel modo giusto», ha osservato Chong. «Come società stiamo ancora cercando di capire se ci aiuta o se ci fa male».

La produttrice Nicole Paradis Grindle ha affrontato invece la questione dell’intelligenza artificiale e del suo impatto sull’animazione. «Tutto il lavoro creativo del film è stato fatto da esseri umani», ha spiegato. «L’animazione è un processo profondamente umano, fatto di collaborazione, di esperienze e di sensibilità diverse».

Per costruire il mondo del film il team Pixar ha anche studiato da vicino il comportamento degli animali. Una parte della troupe ha trascorso del tempo nello Yellowstone National Park osservando castori e altri animali e lavorando con ricercatori specializzati. Molti dettagli presenti nel film nascono proprio da questa fase di osservazione.

Il rapporto tra esseri umani e animali è stato al centro anche degli interventi del cast italiano. Giorgio Panariello, che nel film presta la voce a King George, il leader dei castori, ha parlato del suo legame personale con il mondo animale: «Qualcuno dovrà pur prendere le loro difese, visto che loro non hanno voce».

Rossella Izzo, voce della Regina degli insetti, ha raccontato l’emozione di interpretare un personaggio legato alla dimensione della natura: «Questa connessione tra esseri umani e animali è un pensiero molto profondo che dobbiamo imparare ad amare».

Tecla Insolia, che interpreta Mabel, ha sottolineato la dimensione emotiva del personaggio. «È una ragazza che all’inizio non ha alcun potere ma porta avanti la sua idea di giustizia», ha detto l’attrice.

Nel film proprio la questione del potere diventa centrale. Mabel si trova improvvisamente in grado di influenzare un intero ecosistema e deve capire come usare quella nuova responsabilità. Chong ha spiegato che la storia nasce proprio da questa domanda: cosa succede quando qualcuno acquisisce potere e deve decidere se usarlo per fare del bene o per fare del male.

Come spesso accade nei film Pixar, la risposta passa attraverso la comunità. L’incontro tra Mabel e gli animali dello stagno diventa il punto di partenza per una riflessione sulla collaborazione e sulla possibilità di costruire un equilibrio tra specie diverse.

Dal punto di vista narrativo Jumpers è uno dei progetti più eccentrici dello studio negli ultimi anni. Il film alterna gag surreali – animali che comunicano attraverso smartphone o improbabili alleanze tra specie diverse – a momenti più sentimentali. Non tutto funziona sempre con la stessa precisione e la trama procede a tratti in modo disordinato, ma proprio questa energia un po’ anarchica rappresenta anche la sua forza.Inizio modulo

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L’arrivo di marzo porta con sé diverse cose: la fine del freddo (finalmente!), lo sfiorire degli alberi primaverili, le passeggiate a Central Park… e l’agognato ritorno dell’ora legale. Negli Stati Uniti il cambio di orario avviene ogni anno la seconda domenica di marzo, quando gli orologi vengono spostati avanti di un’ora. Nel 2026 il passaggio avverrà nella notte tra sabato 7 e domenica 8 marzo. Il risultato più evidente non è tanto la perdita di un’ora di sonno quanto il cambiamento nella distribuzione della luce durante la giornata, con tramonti sensibilmente più tardivi e pomeriggi più lunghi.

A New York il salto sarà immediato. Sabato 7 marzo il sole tramonterà alle 17:54, mentre il giorno successivo – grazie all’ora legale – il tramonto sarà alle 18:55. In pratica quasi un’ora di luce in più nel tardo pomeriggio. Il sistema dell’ora legale, introdotto negli Stati Uniti durante la Prima guerra mondiale e poi stabilizzato con l’Uniform Time Act del 1966, ha l’obiettivo di sfruttare meglio la luce naturale durante i mesi più caldi. Oggi è tornato un tema caldo anche all’interno della politica: diversi stati hanno proposto di abolirlo o renderlo permanente, ma per ora continua è ancora lì a scandire l’inizio della primavera americana.

Il cambiamento di luce arriva dopo settimane di condizioni meteorologiche rigide. L’inverno 2025-2026 è stato segnato da diverse ondate di freddo e da nevicate consistenti, che in alcune fasi hanno riportato temperature percepite molto basse per la costa nord-orientale degli Stati Uniti. Nei prossimi giorni però il quadro potrebbe cambiare rapidamente: secondo le previsioni del National Weather Service, a New York sono attesi valori molto più miti, con massime che potrebbero avvicinarsi ai 27 gradi Celsius nel corso della settimana. Oscillazioni così ampie non sono insolite a marzo sulla costa atlantica, dove masse d’aria calda provenienti dal sud possono alternarsi rapidamente ai residui dell’inverno.

L’allungarsi delle giornate proseguirà progressivamente nei mesi successivi fino al solstizio d’estate, che nel 2026 cadrà domenica 21 giugno. In quella data a New York si registrerà il periodo di luce più lungo dell’anno, con circa 15 ore e 5 minuti di sole e un tramonto intorno alle 20:30. È un cambiamento che incide anche sulla vita urbana: con più luce nelle ore serali aumentano le attività all’aperto, dalle passeggiate lungo l’Hudson River Park alle visite ai rooftop e ai parchi cittadini.

Tra i punti più frequentati per osservare il tramonto ci sono alcune aree ormai considerate classiche della città. Il lungofiume di Brooklyn Heights Promenade offre una vista diretta sullo skyline di Lower Manhattan; il parco sopraelevato della High Line a Manhattan permette di seguire il sole mentre scende tra i palazzi dell’Hudson Yards; a Queens, Gantry Plaza State Park è noto per la prospettiva ravvicinata sull’Empire State Building e il Midtown skyline. Con l’arrivo dell’ora legale, questi luoghi tornano a riempirsi già dalle prime settimane di primavera.

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Sammontana Gelati all’Italiana, il marchio di gelato più iconico d’Italia, parteciperà per la prima volta a Expo West 2026, portando la sua esperienza di gelato italiano in una delle più importanti vetrine statunitensi dedicate ai prodotti naturali. I visitatori sono invitati a incontrare il team allo stand 4395.

La presenza di Sammontana a Expo West segna un ulteriore passo nel percorso di crescita dell’azienda negli Stati Uniti, dopo lo storico arrivo nel mercato americano nell’estate del 2025. Un debutto che ha fatto parlare di sé a New York grazie a partnership culturali e iniziative pubbliche che hanno introdotto i consumatori americani a un’autentica esperienza di gelato italiano. Da allora la distribuzione è cresciuta costantemente: oggi il gelato Sammontana è disponibile in circa 750 punti vendita negli Stati Uniti, con una presenza in espansione in California, dove è distribuito da catene come Andronico’s, Gelson’s, Eataly e Jon’s.

A Expo West i visitatori potranno scoprire l’offerta retail di Sammontana, che include le celebri vaschette nei gusti cioccolato, vaniglia con amarene, pistacchio, croccante alle mandorle, nocciola e caramello salato, oltre ai prodotti dedicati al canale food service, disponibili in una gamma ancora più ampia di gusti. Tutti i prodotti sono realizzati in Italia e si distinguono per la cremosità caratteristica del marchio, i sapori intensi e lo spirito gioioso che definisce l’identità del brand. L’assortimento pensato per il mercato statunitense mira a portare il rituale del gelato italiano nella quotidianità dei consumatori americani, senza compromessi su qualità e autenticità.

Per sorprendere i visitatori dello stand con un abbinamento premium inatteso, Sammontana collaborerà con Giusti, il più antico produttore al mondo di Aceto Balsamico di Modena, anch’esso presente a Expo West, per un’esperienza di degustazione speciale. I partecipanti potranno assaggiare il gelato Sammontana accompagnato dagli iconici balsamici invecchiati Giusti, tra cui gelato alla vaniglia con il Giusti 5 Medaglie d’Oro e gelato ai frutti di bosco con il Giusti 4 Medaglie d’Oro, dimostrando come l’artigianalità italiana possa trasformare anche il più semplice rituale estivo in un momento di gusto raffinato.

Sammontana Gelati all’Italiana fa parte di Sammontana Italia, gruppo alimentare italiano che riunisce alcuni dei marchi più riconosciuti nei settori del gelato, dei dessert surgelati e della pasticceria, tra cui Bindi, Tre Marie, Forno d’Asolo, Gelpat, Il Pasticcere, La Donatella e La Rocca Creative Cakes. Un portafoglio che riflette una visione di lungo periodo basata sul savoir-faire italiano, sull’innovazione e sulla crescita internazionale.

I visitatori sono invitati a scoprire l’offerta di Sammontana Gelati all’Italiana allo stand 4395.

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Il 4 marzo, alla vigilia della New York Eyewear Design Week, allo IAC Building, l’edificio progettato dall’architetto Frank Gehry nel Chelsea, si è tenuto “REFLECTIONS – Italian Eyewear Exhibition”, l’evento promosso da Italian Trade Agency in collaborazione con ANFAO, l’associazione che rappresenta i produttori italiani di articoli ottici. REFLECTIONS è stato il primo evento B2B che ha permesso di mettere in contatto i produttori e designer italiani con gli operatori del settore americano: buyer, retailer e distributori dell’occhialeria USA hanno potuto incontrare e tastare con mano il gusto, l’estetica e l’artigianalità italiana nell’ottica.

Nel corso del pomeriggio una selezione di aziende italiane del settore ha incontrato buyer, distributori e operatori del mercato statunitense invitati attraverso un programma dedicato. La seconda parte della serata ha invece aperto le porte a giornalisti, influencer e professionisti della moda già presenti in città per la settimana del design dell’occhiale, con un’installazione immersiva costruita su giochi di luce, specchi e performance artistiche pensate per valorizzare il prodotto come oggetto di design oltre che accessorio funzionale.

Per gli organizzatori l’iniziativa ha rappresentato soprattutto un momento di relazione commerciale tra imprese italiane e interlocutori americani. Intervistato ai nostri microfoni, il presidente dell’Italian Trade Agency, Matteo Zoppas, ha spiegato come «L’Italian Eyewear Exhibition è un risultato molto efficace della collaborazione tra ANFAO e l’Italian Trade Agency. La cosa più importante è che parlando con questi sedici imprenditori che abbiamo portato praticamente tutti sono stati molto contenti e soddisfatti, sia della location ma soprattutto dell’impianto relazionale che siamo riusciti a costruire».

Sulla stessa linea la presidente di ANFAO, Lorraine Berton, che ha definito l’iniziativa «una giornata straordinaria di grandissimo successo» sottolineando la collaborazione tra istituzioni e imprese nel promuovere negli Stati Uniti «il nostro Made in Italy, il nostro saper fare e la bellezza del prodotto italiano».

Anche il console generale d’Italia a New York, Giuseppe Pastorelli, ha evidenziato il ruolo del mercato americano per il comparto: «Reflections è una nuova iniziativa di ICE per far conoscere al pubblico americano, ma soprattutto ai buyer americani, l’eccellenza dell’occhialeria italiana. Gli Stati Uniti sono un mercato fondamentale per questo settore, che unisce tradizione, innovazione e stile».

L’appuntamento newyorkese si lega, chiaramente, anche ai dati del comparto, che attraversa una fase di incertezza e che non può che beneficiare di momenti di alto valore commerciale e reputazionale come questo. Secondo i dati di ANFAO, nel 2024 l’export dell’occhialeria italiana ha raggiunto circa 5,09 miliardi di euro, con una lieve flessione rispetto al record del 2023. Gli Stati Uniti restano comunque il primo mercato di destinazione, assorbendo oltre il 15% delle esportazioni del settore.

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È ufficialmente iniziata la stagione dell’H-1B, uno dei visti lavorativi più ambiti da professionisti stranieri che desiderano costruire la propria carriera negli Stati Uniti. USCIS, l’agenzia americana che si occupa di immigrazione, ha aperto la lotteria per il visto H-1B, che si chiuderà il 19 marzo alle ore 12:00 PM (ora di New York).

Ogni anno migliaia di aziende statunitensi ricorrono a questo programma per assumere talenti altamente qualificati in settori strategici come tecnologia, finanza, ingegneria, marketing e ricerca scientifica. Tuttavia, il numero di visti disponibili è limitato: 65.000 visti all’anno, ai quali si aggiungono 20.000 visti riservati ai candidati che hanno conseguito un master o un titolo superiore negli Stati Uniti. Quando le richieste superano il numero di visti disponibili – come accade quasi ogni anno – USCIS procede con una lotteria elettronica per determinare quali candidati potranno presentare a richesta di visto.

Sono Fabiana Zangara, Partner dello studio Zaca Law PLLC, e oggi risponderò ad alcune delle domande più frequenti sull’H-1B, per aiutare a capire meglio come funziona questo importante visto lavorativo.

Serve un’offerta di lavoro?

Per partecipare alla H1B lottery è necessario che un’azienda statunitense registri il candidato sul portale dell’USCIS, dichiarando l’intenzione di offrirgli una posizione lavorativa qualificata (specialty occupation). In altre parole, è necessario avere una concreta offerta di lavoro da parte di un datore di lavoro negli Stati Uniti. Tuttavia, anche gli imprenditori possono accedere al visto H-1B. In alcuni casi è possibile farlo attraverso una propria società negli Stati Uniti. Se l’imprenditore possiede o controlla un’azienda americana, infatti, la società può presentare la richiesta di visto H-1B a suo favore, purché siano rispettati i requisiti previsti dalla normativa. In queste situazioni, l’H-1B può diventare uno strumento utile per trasferirsi negli Stati Uniti e sviluppare il proprio progetto imprenditoriale.

Quanto costa registrarsi?

Per partecipare alla lottery è prevista una registration fee di 215 dollari, pagata dal datore di lavoro al momento della registrazione. Solo se il candidato viene selezionato sarà possibile presentare la domanda di visto, che comporta ulteriori tasse governative e spese legali.

Dovrò pagare 100.000 dollari per ottenere un visto H-1B?

Negli ultimi mesi si è parlato molto di una possibile tassa di 100.000 dollari legata al visto H-1B, creando parecchia confusione tra lavoratori stranieri e aziende americane. La discussione nasce da una Proclamation presidenziale firmata il 19 settembre 2025, che ha introdotto alcune modifiche significative al visto H-1B. In base alla Proclamation, alcune richieste di visto presentate a partire dal 21 settembre 2025 richiedono il pagamento di una tassa di 100.000 dollari al momento della presentazione della domanda. È però importante chiarire che questa disposizione non riguarda tutti i candidati.

Questa si applica infatti solo ad alcune situazioni specifiche, in particolare ai casi in cui il beneficiario si trova fuori dagli Stati Uniti e non possiede già un visto valido. Restano invece esclusi i visti H-1B già emessi e ancora validi. Sono previste anche eccezioni molto limitate, che possono essere concesse solo dal Secretary of Homeland Security in circostanze straordinarie. È importante ricordare, infine, che questa eventuale tassa non riguarda la fase iniziale della lottery, che rimane il primo passo per poter richiedere il visto.

Cosa cambia quest’anno?

Quest’anno la lottery presenta alcune novità importanti. A differenza degli anni precedenti, al momento della registrazione sarà necessario indicare l’SOC code, cioè il codice che identifica la categoria professionale di riferimento, e il livello salariale previsto per quella posizione. Il sistema prevede quattro livelli salariali, che dipendono dall’esperienza richiesta e dal tipo di ruolo. In generale, più alto è il salario offerto, maggiori saranno le probabilità di essere selezionati, poiché il sistema tende a favorire le posizioni più qualificate e meglio retribuite.

Quando si sapranno i risultati?

I risultati della lottery verranno comunicati entro il 31 Marzo 2026 attraverso l’apposito portale. In un mercato globale sempre più competitivo, l’H-1B continua a rappresentare uno degli strumenti chiave per attrarre talenti internazionali negli Stati Uniti. Per chi sogna di lavorare e costruire il proprio futuro professionale qui, la lottery che si apre ogni primavera è spesso l’inizio di una nuova storia americana.

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Alcune aperture a New York non passano inosservate, sono quelle dove entri nel locale e capisci immediatamente che il posto ha qualcosa. È quello che è successo ieri sera da Osteria Figa, al 15 East 12th Street, a due passi da Union Square, dove l’imprenditore napoletano Rosario Procino ha inaugurato la sua nuova osteria. Sala piena, energia giusta, quella miscela tipicamente downtown fatta di italiani, newyorkesi, amici, curiosi e gente che vuole capire se è nato un nuovo indirizzo della città.

Il progetto nasce da una scommessa condivisa. Procino ha deciso di lanciarsi in questa nuova avventura insieme a un piccolo gruppo di amici e investitori che hanno creduto nell’idea fin dall’inizio: Alessio Rossetti e Giuseppe Di Martino, del brand Devozione, Pasquale Montesano di Colomba Bakery, Giovanni Iovine, figura di riferimento nella gestione di uno degli avamposti storici della ristorazione italiana a Manhattan come Il Gattopardo, e Matteo Rignanese, attivo nel settore immobiliare tra Italia e Stati Uniti. Un gruppo eterogeneo, che unisce imprenditoria gastronomica, esperienza nella ristorazione e real estate, e che ha scelto di puntare su questo nuovo capitolo della scena italiana a New York.

Il locale ha esattamente la vibe che oggi funziona a New York: elegante ma senza rigidità, caldo, vivo. Un posto dove i tavoli si riempiono velocemente, le conversazioni si allungano e la serata prende il suo ritmo. Procino, che negli anni ha costruito alcuni dei progetti italiani più riconoscibili della città, questa volta sembra aver puntato su qualcosa di molto semplice – ma non per questo facile: creare un posto dove la gente abbia voglia di tornare.

Dopo la serata di apertura, la sensazione è che Union Square abbia appena trovato un nuovo indirizzo. E a New York, quando succede, la voce gira velocemente.

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Quando si solleva troppo la polvere bisogna mettere gli occhiali adatti e vedere cosa accade dentro quel vortice. Dovrebbe essere il lavoro di noi giornalisti che provano a decodificare per l’opinione pubblica questa immensa polvere che si è alzata in Medio Oriente. È la polvere che si solleva dagli obiettivi colpiti dai missili dell’una e dell’altra parte ed è la polvere, in senso di confusione e di non chiarezza, in termini di linguaggio geopolitico.

Si sta riscrivendo non solo il Medio Oriente ma, da un po’ di tempo, il mondo intero. Almeno così come noi occidentali l’abbiamo conosciuto in questo lungo periodo (di pace per la gran parte) subito dopo il trauma della Seconda guerra mondiale. Donald Trump vuole essere un protagonista assoluto di questa nuova grammatica internazionale.

Con il vertice in Alaska di questa estate ha sdoganato Putin e ha avviato una trattativa di pace per la questione Ucraina che di fatto lascia l’Europa alla finestra. L’Europa stessa, anziché essere un pezzo di quell’Occidente come l’abbiamo sempre pensato, visto, sentito, politicamente e culturalmente, è diventata una parte non più essenziale di una scacchiera globale in formazione.

I rapporti con la Cina rimangono quelli di un conflitto definitivo per chi controllerà il mondo economicamente nel XXI secolo. Perché allora questo attacco congiunto con Israele all’Iran? Perché ci sono le condizioni per ridefinire una volta per tutte gli equilibri di una delle zone più instabili e complesse del pianeta.

Parlando analiticamente e senza dare giudizi di valore, la lunga reazione di Israele all’attentato del 7 ottobre ha fiaccato Hamas a sud, a Gaza, e Hezbollah a nord, in Libano. Entrambi movimenti terroristici ma quasi istituzionalizzati. Sunnita il primo, sciita il secondo, ma entrambi bracci armati dell’Iran degli ayatollah.

Anziché cancellare Israele è oggi Israele che con l’appoggio dell’America sta regolando i conti nella regione. I Paesi arabi sunniti, Arabia Saudita in testa, stanno alla finestra ma sono pronti a partecipare a un nuovo quadro di equilibri e affari economici.

L’atomica di Teheran certo era un grande spauracchio e può essere stato un movente, ma ora è il cambio di regime la mission. Il regime iraniano resiste con la repressione interna e con le risposte missilistiche che arrivano fino a Cipro, ma viene bombardato 24 ore su 24 specie nei suoi snodi militari nevralgici.

Trump ha detto che si potrà andare avanti a lungo, le conseguenze non si sa quali saranno, ma certo Teheran così non potrà resistere. I media americani dicono nelle ultime ore che la Russia stia aiutando militarmente l’Iran, ma la partita lì sembra destinata a una fine certa.

Stati Uniti e Tel Aviv sono padroni dei cieli e con un martellamento di questo tipo potrebbero non aver bisogno, come si dice, degli scarponi sul campo. Ovvero le forze di terra, ovvero vittime e feriti (purtroppo ce ne sono già da una parte e dall’altra).

Molti sono con la popolazione iraniana che ha subito negli ultimi anni repressioni feroci, molti parlano invece di un diritto internazionale violato. Ma come abbiamo detto prima i feticci del Novecento non ci sono più. E non è vero che vale ora solo la legge del più forte, ma come sempre i più forti riscrivono la Storia.

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Paesaggi iconici, città d’arte e dimore storiche continuano ad attirare coppie da tutto il mondo per i loro matrimoni da sogno. L’Italia si conferma la cornice ideale per “paesaggi romantici e scorci indimenticabili” dove sempre più coppie straniere scelgono località suggestive per pronunciare il fatidico sì generando un giro d’affari che in un solo anno “va oltre il miliardo di euro”. Lo scrive Il Messaggero riportando i dati del Centro Studi Turistici di Firenze secondo cui il 2025 ha registrato “un incremento del 19,6% rispetto all’anno precedente per un fatturato di oltre 1,1 miliardi di euro” con circa 16.700 matrimoni celebrati.

Ad attrarre gli innamorati sono le grandi città d’arte con Roma “in vetta” seguita da Firenze e Venezia, ma anche il Lago di Como che “si piazza sul podio” insieme alla Costiera Amalfitana e alla Val d’Orcia mentre la Toscana resta “la regione più ambita” seguita da Lombardia e Campania. Oltre agli sposi sono arrivati nel Bel Paese “1,1 milioni di invitati” per un totale di oltre 3 milioni di pernottamenti con le coppie che mettono a disposizione un “budget medio di 67mila euro” per coronare il proprio sogno. I dati evidenziano che la crescita riguarda soprattutto gli “sposini extraeuropei che rappresentano oggi il 48,1% del totale” con gli Stati Uniti come “principale mercato con il 31,7%” seguiti da Regno Unito e Germania mentre si affacciano nuovi mercati da Australia, Emirati Arabi e Cina. Nella maggior parte dei casi gli sposi optano per una “cerimonia simbolica che raggiunge infatti il 65,4% del totale delle preferenze” scegliendo come location “ville e i castelli, le residenze storiche e i borghi” ma anche strutture particolari come “masserie e le cantine, i siti archeologici” e persino barche a vela per quello che la presidente di Convention Bureau Italia, Carlotta Ferrari, definisce un “asset strategico per il Paese” capace di trasformare il patrimonio nazionale in un “brand globale”.

(Fonte: © 9Colonne)

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Alla Casa del Cinema di Roma, la conferenza stampa di presentazione del film di Stefano Mordini La Lezione con Matilda De Angelis e Stefano Accorsi, si è trasformata in un confronto aperto su manipolazione, stalking e percezione della realtà.

A commentare il film che – presentato in anteprima alla 20ª edizione della Festa del Cinema di Roma nella sezione Grand Public – esce oggi al cinema, c’erano il regista Stefano Mordini; Matilda De Angelis e Stefano Accorsi; Marco Franzoso, scrittore del libro da cui è tratto il film; lo sceneggiatore Luca Infascelli, il produttore Roberto Sessa e Laura Mirabella di Vision Distribution.

La storia è quella di Elisabetta Sferzi, giovane e brillante avvocatessa di Trieste che, dopo aver difeso con successo dall’accusa di violenza sessuale un carismatico professore universitario, viene ricontattata da lui per intentare una causa contro l’università che, pur avendolo reintegrato, lo relega a un ruolo marginale. Nello stesso momento, il suo passato torna a cercarla: strani segnali, presenze elusive e un senso di costante minaccia le insinuano il dubbio che il suo ex compagno, violento e ossessionato da lei tanto da essere stato condannato per “stalking”, abbia ripreso a perseguitarla. Mentre il confine tra realtà e immaginazione si fa sempre più labile, Elisabetta si decide a scoprire la verità, in un crescendo di tensione che la porterà a ritrovarsi sola e a mettere in discussione tutto quello che credeva di sapere.

In conferenza stampa Mordini ha raccontato la genesi del progetto: «Quando Roberto Sessa mi ha proposto il romanzo, ho sentito che era una storia necessaria. Il libro affrontava stalking e abuso psicologico con grande lucidità. Con Luca Infascelli abbiamo lavorato per trovare una forma cinematografica capace di restituire quella complessità».

Il regista ha scelto un impianto quasi teatrale, con una sola macchina da presa e un uso fortemente simbolico degli elementi naturali: «Abbiamo lavorato sul suono, sul vento come presenza costante, come qualcosa che ti insegue anche quando credi di essere al sicuro. Siamo andati a Trieste, abbiamo studiato il Carso, le case sospese tra città e isolamento. Volevamo raccontare una storia in cui apparentemente non accade nulla, ma ogni dettaglio diventa un segnale».

Determinante anche lo studio dei meccanismi dello stalking: «Il manipolatore trova il suo culmine quando viene riconosciuto dalla vittima. È lì che sente di esistere davvero. Questo paradosso ci ha guidati nella costruzione del film».

Per Matilda De Angelis, La Lezione smonta l’idea della “vittima predestinata”: «La violenza psicologica non è rumorosa, non lascia segni evidenti. Si insinua nella percezione della realtà e la altera. È la mia parola contro la tua. Non esiste un identikit della vittima, può succedere a chiunque, anche a una donna indipendente, forte, economicamente autonoma. Spesso colpisce proprio chi è empatico e disposto a mettersi in discussione». E aggiunge: «Non possiamo controllare la reazione degli altri. Possiamo controllare solo noi stessied è nell’idea di lasciare andare il controllo degli altri diventiamo veramente padroni di noi stessi. Aldo Penna scriveva “di tutte le prigioni che ho abitato, di tutte possedevo la chiave” e in qualche modo in questo si riassume quel senso, noi possediamo la chiave di quella prigione molte volte, però purtroppo la verità si costruisce a ritroso e quindi molto spesso lo capiamo solo in seguito ad un abuso ed è questo il motivo per cui la lezione non è ancora finita e dobbiamo continuare a parlarne».

Quando le abbiamo chiesto quale fosse la lezione imparata nella sua esperienza americana e che riporta nel cinema di casa, ci ha risposto che «è sempre di rimanere uguale a me stessa. Non c’è, per me, romanticizzazione, cioè fuori, dentro, dentro è come fuori, fuori è come dentro. La mia lezione è di rimanere sempre esattamente quella che sono da quando ho 18 anni».

Stefano Accorsi ha approfondito la natura ambigua del professor Walder: «Il manipolatore gioca con le parole, normalizza continuamente, fa dubitare l’altro della propria percezione. E spesso altera anche la propria, per coprire fragilità e limiti».

L’attore ha raccontato un lungo lavoro di documentazione e confronto condiviso con il regista e la co-protagonista: «Esistono categorie, comportamenti ricorrenti. Ma a un certo punto lo studio deve diventare fisico, entrare nel corpo. Molte sfumature sono nate nel momento, sul set, soprattutto nelle scene nella casa sul Carso». Colpisce il racconto personale di Accorsi che durante le riprese ha parlato con una donna vittima di stalking: «Mi ha detto che quando ha disinnescato la paura, il potere del manipolatore si è ridotto. È stato un passaggio illuminante. Ma è difficilissimo capire cosa fare, perché ogni reazione rischia di amplificare la sua presenza».

E sul mestiere dell’attore: «Con ruoli così drammatici bisogna mantenere lucidità, uscire dal personaggio è necessario e anche scherzare sul set aiuta a farlo».

L’autore del romanzo, Marco Franzoso, accetta il tradimento necessario dell’adattamento: «Un bel film deve tradire il libro. Qui ho scoperto aspetti dei miei personaggi che non conoscevo». Due parole guidavano la sua scrittura: rabbia e paura. «Vanno insieme, si alimentano. Sono come il vento: invisibili ma capaci di cambiarti la vita. L’ambientazione a Trieste restituisce perfettamente questa dimensione impalpabile».

Luca Infascelli, che firma la sceneggiatura del film insieme a Stefano Mordini, ha raccontato che la sfida principale era rendere credibile l’isolamento della protagonista: «La sfida di Elisabetta è quella di provare a capire, a ritrovare il suo centro, le sue certezze. Lei percepisce segnali, ma per metà film nessuno le crede. Anche chi le vuole bene minimizza. Questo aspetto, questo isolamento, la spinge verso una scelta radicale: cercare la verità da sola».

Per il produttore Roberto Sessa, il film “era già tutto nel romanzo”, ma la regia di Mordini ha trovato una chiave cinematografica personale e potente.

Laura Mirabella, per Vision Distribution, sottolinea invece il valore simbolico dell’uscita in questi giorni, a ridosso dell’8 marzo, festa della donna: «Non è solo un film di genere sulla violenza, ma una storia di empowerment femminile. Racconta una donna che reagisce, cerca la propria verità e trova il coraggio di agire. È un messaggio importante, soprattutto per le giovani donne».

Da oggi al cinema, La Lezione è un invito a riflettere sulla nostra percezione della realtà e su cosa siamo disposti a fare quando qualcuno, subdolamente, decide di incrinarla.

La Lezione di Stefano Mordini è prodotto da Roberto Sessa ed è una produzione Picomedia (gruppo Asacha, parte di Fremantle) e Vision Distribution, in collaborazione con Sky. La distribuzione è a cura di Vision Distribution. L’opera è stata realizzata con il contributo del Fondo per lo sviluppo degli investimenti nel cinema e nell’audiovisivo del MiC – Direzione Generale Cinema e Audiovisivo e con il contributo della Friuli Venezia Giulia Film Commission – PromoTurismoFVG. Nel cast, accanto a Matilda De Angelis e Stefano Accorsi ci sono: Marlon Joubert, Eugenio Franceschini, Lidia Liberman, Marco Maccieri e Alberto Benedetto Lutri. La sceneggiatura è firmata da Stefano Mordini e Luca Infascelli; la fotografia è di Luigi Martinucci, il montaggio di Davide Minotti, la scenografia di Isabella Angelini e i costumi di Giovanni Schiera.

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Questo numero de ilNewyorkese nasce da un’idea semplice: per un mese la nostra redazione è stata affidata agli studenti della Scuola d’Italia di New York. Hanno scritto, discusso, corretto e deciso cosa meritasse di restare e cosa invece dovesse essere eliminato. Hanno imparato che ogni parola pubblicata lascia una traccia. Che mettere il proprio nome su un articolo significa assumersene la responsabilità. Che informare il pubblico non significa riempire uno spazio – significa assumersi un compito.

Insieme al corpo docente della scuola, coordinato da Cristiana Grassi, e con il contributo di Cristiana Mancini di Sky TG24, ci siamo concentrati sul metodo: verificare le fonti, costruire titoli solidi, capire la differenza tra fatti e opinioni e riconoscere quanto tempo serva per arrivare a una versione di una storia capace di reggersi davvero da sola.

Il giornalismo richiede disciplina. Richiede rigore. Richiede la capacità di sospendere il giudizio finché i fatti non sono chiari. La stampa resta uno dei luoghi in cui prende forma il pensiero pubblico. Le persone che lavorano in una redazione decidono cosa entra nella conversazione condivisa e cosa ne resta fuori. Stabiliscono le priorità. Costruiscono una prima pagina che contribuisce a definire il modo in cui una comunità guarda il mondo.

Un potere di questo tipo richiede misura. Richiede consapevolezza.

Quando la selezione diventa approssimazione, quando i titoli inseguono l’effetto facile, il danno va oltre la singola storia. La fiducia si indebolisce. La reputazione si perde.

Permettere agli studenti di vivere questo processo significa renderli consapevoli del peso che le parole portano con sé. Un titolo può cambiare il modo in cui un fatto viene percepito. Un articolo può influenzare nel tempo il modo in cui una comunità viene vista.

Nel numero che avete tra le mani esploriamo identità, comunità e punti di vista. Raccontiamo cosa significa essere italiani a New York, il rapporto tra generazioni, il modo in cui il senso di appartenenza si costruisce lontano da casa. Non sono temi neutri: influenzano direttamente il modo in cui una comunità viene percepita e riconosciuta.

All’interno di questo percorso, l’intervista a Federico Rampini assume un significato particolare. Gli studenti hanno avuto l’opportunità di confrontarsi con uno dei giornalisti italiani più influenti – una voce che osserva il mondo attraverso una prospettiva internazionale da decenni.

Quando qualcuno con un’esperienza di questo livello sceglie di confrontarsi con degli studenti, è anche un riconoscimento della serietà del lavoro che stanno facendo. È un passaggio di testimone culturale prima ancora che professionale.

A ilNewyorkese lavoriamo partendo da una convinzione precisa: le comunità italiane nel mondo producono cultura, relazioni e visione. Questo numero mostra che questo lavoro può essere condiviso. Che la responsabilità editoriale si impara praticandola.

Abbiamo scelto di chiamare questo numero School of Record, richiamando l’espressione newspaper of record, che indica una fonte destinata a restare nella memoria collettiva. Perché la scuola è il luogo in cui si impara la lezione più difficile: scrivere sapendo che ciò che pubblichi non scompare – entra nello spazio pubblico.

Se questi studenti porteranno con sé anche solo una parte di questa esperienza, avranno acquisito qualcosa di essenziale: scrivere per un giornale significa rispondere di ciò che si mette nello spazio pubblico.

E oggi, già questo è una forma di maturità.

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Negli ultimi mesi a New York si sono moltiplicati eventi curiosi nati su internet e poi trasferiti negli spazi pubblici della città: concorsi di sosia dedicati a personaggi della cultura pop, organizzati tramite piattaforme social e diffusi rapidamente tra i giovani. Negli scorsi mesi si sono già visti raduni simili ispirati ad attori come Timothée Chalamet o a cantanti molto popolari, e nelle prossime settimane è previsto anche un concorso dedicato al rapper portoricano Bad Bunny. È dentro questa piccola tendenza urbana che si inserisce l’ultimo evento annunciato a Manhattan: un concorso di sosia di John F. Kennedy Jr., previsto per domenica 8 marzo a Washington Square Park.

L’iniziativa nasce sull’onda dell’attenzione suscitata dalla nuova serie televisiva Love Story: John F. Kennedy Jr. & Carolyn Bessette, creata dal produttore statunitense Ryan Murphy, autore di serie di grande successo come American Horror Story e American Crime Story. La produzione racconta la relazione tra John F. Kennedy Jr., interpretato dall’attore Paul Anthony Kelly, e Carolyn Bessette-Kennedy, interpretata da Sarah Pidgeon. Kennedy Jr. era il figlio del presidente John F. Kennedy e uno degli eredi più in vista della famiglia politica più famosa degli Stati Uniti; negli anni Novanta era anche editore della rivista George, progetto editoriale con cui cercò di avvicinare politica e cultura pop. Carolyn Bessette, invece, lavorava come addetta stampa per la casa di moda Calvin Klein e divenne rapidamente un’icona di stile per il suo minimalismo elegante.

La serie è ambientata nella Manhattan degli anni Novanta e molte scene sono state girate proprio in città. Oltre a riaccendere l’interesse per la coppia – morta tragicamente nel 1999 in un incidente aereo al largo del Massachusetts – ha riportato al centro dell’attenzione anche l’estetica di quel periodo. In particolare lo stile di Carolyn Bessette, fatto di linee pulite, colori neutri e accessori essenziali, è tornato a circolare sui social e nelle conversazioni sulla moda. Alcuni negozi storici della città hanno registrato un aumento di curiosità legato proprio a questa rinnovata attenzione: il ristorante indiano Panna II Garden nell’East Village, spesso citato nelle ricostruzioni della vita notturna degli anni Novanta, e la farmacia storica C.O. Bigelow, nota per cosmetici e accessori per capelli, sono tornati a essere meta di visitatori e curiosi.

Il concorso di sosia si svolgerà domenica alle 13 a Washington Square Park, uno dei parchi più frequentati di Manhattan e luogo tradizionalmente associato a raduni spontanei, performance artistiche e iniziative organizzate online. Secondo il volantino diffuso tramite la piattaforma di eventi Partiful, i partecipanti si sfideranno per aggiudicarsi un premio di 250 dollari e, soprattutto, il riconoscimento simbolico di miglior sosia di Kennedy Jr. L’invito online ha già raccolto oltre 450 adesioni e più di 200 persone interessate a partecipare come spettatori.

Il fenomeno dei concorsi di sosia non è nuovo, ma negli ultimi anni ha trovato una nuova diffusione grazie ai social network e alle piattaforme di organizzazione eventi. A New York, in particolare, questi raduni funzionano spesso come piccoli eventi virali che trasformano piazze e parchi in scenografie temporanee per omaggi collettivi alla cultura pop. In questo caso, però, il richiamo non riguarda solo una figura famosa: riporta in superficie anche un immaginario preciso, quello della Manhattan degli anni Novanta e del fascino pubblico della famiglia Kennedy.

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Con La Sposa! (The Bride!), uscito oggi 5 marzo nelle sale statunitensi e anche nei cinema italiani, Maggie Gyllenhaal torna al mito di Frankenstein scegliendo di raccontare la storia dal punto di vista della figura più elusiva del racconto: la sposa destinata alla creatura.

Il film dialoga apertamente con due tradizioni. Da una parte il romanzo di Mary Shelley, Frankenstein; or, The Modern Prometheus, dove lo scienziato Victor Frankenstein dà vita a un essere assemblato da corpi morti e poi lo abbandona. Dall’altra il cinema classico Universal, in particolare La Sposa di Frankenstein, il celebre sequel diretto da James Whale che nel 1935 trasformò la sposa in un’icona visiva del gotico cinematografico. L’immagine creata allora — grazie alla scenografia di Charles D. Hall, al trucco di Jack Pierce e alla pettinatura ideata da Irma Kusely — è rimasta una delle più riconoscibili dell’horror classico, legata alla breve ma memorabile apparizione di Elsa Lanchester.

Uno degli aspetti più discussi di quel film è proprio l’assenza della protagonista annunciata dal titolo: la sposa appare solo negli ultimi minuti e non parla. La Sposa! parte da questa mancanza e prova a immaginare cosa succederebbe se quel personaggio avesse davvero una storia.

Gyllenhaal costruisce così un racconto ambientato tra Chicago e New York negli anni Trenta, un’epoca segnata dalla fine del proibizionismo, dall’espansione delle reti criminali e da città che crescono a ritmi febbrili. Il paesaggio urbano che attraversano i personaggi — cinema di quartiere, strade illuminate al neon, locali notturni e vicoli dominati da gangster — richiama l’immaginario dei crime movie dell’epoca ma anche la realtà di una metropoli in trasformazione, dove la linea tra spettacolo e violenza era spesso sottile.

La creatura — che qui si fa chiamare Frank ed è interpretata da Christian Bale — arriva in città alla ricerca di qualcuno che possa aiutarlo a creare una compagna. Si rivolge alla scienziata Dr. Euphronius, interpretata da Annette Bening. Insieme riportano in vita Ida, una giovane donna assassinata. Da quell’esperimento nasce la sposa, interpretata da Jessie Buckley. 

Ida proviene proprio da quel mondo criminale che definiva gran parte della vita urbana dell’epoca. Negli anni Trenta, tra New York e Chicago, la figura del gangster era già entrata nell’immaginario popolare, alimentata da giornali, radio e dal cinema stesso. Il film sfrutta questa dimensione quasi mitologica della criminalità: inseguimenti, investigatori, vendette e organizzazioni clandestine diventano il contesto in cui si muovono i protagonisti.

Il film introduce anche una presenza inattesa: la stessa Mary Shelley, interpretata sempre da Buckley. La scrittrice appare come una sorta di fantasma che attraversa la narrazione e osserva la creatura che ha immaginato due secoli prima. Questa scelta fa sì che l’attrice si muova costantemente tra identità diverse: Shelley, Ida e la sposa.

La relazione tra Frank e la sposa diventa il centro emotivo del film. Lui appare come un outsider goffo e curioso, quasi adolescente, che prova a imparare come comportarsi osservando gli attori nei film che ama. Non è un dettaglio secondario: i cinema degli anni Trenta, palazzi monumentali dove il pubblico cercava evasione durante la Grande Depressione, diventano per Frank una scuola sentimentale. Sullo schermo studia come parlare, come muoversi, come corteggiare. Lei è imprevedibile, sensuale e violenta. Il loro rapporto alterna attrazione, complicità e distruzione.

Dal punto di vista visivo il film segue una direzione molto marcata. L’estetica mescola suggestioni punk, noir e musical, con un’ambientazione anni Trenta filtrata da musica contemporanea e momenti coreografici

Scenografie, costumi e trucco contribuiscono in modo decisivo a definire questo universo visivo. Il laboratorio della scienziata appare come uno spazio sospeso tra scienza e memoria, quasi un luogo rituale dedicato alla figura di Mary Shelley. L’aspetto stesso della sposa — con il segno scuro sul volto e i costumi provocatori — diventa un gesto di sfida alle convenzioni sociali e ai modelli di femminilità tradizionali. 

Il film affronta vari temi — dalla violenza contro le donne alla marginalità sociale, fino alla nascita di movimenti radicali — senza sempre svilupparli pienamente. Alcune sottotrame, come quelle legate agli investigatori interpretati da Peter Sarsgaard e Penélope Cruz o alla criminalità organizzata che perseguita la sposa, rimangono sullo sfondo.

Il risultato è un film irregolare ma ambizioso, che alterna momenti di forte energia visiva a passaggi narrativi più disordinati con la sposa che danza, fugge, uccide e si innamora di una creatura mostruosa quanto lei. Il film non risolve sempre le sue idee, ma mostra la volontà di portare un blockbuster in territori insoliti.

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Fare impresa a New York, tra le dinamiche competitive di Manhattan e le sfide del mercato globale, richiede un pragmatismo che la business community italiana negli Stati Uniti conosce alla perfezione. Da questa prospettiva d’oltreoceano, quando si guarda a Roma, è facile scivolare nello stereotipo: una Capitale innegabilmente splendida, ma percepita come economicamente immobile, legata al turismo e intrappolata nelle maglie della burocrazia.

A scardinare questa visione ci pensa oggi il libro “Roma capitale d’imprese – La città che osa imprendere”. Il volume è un viaggio tra aziende che raccoglie le analisi e le testimonianze dirette di chi, nella Capitale, costruisce valore ogni giorno, lontano dai facili cliché.

“Questo progetto nasce dall’esigenza di dare voce a una Roma diversa,” spiega Mauro Antonini, ideatore dell’opera. “Vogliamo dimostrare che la Capitale è un terreno fertile per chi ha la visione e la determinazione di osare. Non è solo la città della lentezza amministrativa, ma un ecosistema vivace di talenti e imprese che meritano di essere raccontati e compresi, specialmente da chi ci guarda dall’estero.”

Tra le voci e le storie raccolte nel libro, spicca in modo particolare il contributo di Stefano Maina. La sua analisi entra nel vivo delle dinamiche aziendali del territorio, mettendo in luce un tessuto produttivo che non si limita a sopravvivere, ma che progetta e compete. Maina esplora con lucidità le strategie di chi fa impresa a Roma, evidenziando come la flessibilità e l’innovazione siano le vere risposte alle difficoltà strutturali della città. Il suo è un focus attento e pragmatico, che restituisce dignità a una rete di professionisti capaci di trasformare gli ostacoli in leve competitive.

Ma il mosaico di questa “Roma che produce” prende forma a tutto tondo grazie alle esperienze degli altri imprenditori e coautori coinvolti nel progetto. Figure come Marco Travaglini, Giada Giorgia Mattei, Stefano Cocco e Valerio Savaiano portano sulle pagine del libro le rispettive competenze e storie aziendali. Dalla finanza all’innovazione tecnologica, dalla gestione strategica alle nuove frontiere della creatività d’impresa, le loro testimonianze compongono un quadro corale di un’imprenditoria che fa rete e genera sviluppo sul territorio.

Ed è proprio qui che le storie raccontate nel libro creano un ponte naturale con l’esperienza degli italiani a New York. Il coraggio descritto da Maina e dai suoi colleghi è mosso dalla stessa determinazione di chi ha saputo affermarsi oltreoceano. Entrambi i mondi condividono la necessità di leggere i mercati in anticipo, la propensione al rischio calcolato e un forte orientamento al risultato.

Le pagine di Roma capitale d’imprese lanciano un messaggio inequivocabile ai professionisti internazionali: la Capitale italiana sta lavorando sodo per modernizzare la propria economia. Leggere queste storie significa scoprire un hub potenziale per nuove sinergie di business e un territorio che merita di essere considerato non solo come meta per le vacanze, ma come un solido e vitale partner commerciale.

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La National Italian American Foundation (NIAF) è orgogliosa di annunciare che l’acclamato comico, attore, podcaster e icona culturale Sebastian Maniscalco sarà il primo premiato del Gala per il 51° anniversario della NIAF, che si terrà sabato 17 ottobre 2026 presso lo storico Washington Hilton di Washington, D.C. Questo prestigioso evento renderà omaggio a importanti leader italiani e italoamericani, celebrando al contempo l’impegno costante della NIAF nella preservazione e promozione del patrimonio italiano negli Stati Uniti.

Sebastian Maniscalco è un comico da record con oltre due decenni di successi straordinari. Celebre per la sua comicità fisica dinamica e per la sua narrazione tagliente, ha infranto record di vendita e presenze nei principali palazzetti, tra cui Madison Square Garden, United Center, Scotiabank Arena, Prudential Center, UBS Arena e Hertz Arena, diventando inoltre il primo comico a esibirsi come headliner nel nuovo Intuit Dome di Los Angeles.

«Siamo onorati di premiare Sebastian Maniscalco al nostro Gala per il 51° anniversario», ha dichiarato il presidente e CEO della NIAF, Robert Allegrini. «Sebastian ha dedicato la sua carriera a celebrare cosa significa essere italoamericano, con onestà, umorismo e un’autenticità inconfondibile. La sua storia è quella di tante famiglie italoamericane, e il suo successo testimonia i valori che definiscono la nostra comunità».

Maniscalco ha conquistato il primo posto come tour comico con il maggior incasso nel Midyear 2025 Boxscore Report di Billboard, è entrato nella Top 20 globale dei tour di concerti di Pollstar (in tutti i generi) e ha chiuso l’anno come terzo tour comico con il maggiore incasso complessivo. Il suo speciale It Ain’t Right, registrato allo United Center, è diventato il titolo numero uno su Hulu entro 24 ore dall’uscita. Autore bestseller e co-conduttore di The Pete and Sebastian Show, ha recitato nella commedia drammatica premio Oscar Green Book, nel crime epico candidato all’Oscar The Irishman e in The Super Mario Bros. Movie. Ha inoltre co-scritto, prodotto e interpretato About My Father accanto a Robert De Niro, diventato successivamente un successo globale su Netflix. È protagonista della serie Bookie, presta la voce al podcast Apple Easy Money: The Charles Ponzi Story e, insieme alla moglie Lana, sostiene i veterani, la ricerca sull’Alzheimer e l’accesso all’istruzione per bambini di comunità svantaggiate attraverso la Tag You’re It! Foundation.

Il Gala per il 51° anniversario della NIAF sarà anche un omaggio speciale al 250° anniversario degli Stati Uniti e al contributo determinante che italiani e italoamericani hanno dato alla fondazione, alla crescita e all’arricchimento del Paese. Dall’epoca delle esplorazioni ai campi della scienza, dell’arte, della cucina e della politica, l’eredità italoamericana è intrecciata nel tessuto della vita americana e il Gala celebrerà con orgoglio questa tradizione.

A rendere la serata ancora più significativa, il Gala onorerà la regione Lombardia come “Regione d’Onore” NIAF 2026. Motore economico d’Italia e sede delle Olimpiadi Invernali Milano Cortina 2026, la Lombardia rappresenta la fusione tra tradizione e innovazione che attraversa i secoli: dalla leadership globale di Milano nella moda e nella finanza ai leggendari violini Stradivari di Cremona, dai marchi iconici come Campari alle tradizioni artigianali secolari.

Nel corso della giornata, la NIAF ospiterà inoltre il NIAF Forum presso il Washington Hilton, con una serie di conferenze e incontri dedicati alla cultura, al patrimonio e ai successi italiani e italoamericani. Il Forum riunirà leader di pensiero, figure culturali e rappresentanti della comunità per una giornata di confronto e approfondimento prima delle celebrazioni serali.

Una parte dei proventi del Gala sosterrà i programmi educativi e culturali della NIAF, tra cui viaggi studio in Italia per studenti e altre iniziative volte a connettere le nuove generazioni di italoamericani alle proprie radici. Programmi che garantiscono la continuità dell’impatto della NIAF nel tempo.

Ulteriori premiati e dettagli sul programma saranno annunciati nei prossimi mesi. Per informazioni su biglietti, tavoli e opportunità di sponsorizzazione, visitare NIAF.org.

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In occasione della settima edizione annuale della Festa della Donna 2026, tenutasi a New York presso il famoso Triad Theater il Consiglio Amministrativo della Contea di Westchester, New York, ha premiato l’artista Cristiana Pegoraro, ospite d’onore della serata, istituendo il “Cristiana Pegoraro Day”, che sarà celebrato il 28 marzo 2026.

“La carriera di Cristiana Pegoraro come interprete, compositrice e sostenitrice delle arti riflette il profondo impatto delle donne nel plasmare il panorama musicale mondiale”.

Così è stata descritta la motivazione del meritato riconoscimento nella proclamazione del Consiglio Amministrativo, consegnata a Cristiana Pegoraro durante l’evento da David Tubiolo membro del Westchester County Board of Legislators.

La pianista Cristiana Pegoraro, artista conosciuta in tutto il mondo, è direttore artistico del famoso Festival di Narnia e, oltre alla sua carriera concertistica nei cinque continenti e alla sua ampia discografia che include cinque CD con sue composizioni  è anche autrice del libro di poesie “Ithaka” e di una collana di favole per bambini tratte dalle opere liriche.

Cristiana ha ricevuto oltre 40 riconoscimenti a livello internazionale, tra cui il World Peace Award del Circolo Culturale Italiano delle Nazioni Unite, New York; la Mela d’Oro Premio Bellisario della Fondazione Marisa Bellisario; il Premio Simpatia e il Premio “Fabrizio Frizzi” dalla Fondazione Nazionale Gigi Ghirotti Onlus, come “Ambasciatrice della Cultura Italiana nel mondo”.

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Dopo diverse settimane segnate da tempeste di neve, temperature rigide e giornate particolarmente fredde, le previsioni meteo per New York indicano un possibile cambiamento improvviso. Nella seconda settimana di marzo, secondo diversi servizi meteorologici, le temperature potrebbero salire fino a circa 23-24 gradi Celsius, valori che per la città rappresentano un anticipo piuttosto netto della stagione primaverile.

L’inverno 2025-2026 nell’area metropolitana di New York è stato caratterizzato da più episodi di freddo intenso e nevicate diffuse, con temperature spesso vicine o inferiori allo zero durante le ore notturne e accumuli di neve che in alcune zone della città sono rimasti visibili per giorni sui marciapiedi e ai bordi delle strade. Episodi di freddo simile non sono rari nel Nord-Est degli Stati Uniti, ma la combinazione tra precipitazioni frequenti e ondate di aria polare ha reso le ultime settimane particolarmente rigide rispetto alla media stagionale.

Le proiezioni meteorologiche indicano che martedì 10 marzo la temperatura massima potrebbe arrivare intorno ai 23 gradi, mentre mercoledì 11 marzo dovrebbe stabilizzarsi poco sopra i 20 gradi. Alcuni modelli prevedono valori percepiti ancora più elevati: secondo l’indice RealFeel utilizzato da AccuWeather – che combina temperatura, umidità, vento e irraggiamento solare – la sensazione termica potrebbe avvicinarsi ai 27 gradi nella giornata di martedì e restare intorno ai 24 il giorno successivo.

Il rialzo non dovrebbe durare a lungo ma potrebbe segnare una fase di transizione verso condizioni più miti. Per giovedì 12 marzo le previsioni indicano temperature intorno ai 17 gradi, comunque significativamente più alte rispetto ai valori registrati nelle settimane precedenti. I meteorologi sottolineano però che, a questa distanza temporale, le previsioni restano soggette a possibili variazioni: nelle prossime giornate sono ancora attesi valori compresi tra 0 e 4 gradi e non si esclude qualche ulteriore precipitazione nevosa.

Un altro fattore che contribuisce alla percezione dell’arrivo della primavera è l’allungamento delle giornate. Domenica 8 marzo negli Stati Uniti entrerà in vigore l’ora legale: a New York il tramonto passerà dalle 17:54 alle 18:55, guadagnando più di un’ora di luce serale. È un cambiamento che, ogni anno, segna simbolicamente l’inizio della stagione delle attività all’aperto, in una città dove bar, ristoranti e spazi pubblici tornano a riempirsi non appena le temperature lo permettono.

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Acquistare un appartamento a New York con un mutuo significa confrontarsi con una clausola spesso sottovalutata, ma fondamentale: la mortgage contingency. Una clausola tecnica? Sì. Un dettaglio secondario? Assolutamente no. In una città dove il deposito alla firma può facilmente superare i 100.000 dollari, capire come funziona questa clausola può fare la differenza tra un investimento protetto e una perdita significativa.

Quando l’offerta viene accettata, a New York si entra rapidamente nella fase contrattuale. Gli avvocati negoziano il contratto di compravendita e, al momento della firma, l’acquirente versa un deposito pari al 10% del prezzo di acquisto. Questo deposito non è simbolico. È reale. Ed è vincolante. Da quel momento, se l’acquirente non riesce a concludere l’operazione, rischia di perderlo… a meno che il contratto non preveda specifiche tutele. Ed è qui che entra in gioco la mortgage contingency.

Cos’è la mortgage contingency? La mortgage contingency clause protegge l’acquirente nel caso in cui la banca non approvi il mutuo entro una data stabilita nel contratto. In altre parole:

• Se la banca dice no e la clausola è presente, l’acquirente può uscire dal contratto e recuperare il deposito.
• Senza questa clausola, il rischio è perdere l’intero 10%.

Il contratto definisce:

• l’importo del mutuo richiesto
• la data entro cui la banca deve rilasciare il loan commitment
• l’obbligo dell’acquirente di presentare domanda in modo tempestivo e in buona fede

Se entro quella data:

• il mutuo viene approvato → la vendita procede verso il closing
• il mutuo viene negato → l’acquirente può annullare il contratto e riottenere il deposito
• la banca ritarda → si può negoziare un’estensione con il venditore

È fondamentale che l’acquirente dimostri di aver collaborato pienamente con l’istituto di credito. Non è una “scappatoia”, ma una protezione legittima. Immaginiamo un acquisto a Manhattan per 1.200.000 dollari. Alla firma del contratto, l’acquirente versa 120.000 dollari di deposito e inserisce una mortgage contingency per un mutuo dell’80%, con 45 giorni per ottenere l’approvazione.

La banca esamina il profilo finanziario dell’acquirente, tutto in ordine. Ma durante la due diligence sull’edificio emerge una causa legale pendente contro il condominio. Risultato: la banca rifiuta il finanziamento.

• Con la mortgage contingency → l’acquirente può annullare l’operazione e recuperare i 120.000 dollari.
• Senza la clausola → avrebbe potuto perdere l’intero deposito, anche senza colpa.

Il mercato newyorkese ha regole uniche: le co-op hanno criteri di approvazione molto rigidi, le banche analizzano non solo l’acquirente ma anche la solidità finanziaria dell’edificio e spesso le valutazioni possono risultare inferiori al prezzo di acquisto. Qui la mortgage contingency non è una formalità ma una rete di sicurezza fondamentale.

Nei mercati altamente competitivi, alcuni acquirenti eliminano la mortgage contingency per rendere l’offerta più attraente al venditore. Per il venditore significa meno incertezza. Per l’acquirente significa assumersi tutto il rischio. Questa scelta ha senso solo per chi ha grande solidità finanziaria o liquidità alternativa. Per tutti gli altri, è una decisione da valutare con estrema attenzione.

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Si apre in tribunale: un’accusa di violenza che si scioglie all’improvviso, una ritrattazione che lascia nell’aria una parola tossica – “esagerare”. È da lì che parte La lezione, thriller che riporta Stefano Mordini alle sue atmosfere preferite dopo la parentesi internazionale di Race for Glory. E da lì comincia anche lo scivolamento della protagonista, Elisabetta Sferzi (Matilda De Angelis), giovane avvocata con un passato recente di abusi, dentro un presente che non smette di sembrarle minaccioso.

Ha appena difeso il professor Angelo Walder (Stefano Accorsi), docente universitario accusato da una studentessa. Lui ora vuole rivalersi contro l’ateneo che lo ha reintegrato solo formalmente, lasciandolo ai margini. Intanto l’ex compagno di lei, Daniele (Marlon Joubert), violento e ossessivo, ha terminato il periodo di controllo giudiziario per stalking. Coincidenze? Suggestioni? Paura fondata? Quando iniziano ad arrivare segnali concreti – la sensazione di essere seguita, un video che la riprende di nascosto – il film dovrebbe farci vacillare insieme a lei.

Dovrebbe. Perché il problema non è l’idea, ma la gestione del sospetto. Il film parla di stalking, controllo, potere maschile che si traveste da protezione. Mostra uomini che si avvicinano “per precauzione”, che sorvegliano, che consigliano. Walder stesso è presenza ambigua: colto, misurato, ma sempre troppo presente. E attorno a Elisabetta gravitano figure maschili – colleghi, amici, confidenti – che oscillano tra sostegno e invasione. Al centro c’è una donna che rifiuta di essere liquidata come suggestionabile o paranoica.

Il tema è forte e attuale, e la regia è elegante, controllata, visivamente curata. Trieste, con la Barcolana a riempire le strade, fa da contrappunto allo chalet isolato nei boschi dove Elisabetta si rifugia: uno spazio che dovrebbe rassicurare e invece amplifica ogni rumore, ogni scricchiolio, ogni pensiero.

Ma un thriller vive di incertezza, e qui l’incertezza dura poco. Le traiettorie sono leggibili, le ambiguità sembrano predisposte con troppa evidenza. La paranoia resta soprattutto della protagonista, non diventa mai davvero nostra. Si intuisce presto dove il film andrà a parare, e l’attesa finisce per sostituire il dubbio.

Non è un brutto film. È compatto, ben interpretato, sostenuto da una prova intensa di De Angelis e da un Accorsi che lavora sull’ambiguità con misura. Scorre senza cedimenti evidenti. Ma resta la sensazione di un’opera che preferisce spiegare piuttosto che insinuare, che mantiene sempre il controllo anche quando racconta la perdita di controllo.

La Lezione arriverà nei cinema italiani il 5 marzo 2026.

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Per la prima volta, l’Istituto Italiano di Cultura di New York, diretto da Claudio Pagliara, scende in campo a sostegno di un progetto artistico di Simona Rodano, eccellenza italiana nel mondo del teatro a New York. Si tratta di una rivisitazione di Pinocchio, a 200 anni dalla nascita di Carlo Collodi: lo spettacolo, che sarà portato nelle settimane successive in diversi teatri di New York, si intitola “Pinocchio Pop”.

Tutti i dettagli, oggi alle 17, in Park Avenue, in una conferenza stampa che vedra’ la partecipazione di Simona Rodano e on il videoconferenza di Roby Facchinetti dei Pooh.

Pinocchio Pop è una rivisitazione originale della celebre storia di Carlo Collodi, pensata specificamente per il pubblico scolastico K-12, ma capace di coinvolgere tutti coloro che amano la lingua italiana e desiderano avvicinarsi ad essa attraverso l’arte, la musica e il teatro. Lo spettacolo nasce con un forte intento educativo: utilizzare il linguaggio universale dello spettacolo dal vivo per rendere l’apprendimento dell’italiano un’esperienza emozionale, partecipativa e memorabile.

La scelta di utilizzare le canzoni dei Pooh deriva da un percorso artistico personale di Simona Rodano durato oltre dieci anni, trascorsi in tournée nazionali e internazionali con Pinocchio – Il Grande Musical, esperienza che ha profondamente segnato la vita e la mia carriera artistica. A partire da questa eredità musicale, il book è stato completamente riscritto, progettato e adattato pensando ai giovani americani che studiano, o desiderano studiare, la lingua italiana. Il progetto si fonda su vent’anni di esperienza diretta nelle scuole, iniziata con piccoli interventi nelle classi e cresciuta progressivamente fino a coinvolgere oggi oltre 4.000 studenti nei teatri del territorio.

Il potenziale di espansione resta tuttavia molto più ampio, a testimonianza di un crescente interesse verso programmi educativi artistici dedicati alla lingua italiana. Incanto Productions rappresenta attualmente l’unica compagnia negli Stati Uniti che produce contenuti teatrali e musicali in lingua italiana progettati specificamente per le scuole, portando spettacoli itineranti sia nei teatri sia direttamente negli istituti scolastici americani.

Produzione: Incanto Productions
Ideazione e Direzione Artistica: Simona Rodano

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Si è svolta ieri, alla Casa Italiana Zerilli-Marimò della New York University, la presentazione di “School of Record”, il numero speciale de ilNewyorkese interamente ideato e realizzato dagli studenti de La Scuola d’Italia Guglielmo Marconi.

Per oltre un mese la redazione del giornale ha lasciato spazio agli studenti, trasformando il lavoro editoriale in un’esperienza dal forte impatto formativo. I ragazzi hanno lavorato come una vera redazione, tra riunioni editoriali, scelta dei temi, assegnazione degli articoli, interviste e revisione dei contenuti, fino alla chiusura del numero.

L’evento si è aperto con i saluti di Stefano Albertini, direttore della Casa Italiana Zerilli-Marimò, che ha sottolineato il valore di iniziative capaci di mettere in dialogo scuola, università e comunità italiana negli Stati Uniti. Sono seguiti i saluti istituzionali del Console Generale d’Italia a New York, Giuseppe Pastorelli, e di Silvana Mangione, Vice Segretario Generale del CGIE.

Nel panorama giornalistico italiano qui a New York, quella de ilNewyorkese è una realtà dinamica, attenta alla qualità dell’informazione e presente nella comunità. Mi sono ritrovato qualcuno del ilNewyorkese ovunque andassi e questo vuol dire che c’è passione, voglia di andare a cercare notizie. ilNewyorkese ha costruito la sua reputazione nel tempo ed è una tessera di questa grande collettività.

Ha detto il Console Pastorelli.

A moderare l’incontro è stato Davide Ippolito, fondatore de ilNewyorkese, che ha raccontato la genesi del progetto spiegando come l’idea fosse quella di “fare un passo di lato” e lasciare che fossero i ragazzi a raccontare la propria generazione e il rapporto con l’identità italiana a New York.

Nel corso dell’incontro sono intervenuti Anthony Martire, Head of School della Scuola d’Italia, Cristiana Mancini, caposervizio Esteri di SkyTg24, e Bilena Settepani, imprenditrice e pastry chef di “Settepani Bakery”, ex studentessa dell’istituto.

Ampio spazio è stato dato proprio agli studenti, che hanno raccontato il lavoro svolto dietro le quinte del numero speciale: dalla preparazione delle interviste a personalità del giornalismo e delle istituzioni, alla divisione dei compiti redazionali, fino alla scelta dei temi. Tra le interviste pubblicate nel numero figurano quella al giornalista Federico Rampini, all’On. Christian Di Sanzo, e a diversi protagonisti della comunità italo-americana.

Durante la serata sono saliti sul palco numerosi studenti coinvolti nel progetto editoriale, tra cui rappresentanti delle classi della middle school e della high school, che hanno raccontato il processo di lavoro e posto domande agli ospiti presenti.

Nel corso dell’incontro è stata anche presentata la proposta editoriale e formativa della Scuola d’Italia Guglielmo Marconi, unica scuola a New York a offrire contemporaneamente il doppio diploma italiano e l’International Baccalaureate, con un percorso bilingue e biculturale che prepara gli studenti all’accesso alle principali università negli Stati Uniti e in Europa.

Uno dei momenti più partecipati della serata è stato l’annuncio della mascotte vincitrice ideata dagli studenti, rivelata dal Console Generale, che si è prestato anche ad essere intervistato da due studentesse del liceo.

La parte conclusiva dell’incontro ha visto gli interventi degli studenti coinvolti nel progetto Future Leaders Program e nell’intervista all’alumnus Mattia Scarpa, oggi studente dell’Università Bocconi. A chiudere la serata è stata la Prof. Cristiana Grassi, coordinatrice del progetto, che ha sottolineato il valore educativo dell’iniziativa e il lavoro svolto insieme ai docenti della scuola. Durante i saluti finali è stato inoltre presentato da Chiara Basso il nuovo progetto educativo dedicato alle attività extracurricolari, con il lancio delle iniziative “Casa dei Piccoli” e “Casa dei Ragazzi”.

“School of Record” rappresenta il punto d’incontro tra formazione scolastica e produzione culturale, offrendo agli studenti l’opportunità di confrontarsi con il lavoro giornalistico e con le dinamiche della comunicazione internazionale.

Il numero speciale racconta identità, aspirazioni e percorsi di una generazione che cresce tra due sistemi educativi e due culture, italiana e americana, e che trova proprio a New York uno dei suoi luoghi di sintesi più naturali.

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